Ballet

El ballet clásico se basa en la técnica y el vocabulario del ballet tradicional . ^{[ 23 ]} Han surgido diferentes estilos en distintos países, como el ballet francés , el ballet italiano , el ballet inglés y el ballet ruso . ^{[ 24 ]} Varios de los estilos de ballet clásico están asociados con métodos de entrenamiento específicos, que suelen llevar el nombre de sus creadores (véase más abajo). El método de la Royal Academy of Dance es una técnica y un sistema de entrenamiento de ballet fundado por un grupo diverso de bailarines. Fusionaron sus respectivos métodos de danza (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet único de la organización y reconocido internacionalmente como el estilo inglés de ballet. ^{[ 11 ]} Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: El lago de los cisnes , La bella durmiente y El cascanueces . ^{[ 25 ]}

El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen en el repertorio clásico actual. La era romántica se caracterizó por el surgimiento del trabajo de puntas , el predominio de las bailarinas y los tutús largos y fluidos que intentaban ejemplificar la suavidad y un aura delicada. ^{[ 6 ]} Este movimiento tuvo lugar a principios y mediados del siglo XIX (la era romántica ) y presentó temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética . Las tramas de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espíritu (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet La Sylphide de 1827 es ampliamente considerado el primero, y el ballet Coppélia de 1870 es considerado el último. ^{[ 5 ]} Entre los bailarines de ballet famosos de la era romántica se encuentran Marie Taglioni , Fanny Elssler y Jules Perrot . Jules Perrot también es conocido por su coreografía, especialmente la de Giselle , a menudo considerada el ballet romántico más célebre. ^{[ 6 ]}

El ballet neoclásico suele ser abstracto, sin una trama definida, vestuario ni escenografía. La selección musical puede ser diversa y a menudo incluye música también neoclásica (por ejemplo, Stravinsky , Roussel ). Tim Scholl, autor de From Petipa to Balanchine , considera que Apollo de George Balanchine , de 1928, fue el primer ballet neoclásico. Apollo representó un retorno a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Sergei Diaghilev . Balanchine trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham e incorporó a bailarines modernos a su compañía, como Paul Taylor , quien en 1959 actuó en Episodes de Balanchine . ^{[ 26 ]}

Si bien Balanchine es ampliamente considerado el rostro del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. Variaciones Sinfónicas (1946) de Frederick Ashton es una obra fundamental para el coreógrafo. Con música de César Franck del mismo título, es una interpretación puramente dancística de la partitura. ^{[ 6 ]}

Otra forma, el ballet moderno , también surgió como una ramificación del neoclasicismo. Entre los innovadores de esta forma se encontraban Glen Tetley , Robert Joffrey y Gerald Arpino . Si bien es difícil separar el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favoreció un mayor atletismo que se alejaba de la delicadeza del ballet. La fisicalidad era más audaz, con un ambiente, una temática y una música más intensos. Un ejemplo de esto sería Astarte (1967) de Joffrey, que presentaba una partitura de rock y connotaciones sexuales en la coreografía. ^{[ 11 ]}

Este estilo de ballet se suele realizar descalzo. ^{[ 27 ]} Los ballets contemporáneos pueden incluir mímica y actuación , y generalmente se realizan con música (normalmente orquestal, pero ocasionalmente vocal). Puede ser difícil diferenciar esta forma del ballet neoclásico o moderno. El ballet contemporáneo también está cerca de la danza contemporánea porque muchos conceptos del ballet contemporáneo provienen de las ideas e innovaciones de la danza moderna del siglo XX, incluyendo el trabajo de suelo y la rotación interna de las piernas. La principal distinción es que la técnica del ballet es esencial para realizar un ballet contemporáneo.

George Balanchine es considerado un pionero del ballet contemporáneo. Otra coreógrafa pionera del ballet contemporáneo, Twyla Tharp , coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976, y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas obras fueron consideradas innovadoras por su fusión de movimientos claramente modernos con el uso de puntas y bailarines con formación clásica.

Hoy en día existen numerosas compañías y coreógrafos de ballet contemporáneo. Entre ellos destacan Alonzo King y su compañía LINES Ballet ; Matthew Bourne y su compañía New Adventures ; Complexions Contemporary Ballet ; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza ; William Forsythe y The Forsythe Company ; y Jiří Kylián del Nederlands Dans Theater . Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también interpretan regularmente obras contemporáneas.

El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas a él. Ahora se espera que un bailarín de ballet se forme interpretando obras neoclásicas, modernas y contemporáneas. Se espera que un bailarín de ballet sea majestuoso y regio en las obras clásicas, libre y lírico en las neoclásicas, y sencillo, duro o convencional en las modernas y contemporáneas. Además, existen varias variantes modernas de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como Hiplet , que requieren que los bailarines tengan práctica en estilos de danza no occidentales. ^{[ 28 ]}

El método francés es la base de toda la formación en ballet. Cuando Luis XIV creó la Académie Royale de Danse en 1661, contribuyó a la creación de la técnica codificada que aún hoy utilizan los profesionales, independientemente del método de formación que sigan. La escuela francesa se revitalizó especialmente bajo la tutela de Rudolf Nureyev en la década de 1980. Su influencia revitalizó y renovó la apreciación por este estilo, y ha transformado drásticamente el ballet en su conjunto. ^{[ 34 ]} De hecho, a la escuela francesa se la conoce a veces como la escuela Nureyev. El método francés se caracteriza a menudo por la precisión técnica, la fluidez y la gracia, así como por líneas elegantes y limpias. En este estilo, se suele utilizar un juego de pies rápido para dar la impresión de que los intérpretes se deslizan con ligereza por el escenario. ^{[ 35 ]} Dos características importantes de esta técnica son la forma específica en que se realizan el port de bras y el épaulement, más redondeados que en el estilo ruso, pero no tanto como en el danés. ^{[ 36 ]}

El método Vaganova es un estilo de entrenamiento de ballet que surgió del ballet ruso , creado por Agrippina Vaganova . Tras retirarse de la danza en 1916, Vaganova se dedicó a la enseñanza en la Escuela Coreográfica de Leningrado en 1921. Su método de entrenamiento goza de reconocimiento internacional y su libro, Los fundamentos de la danza clásica (1934), es una obra de referencia clásica. Este método se caracteriza por la fusión del estilo clásico francés, específicamente elementos de la época romántica, con el atletismo del método italiano y la profunda pasión del ballet ruso. ^{[ 35 ]} Desarrolló un método de instrucción sumamente preciso en su libro Principios básicos de la danza clásica rusa (1948). ^{[ 37 ]} Este método incluye la descripción de cuándo enseñar los componentes técnicos a los estudiantes en sus carreras de ballet, cuánto tiempo dedicarles y la cantidad adecuada de atención en cada etapa de su formación. Estos libros de texto siguen siendo de suma importancia para la enseñanza del ballet en la actualidad.

El método enfatiza el desarrollo de la fuerza, la flexibilidad y la resistencia para la correcta ejecución del ballet. Ella defendía la creencia de que se debe dar igual importancia a los brazos y las piernas al realizar ballet, ya que esto aportará armonía y mayor expresividad al cuerpo en su conjunto. ^{[ 38 ]}

Desarrollado por Enrico Cecchetti (1850-1928), este método es conocido internacionalmente por su profundo énfasis en la comprensión de la anatomía aplicada al ballet clásico. Su objetivo es inculcar en los alumnos características esenciales para la interpretación del ballet, de modo que no tengan que depender de la imitación de sus maestros. Entre los componentes clave de este método se destacan el equilibrio, las elevaciones, el globo , la elegancia y la fuerza. ^{[ 39 ]}

Este método defiende la importancia de reconocer que todas las partes del cuerpo se mueven juntas para crear líneas bellas y elegantes, y por ello advierte contra la idea de concebir el ballet como partes separadas de los brazos, las piernas, el cuello y el torso. Este método es conocido por los ocho port de bras que se utilizan. ^{[ 35 ]}

El método Bournonville es un método danés ideado por primera vez por August Bournonville . Bournonville estuvo muy influenciado por el método de ballet francés antiguo debido a su formación con su padre, Antoine Bournonville , y otros importantes maestros de ballet franceses. Este método tiene muchas diferencias de estilo que lo distinguen de otros métodos de ballet que se enseñan en la actualidad. ^{[ 40 ]} Un componente clave es el uso de épaulements diagonales, con el torso girando típicamente hacia el pie de trabajo. Este método también incorpora un uso muy básico de los brazos, piruetas desde una posición développé baja a seconde, y el uso de bras en bas en quinta posición para el inicio y el final de los movimientos.

El método Bournonville produce bailarines que poseen un hermoso globo ("la ilusión de una ligereza imponderable"). ^{[ 41 ]}

El método de la Royal Academy of Dance , también conocido como el estilo inglés de ballet, fue establecido en 1920 por Genee, Karsavina, Bedells, E. Espinosa y Richardson. El objetivo de este método es promover la formación académica en ballet clásico en toda Gran Bretaña. Este estilo también se extendió a los Estados Unidos y se utiliza ampliamente en la actualidad. Existen niveles específicos que un estudiante debe superar para completar la formación en este método. ^{[ 42 ] [ 43 ]} El principio clave de este método de instrucción es que la técnica básica de ballet debe enseñarse a un ritmo lento, con una progresión de dificultad a menudo mucho más lenta que en los demás métodos. La idea es que si un estudiante se esfuerza mucho en perfeccionar los pasos básicos, la técnica aprendida en estos pasos le permitirá utilizar pasos más difíciles con mucha más facilidad. ^{[ 35 ]}

Desarrollado por George Balanchine en el New York City Ballet . Su método se basa en gran medida en su propia formación como bailarín en Rusia. La técnica se caracteriza por una velocidad extrema en todas las rutinas, énfasis en las líneas y pliés profundos. Quizás una de las diferencias más conocidas de este estilo sea la posición poco ortodoxa del cuerpo. ^{[ 35 ]} Los bailarines de este estilo suelen tener las manos e incluso los pies flexionados, y se colocan en posiciones de desequilibrio. Entre los estudios de ballet importantes que enseñan este método se encuentran el Miami City Ballet , la compañía Ballet Chicago Studio y la School of American Ballet en Nueva York. ^{[ 44 ]}

Las raíces del ballet se remontan al Renacimiento en Francia e Italia, cuando la indumentaria cortesana fue el origen de los trajes de ballet. Estos trajes existen desde principios del siglo XV. El algodón y la seda se mezclaban con lino y se tejían en una gasa semitransparente ^{[ 45 ]} para crear exquisitos trajes de ballet.

Durante el siglo XVII, se utilizaron diferentes tipos de telas y diseños para hacer que los trajes fueran más espectaculares y llamativos. El traje de corte se mantuvo para las mujeres durante este siglo. Las sedas, los satenes y las telas bordadas con oro auténtico y piedras preciosas aumentaron el nivel de espectacular decoración asociado con los trajes de ballet. ^{[ 45 ]} Los trajes de las mujeres también consistían en prendas pesadas y faldas hasta la rodilla, lo que les dificultaba realizar muchos movimientos y gestos.

Durante el siglo XVIII, el vestuario escénico aún era muy similar al de la corte, pero evolucionó con el tiempo, principalmente gracias al bailarín y maestro de ballet francés Jean-Georges Noverre (1727-1810), cuyas propuestas para modernizar el ballet se recogen en su revolucionaria obra Lettres sur la danse et les ballets (1760). El libro de Noverre cambió el enfoque de la producción, pasando del vestuario a los movimientos físicos y las emociones de los bailarines.

El ballet europeo tenía su centro en la Ópera de París . ^{[ 45 ]} Durante esta época, las faldas se elevaban unos centímetros del suelo. Flores, volantes, cintas y encajes realzaban este opulento estilo femenino, mientras que los suaves tonos pastel de limón, melocotón, rosa y pistacho dominaban la gama cromática. ^{[ 45 ]}

A principios del siglo XIX, se usaban trajes ajustados al cuerpo, coronas de flores, ramilletes y joyas. Los ideales del Romanticismo se reflejaban en los movimientos femeninos. ^{[ 45 ]}

Los trajes se volvieron mucho más ajustados con la introducción de los corsés, que realzaban las curvas de las bailarinas. Las joyas y los trajes adornados con lentejuelas se hicieron mucho más populares.

Durante el siglo XX, los trajes de ballet volvieron a inspirarse en el ballet ruso. Las faldas de las bailarinas se convirtieron en tutús hasta la rodilla, con el fin de lucir la precisión de sus puntas. Los colores utilizados en los trajes de escenario también se volvieron mucho más vibrantes. Los diseñadores emplearon colores como el rojo, el naranja y el amarillo para crear expresividad visual durante las actuaciones de las bailarinas.