Arlene Hutton

Last Train to Nibroc , la primera parte de la obra más conocida de Hutton, La Trilogía de Nibroc , se inspiró en su descubrimiento, a través de un libro sobre S.J. Perelman , de que los legendarios escritores F. Scott Fitzgerald y Nathaniel West , cuñado de Perelman, no solo habían fallecido con un día de diferencia en 1940, sino que sus cadáveres bien podrían haber sido enviados de regreso a la Costa Este para ser enterrados en el mismo tren. ^{[ 10 ]} El título de la obra hace referencia a Corbin, Kentucky , estado de origen de sus padres, donde se celebra el festival anual de Nibroc ("Nibroc" es Corbin escrito al revés). ^{[ 10 ] [ 16 ]} A pesar de que Hutton esperaba, al escribirla, que la obra no fuera popular, Last Train to Nibroc se convirtió en la obra más representada de la dramaturga, con aproximadamente 100 producciones hasta la fecha. ^{[ 10 ]}

El crítico del New York Times , DJR Bruckner, escribió: "'Last Train' no trata sobre eventos; trata sobre personajes. Y cuando salgas de esta función después de 90 minutos de ver a estas personas revelar profundidades de sentimientos que intentan ocultar, podrías pensar que fácilmente podrías disfrutar de otras horas de esto". ^{[ 17 ]} Chris Jones del Chicago Tribune otorgó a Last Train to Nibroc cuatro estrellas, escribiendo que "recuerda más al trabajo de Horton Foote, aunque Hutton es una escritora muy propia". ^{[ 11 ]} David C. Nichols del Los Angeles Times observó que "Si Arlene Hutton hubiera estado presente durante la época dorada de Broadway, sus obras finamente elaboradas podrían estar a la altura de las de William Inge o Horton Foote". ^{[ 2 ]}

En una reseña de See Rock City , Philip Brandes del Los Angeles Times escribió: «Con tantos dramas hoy en día construidos en torno a la mala conducta —cuanto peor, mejor, al parecer— es una auténtica anomalía encontrar una historia genuinamente convincente sobre gente común que intenta hacer lo mejor posible». ^{[ 18 ]}

En su reseña de Gulf View Drive , dirigida por Katherine Farmer, que ganó un premio Ovation a la mejor producción en el Rubicon Theatre, ^{[ 7 ]} Brandes escribió que la tercera obra "satisface plenamente por sus propios méritos". ^{[ 19 ]} Sin embargo, Marilyn Stasio de Variety escribió que la obra abarca tanto terreno sociohistórico que "tiende a flaquear por el peso de sus responsabilidades. Pero la columna vertebral de la relación central la sostiene". ^{[ 20 ]}

Eric ReeL (sic) observa que "la trilogía de Hutton... no es solo una obra que captura un período de nuestra historia y la historia atemporal de una joven pareja que vive esa historia, sino que ha capturado la esencia de toda una era en la historia del teatro estadounidense". ^{[ 5 ]} Stasio cree que las tres obras atraerán a un público que busca "'teatro de eventos' que rehúye los efectos llamativos, exigiendo en cambio un compromiso a largo plazo con personajes meritorios atrapados en circunstancias difíciles". ^{[ 20 ]} Gina Bellafante en The New York Times llama a las tres partes de la obra "obras exquisitamente tranquilas y de alcance sutil" que "deberían ser vistas por cualquiera que dude de la capacidad del drama de porche para contar una historia significativa más allá de sus propios límites". ^{[ 16 ]}

La primera obra de Hutton, I Dream Before I Take the Stand , sobre una mujer que se enfrenta a un interrogador hostil por un incidente de agresión sexual en el que fue víctima, se estrenó, como se mencionó anteriormente, en el Festival Fringe de Edimburgo en 1995. ^{[ 1 ] [ 21 ]} Desde entonces, la obra ha recibido numerosas producciones profesionales, ^{[ 21 ]} así como puestas en escena amateur, y ha sido incluida en la antología The Best American Short Plays 1998-1999 . ^{[ 22 ]}

The List ( Edimburgo , Escocia) calificó a I Dream Before I Take the Stand como "un clásico feminista". ^{[ 21 ] [ 23 ]} The New Jersey Independent la describió como "una obra de teatro fascinante. La escritura es concisa y feroz". ^{[ 21 ] [ 23 ]} El crítico de New York Newsday escribió que la obra tenía " reflejos de David Mamet , pero mucha más compasión por la víctima femenina que sufre un interrogatorio de pesadilla que la que Mamet jamás logra". ^{[ 21 ] [ 23 ]}

Desde 2017, la obra de Hutton ha recibido especial atención con el auge del movimiento #MeToo , que protesta contra el acoso y la agresión sexual . En abril de 2018, un grupo de estudiantes de la escuela secundaria Pittsfield eligió la obra por considerarla particularmente oportuna. ^{[ 24 ]} La producción inspiró un editorial en The Berkshire Eagle que analizaba el tema de la agresión sexual en relación con los jóvenes. ^{[ 25 ]}

Como es en el cielo , una obra con un elenco exclusivamente femenino, se estrenó en el Festival Fringe de Edimburgo en 2001. ^{[ 26 ] [ 10 ]} Se programó el estreno de una producción en el 78th Street Theatre Lab de Nueva York, fuera de Broadway, el 13 de septiembre de ese año. Dos días antes, ocurrieron los ataques del 11 de septiembre , y esa noche, las integrantes del elenco respondieron ensayando los himnos Shaker interpretados en la obra. La producción se estrenó posteriormente según lo previsto. ^{[ 26 ]} En 2008, la obra se representó en Shakertown, en Pleasant Hill, Kentucky , el lugar que la había inspirado originalmente, ^{[ 27 ]} y se reestrenó en Nueva York en 2011. ^{[ 28 ]}

Al llamar a Hutton "una de las voces más ricamente humanas del teatro contemporáneo", ^{[ 29 ]} F. Kathleen Foley de Los Angeles Times describió Como es en el cielo como "divertida, intelectualmente estimulante y conmovedora: una pieza bellamente elaborada que perdurará". ^{[ 26 ] [ 29 ]} Al reseñar la producción original de Nueva York, Brooke Pierce de TheaterMania señaló que la "producción de 90 minutos, minimalista... avanza sin problemas... hasta su conclusión satisfactoria e inspiradora". ^{[ 30 ]} La crítica de The Village Voice, Alexis Soloski, señaló que "las escenas de las mujeres trabajando y viviendo juntas son maravillosas por sus cualidades muy Shaker: simplicidad, sin pretensiones, atención al detalle", aunque Soloski afirma que el dramaturgo "teje un arco dramático que nunca parece tan finamente elaborado como el resto de la obra". ^{[ 31 ]} Anita Gates en The New York Times, al reseñar el reestreno en Nueva York, describió Como es en el cielo como un "acto modesto y extrañamente conmovedor", que "es también un mosaico inesperado de influencias culturales altas y bajas", incluyendo La edad de la inocencia , Las brujas de Salem e incluso El libro de Mormón . ^{[ 28 ]}

Cartas a Sala se basó en las cartas de Sala Garncarz Kirschner , una mujer judía polaca que, a partir de los 16 años, pasó cinco años en campos de trabajo nazis y mantuvo ocultas de los nazis las cartas y otros mensajes que recibió en los campos. ^{[ 1 ] [ 32 ] [ 33 ]} Su hija, la escritora Ann Kirschner, se sintió impulsada a escribir un libro sobre las cartas, El regalo de Sala: La historia del Holocausto de mi madre . ^{[ 32 ] [ 33 ]} La obra corta original se presentó en la Biblioteca Pública de Nueva York para acompañar una exposición de las cartas de Sala. Kirschner, el director de teatro Lawrence Sacharow y Hutton comenzaron entonces a colaborar en una versión completa de la obra, un proyecto que sobrevivió a la muerte de Sacharow por leucemia. ^{[ 1 ]} La obra completa se representó en Rollins, la universidad donde estudió Hutton, en 2011, bajo la dirección de Eric Nightengale, colaborador de Hutton desde hace mucho tiempo, con Sala y su esposo, Sidney, presentes entre el público. ^{[ 1 ]}

Para un taller de la obra en Tucson , Arizona, en 2007, un crítico escribió: «Me encontré simplemente escuchando las cartas que leían los distintos actores y olvidando que en realidad estaban interpretando papeles en una obra de teatro. Fue la riqueza de la palabra escrita lo que me intrigó». ^{[ 33 ]} El crítico del Orlando Sentinel , al reseñar la producción del Rollins College, señaló que «en algunos momentos la obra parece un poema... un poema conmovedor, atemporal y hermoso», aunque expresó reservas sobre «un ligero desequilibrio en las dos historias, con demasiado énfasis en la disputa de la familia moderna». ^{[ 34 ]} En una reseña de la representación de la obra por el Barrow Group, el crítico R. Jones escribió que la obra estaba escrita «con amorosa gracia» y señaló que «siempre había una chispa de esperanza en los brillantes ojos jóvenes de Sala... Esa es la belleza y la magia de Cartas a Sala ». ^{[ 35 ]}