Hispanopedia WikiLa integridad artística se define generalmente como la capacidad de omitir un nivel aceptable de valores opuestos, perturbadores y corruptores que, de otro modo, alterarían la visión original de un artista o entidad de una manera que viola sus propios estándares estéticos preconcebidos y valores personales. [ 1 ] [ 2 ] Se trata de los altos estándares artísticos o de desempeño laboral de una persona (quien posee integridad artística), y su determinación de no rebajar dichos estándares. [ 3 ] Esto no implica que un artista deba ignorar las influencias externas en el proceso creativo. A menudo se estudia académicamente bajo el paraguas más amplio de la integridad personal , pero trabajos recientes han demostrado la necesidad de sus propios estándares y estudios, dado el amplio uso del concepto en la crítica del arte contemporáneo junto con la continua inversión gubernamental. [ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] La definición misma puede adoptar muchas formas y ha sido objeto de debate académico debido a la naturaleza matizada de la superposición de la integridad artística con formas no artísticas de integridad y los diferentes valores en los marcos filosóficos tanto de los artistas como de la comunidad en general. A pesar del uso generalizado del concepto en los medios de comunicación y la industria creativa, la integridad artística a menudo ha sido ignorada filosóficamente en comparación con la integridad personal y mecánica . Un factor importante a considerar en la discusión de la integridad artística es el contexto en términos no solo del espíritu de la época histórica , sino más prominentemente la comprensión cultural y personal respectiva del término por parte de la comunidad y los artistas. Si se dice que un individuo posee integridad artística, eso no equivale a que esa persona también posea integridad personal; de manera similar, la ausencia de integridad personal no equivale a la ausencia de integridad artística.
Historia
El concepto filosófico de integridad artística se remonta al desarrollo del Romanticismo a finales del siglo XVII y principios del XVIII, junto con la creciente idealización de los artistas. Se argumenta que este fue el punto de partida del concepto y que su aplicación varía según el movimiento artístico al que se haga referencia. El Romanticismo también propició la diferenciación de los artistas respecto de otros oficios, convirtiéndolos en venerados genios byronianos. Este concepto de «genio artístico» está estrechamente relacionado con la necesidad del artista de mantener su integridad artística ante sus contemporáneos para proteger su estatus de genio frente al creciente escrutinio público que conlleva el reconocimiento.
Paralelamente al movimiento romántico, se produjo un cambio económico hacia el capitalismo . El impacto económico alteró la forma en que los artistas se ganaban la vida, lo que finalmente dio lugar al surgimiento de los mercados del arte y la posterior industrialización. En la década de 1940, los teóricos comenzaron a debatir sobre estos mercados del arte en el contexto del término general «Industrias Culturales». Su enfoque ha sido criticado por centrarse demasiado en el valor económico del arte, pasando por alto los valores artísticos y sociales. La prevalencia de estas teorías y el impacto continuo de la comercialización masiva provocaron un choque entre la percepción romántica de los artistas y sus principios económicos. Quizás sea aquí donde el «mito del artista torturado» entró en conflicto con la economía del capitalismo, dando lugar a la idea generalizada de que los artistas pueden tener integridad si no comercializan su arte o si tienen éxito financiero. [ 8 ]
Este conflicto en el ámbito académico sobre la integridad artística persistió durante la década de 1960, cuando el artista gráfico soviético Vladimir Favorsky la medía y definía según la medida en que una obra de arte reflejaba el tiempo que el artista le dedicaba. Sostenía que, para ello, los artistas debían renunciar por completo a su imagen pública y sumergirse sin distracciones en la obra misma. De este modo, vinculaba la inversión de tiempo como una medida fundamental de la integridad artística. [ 9 ]
Para resolver algunos de los problemas de la «industrialización» del arte, surgió la disciplina del marketing artístico, tanto desde un punto de vista filosófico como práctico. Esto condujo finalmente al desarrollo del primer modelo de orientaciones creativas de Elizabeth Hirschman, que contribuyó a proporcionar un marco para que los académicos abordaran la integridad artística. [ 10 ]
Con el tiempo, los mercados del arte experimentaron un cambio, pasando de las antiguas concepciones elitistas del arte de élite a formas más accesibles y de nicho, como la escena musical underground , considerada una representación más pura de la integridad artística que la música popular debido a su relativa falta de rentabilidad. Esto también se observa en el cine, donde los contemporáneos perciben a los directores que participan en festivales de cine de nicho como más auténticos, lo que conlleva la percepción de que poseen mayor integridad artística que aquellos que crean para un público masivo.
En las últimas dos o tres décadas se ha observado un mayor interés del público y de la comunidad artística por la integridad artística, debido al creciente éxito comercial de ciertas formas de arte como el cine y la música, junto con un cuestionamiento adicional del valor estético debido a la politización y la inversión en la industria del arte con esta lucrativa expectativa de beneficios monetarios.
Marcos de trabajo
Elizabeth Hirschman (Orientaciones creativas)
Su modelo de "orientaciones creativas" se ha utilizado para ayudar a contextualizar la integridad artística en el ámbito académico.
Existen tres orientaciones creativas principales que coexisten en la industria del arte:
En las dos primeras orientaciones pueden surgir beneficios económicos de forma inadvertida; sin embargo, este no es el motivo de la creación. Los participantes pueden trabajar en cualquier combinación de las tres orientaciones, creando para sí mismos, para otros artistas o con fines puramente comerciales.
Los creadores egocéntricos establecen sus propios estándares internos para su arte por encima de los de los demás, incluso si eso significa arriesgarse a posibles pérdidas económicas y reacciones negativas sociales.
Los creadores orientados a la colaboración también valoran la integridad artística por encima del beneficio económico, pero la opinión de sus pares en la industria creativa es el foco principal. Hirschman comenta que estas empresas creativas defienden la integridad artística como norma del sector; la metodología para garantizar que se cumplan estas expectativas se basa en la evaluación entre pares.
Los creadores orientados al mercado se centran en las ganancias monetarias a lo largo de todo el proceso creativo. Esta orientación financiera ha generado gran controversia, ya que refleja la industria creativa y critica el daño a la integridad artística debido a su enfoque comercial. Se espera que este enfoque, centrado en el mercado, genere rentabilidad y una amplia difusión a través de principios de marketing; sin embargo, tanto artistas como consumidores creen que implica un intercambio de integridad artística por exposición. Esto se conoce como "venderse" y suele considerarse que tiene una connotación negativa sobre la calidad del trabajo del artista.
Autonomismo
Bajo el autonomismo se presume que el arte en sí mismo no tiene asociación con otras formas de realidad y, por lo tanto, no puede ser juzgado como otra cosa que libertad de expresión, lo que a su vez excluye al arte de ser evaluado moral e incluso cognitivamente, convirtiendo la integridad artística en un concepto vacío. [ 11 ]
El espectro de Claudia Mill
- El artista no realiza ningún esfuerzo consciente por obtener beneficios o reconocimiento por sus obras, ni durante su creación ni después de su finalización. Este es el caso más claro de un artista con integridad artística.
- El artista desea cubrir sus necesidades económicas básicas y obtener cierto nivel de reconocimiento, pero esto no influye en el proceso creativo ni en la creación.
- El artista inicialmente hace un esfuerzo consciente en la elección del género con la esperanza de obtener beneficios monetarios y sociales. Después de tomar esta decisión inicial, el artista luego trabaja exclusivamente en la obra seleccionada sin tener en cuenta todo lo que no esté relacionado.
- El artista no solo considera los beneficios económicos y sociales al elegir el medio en el que crear, sino también durante el proceso creativo.
- El artista elige el medio o produce la obra de arte de una manera que, conscientemente, menoscaba sus cualidades artísticas. Este es el caso más claro de un artista que carece de integridad artística.
Percepción del artista
La compleja historia y la falta de variedad en el estudio de la integridad artística se reflejan en la multiplicidad de percepciones de los artistas sobre este concepto. De las entrevistas realizadas en el ámbito académico surgieron características comunes que implicaban la importancia de la integridad artística para los creadores y la existencia de un marco interno en el que la definían; contextualmente, en relación con su percepción de lo que esperaban de sí mismos y la percepción pública dentro de su ideología personal. Sin embargo, las interpretaciones y definiciones generales de integridad artística diferían radicalmente de un artista a otro y, en ocasiones, se consideraban contradictorias. Estos hallazgos pusieron en tela de juicio la validez del uso moderno del término, abogando por una mayor representación de los artistas para definir la legitimidad y las connotaciones de su propia integridad.
En traducción literaria
La integridad artística se refiere a que la traducción final sea «una versión que presente, en el entorno de la lengua meta, un mensaje al lector lo más cercano posible al mensaje original desde la perspectiva del lector de la lengua de origen». [ 12 ] Dado que la traducción palabra por palabra rara vez es aplicable, se espera que el traductor intente mantener cada rasgo del texto inicial (dentro de los límites matemáticos de la traducción perfecta) mediante ajustes fácticos para preservar la integridad artística del texto original. Se enfatiza que esto no implica que el traductor ignore los hechos literarios en la traducción, sino que estas omisiones se realizan únicamente para preservar la integridad artística cuando sea necesario, ya que de lo contrario se perdería todo el mensaje original en la traducción. La integridad artística no solo se ocupa de las palabras, sino del alma del texto, pues considera el significado en más niveles que el literal; también considera las imágenes, los logotipos del texto meta y los matices que pueden contribuir tanto como las palabras literales de la lengua de origen.
El enfoque de la integridad artística en la traducción gira en torno a cuatro procesos: penetración, adquisición, transición y presentación.
- Adentrarse en el contexto en el que se creó el texto original para el público de la lengua de origen. El entorno lingüístico y cultural al que estaba destinado el mensaje.
- La captación del mensaje, incluyendo su espíritu, su esencia y su sabor, solo puede ser comprendida y apreciada plenamente por lectores que comparten el idioma y la cultura del original.
- Transición desde lo que ha tomado forma en la mente del traductor, a medida que el mensaje original en el entorno del idioma de origen se transforma en un nuevo mensaje en el entorno del idioma de destino.
- Presentar el mensaje recién formulado en términos que preserven la integridad artística del texto y produzcan en los lectores de la lengua meta un efecto que se aproxime lo más posible al efecto que el mensaje original produce en los lectores de la lengua de origen.
Política
Muchos países del primer mundo han reconocido la importancia de la participación del arte en el bienestar de su economía y sus comunidades, lo que ha impulsado la financiación pública de iniciativas y políticas artísticas. Estas incluyen la inversión en educación superior artística con la esperanza de aumentar la viabilidad financiera de la industria artística, manteniendo al mismo tiempo el carácter culturalmente específico de las formas artísticas. Algunos ejemplos de países que utilizan la inversión de los contribuyentes en estas industrias creativas son Australia, Nueva Zelanda, Canadá, Irlanda y Finlandia [ 13 ].
Controversias
Las aventuras de Huckleberry Finn
La novela de 1884 ha sido objeto de controversia debido a la mención de la palabra " nigger" 219 veces. [ 14 ] El debate principal gira en torno a su uso en el sistema educativo estadounidense, donde una parte argumenta que debería enseñarse utilizando una versión censurada o no enseñarse en absoluto, mientras que la otra parte piensa que censurar la obra conlleva la pérdida de su integridad artística, ya que algunas interpretaciones literarias muestran que el uso de la palabra no tenía como objetivo promover el racismo, sino desacreditarlo. [ 15 ] Se considera que las versiones editadas de la novela que usan la palabra "slave" en su lugar han perdido la integridad artística del texto original; sin embargo, algunos profesores y estudiantes se sienten incómodos al usar una palabra tan despectiva. [ 16 ] [ 17 ]
Jane Austen
En una carta de 1816 de James Stanier Clarke , bibliotecario de la Casa Coburgo de Su Alteza Real, se le sugirió a Jane que escribiera una novela histórica ambientada en esa casa, ya que habría sido políticamente ventajoso para el Príncipe y rentable para la propia Jane. [ 18 ] Sus memorias revelaron más tarde que rechazó la sugerencia, pues si bien reconoció que sería popular y rentable, chocaría con su estilo hasta el punto de que, teóricamente, se ahorcaría antes de escribir un solo capítulo del libro propuesto.
Pistolas Sex
El artículo de 2006 titulado «Los Sex Pistols se venden» analizaba la controversia en torno a la cesión de los derechos de autor de la banda punk Sex Pistols a Universal Music Publishing Group, que explotaría su música mediante publicidad y otros medios comerciales. El autor del artículo expresó su repudio ante la falta de integridad artística que conllevaba esta decisión. [ 19 ] Los comentarios en torno a este artículo también argumentaban que la discografía de los Sex Pistols siempre los ha consolidado como artistas que solo se preocupan por sí mismos y que quizás sus seguidores no deberían sorprenderse ante esta acción, ya que parece estar en consonancia con el propio sentido de integridad artística de la banda. Este es un ejemplo contemporáneo de artistas que tienen un sentido de integridad artística diferente al del público y que, en este contexto, «venderse» se encuentra completamente dentro de los límites de su integridad artística.
Referencias
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