A los hijos de nuestros hijos

To Our Children's Children's Children es el quinto álbum de The Moody Blues , publicado en noviembre de 1969.

El álbum fue el primero lanzado por el sello discográfico recién formado por el grupo, Threshold , que recibió su nombre del álbum anterior de la banda del mismo año, On the Threshold of a Dream . Se inspiró en el alunizaje de 1969. ^{[ 2 ]} El baterista Graeme Edge recuerda: "Fue una época muy emocionante. El hombre acababa de llegar a la luna y pensamos en el álbum como una especie de cápsula del tiempo: todos nuestros pensamientos y sentimientos sobre vivir en una era tan trascendental". ^{[ 3 ] [ 4 ]} El tecladista Mike Pinder agrega: "Para mí, estábamos creando un cohete para cada persona que quiere ir a la luna pero no pudo, y que podría hacerlo con los auriculares puestos o el estéreo a todo volumen, acostados boca arriba en la alfombra". ^{[ 3 ]}

Al igual que los tres álbumes anteriores del grupo, To Our Children's Children's Children es un álbum conceptual , con un tema común que une todas las canciones. Para Children , la banda se inspiró en la carrera espacial y el alunizaje del Apolo 11 en julio de 1969, que tuvo lugar durante las sesiones de grabación del álbum. El teclista Mike Pinder recuerda: "Estábamos viendo al hombre llegar a la luna. En el estudio, lo estábamos viendo. Recuerdo a Neil Armstrong aterrizando. No estábamos en el estudio esa noche, pero recuerdo que eran como las 4 de la mañana y yo estaba en mi apartamento en Londres. Recuerdo esa parte. Pero el álbum giraba en torno a la misión lunar y la aventura del hombre en el espacio. Este fue el comienzo de quizás descubrir el verdadero legado del hombre". ^{[ 5 ]} Hayward recuerda que el productor Tony Clarke fue una fuerza impulsora detrás del concepto: " To Our Children's Children's Children ... fue realmente impulsado por Tony Clarke, nuestro productor. Era algo que realmente quería hacer, y me alegra que hayamos podido compartirlo con él". ^{[ 6 ]} Explica: "Tenía una idea fija sobre hacer un álbum sobre el espacio; era astrónomo y seguía las estrellas. Construyó esta cúpula en el techo de su casa con grandes telescopios, ¡y solía ser bastante aburrido con eso! Pero era su creación, y su idea era realmente intentar hacer coincidir el lanzamiento de un álbum, a nuestra manera pretenciosa habitual, con el alunizaje. Yo ya había escrito una canción llamada 'Watching and Waiting', que fue hecha con este viejo órgano de tubos, y luego, para equilibrar eso, tuve la idea de 'Gypsy'". ^{[ 7 ]} Clarke confirma: "Tenía muchas ganas de que hiciéramos un álbum espacial, y en ese momento estaba muy inmerso en ese tipo de cosas. Ese era mi estado mental, y lo impulsé bastante en esa dirección, así que todos cedieron". ^{[ 3 ]}

El bajista John Lodge recuerda haber desarrollado el álbum preguntándose: "¿Cómo sería si fuéramos la gente en la nave espacial que va al espacio... a la luna, a Marte? ¿Qué pensaríamos? ¿Cuáles serían nuestros pensamientos? Y de eso trataba el álbum". ^{[ 8 ]} El álbum tiene el tema adicional del paso del tiempo. El baterista Graeme Edge explica: " To Our Children's Children fue como enterrado bajo una piedra para ser desenterrado en 200 años con una especie de sensación de cápsula del tiempo". ^{[ 9 ]} Continúa: "La idea detrás del álbum era imaginar que el disco había sido colocado bajo una piedra angular y no sería removido durante un par de cientos de años". ^{[ 10 ]}

El álbum, al igual que sus predecesores, comienza con un poema de Graeme Edge, "Higher and Higher", recitado por Mike Pinder. La introducción hablada está acompañada por una simulación musical del sonido del despegue del cohete Saturno V. La banda tenía la intención de comenzar el álbum con el sonido real grabado del lanzamiento del cohete de la misión lunar, y contactó a la NASA, que les proporcionó cintas. El sonido resultó insatisfactorio, lo que inspiró al grupo a grabar su propia interpretación con Mellotron e instrumentos de rock. Lodge recuerda: "De hecho, conseguimos que la NASA nos enviara una grabación del despegue de un cohete real, ¡pero cuando escuchamos la cinta sonaba como un petardo mojado! Tuvimos que ponernos a crear nuestro propio sonido de cohete, que terminó sonando más auténtico". ^{[ 10 ]} Pinder varía el tono de su voz en la pista, haciéndola más clara y fuerte a medida que avanza la canción. Para ayudar a lograr esto, se tapa la nariz y luego la suelta mientras recita los versos del poema. Recuerda: "Estuve tapándome la nariz hasta ese momento, y entonces, cuando 'la mariposa estornuda', fue cuando me abrí". ^{[ 5 ]}

La grabación de "Higher and Higher" representó un momento culminante en la producción del álbum. El ingeniero Derek Varnals recuerda cómo la banda recreó el efecto utilizando únicamente instrumentos musicales: "El estruendo de un cohete despegando se logró con varias capas de instrumentos. Teníamos amplificadores de guitarra a todo volumen, sin ningún instrumento sonando. Se puede obtener el sonido de un ruido blanco general retumbando en un amplificador. Teníamos un órgano Hammond y motores Mellotron funcionando, con micrófonos justo al lado de los motores. También teníamos tambores amortiguados y quizás un par de efectos electrónicos. Creo que el Hammond y el Mellotron iban subiendo gradualmente [la escala] para dar la sensación de un crescendo. La idea es dar la impresión de que uno está ascendiendo a la órbita, dejando atrás el propulsor, como todos hemos visto en las imágenes de la tercera etapa separándose y cayendo de nuevo a la Tierra". ^{[ 3 ]} Pinder añade: «Eran montones de teclados tocándose. Eran brazos cruzados sobre las teclas, empezando por un extremo y subiendo hasta el otro. Todos hacíamos algo parecido. Éramos cinco tipos con nuestros instrumentos, dándolo todo. Me gustó lo que hicimos, en cuanto al sonido: el hecho de que conseguimos recrear el sonido de un cohete despegando con nada más que instrumentos musicales. Sin duda, sentí una gran satisfacción al conseguirlo». ^{[ 3 ]}

La canción "Eyes of a Child" de Lodge cambia de tono y comienza con los sonidos más relajados de Pinder tocando un arpa dorada de 2,13 metros y Ray Thomas tocando una flauta bajo. ^{[ 3 ]} La canción reflexiona sobre los primeros momentos de la experiencia espacial tras el despegue. Considera el asombro que proporciona el viaje espacial y cómo sería la experiencia de ver los planetas y la Tierra desde una nueva perspectiva. Explica: "Realmente pensé: si estuvieras ahí fuera, ¿qué esperarías, qué verías si estuvieras en la nave espacial despegando? Y de repente me di cuenta de que si subieras allí con ideas preconcebidas y preprogramadas en tu mente, probablemente te lo perderías todo. Y entonces comprendí que así es como funciona un niño". ^{[ 8 ]} Continúa: «Cuando miras la vida a través de los ojos de un niño, hay asombro, ¿verdad? Los niños ven el mundo de manera diferente. Hay maravillas todos los días: cuando ves una mariposa volar, o cuando ves un pájaro volar, o cuando ves cualquier cosa, es un mundo maravilloso para que los niños lo vean. Pensé que, a medida que envejecemos, nos volvemos prejuiciosos, y si uno puede deshacerse de cualquier prejuicio, simplemente ve el mundo con ingenuidad, sin ninguna restricción. Es maravilloso que todos puedan ver todo en la vida sin ningún prejuicio». ^{[ 11 ]}

La caprichosa "Floating" del flautista Ray Thomas imagina un paseo en baja gravedad por la luna ^{[ 10 ]} antes de una repetición eléctrica de "Eyes of a Child". El baterista Graeme Edge comenta: "Mi tema favorito de To Our Children's Children's Children es 'Floating'. Como siempre, puedes contar con Ray para hacer una broma irreverente justo cuando todos nos pavoneamos con demasiada pomposidad!" ^{[ 3 ]}

«I Never Thought I'd Live to Be a Hundred» y su contraparte «I Never Thought I'd Live to Be a Million» reflexionan sobre el paso del tiempo y las experiencias y emociones de un largo viaje espacial. Hayward recuerda su composición: «Nunca pensé que llegaría a tener cien años ni que llegaría a tener un millón. Simplemente sentí que debía estar ahí de alguna manera para darle cierta perspectiva, para añadir a la distancia que el álbum ya ofrecía. Éramos un grupo que grababa de noche, cuando el resto del mundo estaba en silencio, y sigo haciéndolo. Compongo cuando soy la única persona despierta en el mundo, y así me gusta. Tener la oportunidad de plasmar esa dimensión en un disco de vez en cuando, de forma discreta, es muy gratificante. Sobre todo con esas dos pequeñas canciones, creo que no hay nada más, solo una guitarra y una voz». ^{[ 6 ]}

"Beyond" incluye secciones instrumentales interpretadas por Pinder en su Mellotron altamente personalizado, apodado "Pindertron". La canción demuestra la capacidad del instrumento para producir sonidos distintivos además de notas orquestales y servir como pieza central de una pista en lugar de ser solo un instrumento de acompañamiento. ^{[ 12 ]} La canción utiliza el Mellotron y la panoramización estéreo para crear efectos de otro mundo con el fin de transmitir la experiencia de observar los gigantes gaseosos mientras se viaja más allá, tomando inspiración de Los Planetas de Gustav Holst . ^{[ 3 ]} Tony Clarke recuerda el desafío: "Recuerdo haber pensado: 'Ahora, ¿cómo obtenemos el sonido de Saturno o Júpiter?'" La canción está acreditada a Edge, aunque Clarke recuerda que fue obra de Pinder, creada como preludio de "Out and In". ^{[ 13 ]}

«Out and In» se inspira en la fascinación que Pinder ha sentido toda su vida por el espacio y el cielo nocturno. Explica: «Sigue siendo una de mis canciones favoritas. La escribí "en mi interior" y se basa en las experiencias que tuve de niño mirando al cielo nocturno». ^{[ 3 ]} En una entrevista de 2014, relata cómo pasaba horas contemplando las estrellas de niño y cómo su interés se intensificó tras un par de experiencias con ovnis. Su temprana pasión le valió el apodo infantil de «Mickey el Niño Lunar». ^{[ 14 ]}

Las canciones de la cara B exploran la emoción de los viajes espaciales y la aceptación del aislamiento y la pérdida de conexión personal que conlleva un largo viaje en solitario. Comienza con el tema rockero "Gypsy (Of a Strange and Distant Time)", que se convertiría en la canción con la que el grupo abría sus conciertos en 1969 y 1970.

"Eternity Road" de Ray Thomas comienza con las palabras "Escucha, oye, aquí viene". En una entrevista, explica que las frases se inspiraron en sus primeras experiencias de niño en un refugio antiaéreo durante la Segunda Guerra Mundial: "Nací en 1941 y durante la guerra me llevaron al refugio antiaéreo. Allí estaba nuestra familia y otras dos familias que eran nuestros vecinos. A veces la Luftwaffe nos sobrevolaba incluso antes de que sonaran las sirenas. Todas las noches mi abuela decía 'Hark' y su amiga la Sra. Ackland, de al lado, decía 'Listen'. La Sra. James, que vivía al otro lado, decía entonces 'Ahí viene'. Así que se las conoció como 'Hark', 'Listen' y 'Ahí viene'. Eso se me quedó grabado y así fue como empecé 'Eternity Road'. ^{[ 15 ]} la letra 'Turning, spinning, catherine wheeling / Forever changing, there's no beginning' hace referencia a una rueda de catherine , un tipo de diseño de fuegos artificiales que gira. La canción presenta florituras de guitarra al estilo flamenco durante los crescendos.

La emotiva canción de Lodge, "La vela de la vida", reflexiona sobre la soledad al tiempo que aboga por la compasión.

Pinder reflexiona sobre su lugar en el universo en "Sun Is Still Shining". Explica que la letra de la canción, "Así que si quieres jugar, quédate en la Tierra, esperando el renacimiento", pretende ser una llamada de atención. Uno puede despertar y mantenerse centrado, o prestar atención a las distracciones mundanas. Lamenta que esto último haya prevalecido: "Ha llegado a representar la monotonía de la mediocridad en la vida de nuestra civilización. Toda esta grandeza [tecnológica] solo ha resultado en la sensación de lo mundano que prevalece". ^{[ 3 ]}

El álbum cerró con su único sencillo, "Watching and Waiting", cantado por Hayward y compuesto por él y Thomas. El grupo tenía grandes esperanzas en el éxito de la canción. Hayward recuerda: "La gente siempre me decía que necesitaba escribir otra canción que igualara a 'Nights in White Satin'. Cuando se me ocurrió 'Watching and Waiting', pensé que era una de mis mejores canciones hasta el momento, y todos estábamos seguros de que sería un éxito seguro. Cuando el sencillo no se vendió, todos estábamos desconcertados, aunque con la perspectiva que da el tiempo entiendo por qué no capturó la imaginación del público como lo hizo 'Nights in White Satin'". ^{[ 10 ]} Hayward escribió la canción antes de la concepción del tema del álbum, e hizo modificaciones para alinearla con el tema de los viajes espaciales. Recuerda: «Para que encajara con el tema, la cambié para que tratara, ya sabes, sobre un ser de un mundo perdido. Un mundo hermoso y solitario. La transformé de una simple canción de amor para darle esa dimensión en beneficio del álbum. Probablemente la hice mucho más oscura de lo necesario, pero aún me conmueve, y no estoy seguro de poder explicar por qué. Siento cada palabra, evoca imágenes en mí que me resultan particularmente emotivas. Tiene una dimensión espiritual, casi religiosa». ^{[ 7 ]}

El álbum se grabó en su mayor parte en Decca Studio One en West Hampstead en mayo, junio y julio de 1969 con sobregrabaciones adicionales en agosto y la mezcla final en septiembre de 1969. ^{[ 10 ] [ 3 ]} Tony Clarke volvió a ser el productor con el ingeniero Derek Varnals. Según los registros de Varnals, las pistas de acompañamiento de las canciones "Gypsy", "Eyes of a Child" (I y II), "Sun is Still Shining", "Watching and Waiting", "Floating" y "Beyond" datan de mayo. "Candle of Life" se grabó en Wessex Sound Studios el 25 de junio. "Out and In" se grabó el 11 y 12 de julio y "Eternity Road", "Higher and Higher" y "I Never Thought I'd Live to Be a Hundred/Million" se grabaron del 29 al 31 de julio, todas en West Hampstead. Al igual que su predecesor, On the Threshold of a Dream , el álbum fue grabado en el nuevo equipo de grabación de 8 pistas Sculley de Decca. ^{[ 3 ]}

La meticulosa producción, las múltiples capas de sobregrabaciones y la exuberante instrumentación dificultaron la reproducción del álbum en directo. En el momento de su lanzamiento, The Moody Blues solo pudieron interpretar "Gypsy" en vivo, lo que llevó a la decisión creativa de simplificar la producción de su siguiente álbum, A Question of Balance . Hayward reflexiona sobre la situación y recuerda la producción como "completamente oscura y egocéntrica... donde no podíamos tocar las canciones en el escenario: las sobregrabaciones eran imposibles, excesivas y estaban superpuestas". ^{[ 16 ]} Continúa: "Creo que ' To Our Children's Children's Children' es el único álbum de los Moody Blues que no tuvo éxito en la radio. No resonó; fue suave, fue tranquilo. Todos fueron muy delicados con él y lo trataron con sumo cuidado. La masterización fue silenciosa y la transferencia al disco fue delicada. Al final, terminó perdiéndose un poco. 'Watching and Waiting' — cuando escuchamos esa canción en su belleza de estudio, pensamos: '¡Esto es! Toda esa gente que nos había estado diciendo durante los últimos 3 o 4 años: 'Probablemente harán otro 'Nights in White Satin' con ella' — ¡no! Sentimos escalofríos y cosas así. Pero cuando salió y la escuchaste en la radio, no parabas de decir: '¡Súbele el volumen! ¡Súbele el volumen! ¡Oh, no, no va a funcionar!'. Así que no sucedió." ^{[ 17 ]} Pinder sugiere que la banda apuntó demasiado alto con la canción: "Esperábamos que un público amplio estuviera preparado para una canción así. Por supuesto, no tuvo éxito como sencillo y esa fue nuestra decepción. Sin embargo, era una de nuestras canciones más progresivas y complejas. Encarnaba gran parte de lo bueno de ser un ser humano y vivir en este planeta, en este sistema solar, en este universo. ¿Cómo puedo decirlo? Era simplemente de demasiada calidad. Era como un Rolls-Royce asequible para todos, pero todos estaban programados para pensar que nunca podrían tener un Rolls-Royce." ^{[ 3 ]}

La banda recuerda con cariño las sesiones, marcadas por una intensa creatividad y un maravilloso espíritu de trabajo en equipo. Según Clarke, «La intensidad fue tremenda: la camaradería, la interacción, las dudas, la diversión y la exploración. Creo que se refleja en la música. Guardo recuerdos muy felices de ese álbum». ^{[ 3 ]} Pinder añade que el álbum «todavía te transporta a otro mundo. En cierto modo, se adelantó a su tiempo, como lo hicieron los alunizajes al recordarlos hoy en día». ^{[ 3 ]}

La portada del álbum, desplegable, presenta una ilustración de Phil Travers, quien creó las dos portadas anteriores del grupo. La portada refleja el tema del álbum como un disco perdurable que se descubrirá siglos después como una reliquia. Representa una pintura rupestre, pero con elementos anacrónicos como un avión y un rifle. La funda interior muestra una imagen de la banda alrededor de una fogata en un planeta distante. Hayward explica: "Fue el interior de la funda lo que realmente decía algo. Nos representaban reunidos alrededor de una fogata en una cueva con solo instrumentos musicales y una grabadora, y afuera no había nada. No sé dónde estábamos, pero intentábamos proyectar la idea de que estábamos en un planeta que no era la Tierra, en algún lugar que era nuestra utopía". ^{[ 10 ]}

En 1969, la banda fundó su propio sello, Threshold Records, bajo licencia de Decca Records. To Our Children's Children's Children fue el primero de sus álbumes en ser lanzado bajo su propio sello. Lodge recuerda la motivación del grupo para tener su propia compañía discográfica: «Queríamos tener nuestro propio sello, donde no tuviéramos que discutir sobre las fundas desplegables o los folletos de nuestros álbumes. Veíamos tanto la música como el arte como un paquete completo y sentíamos que la publicidad y la promoción también debían formar parte de este paquete» ^{[ 18 ].} Continúa: «Control artístico total. Sentó un precedente sobre lo que queríamos hacer exactamente con nuestra música. Todo tenía que ser perfecto. Y no solo la música, no queríamos que nada pareciera una farsa o una estrategia publicitaria». ^{[ 19 ]} Lodge recuerda: «Llegó un punto en que hacíamos cada vez más cosas nosotros mismos. Empezamos a diseñar nuestros propios paquetes. Y cada vez nos sentíamos más identificados, así que finalmente fuimos a hablar con ellos y les dijimos: "¿Qué tal si nos dan la factura completa y ustedes solo se encargan de la distribución?". ¡Y dijeron que sí! En realidad no encajábamos en ninguna de las discográficas. El grupo y Sir Edward pensaron en tener nuestra propia discográfica dentro de Decca. De hecho, Graeme Edge y yo nos reunimos con Mick Jagger para ver si podíamos crear una discográfica juntos». ^{[ 20 ]} Tanto los Rolling Stones como los Moody Blues terminaron con sus propias discográficas dentro de Decca. Hayward recuerda que «el precedente era Apple , los Beatles eran los líderes y todos tendían a hacer lo que ellos hacían. Nuestra idea era un taller de artistas porque Decca estaba dispuesta a darnos tiempo de estudio y, al final, nos dieron un estudio. Eso nos dio control sobre nuestras propias másteres y portadas, que era lo que realmente queríamos». ^{[ 21 ]}

El grupo promocionó el álbum mediante una serie de giras por Norteamérica y el Reino Unido. Uno de los momentos culminantes de la gira "Threshold Roadshow" por el Reino Unido fue una actuación el 12 de diciembre de 1969 en el Royal Albert Hall , que fue grabada profesionalmente. El concierto se publicó en 1977 en Caught Live + 5 y de nuevo como lanzamiento independiente en 2023. ^{[ 22 ]}

To Our Children's Children's Children fue bien recibido por la crítica y vendió bien, alcanzando el número 2 en la lista de álbumes del Reino Unido ^{[ 23 ]} y el número 14 en los EE. UU., su mejor resultado hasta la fecha en ese país. ^{[ 24 ]} Si bien el sencillo lanzado de él, "Watching and Waiting", no tuvo éxito, "Gypsy (Of a Strange and Distant Time)" se convirtió en un favorito de la radio de rock orientada a los fans y al álbum , a pesar de nunca haber sido lanzado como sencillo, y permaneció en el repertorio de conciertos de la banda durante la década de 1970. El álbum fue mezclado y lanzado tanto en estéreo como en cuadrafónico .

El álbum desempeñó un papel en la diplomacia del ping-pong y fue el primer álbum de un grupo pop occidental que se reprodujo en China durante la era de Mao Zedong. En abril de 1971, el jugador inglés de tenis de mesa Trevor Taylor fue invitado a jugar en China como parte de la misión diplomática centrada en este deporte. ^{[ 25 ]} Compró una copia del disco en Singapur de camino al torneo en la China comunista y le pidió a su intérprete que lo pusiera en público. Recuerda: «Al principio no estaban muy convencidos; solo hay seis discos allí y todos son políticos». Era la primera vez que el público escuchaba música popular occidental, sin haber tenido contacto previo con Elvis Presley o The Beatles. ^{[ 26 ]}

El álbum fue uno de los que escuchó, en cinta de casete , la tripulación del Apolo 15 en 1971. ^{[ 27 ]}

• Justin Hayward – voz, guitarras, sitar
• John Lodge – voz, bajo, arpa, violonchelo, guitarra acústica
• Ray Thomas – voz, flauta, pandereta, flauta bajo , oboe
• Graeme Edge – batería, percusión
• Mike Pinder – voz, Mellotron , piano, EMS VCS 3 , órgano Hammond , guitarra acústica, celesta , contrabajo

Fuentes: ^{[ 28 ]}

• Productor: Tony Clarke
• Ingenieros: Derek Varnals / Adrian Martins / Robin Thompson
• Arte – Phil Travers
• Fotografía: David Wedgbury

• A los hijos de nuestros hijos en Discogs ( lista de lanzamientos)