Técnica del violonchelo

Los armónicos naturales se producen tocando ligeramente (pero sin presionar) la cuerda con el dedo en ciertos puntos, y luego frotándola con el arco (o, raramente, pulsándola). Por ejemplo, al tocar la mitad de la cuerda se obtiene un armónico una octava por encima de la cuerda al aire. Los armónicos naturales solo producen notas que forman parte de la serie armónica de una cuerda en particular.

Los armónicos artificiales (también llamados armónicos falsos o armónicos detenidos), en los que el intérprete presiona la cuerda completamente con un dedo mientras la toca ligeramente con otro, pueden producir cualquier nota por encima del do central. Generalmente, la nota que toca la cuerda se encuentra una cuarta justa por encima de la nota detenida , lo que produce un sonido dos octavas por encima de esta última, aunque existen otros intervalos.

El legato es una técnica que requiere que las notas se toquen con arco de forma continua, sin pausas entre ellas. Se puede lograr mediante el détaché , tocando cada nota con un arco separado de manera fluida, sin interrupciones ni acentos entre los cambios de arco. También se puede lograr mediante el ligado , ^{[ 5 ]} o tocando varias notas sucesivas con un solo arco, lo cual se indica en la partitura mediante una ligadura (línea curva) que marca encima o debajo —según su posición en el pentagrama— de las notas del pasaje que se va a tocar en legato.

En staccato , el intérprete mueve el arco una corta distancia y lo detiene sobre la cuerda, produciendo un sonido breve; el resto de la duración escrita se completa con silencio. En algunos casos, la nota marcada como staccato se toca a la mitad de su valor, siendo la otra mitad un silencio. En otras palabras, una negra se convertiría en una corchea con un silencio de corchea. ^{[ 6 ]} Se indica escribiendo un pequeño punto encima o debajo de la nota, según su posición en el pentagrama.

A un tempo rápido , resulta difícil usar el arco para extraer el sonido de cada nota, por lo que es necesario golpear la cuerda con las cerdas del arco, manteniendo un ligero movimiento horizontal para que cada nota suene con claridad. Para tocar spiccato , el arco debe controlarse con la muñeca y los dedos, en lugar de con todo el brazo como en el legato. Como resultado, el arco rebota en la cuerda, produciendo un sonido nítido y percusivo que hace que cada nota sea audible incluso en pasajes rápidos.

El sautillé es una técnica que se utiliza para tocar notas con arco a un tempo rápido, pero no lo suficientemente veloz como para requerir spiccato. Cuando los tempos son demasiado rápidos para un détaché controlado, es necesario que el arco rebote ligeramente sobre la cuerda con la muñeca, de forma similar al spiccato. Sin embargo, cuando los tempos no son lo suficientemente rápidos para un spiccato completamente separado y nítido, las notas permanecen ligeramente conectadas, creando un sonido de roce o raspado característico del movimiento sautillé.

Sul ponticello ("sobre el puente") se refiere a tocar con el arco más cerca del puente, mientras que sul tasto ("sobre el diapasón") requiere tocar con el arco más cerca del extremo del diapasón. (Al leer música, "tasto" también puede significar tocar con el arco en posición normal después de haber tocado "ponticello"). Ponticello requiere más peso del arco y una velocidad de arco más lenta, y produce un sonido más "duro", con un fuerte contenido de armónicos. Sul tasto, en casos extremos llamado "flautando", produce un sonido más parecido al de la flauta, con mayor énfasis en la frecuencia fundamental de la nota y armónicos más suaves.

Un intérprete que utiliza la técnica col legno frota las cuerdas con la madera del arco en lugar de las cerdas. Existen dos variantes: col legno battuto y col legno tratto . Col legno battuto se ejecuta como una técnica percusiva sin prolongar el sonido. La alternativa mucho menos común es col legno tratto , en la que la madera se desliza sobre la cuerda como se hace con las cerdas en una arcada normal .

En partituras musicales, con sord significa "con sordina" en italiano, y senza sord significa "sin sordina". La sordina es un dispositivo que modifica el sonido ^{[ 7 ]} y que, generalmente, está hecho de goma cuando se utiliza en instrumentos de cuerda, con el fin de amortiguar las vibraciones de la cuerda. En el violonchelo, se puede sujetar al puente cuando sea necesario y se puede quitar y fijar a las cuerdas debajo del puente cuando no se utilice. ^{[ 8 ]}

En la técnica pizzicato , la cuerda se tira hacia arriba con los dedos (generalmente el pulgar o el índice) en lugar de tocarla con el arco. ^{[ 7 ]} Pizzicato se abrevia a menudo como "pizz". La posición de la mano es ligeramente sobre el diapasón y alejada del puente. Normalmente esto se hace con la mano derecha, mientras que el arco se mantiene alejado de las cuerdas con el resto de la mano o (para pasajes largos) se apoya. Se puede tocar una sola cuerda en pizzicato, o bien tocar cuerdas dobles, triples o cuádruples. Ocasionalmente, el intérprete debe tocar una cuerda con el arco con la mano derecha y pulsar simultáneamente otra con la izquierda, o incluso rasguear con ambas manos al mismo tiempo. Esto se indica con un "+" encima de la nota. También es posible rasguear acordes, al estilo de la guitarra.

Los acordes dobles implican tocar dos notas simultáneamente. Se pulsan dos cuerdas al mismo tiempo y se tira del arco para que suenen ambas a la vez. También se pueden tocar acordes triples y cuádruples (de forma "rota", sin tocar ninguna nota), pero son difíciles de mantener debido al cambio de inclinación del puente. Para ampliar esta técnica, Frances-Marie Uitti inventó un sistema de dos arcos: uno toca por encima de las cuerdas y el otro por debajo, lo que permite tocar acordes triples y cuádruples sostenidos. Sin embargo, esta técnica es muy poco común.

Utilizando cualquier parte del cuerpo del violonchelo (incluidas las cuerdas), se pueden producir sonidos percusivos golpeando el instrumento con las manos o con objetos. ^{[ 7 ]} Esta es una técnica que se puede ejecutar de diversas maneras y que probablemente será definida por el compositor de la pieza que la requiera.

La escuela francesa tuvo un impacto que se extendió durante siglos y que perdura hasta nuestros días. La interpretación francesa suele asociarse con el refinamiento, la delicadeza y la elegancia. Sin embargo, durante el siglo XVIII en el norte de Europa, el violonchelo aún se consideraba un instrumento humilde y rudimentario en comparación con la viola da gamba. La escuela francesa de violonchelo evolucionó gracias a la exquisita interpretación de Martin Berteau (circa 1700-1771). A pesar de mantener la técnica de arco por debajo de la mano propia de la viola da gamba, su dulce timbre y profunda expresividad influyeron enormemente en sus alumnos, Jean Pierre Duport , Tillière y Jean Baptiste Cupis. Berteau desarrolló un sistema de digitación sencillo, que incorporaba el uso del pulgar e introducía el uso de armónicos naturales y artificiales, algo bastante inusual para el violonchelo en aquella época. Consideraba que la digitación del violonchelo debía emular la del violín , donde cada dedo toca un semitono . ^{[ 9 ]}

Originalmente existían dos corrientes de estilo en la escuela alemana de violonchelo: la de los seguidores de Bernhard Romberg (1767-1841) en Alemania y la de Friedrich Dotzauer (1783-1860) en Bonn . Bernhard Romberg , un intérprete excepcional, fue el responsable de simplificar la notación para violonchelo. En aquella época, compositores como Boccherini a veces escribían las partes de violonchelo en cinco claves diferentes. Beethoven y Mozart, cuando escribían para violonchelo en clave de sol, lo hacían una octava más alta de la que debía sonar. Romberg simplificó la notación, limitando la música para violonchelo a tres claves: la de fa, la de tenor y la de sol (que sonaba donde estaba escrita). Romberg también introdujo un diapasón más largo, con un mástil más largo en el instrumento, lo que permitió a los violonchelistas alcanzar posiciones más agudas con el pulgar. Estableció la notación para el pulgar, un círculo con una pequeña línea (véase el diagrama) y también modificó el lado de la cuerda C del violonchelo para que pudiera resonar más. ^{[ 10 ]}

Mientras tanto, la corte de Dresde atrajo a algunos de los mejores músicos, entre ellos Friedrich Dotzauer . Aunque Dotzauer seguía tocando sin pica, fue el primero en abogar por sujetar el arco más cerca del talón, el extremo de ébano de la vara. Esto permitía un mayor control de la mano derecha y una mejor producción del sonido. También abogó por limitar el uso del vibrato. La belleza y la pureza del tono se convirtieron en primordiales. ^{[ 11 ]}

La escuela rusa se desarrolló un poco más tarde que sus contrapartes francesa y alemana, con cierta influencia de la escuela alemana. La primera persona destacada en organizar su estilo de interpretación fue el violonchelista Karl Davydov . Recibió instrucción de Friedrich Grützmacher en Leipzig, lo que le proporcionó una sólida base sobre la cual desarrolló aún más su técnica. Mientras que las escuelas alemanas hacían mayor hincapié en la técnica de la mano izquierda, Davydov también contribuyó a la técnica del arco. Introdujo una sujeción del arco más suelta y, especialmente, una muñeca relajada donde el dedo índice se utilizaba para controlar la presión. ^{[ 12 ]}