Composición (artes visuales)

Las líneas son fenómenos ópticos que permiten al artista dirigir la mirada del espectador. La ilusión óptica de las líneas existe en la naturaleza y, en las artes visuales, los elementos pueden disponerse para crearla. El espectador «lee» inconscientemente la imagen a través de la disposición continua de diferentes elementos y sujetos a distintas distancias. Dichos elementos pueden tener un gran impacto visual en la composición de la imagen. Podrían ser líneas literales, como cables telefónicos y eléctricos o aparejos en barcos. Las líneas también pueden derivarse de los bordes de diferentes colores o contrastes, o de secuencias de elementos discretos. El movimiento también es fuente de líneas, donde el movimiento borroso se representa como una línea. ^{[ 1 ]}

Las líneas de fondo contribuyen tanto al ambiente como a la perspectiva lineal , creando en el espectador la ilusión de profundidad. Las líneas oblicuas transmiten una sensación de movimiento, y las angulares, por lo general, dinamismo y posiblemente tensión. Las líneas también pueden dirigir la atención hacia el sujeto principal de la imagen o contribuir a su organización dividiéndola en compartimentos. El artista puede exagerar o crear líneas, tal vez como parte de su mensaje al espectador. Muchas líneas sin un punto de referencia claro sugieren caos en la imagen y pueden entrar en conflicto con el ambiente que el artista intenta evocar.

El ángulo de una línea y su relación con el tamaño del encuadre influyen en la perspectiva de la imagen. Las líneas horizontales, comunes en la fotografía de paisajes , pueden transmitir una sensación de calma, tranquilidad y amplitud. Una imagen con líneas verticales marcadas tiende a dar una apariencia de altura y grandeza. Las líneas convergentes con ángulos pronunciados aportan dinamismo, vivacidad y dinamismo a la imagen. Las líneas con giros firmes, casi diagonales, generan tensión en la composición. El punto de vista es fundamental en el arte visual, ya que cada perspectiva muestra líneas con ángulos diferentes. Este cambio de perspectiva provoca una respuesta distinta a la imagen. Modificar el ángulo tan solo unos grados o centímetros puede tener un efecto enorme en las líneas y transmitir una sensación diferente. Las líneas rectas también se ven fuertemente influenciadas por el tono, el color y la repetición con respecto al resto de la imagen.

En comparación con las líneas rectas, las curvas aportan una mayor dinámica a una imagen. Además, suelen ser más atractivas estéticamente, ya que el espectador las asocia con la naturaleza y la suavidad. En fotografía, las líneas curvas pueden generar sombras graduales al combinarse con una iluminación suave y direccional, lo que generalmente resulta en una estructura de líneas muy armoniosa dentro de la imagen. Existen dos tipos principales de curvas: la curva en "C" simple y la curva en "S" más sinuosa . ^{[ 2 ]}

El color posee tres propiedades: matiz, brillo o croma y valor. El matiz es el nombre de un color (rojo, amarillo, azul, etc.). El brillo y el croma se refieren a la intensidad y fuerza del color. Un color con alto croma es más puro y menos grisáceo que uno con bajo croma. La claridad u oscuridad de un color se denomina valor. El color también tiene la capacidad de influir en nuestras emociones. Por lo tanto, podemos usarlo para crear estados de ánimo. También puede utilizarse como tono, patrón, luz, movimiento, símbolo, forma, armonía y contraste. ^{[ 3 ] [ 4 ]}

La textura se refiere a cómo se siente un objeto al tacto o cómo parece que se sentiría al tocarlo. Experimentamos la textura de dos maneras: física y ópticamente. Se pueden utilizar diferentes técnicas para crear textura física, lo que permite apreciar y sentir las cualidades del arte visual. Esto incluye superficies como metal, arena y madera. La textura óptica se crea mediante la ilusión de textura física. La fotografía, la pintura y el dibujo utilizan la textura visual para lograr una apariencia más realista. ^{[ 5 ]}

La claridad y la oscuridad se conocen como valor en las artes visuales. El valor se refiere a cómo la luz se refleja en los objetos y cómo la percibimos. Cuanta más luz se refleja, mayor es el valor. El blanco es el valor más alto o claro, mientras que el negro es el más bajo o oscuro. Los colores también tienen valor; por ejemplo, el amarillo tiene un valor alto, mientras que el azul y el rojo tienen un valor bajo. Si se toma una fotografía en blanco y negro de una escena colorida, solo quedan los valores. Este importante elemento del diseño, especialmente en la pintura y el dibujo, permite al artista crear la ilusión de luz mediante el contraste de valores. ^{[ 6 ]}

En las artes visuales, el término forma puede tener diferentes significados. Se refiere a un objeto tridimensional en el espacio. También se describe como la naturaleza física de la obra de arte, como las esculturas. Asimismo, puede considerarse como una forma artística, expresada a través de las bellas artes. Una forma encierra volumen y posee longitud, anchura y altura, a diferencia de una figura, que es bidimensional. Las formas matemáticas, como la esfera, la pirámide, el cubo, el cilindro y el cono, se conocen como formas geométricas. Las formas orgánicas suelen ser irregulares y asimétricas. Estas formas se encuentran en la naturaleza, como en las flores, las rocas y los árboles, pero también en la arquitectura. ^{[ 7 ]}

En el dibujo y la pintura, las formas transmiten la ilusión de tridimensionalidad mediante la iluminación, las sombras, el valor tonal y el tono. Cuanto mayor sea el contraste tonal, más pronunciada será la tridimensionalidad. Las formas con poco valor tonal parecen más planas que aquellas con mayor variación y contraste.

El espacio es el área que rodea, sube y se encuentra dentro de un objeto. Los fotógrafos capturan el espacio, los arquitectos lo construyen y los pintores lo crean. Este elemento está presente en todas las artes visuales. Puede ser positivo o negativo, abierto o cerrado, superficial o profundo, y bidimensional o tridimensional. En el dibujo o la pintura, el espacio no existe realmente, sino que se crea su ilusión. El espacio positivo es el sujeto de la obra. Los espacios vacíos que rodean, suben y se encuentran dentro constituyen el espacio negativo . ^{[ 8 ] [ 9 ]}

La regla de los tercios es una guía de composición que establece que disponer los elementos importantes de una imagen sobre o cerca de las líneas horizontales y verticales que la dividen en tercios resulta visualmente agradable. El objetivo es evitar que los sujetos y las áreas de interés (como el horizonte) dividan la imagen por la mitad, colocándolos cerca de una de las líneas que la dividen en tres columnas y filas iguales, idealmente cerca de la intersección de dichas líneas.

Se cree que la regla de los tercios es una simplificación de la proporción áurea . Se piensa que los artistas a lo largo de la historia han utilizado la proporción áurea como guía de composición, pero hay poca evidencia que respalde esta afirmación .

La «regla de los impares» sugiere que un número impar de sujetos en una imagen resulta más interesante que un número par. Por lo tanto, si tienes más de un sujeto en tu fotografía, se recomienda elegir una composición con al menos tres. Un número par de sujetos genera simetrías en la imagen, lo que puede resultar menos natural para una composición naturalista e informal.

Por ejemplo, una imagen de una persona rodeada/enmarcada por otras dos personas, donde la persona en el centro es el objeto de interés de esa imagen/obra de arte, tiene más probabilidades de ser percibida como amigable y reconfortante por el espectador, que una imagen de una sola persona sin un entorno significativo.

La regla del espacio se aplica a las obras de arte (fotografía, publicidad, ilustración) que representan objetos a los que el artista quiere aplicar la ilusión de movimiento, o que se supone que crean una burbuja contextual en la mente del espectador.

Esto se puede lograr, por ejemplo, dejando espacio en blanco en la dirección en que miran los ojos de la persona retratada, o, al representar a un corredor, agregando espacio en blanco delante de él en lugar de detrás para indicar movimiento. Estudios con participantes sin experiencia han confirmado esta preferencia. ^{[ 11 ]}

Las imágenes con elementos superfluos pueden distraer la atención de los elementos principales y dificultar la identificación del sujeto. Al reducir el contenido irrelevante, el espectador tiende a concentrarse en los objetos principales. El desorden también se puede reducir mediante la iluminación, ya que las zonas más brillantes de la imagen, así como las líneas, los cuadrados y el color, suelen atraer la mirada. En pintura, el artista puede utilizar pinceladas menos detalladas y definidas hacia los bordes del cuadro, eliminando los elementos que se centran en el objeto principal y conservando solo los componentes necesarios.

Relacionada con la regla de los impares, se encuentra la observación de que los triángulos constituyen una forma implícita estéticamente agradable dentro de una imagen. En un rostro canónicamente atractivo, la boca y los ojos se ubican dentro de los vértices del área de un triángulo equilátero. Paul Cézanne utilizó con éxito triángulos en sus composiciones de naturaleza muerta . Un formato triangular crea una sensación de estabilidad y fortaleza.

Generalmente se considera que una imagen resulta más agradable al espectador si invita a la mirada a recorrerla, en lugar de fijarla inmediatamente en un solo punto o en ninguno en particular. Los artistas suelen esforzarse por evitar composiciones estáticas o planas, incorporando movimiento a la imagen. En la imagen A, las dos montañas tienen el mismo tamaño y están una al lado de la otra, creando una imagen muy estática y poco interesante. En la imagen B, las montañas tienen tamaños diferentes y una está más cerca del horizonte, guiando la mirada de una montaña a la otra y creando una imagen más interesante y agradable. Esto también resulta más natural, ya que en la naturaleza los objetos rara vez tienen el mismo tamaño y están espaciados uniformemente.

• Debe haber un centro de interés o enfoque en el trabajo, para evitar que se convierta en un patrón en sí mismo.
• La dirección que sigue la mirada del espectador debe guiarla a través de todos los elementos de la obra antes de salir de la imagen.
• El sujeto no debe estar mirando hacia afuera de la imagen.
• Debe evitarse la bisección exacta del espacio de la imagen.
• Los elementos pequeños y de alto contraste tienen tanto impacto como los elementos más grandes y apagados.
• El elemento principal debe estar descentrado, a menos que se desee una composición simétrica o formal, y puede equilibrarse con elementos satélite más pequeños.
• La línea del horizonte no debe dividir la obra de arte en dos partes iguales, sino que debe posicionarse para enfatizar el cielo o el suelo; mostrando más cielo si la pintura representa nubes, amaneceres o atardeceres, y más suelo si se trata de un paisaje.
• El uso de áreas detalladas y áreas de "descanso" puede ayudar a guiar la mirada hacia dónde dirigirla. Crear un contraste entre detalle y falta de detalle es importante.

Estos principios pueden servir de base para una buena composición, pero no pueden aplicarse por separado, sino que deben actuar conjuntamente para formar una buena composición.

• Asimismo, en una obra de arte, se sugiere que los espacios entre los objetos no deben ser iguales para crear una imagen más interesante.