Concepto musical

Un musical conceptual es una obra de teatro musical con un libreto y una partitura estructurados para desarrollar y plasmar un tema o mensaje, en lugar de transmitir una trama narrativa .

Este formato se popularizó con Man of La Mancha (1965), Cabaret (1966) y Hair (1967), y Company (1970) allanó el camino para musicales conceptuales más audaces.

Las trayectorias del productor y director Harold Prince , del compositor Stephen Sondheim y del director y coreógrafo Bob Fosse están estrechamente ligadas a este género.

El término «musical conceptual» fue influenciado por la reseña de Zorba publicada en 1968 en el New York Times por el crítico Martin Gottfried . ^{[ 1 ]} Refiriéndose a la dirección de Harold Prince más que al espectáculo en sí, Gottfried escribió: «La concepción es la palabra clave aquí; es lo que viene a reemplazar la idea de un "libreto"... hay incluso menos espacio que en el musical habitual [para la historia] porque el concepto de Prince... aparentemente se impuso en todas las cuestiones sobre recortes». ^{[ 2 ]} En su reseña de Follies de 1971 , Gottfried definió el musical conceptual como «un espectáculo cuya música, letra, danza, movimiento escénico y diálogo se entrelazan para crear un tema a modo de tapiz (en lugar de apoyar una trama)». ^{[ 3 ]}

Los musicales conceptuales hacen hincapié en el estilo, el mensaje y la metáfora temática más que en la trama en sí, ^{[ 4 ]} por lo que la estructura del espectáculo rara vez es cohesiva o lineal. Entendiéndose principalmente por su enfoque holístico de cada espectáculo, el musical conceptual busca la representación artística del tema en cada aspecto de la producción final. Distinguiéndolo de otras formas de teatro musical: «En la comedia musical no hay tema. La revista utiliza un tema para unificar números musicales dispares y actos especiales. El musical integrado contiene un tema. En cambio, el musical conceptual encarna un tema que se desarrolla a medida que se escribe el musical». ^{[ 1 ]}

Los musicales conceptuales comparten características estructurales y técnicas de puesta en escena comunes: las canciones "puntúan la historia en lugar de fluir de ella", sirviendo como medio de autorreflexión para el personaje y como comentario sobre el tema. ^{[ 1 ] [ 5 ]} El mensaje del espectáculo a menudo impulsa en su director un "énfasis renovado en los aspectos visuales de la representación... [que lleva] a una puesta en escena más abstracta, irreal y no representacional, ya que el director tiene que liberarse de los límites de la verosimilitud escénica para explorar la dinámica visual del escenario". ^{[ 1 ]} La atención prestada a la presentación visual convierte al musical conceptual en la forma más expresiva e imagista del teatro musical. El historiador teatral Vagelis Siropoulos señala que "una sensación de totalidad estética no la proporciona el desarrollo lineal de una narrativa, sino el concepto general de puesta en escena, que dirige la atención del espectador al principio general de organización de la misma manera que lo hace una pintura abstracta". ^{[ 6 ]}

La estructura no lineal del musical conceptual y su enfoque en el tema sugieren las obras de Bertolt Brecht . ^{[ 7 ]} Se puede establecer una conexión similar con los Living Newspapers de la década de 1930. ^{[ 5 ]} La producción de Broadway de 1941 de Lady in the Dark de Kurt Weill , Ira Gershwin y Moss Hart ofreció indicios tempranos del género: la atención a los personajes y su constitución psicológica, en lugar de la trama y su hilo conductor, presagia la prioridad que el musical conceptual otorga a la expresión personal. Weill favorecería las ideas sobre la narrativa lineal a lo largo de su carrera. ^{[ 5 ] [ 7 ]}

Las convenciones del musical posterior a la Segunda Guerra Mundial fueron exploradas en Allegro (1947) de Rodgers y Hammerstein , así como en Love Life (1948) de Weill y Alan Jay Lerner . ^{[ 7 ]}

Allegro , que trata sobre un hijo que sigue los pasos de su padre, representa un "experimento musical" llevado a cabo por Rodgers y Hammerstein. Desafiando "prácticamente todas las convenciones del teatro musical" de la época, su coro griego interrumpe frecuentemente la narración, y el espectáculo se centra en un tema más amplio de lucha personal frente al éxito. ^{[ 8 ]} Minimalista en su puesta en escena, se utilizaron patrones de luz para representar tanto espacios como emociones, mientras que cada personaje tuvo un solo, sin que ninguno destacara. Aunque Allegro mantiene una naturaleza lineal y la trama continúa independientemente de los interludios corales, la historia en particular se cede, sin duda, al concepto de que el éxito corrompe. ^{[ 1 ]} El espectáculo fue un fracaso de crítica, que muchos historiadores del teatro atribuyen a la inexperiencia de la directora y coreógrafa Agnes de Mille . Desanimados, Rodgers y Hammerstein volvieron a un formato más tradicional. ^{[ 8 ]} Sin embargo, Allegro "abrió la puerta a una nueva y espléndida forma de escribir para el teatro musical". ^{[ 9 ]} El espectáculo plantó una semilla temprana del concepto de musical con Stephen Sondheim , quien fue mentorizado por Hammerstein y trabajó como asistente de producción en Allegro . ^{[ 1 ]}

Love Life , la historia de un matrimonio que dura más de un siglo, «ignoró el uso tradicional del tiempo, interrumpió su acción con impactantes números de vodevil que comentaban la historia y... trató de ilustrar ideas sociológicas estableciendo paralelismos con una relación personal de larga duración». ^{[ 7 ]} Liberado de su habitual colaboración con Loewe , la creciente experimentación de Lerner con el género se representa en Love Life . Al igual que Allegro , la narrativa no es explícitamente lineal, explorando el tema del matrimonio a través de diversas perspectivas. Sondheim ha declarado que Love Life fue una «influencia útil» en su propio trabajo, «pero fracasó porque partió de una idea en lugar de un personaje». ^{[ 8 ] [ 10 ]}

El musical conceptual surge de la creciente preocupación por la cohesión de una producción en particular: a diferencia de los compositores "que simplemente encontraban una buena historia y la musicalizaban, ahora se consideraba apropiado (y artísticamente más satisfactorio) tener una visión de todo el espectáculo". ^{[ 11 ]} Leonard Bernstein fue una figura clave en este movimiento, con sus espectáculos de 1956 Candide y West Side Story que representaron un "experimento radical en la escritura de libretos" dominado por el tema y la metáfora. ^{[ 4 ]} La creciente maduración del teatro musical permitió que el género se convirtiera en "un vehículo para el comentario social y la experimentación en la forma", ^{[ 1 ]} incluyendo enfoques narrativos fragmentados en The Fantasticks (1960) y Stop the World – I Want to Get Off (1961), con el musical conceptual emergiendo a la vanguardia de este movimiento.

década de 1970

"El musical conceptual llegó con Company , un musical que logró ser atractivo para el público incluso cuando rompió casi todas las reglas de la comedia musical." ^{[ 7 ]} El espectáculo de 1970, con música y letra de Sondheim y libreto de George Furth , se centra en Bobby, un hombre soltero que vive en la ciudad de Nueva York en vísperas de su trigésimo quinto cumpleaños. Examina sus relaciones románticas y personales con varias novias y diversos amigos casados. El éxito de crítica de Company allanó el camino para que Sondheim continuara innovando con el género, ^{[ 14 ]} creyendo que cada espectáculo debería contener "una metáfora secreta que nadie conoce excepto los autores". ^{[ 2 ]} Al igual que Prince, Sondheim tenía "instintos en [su] enfoque... que recuerdan a Brecht y Weill". ^{[ 10 ]} Los temas y problemas de Sondheim pretenden confrontar al público en lugar de proporcionarle una vía de escape. ^{[ 14 ]} La escritura de Sondheim se adhiere al principio de que "el contenido dicta la forma", un enfoque muy adecuado para el musical conceptual. ^{[ 15 ]}

Follies se estrenó en 1971 en el Winter Garden Theatre , ganando el premio Tony a la Mejor Música y Letra y elpremio del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York al Mejor Musical. Dirigida por Prince y Bennett, con coreografía de Bennett, Follies puede interpretarse como un comentario sobre Estados Unidos bajo lapresidencia de Nixon . ^{[ 14 ]} Al más puro estilo Sondheim, el contenido define su forma: los paralelismos de los personajes jóvenes, reflejados en sus versiones adultas, crean múltiples permutaciones estructurales y confrontaciones, rompiendo con la linealidad narrativa. Ambientada en un contexto de glamour decadente y caminos no elegidos, la obra «contradice la preocupación de Sondheim por la elección y sus consecuencias, o más bien la subvierte, convirtiéndola en la comprensión de que equivocarse al elegir o ser incapaz de elegir es una constante». ^{[ 16 ]}

Después de dirigir la versión cinematográfica de Cabaret , el director y coreógrafo Bob Fosse ayudó a dar forma al musical de Broadway de 1972 , Pippin , escrito por Stephen Schwartz y Roger Hirson. ^{[ 8 ]} La visión conceptual de Fosse para Chicago , que se estrenó en Broadway en 1975, presentaba rutinas de vodevil que "comentaban el sistema de justicia y encarcelamiento en Chicago en la década de 1920... Kander y Ebb , Fosse y Prince estaban avanzando en la convención de que los personajes tienen dos modos de existencia en los musicales. Estaban tomando la convención literalmente, colocando escenarios del mundo del espectáculo junto a escenarios 'reales'... y dejando que ambos se superpusieran". ^{[ 4 ]}

La frase "concebido por" precedía al nombre de Michael Bennett en A Chorus Line . A menudo citado como el musical conceptual por excelencia, la popularidad de la producción de 1975 del New York Shakespeare Festival/Public Theater y su posterior traslado a Broadway impulsaron el creciente fenómeno del musical conceptual. ^{[ 17 ]} Basado en entrevistas con bailarines reales, el espectáculo utiliza la premisa de una audición para revelar las complejas vidas de los miembros del coro, hasta entonces anónimos. ^{[ 8 ]}

Pacific Overtures , entre las partituras menos conocidas de Sondheim, delinea un tema de ilusión ingenua que madura hasta la aceptación. ^{[ 14 ]} El espectáculo, dirigido por Prince, se estrenó en el Winter Garden Theatre en 1976, ganando el premio del Círculo de Críticos de Teatro al Mejor Musical. Sondheim explicó su proceso de escritura para el espectáculo: "Lo que hicimos fue crear en nuestras cabezas a un dramaturgo japonés mítico, que ha venido a Nueva York, ha visto un par de espectáculos de Broadway y luego regresa a casa y escribe un musical sobre la visita del Comodoro Perry a Japón. Es esta premisa la que nos ayudó a darnos el tono y el estilo para el espectáculo". ^{[ 16 ]} El espectáculo mezcla formas tradicionales de kabuki y vodevil para presentar un punto de vista único. Sweeney Todd (1979) de Sondheim extendió los límites del género hacia el terror.

Década de 1980 y posteriores

El fracaso de Sondheim de 1981, Merrily We Roll Along, narra la historia de un trío de amigos que retroceden en el tiempo desde la jubilación hasta la juventud, mientras que su obra Sunday in the Park with George (1983) está inspirada en una pintura neoimpresionista .

Los musicales conceptuales experimentales y expresivos fueron precursores del género megamusical , que priorizó el espectáculo y la tecnología escénica para "radicalizar el potencial de imágenes del teatro musical". ^{[ 6 ]} Estrenado por primera vez en 1981, Cats "anunció el amanecer de una nueva era musical posmoderna, encapsulando la principal diferencia entre el musical conceptual y el megamusical". Aunque el espectáculo se basa en un concepto en lugar de una trama lineal, el autor Andrew Lloyd Webber pretendía crear un espectáculo que no estuviera destinado a "reflejar [o] comentar sobre el mundo, ni siquiera de una manera oblicua y metafórica". ^{[ 6 ]} Esta fue una diferencia drástica con respecto a las metáforas que definieron el musical conceptual.

Starlight Express , un "experimento" de Lloyd Webber representado en el West End en 1984 y en Broadway en 1987, ^{[ 9 ]} utilizó la idea de trenes representados por un elenco en patines sin preocuparse por una trama lineal. ^{[ 18 ]} El concepto original era ser un "evento de entretenimiento para niños amantes de los trenes". Lloyd Webber ha declarado que el resultado "no fue exactamente lo que pretendíamos", dado que "la alegría y la sensación de pura diversión que era la intención original parecían haberse perdido". ^{[ 9 ]}

La obra Assassins de Sondheim , dirigida por Jerry Zaks , se estrenó Off-Broadway en Playwrights Horizons en 1991, sin protagonista ni trama lineal. La obra salta cronológicamente de un lado a otro, explorando los motivos y esfuerzos de los asesinos, tanto consumados como aspirantes, de varios presidentes de Estados Unidos . Su número de escenas cortas, muchas de ellas burdas y cómicas, recuerda la estructura de Company . ^{[ 16 ]}

Los creadores de Avenue Q (2003) pretendían crear algo que "no se desarrollara como una historia", pero que no fuera una revista musical propiamente dicha, "utilizando una especie de lógica de internet, una lógica de hipervínculos para pasar de un tema a otro". ^{[ 19 ]} Mediante una serie de viñetas y situaciones aisladas para comentar la idea central, la estructura circular sigue la búsqueda de propósito del personaje principal en su proceso de maduración. Ninguna de las escenas "lo acerca a descubrir su propósito, lo que indica que los acontecimientos del musical continuarán después de que se complete la sección compartida con el público". ^{[ 1 ]}

Mucho se ha escrito sobre la importancia y el impacto del musical conceptual. La teórica y crítica teatral Kathryn Edney cree que el musical conceptual "rara vez es popular o particularmente rentable, aunque a menudo cosecha elogios de la crítica, atención académica y un grupo de seguidores de culto entre los conocedores del teatro musical". Postula que las discrepancias entre el musical conceptual y el megamusical son resultado directo de los esfuerzos de Sondheim y Lloyd Webber, cuyos "estilos musicales y personales contrapuestos... polarizaron a los fanáticos de este género. Se supone que uno no puede disfrutar tanto de Cats como de Company ". ^{[ 5 ]} De igual manera, al considerar la relación entre el musical conceptual y el megamusical, Siropoulos encuentra que el musical conceptual "es producto de una cultura impregnada de espectáculo... La concentración desproporcionada del musical conceptual en los aspectos visuales de la representación va de la mano con fines representacionales, una obligación de representar, aunque sea oblicuamente, el mundo exterior". ^{[ 6 ]}

Siropoulos también sostiene que Prince, por encima de todos sus colegas, es el verdadero nexo entre el musical conceptual y el megamusical. Su trabajo en Company y Evita , en particular, demuestra su habilidad para dirigir dos estilos distintos.

Al igual que el megamusical, [ Company ] subvierte la organización narrativa del musical y prioriza los aspectos visuales de la representación. Para la puesta en escena de Evita , Prince empleó y desarrolló aún más el vocabulario de dirección que cultivó en sus musicales conceptuales, creando, en el proceso, el primer megamusical de gran éxito internacional. En cierto modo, Prince puede considerarse el padre tanto del musical conceptual como del megamusical, uniendo así dos formas de teatro musical: una de las más aclamadas por la crítica con la que generalmente se ha considerado una anomalía y una aberración en la historia del teatro musical del siglo XX.

El dramaturgo Scott McMillin sostiene que el concepto del musical se basó en las teorías de Rodgers y Hammerstein para llevar el género a la era moderna, lo que permitió que el musical se convirtiera en "posiblemente la forma más importante de drama producida hasta ahora en Estados Unidos". ^{[ 4 ]}

La era del musical conceptual impulsó este avance en el formato de libreto y numeración hasta el punto de que prácticamente no hay tema que no pueda concebirse como una obra efectiva para un musical. La efervescencia de ideas que subyace al espectáculo conceptual combina la innovación con un profundo conocimiento de la historia del musical (la revista musical plasmada en Follies ), sus procedimientos (las audiciones y los ensayos de A Chorus Line ) y su relación con otras formas de teatro (los métodos kabuki en Pacific Overtures ). En los mejores ejemplos, el pasado y el futuro del teatro están en juego.

El historiador teatral John Bush Jones sostiene que el musical conceptual socava el papel del musical tradicional como medio narrativo, proponiendo que el término "musical conceptual" es "demasiado amplio para ser de mucho valor", sugiriendo en su lugar el término "musical fragmentado". ^{[ 20 ]}