Alexandra Wejchert

Sus primeros trabajos fueron bocetos y dibujos iniciales . Los realizó poco después de sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Varsovia , durante varias visitas culturales a Italia, principalmente a Roma , a finales de la década de 1950. Estas visitas culturales eran una de las pocas maneras en que los artistas o arquitectos podían salir oficialmente de Polonia por cortos periodos bajo el régimen comunista. Sus dibujos en Italia eran principalmente estudios a tinta sobre papel de la arquitectura y los paisajes urbanos de la época.  

Más tarde, algunos de estos dibujos a tinta, como los de viviendas urbanas y paisajes urbanos , evolucionaron hacia experimentos y pinturas más abstractas , en las que exploró y elaboró ​​algunas de las formas cúbicas y geométricas subyacentes. Logró esto pintando secciones de pequeñas tablillas de madera en diferentes tonalidades que luego se ensamblaban a modo de mosaico para crear composiciones geométricas pero armoniosas, como Blue Glowing Form, de 1965. Continuó creando otras pinturas utilizando la misma técnica, como la que aparece en la portada del catálogo de su primera exposición individual en Irlanda, en la Galería Molesworth, en 1966. Wejchert también comenzó a explorar superficies texturizadas pintadas, en un estilo muy similar al de sus pinturas. Sobre una base de arena, se fijaban pequeñas piedras con pegamento en la superficie superior de un marco de madera. Esta superficie cruda y texturizada se pintaba posteriormente. Una de estas obras presentaba una forma alargada de prisma-ojo de color azul pálido y blanco que flotaba sobre un fondo oscuro y turbulento. Al hablar de esta obra, dijo que el ojo azul pálido representaba el rayo de esperanza que veía surgir por encima de gran parte de la oscuridad que había experimentado durante la guerra y después durante el régimen comunista. ^{[ 35 ]} Su arte se convirtió en una forma de trascender su pasado, hacia un futuro que exploraba horizontes completamente nuevos.

Ya en 1966, en preparación para su exposición individual en la Galería Molesworth de Dublín, Wejchert había comenzado a explorar una nueva técnica para relieves de madera . Estas obras se basaban en un marco de madera parcialmente cubierto con segmentos de madera lisa finamente esculpidos y dispuestos geométricamente. Utilizando este enfoque, creó varios relieves, incluyendo formas ovaladas, como Painted Oval Relief 1996, con un patrón geométrico vertical repetitivo que emanaba de un fondo plano y estático. Más tarde, en sus obras presentadas a la Exposición Irlandesa de Arte Vivo en 1967 y 1968, y posteriormente para su exposición individual de 1969 en la Galería David Hendriks ^{[ 14 ]} de Dublín, sus relieves comenzaron a expandirse aún más y a emanar de sus fondos planos. Para estos, desarrolló sus conocidos relieves de espigas que empleaban espigas de madera (varillas cilíndricas de madera de unos 2  cm de diámetro) cortadas a diferentes longitudes y pulidas en distintos ángulos. Se dispusieron para cubrir todo el marco del fondo, creando cautivadoras formas y superficies matemáticas , ^{[ 36 ]} irradiando hacia el espectador. En 1968, ganó el prestigioso Premio Abierto Carroll en la Exposición Irlandesa de Arte Vivo por una de sus composiciones más grandes,  Frecuencia n.° 5 , una gran composición de dos piezas de varillas. Otros relieves comenzaron a convertirse prácticamente en esculturas en sí mismas, como sus composiciones que emplean esferas blancas contrastadas con tubos negros. En la Composición cuatridimensional de 1969, su superficie texturizada de fondo ya se convirtió en tridimensional en sí misma, posteriormente entrelazada vigorosamente con tubos negros, aludiendo potencialmente a una cuarta dimensión imaginaria . Es claro que el abandono gradual de Wejchert de las formas de expresión bidimensionales se había hecho manifiesto.

Entre las primeras exploraciones de Wejchert en la escultura se encuentran las realizadas con metacrilato . Este material se vuelve maleable al aumentar la temperatura, y ella utilizó esta técnica para transformar secciones previamente cortadas de metacrilato en fluidas formas tridimensionales. Una de estas esculturas de metacrilato, compuesta por dos secciones, fue adquirida originalmente por el Banco de Irlanda , como parte de su Colección de Arte , y se exhibió de forma permanente en su sede. Posteriormente, la escultura fue donada y ahora forma parte de la colección del Museo Irlandés de Arte Moderno ( IMMA) en Dublín.

En su libro Modern Art in Ireland , la crítica de arte Dorothy Walker escribió: Alexandra Wejchert trabajó con el inusual material del plexiglás de color. Las piezas de Wejchert para el Bank of Ireland siguen estando entre las mejores, aprovechando la maleabilidad del plexiglás y su propiedad de mostrar un color complementario a lo largo del borde cortado. ^{[ 37 ]}

Continuó con el experimento y creó esculturas de mayor tamaño en metacrilato; sin embargo, descubrió que el material no era lo suficientemente resistente para soportar su peso, incluyendo una pieza que llamó Homenaje a Stravinsky , lo que la llevó a comenzar a trabajar con metales como el bronce , el latón y el acero inoxidable .

Una de sus primeras esculturas metálicas de gran formato fue un tríptico de aluminio anodizado titulado « Vida» , terminado en 1973. La obra consistía en un conjunto de dos relieves murales y una pieza exenta que envolvía una columna frontal. «Vida» era un tríptico unificado y equilibrado en el centro, diseñado específicamente para el vestíbulo de la sede de Irish Life en Abbey Street, Dublín. Fue desmontado a finales de la década de 1980 durante una reforma y, lamentablemente, nunca se reinstaló. Otra gran escultura fue encargada para el mismo edificio. Se trataba de una escultura suspendida, también de aluminio anodizado, que colgaba en secciones de un techo reflectante. Estaba compuesta por largos tramos de tubos anodizados apilados en líneas curvas. Una fotografía de esta gran escultura suspendida forma parte de la colección NIVAL . ^{[ 38 ]}

Posteriormente, una de sus esculturas más grandes fue encargada por el Allied Irish Bank ( AIB ). Esta escultura de acero inoxidable de 11,5 metros de altura, llamada Freedom, se erigió en la entrada de la sede del AIB en Ballsbridge, Dublín, en 1985. El edificio fue diseñado por Andrew Devane , un reconocido arquitecto irlandés que había estudiado con Frank Lloyd Wright y había sido influenciado por él. El gran tamaño y peso de una escultura de 11,5 metros de altura requirió una amplia colaboración con ingenieros estructurales. La Biblioteca Nacional Irlandesa de Artes Visuales ( NIVAL ) alberga interesantes imágenes de la construcción e instalación de Freedom en aquel entonces. ^{[ 20 ] [ 21 ]}

En 2021, en virtud de un acuerdo de préstamo a largo plazo entre el AIB y la Universidad de Maynooth , la escultura Freedom fue trasladada al Campus Norte de la Universidad de Maynooth, como una obra de arte exterior de acceso público para la comunidad y la región en general. Freedom está considerada una de las esculturas públicas más importantes de Irlanda. La inauguración de la escultura en su nueva ubicación y la magnitud del esfuerzo de reubicación de esta gran obra se recogen en un vídeo, « Inauguración de Freedom» , producido por la Universidad de Maynooth. ^{[ 23 ]}

Junto con Freedom , la escultura que bautizó como Phoenix (también conocida como Forma Geométrica ) se encuentra entre sus esculturas públicas de gran formato más famosas. Phoenix se instaló en la Universidad de Limerick en 1991. La escultura se alza firmemente sobre cuatro puntales plantados simétricamente en el suelo, yuxtapuestos a cuatro extremidades simétricas que se elevan hacia el cielo. Sus superficies texturizadas de bordes de acero inoxidable le confieren un elemento lírico que se aprecia mejor de cerca. Un vídeo que muestra la colección de esculturas al aire libre de la Universidad de Limerick muestra la escultura erguida con orgullo frente al edificio Schumann en el campus universitario.

Wejchert también trabajó en un gran relieve de acero inoxidable, que permanece sin título. Se trataba de un gran relieve de acero inoxidable en forma de diamante, con elementos en forma de diamante, que fue encargado e instalado en el edificio del Lombard and Ulster Bank en Dublín, en 1980. ^{[ 16 ]} Una imagen de este relieve está disponible como parte de la colección NIVAL . ^{[ 39 ]} Otra de sus grandes esculturas fue creada utilizando una gran cantidad de pequeños discos ovalados de acero inoxidable, suspendidos de estructuras de acero en forma de ramas que se extienden hacia abajo. Esta pieza suspendida fue donada posteriormente al Museo Irlandés de Arte Moderno ( IMMA ) por la familia Wejchert.

La obra de Wejchert se sitúa en la intersección de varios movimientos de arte abstracto, como el constructivismo, el arte cinético y el arte óptico. Su práctica refleja un interés por las estructuras formales; muchas de sus piezas también transmiten una fuerte sensación de movimiento y la repetición de formas. Museo Irlandés de Arte Moderno.

Aunque de dimensiones más pequeñas, otras dos esculturas de mayor tamaño dignas de mención son su escultura de bronce Llama en el Departamento de Anatomía del University College Cork ^{[ 28 ]} y la escultura de llama de acero inoxidable al aire libre en el Jardín de Esculturas Shekina .

Wejchert también creó algunas estampas gráficas. Entre las más destacadas se encuentra su obra gráfica «Siete colores» , que se muestra en la sección «Carrera», con marcados contrastes de blanco, negro y bermellón. Quería que el espectador imaginara los siete colores en cada una de las siete formas ovaladas del marco negro. ^{[ 40 ]}

También contribuyó a la Colección Nacional de Autorretratos de Irlanda , que incluye una representación de ella trabajando en una de sus obras con varillas de madera, realizada con llamativos contrastes de blanco, negro y amarillo. La imagen muestra a Wejchert frente a un prototipo del diseño, para el cual posteriormente modificó la composición cromática.

Hacia el final de su vida, se dedicó cada vez más a realizar esculturas de metal de menor tamaño, en bronce , latón y acero inoxidable . Algunas de estas obras se encuentran entre las más accesibles a nivel personal, estableciendo una conexión a escala y nivel humano.

Algunas de sus primeras obras, esculturas de menor formato, se basaban en su exploración previa de formas geométricas, pero ahora se realizaban en tres dimensiones, en acero inoxidable o latón. Ejemplos de ello son sus estructuras cristalinas simétricas en latón sobre bases de granito, o sus esculturas angulares de acero inoxidable, como « Líneas de acero inoxidable sin título» sobre una base de piedra caliza.

Creó varias esculturas de bronce, de forma alargada y ovalada, con una textura general rugosa y profunda, pero con un acabado pulido. Estas se realizaron utilizando moldes a base de cera. Algunas se exhibieron en las celebraciones del Milenio de Dublín, que incluyeron eventos culturales y exposiciones por toda la ciudad en 1988. ^{[ 41 ]}

En otra dirección para su pequeña escultura, se basó en su trabajo anterior en metacrilato, pero esta vez lo realizó en latón o acero inoxidable. Para estas obras, láminas de metal previamente cortadas fueron trabajadas minuciosamente hasta convertirlas en superficies fluidas y flotantes.

Varias de estas esculturas de menor tamaño se exhibieron en diversas exposiciones en la Galería Solomon de Dublín, desde mediados hasta finales de la década de 1980, incluyendo una exposición individual en 1992. Continuó exponiendo allí hasta el final de su vida, y también póstumamente, como en la Exposición de Escultoras en junio de 1996.

En sus obras posteriores, la dirección general que tomó exploró fueron formas que reflejaban los ritmos y flujos de la naturaleza. Se observa un alejamiento de lo puramente geométrico, hacia una expresión vibrante de los diseños y las « armonías ocultas» presentes en el mundo natural, todo ello realizado con materiales exigentes como el bronce, el latón o el acero inoxidable. Esta dirección queda plasmada en sus propias palabras en «Nota final» , una breve reflexión personal que escribió en el último año de su vida.

Esto la llevó a crear algunas de sus obras más codiciadas, como sus llamas que se elevan hacia arriba, esculpidas en latón sobre bases de piedra caliza. Continuó creándolas hasta el final de su vida. Como se mencionó anteriormente, creó grandes llamas, como las que se encuentran en el University College Cork y en el Jardín de Esculturas de Shekina . Sin embargo, también creó varias llamas de bronce más pequeñas, de aproximadamente un metro de altura o menos, varias de las cuales se encuentran ahora en colecciones privadas. En latón también creó algunas de sus esculturas más pequeñas, como la Pequeña Forma Ovalada Sin Título sobre una base de granito, de aproximadamente 12 x 10 cm, o la íntima Cueva de los Sueños, de escala similar, que se presentó en la Bienal Internacional de Escultura de Toyamura, Japón, en 1993.

Tras su muerte, el crítico Brian Fallon escribió: « Alexandra Wejchert estaba ... directamente en la línea de la abstracción y el constructivismo centroeuropeos, una maestra de la forma sin ser una formalista... combinaba la austeridad modernista con la sinuosidad barroca y una cualidad especial de aspiración expresada en sus formas ondulantes y ascendentes, como llamas» . ^{[ 1 ] [ 42 ]}