Diseño de vestuario

El diseño de vestuario es el proceso de seleccionar o crear ropa para los artistas. Un vestuario puede diseñarse desde cero o combinando prendas existentes. El término «vestuario» también puede referirse al estilo de vestimenta propio de una nación, una clase social o un período histórico. Su propósito es contribuir a la riqueza del mundo artístico y visual, único de una producción teatral o cinematográfica en particular. El vestuario puede indicar el estatus, la edad o la personalidad de un personaje, o aportar interés visual al mismo. ^{[ 1 ]} El vestuario puede utilizarse para teatro , cine , espectáculos musicales, cosplay , fiestas u otros eventos.

En el teatro griego antiguo, los trajes eran sencillos pero simbólicos, lo que ayudaba a diferenciar a los personajes. Las máscaras ritualizadas eran un elemento distintivo, que permitía a los actores transmitir emociones sin cambiar de máscara. ^{[ 2 ]} Se cree que las fiestas y procesiones de los pueblos griegos antiguos en honor a Dioniso (véase también: Dionisias ) son el origen del teatro y, por lo tanto, del vestuario teatral. La escultura y las pinturas de vasos proporcionan la evidencia más clara de estos trajes. ^{[ 1 ]} Se usaban máscaras ritualizadas que daban a cada personaje una apariencia específica. Variaban según se usaran con fines cómicos o dramáticos. Algunas máscaras se construían con un lado alegre y otro serio en el mismo rostro en un intento de indicar un cambio de emoción sin cambiar de máscara. ^{[ 3 ]} Lo mismo ocurre con los romanos, que continuaron la tradición de las máscaras; duplicar una máscara facilitaba la duplicación de papeles.

Durante la Baja Edad Media en Europa, las representaciones dramáticas de historias bíblicas eran frecuentes; por lo tanto, se usaban vestimentas cristianas auténticas, estilizadas a partir de la indumentaria tradicional de la corte bizantina , como vestuario para que las representaciones fueran lo más realistas posible. ^{[ 1 ]} La caracterización estereotipada era clave al vestir a los intérpretes para este estilo de teatro. En la mayoría de los casos, los actores debían proveerse de su propio vestuario al interpretar un personaje de la vida cotidiana. ^{[ 4 ]}

En la época isabelina, el vestuario se convirtió en el elemento visual más importante, a menudo confeccionado con telas lujosas. ^{[ 2 ]} En el teatro isabelino de los siglos XVI y XVII en Inglaterra, el vestuario se consolidó como el elemento visual más importante. Las prendas eran muy caras, ya que se confeccionaban con las telas más finas. En los siglos XVII y XVIII, el teatro europeo vio a los actores luciendo moda contemporánea con elementos añadidos como coronas para simbolizar la realeza. ^{[ 2 ]} La mayoría de los personajes vestían a la moda isabelina contemporánea. El vestuario se podía dividir en cinco categorías: «Antiguo», que consistía en ropa pasada de moda utilizada para representar otro período; «Antiguo», añadidos más antiguos a la ropa contemporánea para distinguir a los personajes clásicos; Onírico, prendas «fantásticas» para personajes sobrenaturales o alegóricos; «Tradicional», que representaba solo a unas pocas personas específicas, como Robin Hood, o «Nacional o Racial», que pretendía diferenciar a un grupo específico de personas, pero que no solía ser históricamente preciso. ^{[ 5 ]}

"Normalmente, las prendas de moda se usaban tanto en la comedia como en la tragedia hasta 1727, cuando Adrienne Lecouvreur adoptó el vestido de corte mucho más elaborado y formal para la tragedia. Su práctica pronto se convirtió en estándar para todas las heroínas trágicas" ^{[ 6 ]} Los actores principales comenzaron a competir entre sí para ver quién tendría el vestuario escénico más suntuoso. Esta práctica continuó hasta alrededor de la década de 1750, cuando el vestuario volvió a ser relevante para el personaje. El arte comenzó a copiar la vida y las características realistas fueron favorecidas especialmente durante el siglo XIX. El siglo XIX marcó un cambio hacia la precisión histórica, impulsado por figuras como Georg II, duque de Sajonia-Meiningen, quien insistió en materiales auténticos como cotas de malla y armaduras reales. ^{[ 7 ]} Por ejemplo, Georg II, duque de Sajonia-Meiningen, se interesó personalmente en el teatro y comenzó a dirigir compañías. Abogó por la autenticidad y la precisión del guion y del período histórico, por lo que se negó a permitir que los actores alteraran sus propios vestuarios. También se aseguró de que los materiales fueran auténticos y específicos, utilizando cotas de malla, armaduras, espadas, etc. reales. No se permitirían sustitutos baratos. ^{[ 8 ]}

En agosto de 1823, la defensa de James Planché de vestuario shakesperiano históricamente preciso revolucionó el teatro británico, inspirando producciones que priorizaban el realismo, especialmente en lo que respecta al vestuario. ^{[ 7 ]} Ese mismo año, una conversación casual dio lugar a uno de los efectos más duraderos de Planché en el teatro británico. Le comentó a Charles Kemble , el director de Covent Garden, que «mientras que frecuentemente se derrochaban mil libras en una pantomima navideña o un espectáculo de Pascua, las obras de Shakespeare se ponían en escena con decorados improvisados ​​y, en el mejor de los casos, uno o dos vestidos nuevos para los personajes principales». ^{[ 9 ] [ 10 ]} Kemble «vio la posible ventaja de que los accesorios correctos captaran el gusto de la ciudad» y accedió a darle a Planché el control del vestuario para la próxima producción de El rey Juan , si él realizaba la investigación, diseñaba el vestuario y supervisaba la producción. ^{[ 11 ]} Planché tenía poca experiencia en este campo y buscó la ayuda de anticuarios como Francis Douce y Sir Samuel Meyrick . La investigación en curso despertó el interés latente de Planché por las antigüedades; este interés llegó a ocupar cada vez más su tiempo más adelante en su vida. ^{[ 12 ]}

A pesar de las reservas de los actores, El rey Juan fue un éxito y dio lugar a varias producciones de Shakespeare con vestuario similar por Kemble y Planché ( Enrique IV, Parte I , Como gustéis , Otelo , Cimbelino , Julio César ). ^{[ 12 ]} Los diseños y representaciones de El rey Juan , Enrique IV , Como gustéis , Otelo , Hamlet y El mercader de Venecia fueron publicados, aunque no hay evidencia de que Hamlet y El mercader de Venecia se hayan producido alguna vez con los diseños de vestuario históricamente precisos de Planché. Planché también escribió varias obras de teatro o adaptaciones que se representaron con vestuario históricamente preciso ( Cortez , La mujer nunca se enfada , La boda del mercader , Carlos XII , Los partisanos , El jefe de los bandidos y Hofer ). ^{[ 13 ]} Después de 1830, aunque todavía usaba vestuario de época, ya no afirmaba la precisión histórica para su trabajo en las obras de teatro. Su trabajo en King John había provocado una "revolución en la práctica teatral del siglo XIX" ^{[ 13 ]} que duró casi un siglo. ^{[ 14 ]}

En 1923, la primera de una serie de innovadoras producciones de vestuario moderno de obras de Shakespeare , Cymbeline , dirigida por HK Ayliff , se estrenó en el Birmingham Repertory Theatre de Barry Jackson en Inglaterra . ^{[ 15 ]}

El vestuario en el teatro chino es muy importante, especialmente en la Ópera de Pekín. Suele estar profusamente decorado con colores intensos y brillantes. Los trajes estándar constan de al menos 300 piezas e indican el tipo de personaje, la edad y el estatus social de los actores mediante ornamentos, diseños, colores y accesorios. «El color siempre se usa simbólicamente: rojo para la lealtad y la alta posición, amarillo para la realeza y carmesí oscuro para los bárbaros o consejeros militares». ^{[ 16 ]} El significado simbólico también se encuentra en los diseños utilizados para los emblemas. Por ejemplo, el tigre representa el poder y la fuerza masculina. La mayoría de las prendas, independientemente del rango, están hechas de materiales ricos y lujosos. El maquillaje también se usa simbólicamente y completa la apariencia general.

En el teatro Noh japonés, las máscaras se utilizan siempre y constituyen un elemento destacado del vestuario. Están hechas de madera y suelen durar generaciones. Existen cinco tipos básicos: masculino, femenino, anciano, deidades y monstruos, todos con numerosas variaciones. ^{[ 17 ]} Las máscaras se cambian con frecuencia a lo largo de la obra. En el Kabuki, otra forma de teatro japonés, los actores no usan máscaras, sino que dependen en gran medida del maquillaje para la caracterización de sus personajes. Los rasgos se exageran o se eliminan, y para algunos papeles atléticos, la musculatura se delinea con un patrón específico. Se utilizan trajes tradicionales para cada papel, basados ​​en prendas históricas que se modifican para lograr un efecto dramático. «Algunos trajes pesan hasta veintitrés kilos, y los asistentes de escena ayudan a los actores a mantenerlos correctamente colocados en el escenario». ^{[ 18 ]}

En el siglo XXI, las tecnologías digitales han dado paso a una nueva era en el diseño de vestuario. Tradicionalmente, el vestuario teatral se confeccionaba a mano, mediante costura y patrones dibujados en papel. Ahora, el vestuario teatral se puede diseñar utilizando impresoras 3D, software de modelado y otras herramientas digitales para crearlo de manera más eficiente. ^{[ 19 ]}  El uso de programas de modelado de vestuario 3D e impresoras 3D permite a los diseñadores encontrar las formas más eficientes de ahorrar la cantidad de materiales utilizados en un proyecto. ^{[ 20 ]} Los diseñadores pueden optimizar el uso de materiales con software de diseño y reducir costos mediante materiales más económicos impresos en 3D. Además, estas tecnologías ahorran tiempo, ya que los modelos se pueden ajustar en tiempo real según la retroalimentación correspondiente a través de pruebas y costuras virtuales. ^{[ 21 ]}

El proceso de diseño de vestuario implica muchos pasos y, aunque varían de un género a otro, se suele utilizar un método básico.

1. Análisis: El primer paso consiste en analizar el guion, la composición musical, la coreografía, etc. Se establecen los parámetros de vestuario para el espectáculo y se crea un esquema preliminar del vestuario. Este esquema detalla qué personaje aparece en cada escena, cuándo se cambian los actores y qué vestuario se menciona en el guion.
2. Colaboración en el diseño: Una fase importante del proceso es cuando todos los diseñadores se reúnen con el director. Debe haber una comprensión clara del concepto general del espectáculo. Todos los diseñadores deben estar de acuerdo con el director en cuanto a los temas del espectáculo y los mensajes que desean transmitir al público.
3. Investigación de vestuario: Una vez que el director y los diseñadores están de acuerdo, el siguiente paso es que el diseñador de vestuario recopile información. Generalmente, los diseñadores de vestuario comienzan investigando para encontrar recursos que les permitan establecer el mundo en el que se desarrolla la obra. Esto les ayuda a definir las reglas de ese mundo y, a su vez, a comprender mejor a los personajes. Posteriormente, el diseñador realizará una investigación exhaustiva sobre cada personaje para plasmar su personalidad a través de su vestuario.
4. Bocetos preliminares y diseño de color: Una vez que se obtiene suficiente información, los diseñadores de vestuario comienzan creando bocetos preliminares. Con bocetos rápidos y sencillos, pueden hacerse una idea básica de cómo se verá el espectáculo en su conjunto y si se respetan las reglas del universo de la obra. A continuación, el diseñador de vestuario elaborará bocetos más detallados y definirá los trajes y colores específicos para cada personaje. Los bocetos ayudan a visualizar el espectáculo en su conjunto sin tener que dedicarles demasiado tiempo.
5. Bocetos finales: Una vez que el diseñador de vestuario y el director se ponen de acuerdo sobre el vestuario y las ideas están completamente desarrolladas, el diseñador creará los bocetos finales. Estos se denominan representaciones y suelen pintarse con acuarelas o pinturas acrílicas. Estos bocetos finales muestran cómo el diseñador quiere que se vea el personaje y los colores del vestuario. ^{[ 22 ]}

Una vez diseñado el desfile, es necesario planificar de dónde provendrán los artículos. Hay cuatro opciones. Las prendas pueden ser:

• Pulled, que se refiere a buscar en el stock de una tienda de disfraces.
• Alquilado
• Compró/adquirió
• Construido, o también conocido como hecho a medida.

Existen dos maneras de comenzar a confeccionar una prenda: mediante patronaje o drapeado, y muchas veces se utilizan ambos métodos conjuntamente. El patronaje comienza con un conjunto de patrones básicos elaborados a partir de las medidas del actor. Estos se dibujan primero en papel, luego se transfieren a la tela y se cosen para comprobar el ajuste. ^{[ 23 ]}

El drapeado consiste en manipular una pieza de tela sobre un maniquí o busto cuyas medidas se asemejan mucho a las del actor. Es un proceso que toma una pieza plana de tela y la moldea para que se ajuste a un cuerpo tridimensional mediante cortes y alfileres.

Sin embargo, una vez confeccionado, el vestuario aún no ha terminado de "funcionar". Un aspecto muy importante del vestuario es cómo influye en la interpretación de los actores y su función dentro del contexto escénico. Los mejores diseñadores de vestuario desarrollan sus ideas originales tras evaluar las condiciones visuales y espaciales del vestuario. ^{[ 24 ]}

• Diseñador de vestuario

• "Colecciones de diseños de vestuario y diseñadores" conservadas en la "Colección de Artes Escénicas". Archivadas el 3 de noviembre de 2012 en Wayback Machine , en el Arts Centre Melbourne.
• "La Asociación Nacional de Diseñadores de Vestuario" es una organización nacional sin fines de lucro para diseñadores y vestuaristas.
• "The Stagecraft Wiki" Una wiki dedicada a las artes técnicas del teatro. Parte de Stagecraft.com
• IDD: Directorio Internacional de Diseño de Vestuario y Teatro
• Colecciones digitales de las bibliotecas de la Universidad de Washington - Láminas de moda y vestuario
• Trajes de todas las naciones: 104 láminas de trajes.
• El departamento de teatro de Williams College cuenta con una base de datos de vestuario con vídeos de realidad virtual y los bocetos originales.
• Recursos de vestuario, maquillaje y pelucas para teatro "Stagelink"
• Archivo de vestuario y escenografía teatral de la colección de teatro de la Universidad de Bristol , Universidad de Bristol
• Las 50 películas que cambiaron el estilo masculino
• "Sociedad Británica de Diseñadores de Teatro"
• Formación en diseño de vestuario en Auckland, Nueva Zelanda, en Unitec Performing and Screen Arts.
• Diseños de vestuario de las primeras películas en la plataforma de acceso al cine europeo
• ^{Las 50 películas que cambiaron el estilo masculino.}
• ^{Sociedad Británica de Diseñadores de Teatro}
• ^{Formación en diseño de vestuario en Auckland, Nueva Zelanda, en Unitec Performing and Screen Arts. Diseños de vestuario de películas antiguas en European Film Gateway.}
  • ^{Las 50 películas que cambiaron el estilo masculino}
  • ^{"Sociedad Británica de Diseñadores de Teatro"}
  • ^{Formación en diseño de vestuario en Auckland, Nueva Zelanda, en Unitec Performing and Screen Arts. Diseños de vestuario de películas antiguas en European Film Gateway.}