Sandro Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi ( c. 1445 ^{[ 1 ]} – 17 de mayo de 1510), más conocido como Sandro Botticelli ( / ˌ b ɒ t ɪ ˈ tʃ ɛ l i / BOT -ih- CHEL -ee ; italiano: [ ˈsandro bottiˈtʃɛlli ] ) o simplemente Botticelli , fue un pintor italiano del Renacimiento temprano . La reputación póstuma de Botticelli se vio afectada hasta finales del siglo XIX, cuando fue redescubierto por los prerrafaelitas , quienes impulsaron una reevaluación de su obra. Desde entonces, sus pinturas se han considerado representativas de la gracia lineal del gótico italiano tardío y de cierta pintura del Renacimiento temprano, aunque datan de la segunda mitad del período del Renacimiento italiano .

Además de los temas mitológicos por los que es más conocido hoy en día, Botticelli pintó una amplia gama de temas religiosos (incluyendo docenas de representaciones de la Virgen con el Niño , muchas en forma de tondo redondo ) y también algunos retratos. Sus obras más conocidas son El nacimiento de Venus y La Primavera , ambas en la Galería Uffizi de Florencia , que alberga muchas de las obras de Botticelli. ^{[ 5 ]} Botticelli vivió toda su vida en el mismo barrio de Florencia; sus únicas estancias significativas fuera de la ciudad fueron los meses que pasó pintando en Pisa en 1474 y en la Capilla Sixtina de Roma entre 1481 y 1482. ^{[ 6 ]}

Solo una de las pinturas de Botticelli, la Natividad Mística ( National Gallery , Londres), lleva fecha (1501), pero otras pueden fecharse con distintos grados de certeza gracias a los registros de archivo, lo que permite seguir con cierta seguridad la evolución de su estilo. Fue un maestro independiente durante toda la década de 1470, periodo en el que su reputación alcanzó su máximo esplendor. La década de 1480 fue la de mayor éxito, en la que completó sus grandes pinturas mitológicas, así como muchas de sus Madonas más famosas. En la década de 1490, su estilo se volvió más personal y, en cierta medida, manierista. Sus últimas obras muestran un alejamiento de Leonardo da Vinci (siete años menor que él) y de la nueva generación de pintores que creaban el estilo del Alto Renacimiento , regresando a un estilo que muchos han descrito como más gótico o «arcaico».

Botticelli nació en la ciudad de Florencia en una casa en la calle que aún se llama Borgo Ognissanti. Vivió en la misma zona toda su vida y fue enterrado en la iglesia de su barrio llamada Ognissanti ("Todos los Santos"). Sandro fue uno de los varios hijos del curtidor Mariano di Vanni d'Amedeo Filipepi y su esposa Smeralda Filipepi, y el menor de los cuatro que sobrevivieron hasta la edad adulta. ^{[ 7 ] [ 5 ]} Se desconoce la fecha de su nacimiento, pero las declaraciones de impuestos de su padre en los años siguientes indican que tenía dos años en 1447 y trece en 1458, lo que significa que debió haber nacido entre 1444 y 1446. ^{[ 8 ]}

En 1460, el padre de Botticelli dejó su oficio de curtidor y se convirtió en batidor de oro junto con su otro hijo, Antonio. Esta profesión habría puesto a la familia en contacto con diversos artistas. ^{[ 9 ]} Giorgio Vasari , en su Vida de Botticelli, informó que Botticelli se formó inicialmente como orfebre . ^{[ 10 ]}

El barrio de Ognissanti era «modesto, habitado por tejedores y otros obreros» ^{[ 11 ],} pero había algunas familias ricas, sobre todo los Rucellai, un acaudalado clan de banqueros y comerciantes de lana. El cabeza de familia, Giovanni di Paolo Rucellai , encargó el famoso Palazzo Rucellai , un hito de la arquitectura renacentista italiana , a Leon Battista Alberti , entre 1446 y 1451, los primeros años de Botticelli. Hacia 1458, la familia de Botticelli alquilaba su casa a los Rucellai, lo que fue solo uno de los muchos tratos que involucraron a ambas familias. ^{[ 11 ]}

En 1464, su padre compró una casa en la cercana Via Nuova (ahora llamada Via del Porcellana) donde Sandro vivió desde 1470 (si no antes) hasta su muerte en 1510. ^{[ 12 ]} Botticelli vivió y trabajó en la casa (una práctica bastante inusual) a pesar de que sus hermanos Giovanni y Simone también residían allí. ^{[ 13 ]} Los vecinos más notables de la familia fueron los Vespucci, incluido Américo Vespucci , de quien las Américas recibieron su nombre. Los Vespucci eran aliados de los Medici y, con el tiempo, se convirtieron en mecenas habituales de Botticelli. ^{[ 12 ]}

El apodo Botticelli, que significa "barrilcito", deriva del apodo del hermano de Sandro, Giovanni, a quien llamaban Botticello aparentemente por su complexión robusta. Un documento de 1470 se refiere a Sandro como "Sandro Mariano Botticelli", lo que significa que había adoptado completamente el nombre. ^{[ 8 ]}

Alrededor de 1461 o 1462, Botticelli fue aprendiz de Fra Filippo Lippi , uno de los pintores florentinos más importantes y favorito de los Médici. ^{[ 14 ]} Fue de Lippi de quien Botticelli aprendió a crear composiciones íntimas con figuras bellas y melancólicas, dibujadas con contornos definidos y sutiles contrastes de luz y sombra. Durante gran parte de este período, Lippi residió en Prato , a pocos kilómetros al oeste de Florencia, pintando al fresco el ábside de la actual Catedral de Prato . Probablemente, Botticelli dejó el taller de Lippi en abril de 1467, cuando este último se trasladó a trabajar a Spoleto . ^{[ 15 ]} Se ha especulado mucho sobre si Botticelli pasó un período más corto en otro taller, como el de los hermanos Pollaiuolo o el de Andrea del Verrocchio . Sin embargo, aunque ambos artistas influyeron notablemente en el desarrollo del joven Botticelli, su presencia en sus talleres no puede probarse con certeza. ^{[ 16 ]}

Lippi murió en 1469. Botticelli ya debía tener su propio taller para entonces, y en junio de ese año recibió el encargo de un panel de la Fortaleza (Florencia, Galería de los Uffizi) para acompañar un conjunto de las Siete Virtudes encargado un año antes a Piero del Pollaiuolo . ^{[ 17 ]} El panel de Botticelli adopta el formato y la composición del de Piero, pero presenta una figura más elegante y de postura más natural e incluye una serie de "enriquecimientos fantasiosos para mostrar la pobreza de invención ornamental de Piero". ^{[ 18 ]}

En 1472, Botticelli tomó a su primer aprendiz, el joven Filippino Lippi , hijo de su maestro. ^{[ 19 ]} Las obras de Botticelli y Filippino de estos años, incluyendo muchas pinturas de la Virgen con el Niño , a menudo son difíciles de distinguir entre sí. Ambos también colaboraron con frecuencia, como en los paneles de un par de cassoni desmantelados , ahora divididos entre el Louvre , la Galería Nacional de Canadá , el Museo Condé en Chantilly y la Galería Pallavicini en Roma. ^{[ 20 ]}

Pinturas tempranas clave

El retablo más antiguo que se conserva de Botticelli es una gran sacra conversazione de aproximadamente 1470-1472, que se encuentra actualmente en la Galería Uffizi. La pintura muestra el dominio temprano de la composición por parte de Botticelli, con ocho figuras dispuestas con una «naturalidad sencilla en un entorno arquitectónico cerrado». ^{[ 21 ]}

Otra obra de este período es el San Sebastián de Berlín, pintado en 1474 para un muelle en Santa Maria Maggiore , Florencia. ^{[ 22 ]} Esta obra fue pintada poco después del retablo mucho mayor de los hermanos Pollaiuolo del mismo santo (Londres, National Gallery). Aunque el santo de Botticelli es muy similar en pose al de los Pollaiuolo, también es más sereno y equilibrado. El cuerpo casi desnudo está dibujado con gran cuidado y precisión anatómica, lo que refleja el estudio minucioso del cuerpo humano por parte del joven artista. El delicado paisaje invernal, que alude a la festividad del santo en enero, está inspirado en la pintura flamenca temprana contemporánea , ampliamente apreciada en los círculos florentinos. ^{[ 23 ]}

A principios de 1474, las autoridades de Pisa le pidieron a Botticelli que se uniera a la obra de pintura al fresco del Camposanto , un gran proyecto de gran prestigio realizado principalmente por Benozzo Gozzoli , a quien dedicó casi veinte años. Se registran varios pagos hasta septiembre, pero no se conserva ninguna obra, y parece que lo que Botticelli comenzó quedó inconcluso. Sin embargo, el hecho de que Botticelli fuera contactado desde fuera de Florencia demuestra su creciente reputación. ^{[ 24 ]}

La Adoración de los Magos para Santa Maria Novella ( c. 1475-76 , actualmente en la Uffizi , y la primera de las 8 Adoraciones ), ^{[ 25 ]} fue elogiada por Vasari y se encontraba en una iglesia muy concurrida, lo que contribuyó a difundir su reputación. Puede considerarse como la culminación del estilo temprano de Botticelli. A pesar de haber sido encargada por un cambista, o quizás prestamista, que no era conocido por ser aliado de los Médici, contiene los retratos de Cosimo de Medici , sus hijos Piero y Giovanni (todos ellos ya fallecidos) y sus nietos Lorenzo y Giuliano . También hay retratos del donante y, según la mayoría, del propio Botticelli, de pie en primer plano a la derecha. La pintura fue célebre por la variedad de ángulos desde los que están pintados los rostros y por sus expresiones. ^{[ 26 ]}

Un gran fresco para la aduana de Florencia, ahora perdido, representaba la ejecución por ahorcamiento de los líderes de la conspiración de los Pazzi de 1478 contra los Médici. Era costumbre florentina humillar a los traidores de esta manera, mediante la llamada " pittura infamante ". ^{[ 27 ]} Este fue el primer encargo importante de frescos de Botticelli (aparte de la fallida excursión a Pisa), y puede haber propiciado su convocatoria a Roma. La figura de Francesco Salviati, arzobispo de Pisa, fue retirada en 1479, tras las protestas del Papa, y el resto fueron destruidos después de la expulsión de los Médici y el regreso de la familia Pazzi en 1494. ^{[ 28 ]} Otra obra perdida fue un tondo de la Virgen María encargado por un banquero florentino en Roma para presentarlo al cardenal Francesco Gonzaga ; esto quizás contribuyó a dar a conocer su obra en Roma. Un fresco del Palazzo Vecchio , sede del estado florentino, se perdió en el siglo siguiente cuando Vasari remodeló el edificio. ^{[ 29 ]}

En 1480, la familia Vespucci encargó un fresco de San Agustín para la iglesia de Ognissanti, su iglesia parroquial, y también para Botticelli. Alguien más, probablemente la orden que dirigía la iglesia, ^{[ 30 ]} encargó a Domenico Ghirlandaio un San Jerónimo de frente ; ambos santos aparecen escribiendo en sus estudios, que están repletos de objetos. Como en otros casos, esta competencia directa «siempre fue un incentivo para que Botticelli desplegara todas sus fuerzas», y el fresco, ahora el más antiguo que se conserva, es considerado su mejor obra por Ronald Lightbown . ^{[ 31 ]} El libro abierto sobre el santo contiene una de las bromas pesadas por las que Vasari dice que era conocido. La mayor parte del «texto» son garabatos, pero una línea dice: «¿Dónde está el hermano Martino? Salió. ¿Y adónde fue? Está fuera de Porta al Prato», probablemente un diálogo escuchado de los Umiliati , la orden que dirigía la iglesia. Lightbown sugiere que esto demuestra que Botticelli pensaba que "el ejemplo de Jerónimo y Agustín probablemente sería desechado en los Umiliati tal como él los conocía". ^{[ 32 ]}

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  Retablo de Sant'Ambrogio, c. 1470-72 , Uffizi , Florencia, a sacra conversazione
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  San Sebastián , 1474, Gemäldegalerie , Berlín
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  Virgen con Lirios y Ocho Ángeles , c. 1478 , Gemäldegalerie, Berlín
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  Fresco San Agustín , 1480, Ognissanti , Florencia

En 1481, el papa Sixto IV convocó a Botticelli y a otros destacados artistas florentinos y umbros para pintar al fresco las paredes de la recién terminada Capilla Sixtina . Este gran proyecto iba a ser la decoración principal de la capilla. La mayoría de los frescos se conservan, pero están eclipsados ​​y alterados por la obra de Miguel Ángel del siglo siguiente, ya que algunos de los frescos anteriores fueron destruidos para dar cabida a sus pinturas. ^{[ 33 ]} Se cree que la contribución florentina forma parte de un acuerdo de paz entre Lorenzo de Médici y el papado. Tras la implicación de Sixto en la conspiración de los Pazzi, las hostilidades escalaron hasta la excomunión de Lorenzo y otros funcionarios florentinos, y una pequeña «Guerra de los Pazzi». ^{[ 34 ]}

El esquema iconográfico consistía en dos ciclos, enfrentados a los lados de la capilla, de la Vida de Cristo y la Vida de Moisés , que en conjunto sugerían la supremacía del Papado. La contribución de Botticelli incluyó tres de las catorce grandes escenas originales: las Tentaciones de Cristo , la Juventud de Moisés y el Castigo de los Hijos de Coré (o varios otros títulos), ^{[ 35 ]} así como varios de los retratos imaginarios de papas en el nivel superior y pinturas de sujetos desconocidos en las lunetas superiores, donde ahora se encuentra el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel . Es posible que también haya pintado una cuarta escena en la pared del fondo opuesta al altar, ahora destruida. ^{[ 36 ]} Cada pintor trajo un equipo de ayudantes de su taller, ya que el espacio a cubrir era considerable; cada uno de los paneles principales mide unos 3,5 por 5,7 metros, y el trabajo se realizó en pocos meses. ^{[ 37 ]}

Vasari da a entender que Botticelli recibió la dirección artística general del proyecto, pero los historiadores del arte modernos creen que es más probable que Pietro Perugino , el primer artista contratado, fuera quien asumiera este papel, si es que alguien lo hizo. ^{[ 38 ]} Sin duda, las autoridades vaticanas entregaron a los artistas los temas y los numerosos detalles que debían destacarse en su ejecución. Los esquemas presentan un programa complejo y coherente que afirma la supremacía papal, y están más unificados en esto que en su estilo artístico, aunque los artistas siguen una escala consistente y una disposición compositiva amplia, con multitudes de figuras en primer plano y principalmente paisaje en la mitad superior de la escena. Si se tienen en cuenta las pilastras pintadas que separan cada escena, el nivel del horizonte coincide entre ellas, y Moisés viste la misma ropa amarilla y verde en todas sus escenas. ^{[ 39 ]}

Botticelli se diferencia de sus colegas al imponer una composición más insistente , similar a un tríptico , dividiendo cada una de sus escenas en un grupo central principal con dos grupos laterales que muestran diferentes incidentes. ^{[ 40 ]} En cada una, la figura principal de Cristo o Moisés aparece varias veces, siete en el caso de El joven Moisés . ^{[ 41 ]} Los treinta retratos inventados de los primeros papas parecen haber sido principalmente responsabilidad de Botticelli, al menos en lo que respecta a la producción de los bocetos. De los que se conservan, la mayoría de los estudiosos coinciden en que diez fueron diseñados por Botticelli, y cinco probablemente al menos en parte por él, aunque todos han sido dañados y restaurados. ^{[ 42 ]}

El castigo de los hijos de Coré contiene lo que para Botticelli fue una copia inusualmente fiel, si no exacta, de una obra clásica. Se trata de la representación en el centro del lado norte del Arco de Constantino en Roma, que repitió alrededor de 1500 en La historia de Lucrecia . ^{[ 43 ]} Si bien aparentemente no pasaba su tiempo libre en Roma dibujando antigüedades, como muchos artistas de su época estaban muy interesados ​​en hacer, parece que pintó allí una Adoración de los Magos , que ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington. ^{[ 44 ]} En 1482 regresó a Florencia, y aparte de sus frescos perdidos para la villa Medici en Spedaletto un año después, no se registran más viajes fuera de casa. Quizás estuvo fuera desde julio de 1481 hasta, como muy tarde, mayo de 1482. ^{[ 45 ]}

Las obras maestras Primavera (c. 1482) y El nacimiento de Venus (c. 1485) no forman un par, pero inevitablemente se analizan juntas; ambas se encuentran en la Galería Uffizi . Son algunas de las pinturas más famosas del mundo e iconos del Renacimiento italiano . Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, fueron prácticamente sin precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica. Junto con Venus y Marte y Palas y el Centauro , de menor tamaño y menos conocidas , han sido analizadas incansablemente por los historiadores del arte, centrándose principalmente en: la emulación de pintores antiguos y el contexto de las celebraciones nupciales, la influencia del neoplatonismo renacentista y la identidad de los comitentes y los posibles modelos de las figuras. ^{[ 46 ]}

Aunque todas presentan distintos grados de complejidad en sus significados, también poseen un atractivo visual inmediato que explica su enorme popularidad. Todas muestran figuras femeninas dominantes y bellas en un mundo idílico de sentimientos, con un componente sexual. La atención académica actual se centra principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas renacentistas contemporáneos . Las obras no ilustran textos específicos; más bien, cada una se basa en varios textos para su significado. Su belleza fue caracterizada por Vasari como un ejemplo de «gracia» y por John Ruskin como poseedora de un ritmo lineal. Las pinturas muestran el estilo lineal de Botticelli en su máxima expresión, enfatizado por los suaves contornos continuos y los colores pastel. ^{[ 47 ]}

Tanto La Primavera como El Nacimiento fueron vistas por Vasari a mediados del siglo XVI en la Villa di Castello , propiedad desde 1477 de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, y hasta la publicación en 1975 de un inventario de los Medici de 1499, ^{[ 48 ]} se asumió que ambas obras fueron pintadas específicamente para la villa. En la segunda mitad del siglo pasado, los estudios sugirieron lo contrario: La Primavera fue pintada para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco en Florencia, con Palas y el Centauro como su obra complementaria. El Nacimiento de Venus fue encargado por otra persona para un lugar diferente. ^{[ 49 ]}

Botticelli pintó solo un pequeño número de temas mitológicos, pero probablemente estas sean ahora sus obras más conocidas. Un panel mucho más pequeño que los mencionados anteriormente es su Venus y Marte en la National Gallery de Londres. Su tamaño y forma sugieren que se trataba de una spalliera , una pintura hecha para encajar en un mueble o, más probablemente en este caso, en un panel de pared. Las avispas que zumban alrededor de la cabeza de Marte sugieren que pudo haber sido pintada para un miembro de sus vecinos, la familia Vespucci, cuyo nombre significa "pequeñas avispas" en italiano y que incluía avispas en su escudo de armas. Marte yace dormido, presumiblemente después de hacer el amor, mientras Venus observa cómo los sátiros infantiles juegan con su equipo militar, y uno intenta despertarlo soplando una caracola en su oído. Sin duda, la pintura fue un regalo para celebrar una boda y decorar el dormitorio. ^{[ 50 ]}

Tres de estas cuatro grandes mitologías presentan a Venus , figura central del neoplatonismo renacentista, que otorgaba al amor divino un lugar tan importante en su filosofía como el cristianismo. La cuarta, Palas y el Centauro, está claramente relacionada con los Médici por el símbolo en el vestido de Palas. Las dos figuras son de tamaño casi natural, y se han propuesto diversas interpretaciones personales, políticas o filosóficas para ampliar el significado básico de la sumisión de la pasión a la razón. ^{[ 51 ]}

En 1483, Antonio Pucci encargó a Botticelli una serie de paneles en forma de spalliera o cassone con motivo del matrimonio de su hijo Giannozzo con Lucrezia Bini. El tema era la historia de Nastagio degli Onesti, de la octava novela del quinto día del Decamerón de Boccaccio , representada en cuatro paneles. Los escudos de armas de los Médici y de las familias de los novios aparecen en el tercer panel. ^{[ 52 ]}

Botticelli regresó de Roma en 1482 con una reputación considerablemente mejorada gracias a su trabajo allí. Al igual que con sus pinturas profanas, muchos encargos religiosos fueron de mayor envergadura y, sin duda, más costosos que antes. ^{[ 53 ]} En total, la mayor cantidad de obras fechables de Botticelli provienen de la década de 1480 que de cualquier otra década, ^{[ 54 ]} y la mayoría de ellas son religiosas. A mediados de la década de 1480, muchos de los principales artistas florentinos habían abandonado la ciudad, algunos para no regresar jamás. La estrella emergente Leonardo da Vinci , quien se burlaba de los paisajes de Botticelli, ^{[ 55 ]} partió en 1481 hacia Milán , los hermanos Pollaiolo en 1484 hacia Roma, y ​​Andrea del Verrocchio en 1485 hacia Venecia . ^{[ 56 ]}

Los líderes restantes de la pintura florentina, Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Filippino Lippi , trabajaron en un importante ciclo de frescos con Perugino para la villa de Lorenzo el Magnífico en Spedalletto, cerca de Volterra . ^{[ 56 ]} Botticelli pintó muchas Madonas, que se tratan en una sección posterior, así como retablos y frescos en iglesias florentinas. En 1491 formó parte de un comité para decidir la fachada de la Catedral de Florencia , recibiendo al año siguiente tres pagos por un diseño para un proyecto, finalmente fallido, de colocar mosaicos en algunas bóvedas interiores del techo de la catedral. ^{[ 57 ]}

Retablo de Bardi

El primer encargo importante de una iglesia después de Roma fue el Retablo de Bardi , terminado y enmarcado en febrero de 1485, ^{[ 58 ]} y que ahora se encuentra en Berlín. El marco fue obra de nada menos que Giuliano da Sangallo , quien se estaba convirtiendo en el arquitecto favorito de Lorenzo el Magnífico. Una Virgen entronizada y un Niño (bastante grande) se sientan en un banco de piedra elevado y ricamente tallado en un jardín, con plantas y flores detrás que cubren todo excepto pequeños retazos de cielo, para dar una versión del hortus conclusus o jardín cerrado, un entorno muy tradicional para la Virgen María. San Juan Bautista y un Juan Evangelista inusualmente anciano se encuentran en primer plano. Pequeñas y discretas banderolas o cintas con versículos bíblicos aclaran el significado teológico, bastante complejo, de la obra, para la cual Botticelli debió haber tenido un asesor clerical, pero no interfieren con una apreciación más sencilla de la pintura y su representación detallada y amorosa, que Vasari elogió. ^{[ 59 ]} Es bastante típico del enfoque relajado de Botticelli respecto a la perspectiva estricta que el borde superior del banco se vea desde arriba, pero los jarrones con lirios sobre él desde abajo. ^{[ 60 ]}

El donante, perteneciente a la destacada familia Bardi , había regresado a Florencia tras más de veinte años como banquero y comerciante de lana en Londres, donde era conocido como "John de Barde" ^{[ 61 ]} , y algunos aspectos de la pintura podrían reflejar el arte del norte de Europa e incluso el arte inglés, así como las tendencias devocionales populares ^{[ 62 ]} . Es posible que hubiera otros paneles en el retablo, que ahora se han perdido ^{[ 63 ] .}

Otras obras

Dado que la fase de pintar grandes obras profanas probablemente terminó a finales de la década de 1480, Botticelli pintó varios retablos, y este parece haber sido un período de máxima producción de Madonas en su taller. El retablo más grande de Botticelli, el Retablo de San Marcos (378  ×  258  cm, Uffizi), es el único que se conserva con su predela completa , de cinco paneles. En el aire, sobre cuatro santos, se desarrolla la Coronación de la Virgen en una zona celestial de oro y colores brillantes que recuerdan sus obras anteriores, con ángeles que danzan y arrojan flores a su alrededor. ^{[ 65 ]}

En contraste, la Anunciación de Cestello (1489-1490, Uffizi) forma un grupo natural con otras pinturas tardías, especialmente dos de la Lamentación de Cristo que comparten su sombrío colorido de fondo y la expresividad algo exagerada de las posturas inclinadas de las figuras. Presenta un paisaje inusualmente detallado, aún en colores oscuros, visto a través de la ventana, que parece inspirarse en modelos del norte de Europa, quizás a partir de grabados. ^{[ 66 ]}

De las dos Lamentaciones , una tiene un formato vertical inusual, ya que, al igual que su San Sebastián de 1474 , fue pintada para el lateral de una columna en la iglesia de Santa Maria Maggiore, Florencia ; actualmente se encuentra en Milán. La otra, horizontal, fue pintada para una capilla en la esquina de la calle de Botticelli; actualmente se encuentra en Múnich. En ambas, las figuras apiñadas y entrelazadas alrededor de Cristo muerto ocupan casi todo el espacio pictórico, con solo la roca desnuda detrás. La Virgen se ha desmayado , y las demás figuras forman una multitud para sostenerla a ella y a Cristo. ^{[ 67 ]} La pintura de Múnich tiene tres santos menos involucrados con atributos (curiosamente, incluye a San Pedro , generalmente considerado en Jerusalén ese día, pero ausente en esta escena), y otorga a las figuras (excepto a Cristo) halos planos mostrados en perspectiva, que Botticelli utilizará con frecuencia a partir de entonces. Ambas probablemente datan de 1490 a 1495. ^{[ 68 ]}

Los primeros registros mencionaban, sin describirlo, un retablo de Botticelli para la Convertite, una institución para exprostitutas, y se propusieron varias obras sin procedencia que aún se conservan como posibles candidatas. Actualmente se acepta generalmente que una pintura en la Galería Courtauld de Londres es la Pala delle Convertite , que data de alrededor de 1491-93. Su tema, inusual para un retablo, es la Santísima Trinidad , con Cristo en la cruz, sostenido por detrás por Dios Padre. Ángeles rodean a la Trinidad, que está flanqueada por dos santos, con Tobías y el Ángel en una escala mucho menor justo en primer plano. Probablemente se trataba de una adición votiva , quizás solicitada por el donante original. Las cuatro escenas de la predela, que muestran la vida de María Magdalena , entonces considerada una prostituta reformada, se encuentran en el Museo de Arte de Filadelfia . ^{[ 69 ]}

A partir de 1493 o 1495, Botticelli parece haber dejado de pintar grandes cuadros religiosos, aunque probablemente continuó produciendo Madonas. Las escenas religiosas narrativas de menor formato de sus últimos años se describen más adelante.

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  Anunciación de Cestello , c. 1489-90 , 150 × 156 cm, Uffizi, Florencia
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  Lamentación sobre Cristo muerto , c. 1490–95 , 107 × 71 cm, Museo Poldi Pezzoli , Milán.
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  Pala delle Convertite , c. 1491–93 , 215 × 192 cm, Courtauld Gallery , Londres

Las pinturas de la Virgen María y el Niño Jesús , es decir, de la Virgen y el Niño Jesús, gozaron de enorme popularidad en la Italia del siglo XV, en una amplia gama de tamaños y formatos, desde grandes retablos del tipo sacra conversazione hasta pequeños cuadros para el hogar. También solían colgarse en oficinas, edificios públicos, tiendas e instituciones clericales. Estas pinturas de menor tamaño constituían una fuente constante de ingresos para pintores de todos los niveles de calidad, y muchas probablemente se producían para su catálogo, sin un encargo específico. ^{[ 70 ]}

Botticelli pintó Madonas desde el inicio de su carrera hasta al menos la década de 1490. Fue uno de los primeros pintores en utilizar el formato tondo redondo , con un área pintada que generalmente medía entre 115 y 145  cm de diámetro (aproximadamente cuatro o cinco pies). Este formato se asociaba más con pinturas para palacios que para iglesias, aunque eran lo suficientemente grandes como para colgarse en iglesias, y algunas fueron donadas posteriormente a ellas. ^{[ 71 ]} Varias Madonas utilizan este formato, generalmente con una Virgen sentada que se muestra hasta las rodillas, y aunque las pinturas rectangulares de la Virgen las superan en número, las Madonas en formato tondo se asocian especialmente con Botticelli. Utilizó el formato tondo para otros temas, como una temprana Adoración de los Magos en Londres, ^{[ 72 ]} y aparentemente era más propenso a pintar una Madona en formato tondo él mismo, dejando generalmente las rectangulares a su taller. ^{[ 70 ]}

Las Vírgenes de Botticelli son siempre bellas, con la misma idealización que sus figuras mitológicas, y a menudo ricamente vestidas al estilo contemporáneo. Aunque las principales críticas de Savonarola iban dirigidas contra el arte profano, también se quejó de las pinturas en las iglesias florentinas diciendo: «Habéis hecho que la Virgen parezca vestida como una ramera», ^{[ 54 ]} lo que pudo haber influido en el estilo de Botticelli. Suelen ir acompañadas de ángeles igualmente bellos, o de un niño San Juan Bautista (patrono de Florencia). Algunas presentan flores, y ninguna los detallados fondos paisajísticos que otros artistas estaban desarrollando. Muchas existen en varias versiones de calidad variable, a menudo con elementos distintos a la Virgen y el Niño diferentes. Muchas de ellas fueron producidas por Botticelli o, especialmente, por su taller, y otras aparentemente por artistas sin relación alguna. Cuando el interés por Botticelli resurgió en el siglo XIX, inicialmente se centró principalmente en sus Madonas, que luego comenzaron a falsificarse a gran escala. ^{[ 73 ]}

En la Virgen del Magnificat de la Galería Uffizi (118  cm o 46,5 pulgadas de ancho, c. 1483), María está escribiendo el Magnificat , un discurso del Evangelio de Lucas pronunciado por María con motivo de su Visitación a su prima Isabel , algunos meses antes del nacimiento de Jesús. Sostiene al niño Jesús y está rodeada de ángeles sin alas, imposibles de distinguir de jóvenes florentinos elegantemente vestidos. ^{[ 74 ]}

La Virgen con el Niño y ángeles que portan candelabros (1485/1490) de Botticelli fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial . Estaba guardada en la torre antiaérea de Friedrichshain en Berlín para su protección, pero en mayo de 1945, la torre fue incendiada y la mayoría de los objetos que contenía quedaron destruidos. También se perdieron la Virgen con el Niño y el infante San Juan y una Anunciación , ambas de Botticelli . ^{[ 75 ]}

Botticelli pintó varios retratos, aunque no tantos como se le han atribuido. Hay varias pinturas idealizadas de mujeres que parecen retratos y que probablemente no representan a una persona específica (varias se parecen mucho a la Venus de su Venus y Marte ). ^{[ 76 ]} Los rumores tradicionales las vinculan con la famosa belleza Simonetta Vespucci , que murió a los veintidós años en 1476, pero esto parece improbable. ^{[ 77 ]} Estas figuras representan un vínculo secular con sus Madonas .

Salvo una o dos excepciones, sus pequeños retratos independientes en panel muestran al retratado no más abajo del torso que la parte inferior de la caja torácica. Las mujeres suelen aparecer de perfil, de frente o ligeramente giradas, mientras que los hombres suelen estar en una pose de tres cuartos, pero nunca se les ve completamente de frente. Incluso cuando la cabeza mira más o menos de frente, la iluminación se utiliza para crear un contraste entre los lados del rostro. Los fondos pueden ser lisos o mostrar una ventana abierta, generalmente con solo el cielo visible a través de ella. Algunos presentan fondos paisajísticos. Estas características eran típicas de los retratos florentinos al comienzo de su carrera, pero resultaban anticuadas en sus últimos años. ^{[ 78 ]}

Muchos retratos existen en varias versiones, probablemente la mayoría realizadas por el taller; a menudo hay incertidumbre en su atribución. ^{[ 79 ]} Con frecuencia, el fondo cambia entre versiones, mientras que la figura permanece igual. Sus retratos masculinos también han tenido a menudo identificaciones dudosas, sobre todo de varios Médici, durante más tiempo del que la evidencia real respalda. ^{[ 80 ]} Lightbown le atribuye solo unos ocho retratos de individuos, todos menos tres anteriores a 1475 aproximadamente. ^{[ 81 ]}

Botticelli a menudo exagera ligeramente aspectos de los rasgos para aumentar el parecido. ^{[ 82 ]} También pintó retratos en otras obras, como cuando insertó un autorretrato y a los Medici en su temprana Adoración de los Magos . ^{[ 83 ]} Varias figuras en los frescos de la Capilla Sixtina parecen ser retratos, pero se desconocen los sujetos, aunque se han hecho conjeturas fantasiosas. ^{[ 84 ]} Grandes frescos alegóricos de una villa muestran a miembros de la familia Tornabuoni junto con dioses y personificaciones; probablemente no todos sobrevivan, pero los que tienen retratos de un joven con las Siete Artes Liberales y una joven con Venus y las Tres Gracias se encuentran ahora en el Louvre . ^{[ 85 ]}

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  Retrato de un joven, c. 1470-73 , Palacio Pitti , Florencia
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  Retrato de una dama conocida como Smeralda Brandini , década de 1470, representada embarazada , Museo Victoria y Alberto, Londres.
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  Giuliano de' Medici , asesinado en la conspiración de los Pazzi . Una de varias versiones , todas posiblemente póstumas. ^{[ 86 ]}
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  Retrato de un joven sosteniendo un medallón , c. 1480–85 , colección privada ^{[ 87 ]}
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  Retrato de un joven , c. 1480–85 , National Gallery, Londres ^{[ 88 ]}
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  Retrato de un joven , c. 1482–85 , Galería Nacional de Arte , Washington.
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  Retrato de una joven , posiblemente Simonetta Vespucci , 1484. La gema romana grabada en su collar es el famoso Sigillum Neronis , que perteneció a Lorenzo de Médici .Museo Städel , Fráncfort.
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  Dante Alighieri , c. 1495

Botticelli tuvo un interés de por vida en el gran poeta florentino Dante Alighieri , que produjo obras en varios medios. ^{[ 89 ]} Se le atribuye un retrato imaginario. ^{[ 90 ]} Según Vasari, "escribió un comentario sobre una parte de Dante", al que también se hace referencia despectivamente en otra historia de la Vida , ^{[ 91 ]} pero no ha sobrevivido ningún texto de ese tipo.

El intento de Botticelli de diseñar las ilustraciones para un libro impreso no tenía precedentes para un pintor destacado, y aunque parece haber sido un fracaso, este era un papel para los artistas que tenía un futuro importante. ^{[ 92 ]} Vasari escribió con desaprobación sobre el primer Dante impreso en 1481 con grabados del orfebre Baccio Baldini , grabados a partir de dibujos de Botticelli: "siendo de mente sofista, escribió allí un comentario sobre una parte de Dante e ilustró el Infierno que imprimió, dedicándole mucho tiempo, y esta abstención del trabajo provocó graves trastornos en su vida". ^{[ 93 ]} Vasari, que vivió cuando el grabado se había vuelto mucho más importante que en la época de Botticelli, nunca lo tomó en serio, quizás porque sus propias pinturas no se vendían bien en reproducción.

La Divina Comedia consta de 100 cantos y el texto impreso dejaba espacio para un grabado por cada canto. Sin embargo, solo se grabaron 19 ilustraciones, y la mayoría de los ejemplares del libro solo tienen los dos o tres primeros. Los dos primeros, y a veces tres, suelen imprimirse en la página del libro, mientras que los posteriores se imprimen en hojas separadas que se pegan en su lugar. Esto sugiere que la producción de los grabados se retrasó con respecto a la impresión, y las ilustraciones posteriores se pegaron en los libros impresos y encuadernados, y quizás se vendieron a quienes ya habían comprado el libro. Desafortunadamente, Baldini no tenía mucha experiencia ni talento como grabador, y no pudo expresar la delicadeza del estilo de Botticelli en sus láminas. ^{[ 94 ]} También se acepta generalmente que dos grabados religiosos están basados ​​en diseños de Botticelli. ^{[ 95 ]}

Botticelli comenzó posteriormente un lujoso manuscrito ilustrado de Dante en pergamino , del cual solo llegó hasta los bocetos preliminares , y solo unas pocas páginas están completamente iluminadas. Este manuscrito cuenta con 93 páginas conservadas (32  ×  47  cm), actualmente repartidas entre la Biblioteca Vaticana (8 hojas) y el Kupferstichkabinett de Berlín (83), y representa la mayor parte de los dibujos conservados de Botticelli. ^{[ 96 ]}

Una vez más, el proyecto nunca se completó, ni siquiera en la etapa de dibujo, pero algunos de los primeros cantos parecen haber sido al menos dibujados, aunque ahora están perdidos. Las páginas que se conservan siempre han sido muy admiradas y objeto de numerosos debates, ya que el proyecto plantea muchas preguntas. El consenso general es que la mayoría de los dibujos son tardíos; el escriba principal puede identificarse como Niccolò Mangona, quien trabajó en Florencia entre 1482 y 1503, y cuya obra presumiblemente precedió a la de Dante. Botticelli parece haber trabajado en los dibujos durante un largo período, ya que se puede apreciar un desarrollo estilístico que coincide con el de sus pinturas. Si bien se han propuesto otros mecenas (entre los que inevitablemente se incluyen los Médici, en particular el joven Lorenzo, o Il Magnifico), algunos estudiosos creen que Botticelli realizó el manuscrito para sí mismo. ^{[ 97 ]}

Hay indicios de que Botticelli pudo haber trabajado en ilustraciones para folletos impresos de Savonarola, casi todos destruidos después de su caída. ^{[ 98 ]}

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  Purgatorio X
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  Purgatorio XVII
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  Purgatorio XXXI
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  Paraíso, Canto XXX
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  Infierno, Canto XXXI

Botticelli fue asociado por los historiadores con la Escuela Florentina bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici , un movimiento que los historiadores caracterizarían más tarde como una " época dorada ". ^{[ 99 ]} La familia Médici gobernó de facto Florencia, que nominalmente era una república, durante toda la vida de Botticelli hasta 1494, cuando la rama principal fue expulsada. Lorenzo el Magnífico se convirtió en jefe de la familia en 1469, justo cuando Botticelli abrió su propio taller. Fue un gran mecenas de las artes visuales y literarias, y fomentó y financió el círculo humanista y neoplatónico del que parece provenir gran parte del carácter de la pintura mitológica de Botticelli. En general, Lorenzo no parece haber encargado muchas obras a Botticelli, prefiriendo a Pollaiuolo y otros, ^{[ 100 ]} aunque las opiniones al respecto difieren. ^{[ 101 ]} Un Botticello que probablemente era Giovanni, hermano de Sandro, era cercano a Lorenzo. ^{[ 102 ]}

Aunque los mecenas de muchas obras no destinadas a iglesias siguen sin estar claros, Botticelli parece haber sido más utilizado por los dos jóvenes primos de Lorenzo el Magnífico, su hermano menor Giuliano , ^{[ 103 ]} y otras familias aliadas a los Médici. Tommaso Soderini, un estrecho aliado de Lorenzo, obtuvo el encargo de la figura de la Fortaleza de 1470, que es la pintura más antigua de Botticelli fechada con certeza, completando una serie de las Siete Virtudes que Piero del Pollaiuolo había dejado inconclusa . Posiblemente, fueron presentados por un Vespucci que había sido tutor del hijo de Soderini. Antonio Pucci, otro aliado de los Médici, probablemente encargó la Adoración de los Magos de Londres , también alrededor de 1470. ^{[ 104 ]}

Giuliano de' Medici fue asesinado en la conspiración de los Pazzi de 1478 (Lorenzo escapó por poco, salvado por su administrador de banco), y un retrato que se dice que es Giuliano y que se conserva en varias versiones podría ser póstumo, o al menos una versión de poco antes de su muerte. ^{[ 105 ]} También es objeto de teorías que sostienen que las figuras en las pinturas mitológicas representan a individuos específicos de la alta sociedad florentina, generalmente emparejados con Simonetta Vespucci, de quien John Ruskin se convenció de que había posado desnuda para Botticelli. ^{[ 106 ]}

Según Vasari, Botticelli se convirtió en seguidor del fraile dominico profundamente moralista Girolamo Savonarola , quien predicó en Florencia desde 1490 hasta su ejecución en 1498: ^{[ 107 ]}

Botticelli era seguidor de Savonarola, y por eso abandonó la pintura y cayó en una considerable miseria al no tener otra fuente de ingresos. Sin embargo, siguió siendo un miembro obstinado de la secta, convirtiéndose en uno de los piagnoni , los llorones, como se les llamaba entonces, y abandonando su trabajo; así, finalmente, en su vejez, se encontró tan pobre que si Lorenzo de' Medici... y luego sus amigos y... [otros] no hubieran acudido en su ayuda, casi habría muerto de hambre. ^{[ 107 ]}

El alcance de la influencia de Savonarola en Botticelli sigue siendo incierto; su hermano Simone fue un seguidor más claro. ^{[ 108 ]} La historia, a veces vista, de que destruyó sus propias pinturas de temas profanos en la hoguera de las vanidades de 1497 no es contada por Vasari. La afirmación de Vasari de que Botticelli no produjo nada después de caer bajo la influencia de Savonarola no es aceptada por los historiadores del arte modernos. La Natividad Mística , la única pintura de Botticelli que tiene una fecha real, aunque expresada de forma críptica, data de finales de 1500, ^{[ 109 ]} dieciocho meses después de la muerte de Savonarola, y el desarrollo de su estilo puede rastrearse a través de varias obras tardías, como se analiza más adelante.

A finales de 1502, unos cuatro años después de la muerte de Savonarola, Isabella d'Este encargó un cuadro en Florencia. Su agente, Francesco Malatesta, le escribió para informarle de que su primera opción, Perugino, estaba de viaje, Filippino Lippi tenía la agenda completa durante seis meses, pero Botticelli estaba disponible para empezar de inmediato y dispuesto a complacerla. Ella prefirió esperar el regreso de Perugino. ^{[ 95 ]} Esto, una vez más, genera serias dudas sobre la afirmación de Vasari, pero tampoco parece que tuviera mucha demanda. ^{[ 110 ]}

Muchas dataciones de obras abarcan hasta 1505, aunque vivió cinco años más. ^{[ 111 ]} Pero Botticelli aparentemente produjo poca obra después de 1501, o quizás antes, y su producción ya se había reducido después de 1495 aproximadamente. Esto puede deberse en parte al tiempo que dedicó a los dibujos para el manuscrito de Dante. ^{[ 54 ]} En 1504 fue miembro del comité designado para decidir dónde se colocaría el David de Miguel Ángel . ^{[ 112 ]}

Botticelli retomó temas de la antigüedad en la década de 1490, con algunas obras menores sobre temas de la historia antigua que contienen más figuras y muestran diferentes escenas de cada historia, incluyendo momentos de acción dramática. Estas son La calumnia de Apeles (c. 1494-95), una recreación de una alegoría perdida del antiguo pintor griego Apeles , que pudo haber destinado a su uso personal, ^{[ 113 ]} y el par de La historia de Virginia y La historia de Lucrecia , que probablemente datan de alrededor de 1500. ^{[ 114 ]}

La Natividad Mística , una pintura relativamente pequeña y muy personal, quizás para su propio uso, parece estar fechada a finales de 1500. ^{[ 115 ]} Lleva al extremo el abandono de la escala consistente entre las figuras que había sido una característica de las pinturas religiosas de Botticelli durante algunos años, con la Sagrada Familia mucho más grande que las demás figuras, incluso aquellas que están muy por delante de ellas en el espacio pictórico. ^{[ 116 ]} Esto puede verse como una reversión parcial a las convenciones góticas. La iconografía del tema familiar de la Natividad es única, con elementos que incluyen demonios escondidos en la roca debajo de la escena, y debe ser muy personal. ^{[ 117 ]}

Otra pintura, conocida como la Crucifixión Mística (actualmente en el Museo de Arte Fogg de la Universidad de Harvard ), se relaciona claramente con el estado y el destino de Florencia, representados al fondo, detrás de Cristo en la Cruz, junto a un ángel que azota un marzocco , el león heráldico símbolo de la ciudad. Esto puede vincularse más directamente con las convulsiones de la expulsión de los Médici, el breve reinado de Savonarola y la invasión francesa. Desafortunadamente, está muy dañada, por lo que podría no ser obra de Botticelli, aunque sin duda pertenece a su estilo. ^{[ 118 ]}

Su obra posterior, especialmente la que se aprecia en los cuatro paneles con escenas de la vida de San Zenobio , muestra una disminución de la escala, figuras expresivamente distorsionadas y un uso no naturalista del color que recuerda la obra de Fra Angelico casi un siglo antes. Botticelli ha sido comparado con el pintor veneciano Carlo Crivelli , unos diez años mayor, cuya obra posterior también se aleja del inminente estilo del Alto Renacimiento , optando en cambio por «adentrarse en un lenguaje claramente gótico». ^{[ 119 ]} Otros estudiosos han visto premoniciones del Manierismo en la representación expresionista simplificada de las emociones en sus obras de los últimos años. ^{[ 120 ]}

Ernst Steinmann (m. 1934) detectó en las últimas Madonas una "profundización de la comprensión y la expresión en la representación de la fisonomía de María ", que atribuyó a la influencia de Savonarola (lo que también retrasó la datación de algunas de estas Madonas). ^{[ 121 ]} Los estudiosos más recientes se muestran reacios a atribuir una influencia directa, aunque ciertamente hay un reemplazo de la elegancia y la dulzura por una austeridad enérgica en el último período.

Botticelli continuó pagando sus cuotas a la Compagnia di San Luca (una cofradía más que un gremio de artistas ) al menos hasta octubre de 1505; ^{[ 122 ]} los rangos de fechas tentativos asignados a sus últimas pinturas no van más allá de esta fecha. Para entonces tenía sesenta años o más, en este período ya en la vejez. Vasari, quien vivió en Florencia desde alrededor de 1527, dice que Botticelli murió "enfermo y decrépito, a la edad de setenta y ocho años", después de un período en el que era "incapaz de mantenerse erguido y se movía con la ayuda de muletas". ^{[ 123 ]} Murió en mayo de 1510, pero ahora se cree que tenía algo menos de setenta años en ese momento. Fue enterrado con su familia fuera de la iglesia de Ognissanti en un lugar que ahora ocupa la iglesia. ^{[ 124 ]} Esta había sido su iglesia parroquial desde que fue bautizado allí, y contenía su San Agustín en su estudio . ^{[ 125 ]}

Vasari menciona que Botticelli produjo dibujos de gran calidad, muy solicitados por los artistas tras su muerte. ^{[ 126 ]} Aparte de las ilustraciones de Dante, solo se conserva un pequeño número de estos, ninguno de los cuales puede relacionarse con pinturas conservadas, o al menos no con sus composiciones finales, aunque parecen ser dibujos preparatorios más que obras independientes. Algunos podrían estar relacionados con la obra en otros medios que sabemos que Botticelli realizó. Se conservan tres vestimentas con diseños bordados suyos, y desarrolló una nueva técnica para decorar estandartes para procesiones religiosas y seculares, aparentemente mediante una técnica de aplique (llamada commesso ). ^{[ 127 ]}

En 1472, los registros del gremio de pintores indican que Botticelli solo tenía a Filippino Lippi como asistente, aunque otra fuente menciona a un joven de veintiocho años que se había formado con Neri di Bicci . Para 1480 había tres, ninguno de ellos posteriormente destacado. Otros nombres aparecen en los registros, pero solo Lippi llegó a ser un maestro reconocido. ^{[ 128 ]} Un número considerable de obras, especialmente Madonas, se atribuyen al taller de Botticelli, o al maestro y su taller, lo que generalmente significa que Botticelli realizó el dibujo preliminar, mientras que los asistentes hicieron el resto, o que los dibujos suyos fueron copiados por el taller. ^{[ 129 ]}

El estilo lineal de Botticelli era relativamente fácil de imitar, lo que dificultaba la identificación de las distintas contribuciones dentro de una misma obra, ^{[ 130 ]} aunque la calidad del dibujo del maestro permite identificar en su mayoría las obras realizadas por otros. La atribución de muchas obras sigue siendo objeto de debate, especialmente en lo que respecta a la distinción de la contribución del maestro y del taller. Lightbown creía que «la división entre las obras autógrafas de Botticelli y las pinturas de su taller y círculo es bastante clara», y que solo en una obra importante sobre tabla «encontramos partes importantes ejecutadas por ayudantes»; ^{[ 131 ]} pero otros podrían discrepar.

La National Gallery posee una Adoración de los Reyes Magos de alrededor de 1470, que describen como iniciada por Filippino Lippi pero terminada por Botticelli, señalando lo inusual que era que un maestro retomara una obra iniciada por un alumno. ^{[ 132 ]}

Tras su muerte, la reputación de Botticelli quedó eclipsada durante más tiempo y de forma más completa que la de cualquier otro gran artista europeo. Sus pinturas permanecieron en las iglesias y villas para las que habían sido creadas, ^{[ 143 ]} y sus frescos en la Capilla Sixtina fueron eclipsados ​​por los de Miguel Ángel. ^{[ 144 ]}

Existen algunas menciones de pinturas y su ubicación en fuentes de las décadas posteriores a su muerte. La Vida de Vasari es relativamente breve y, especialmente en la primera edición de 1550, bastante crítica. Según los Ettlinger, «se siente claramente incómodo con Sandro y no supo cómo encajarlo en su esquema evolutivo de la historia del arte que va desde Cimabue hasta Miguel Ángel». ^{[ 145 ]} No obstante, esta es la principal fuente de información sobre su vida, aunque Vasari lo confunde dos veces con Francesco Botticini , otro pintor florentino de la época. Vasari veía a Botticelli como un firme partidario de la facción anti-Médici influenciada por Savonarola, mientras que él mismo dependía en gran medida del mecenazgo de los Médici que habían regresado en su tiempo. Vasari también lo veía como un artista que había abandonado su talento en sus últimos años, lo cual ofendía su elevada idea de la vocación artística. Dedica una buena parte de su texto a anécdotas bastante alarmantes sobre las bromas pesadas de Botticelli. ^{[ 146 ]} Vasari nació un año después de la muerte de Botticelli, pero habría conocido a muchos florentinos que lo recordaban.

En 1621, un agente comprador de cuadros de Ferdinando Gonzaga, duque de Mantua, le compró un cuadro que se decía que era de Botticelli por interés histórico, "por ser obra de un artista del que Su Alteza no tiene nada y que fue maestro de Leonardo da Vinci ". ^{[ 147 ]} Ese error es quizás comprensible, ya que, aunque Leonardo era solo unos seis años menor que Botticelli, su estilo podría parecerle a un crítico barroco una generación más avanzada.

El Nacimiento de Venus se exhibió en la Galería Uffizi desde 1815, pero apenas se menciona en los relatos de viajeros sobre la galería durante las dos décadas siguientes. La galería de Berlín compró el Retablo de Bardi en 1829, pero la National Gallery de Londres no adquirió una Virgen (ahora considerada obra de su taller) hasta 1855. ^{[ 144 ]}

El coleccionista inglés William Young Ottley compró La Natividad Mística de Botticelli en Italia y la llevó a Londres en 1799. Pero cuando intentó venderla en 1811, no encontró comprador. ^{[ 144 ]} Tras la muerte de Ottley, su siguiente comprador, William Fuller Maitland de Stansted, permitió que se exhibiera en una importante exposición de arte celebrada en Manchester en 1857, la Exposición de Tesoros Artísticos , ^{[ 148 ]} donde, entre muchas otras obras de arte, fue vista por más de un millón de personas. Su único cuadro de gran formato con temática mitológica que se haya vendido en el mercado abierto es Venus y Marte , adquirido en Christie's por la National Gallery por la modesta suma de 1050 libras esterlinas en 1874. ^{[ 149 ]} Entre los raros resultados de subastas del siglo XXI se incluyen, en 2013, la Virgen Rockefeller , vendida en Christie's por 10,4  millones de dólares estadounidenses, y en 2021, el Retrato de un joven sosteniendo un medallón , vendido en Sotheby's por 92,2 millones de dólares estadounidenses  . ^{[ 150 ]}

El primer historiador de arte del siglo XIX que se entusiasmó con los frescos de Botticelli en la Capilla Sixtina fue Alexis-François Rio ; Anna Brownell Jameson y Charles Eastlake también descubrieron a Botticelli, y sus obras comenzaron a aparecer en colecciones alemanas. La Hermandad Prerrafaelita incorporó elementos de su obra a la suya propia. ^{[ 151 ]}

Walter Pater creó un retrato literario de Botticelli, quien posteriormente fue adoptado por el movimiento esteticista . La primera monografía sobre el artista se publicó en 1893, el mismo año que la disertación fundamental de Aby Warburg sobre las mitologías; luego, entre 1900 y 1920 se escribieron más libros sobre Botticelli que sobre cualquier otro pintor. ^{[ 152 ]} La monografía de Herbert Horne en inglés de 1908 aún se reconoce como de excepcional calidad y exhaustividad, ^{[ 153 ]} "uno de los logros más estupendos en los estudios del Renacimiento". ^{[ 154 ]}

Botticelli aparece como personaje, a veces como protagonista, en numerosas representaciones ficticias de la Florencia del siglo XV en diversos medios. Fue interpretado por Sebastian de Souza en la segunda temporada de la serie de televisión Medici: Maestros de Florencia . ^{[ 155 ]}

El asteroide del cinturón principal 29361 Botticelli, descubierto el 9 de febrero de 1996, lleva su nombre. ^{[ 156 ]}

• 
  La Virgen adorando al Niño Jesús dormido , 1490, Galería Nacional de Escocia , Edimburgo.
• 
  Anunciación , c. 1490 , Glasgow
• 
  El marginado (Desesperación) , c. 1496
• 
  Crucifixión mística , c. 1500, Museo de Arte Fogg , Harvard.

• Lista de pinturas de Sandro Botticelli

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