Museo

En el siglo XIX, los museos se centraban principalmente en la investigación científica y la organización de colecciones, especialmente de especímenes de historia natural. Su objetivo era clasificar y estudiar objetos, a menudo reunidos mediante la exploración y el colonialismo. Los museos estaban destinados principalmente a académicos, pero comenzaron a abrirse al público para educar y contribuir al progreso de la sociedad. ^{[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]} Instituciones como la Institución Smithsoniana mantienen capacidades de investigación, pero las integran con misiones para "aumentar y difundir el conocimiento", como se describe en el legado fundacional de James Smithson. ^{[ 12 ]}

A principios del siglo XX, los museos se centraban en la colección, el estudio y la preservación de artefactos, con énfasis en la investigación científica y la autenticidad. Las exposiciones eran mayormente estáticas y estaban dirigidas a académicos, priorizando a menudo los objetos en sí mismos sobre la experiencia del visitante. En la segunda mitad del siglo XX, la reducción de la financiación gubernamental obligó a los museos a depender más del apoyo privado y a centrarse en atraer visitantes para generar ingresos. Este cambio llevó a los museos a priorizar la participación del público, las exposiciones interactivas y las contribuciones económicas sobre la investigación y la colección tradicionales. ^{[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]}

En el siglo XXI, los museos se centran en ser accesibles e inclusivos. Utilizan herramientas digitales para llegar a un público más amplio mediante visitas virtuales y colecciones en línea. Los museos fomentan el diálogo sobre temas sociales actuales y buscan representar a diversas comunidades. Si bien la conservación y exhibición de objetos sigue siendo importante, los museos también han servido como espacios para el debate y el cambio social. ^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]}

Las principales organizaciones profesionales de todo el mundo ofrecen definiciones sobre qué constituye un museo y cuál es su propósito. Todos los aspectos comunes a estas definiciones son el bien público y el cuidado, la conservación y la interpretación de las colecciones.

La definición actual de museo del Consejo Internacional de Museos (adoptada en 2022) es la siguiente: «Un museo es una institución permanente sin ánimo de lucro al servicio de la sociedad que investiga, colecciona, conserva, interpreta y exhibe el patrimonio material e inmaterial. Abiertos al público, accesibles e inclusivos, los museos fomentan la diversidad y la sostenibilidad. Operan y se comunican de forma ética, profesional y con la participación de las comunidades, ofreciendo experiencias variadas para la educación, el disfrute, la reflexión y el intercambio de conocimientos». ^{[ 19 ]}

Definición de la Asociación Canadiense de Museos : "Un museo es un establecimiento permanente sin fines de lucro, que no existe principalmente con el propósito de realizar exposiciones temporales y que está abierto al público durante el horario habitual y se administra en interés público con el propósito de conservar, preservar, estudiar, interpretar, reunir y exhibir al público, para la instrucción y el disfrute del público, objetos y especímenes de valor educativo y cultural, incluyendo material artístico, científico, histórico y tecnológico." ^{[ 20 ]}

Definición de la Asociación de Museos del Reino Unido : «Los museos permiten a las personas explorar colecciones para inspirarse, aprender y disfrutar. Son instituciones que coleccionan, salvaguardan y hacen accesibles artefactos y especímenes, que custodian para la sociedad». ^{[ 21 ]}

Si bien la Alianza Americana de Museos no cuenta con una definición similar, su lista de criterios de acreditación para participar en su Programa de Acreditación establece que un museo debe: "Ser una institución legalmente organizada sin fines de lucro o parte de una organización sin fines de lucro o entidad gubernamental; Ser esencialmente de naturaleza educativa; Tener una misión formalmente declarada y aprobada; Utilizar e interpretar objetos o un sitio para la presentación pública de programas y exhibiciones programados regularmente; Contar con un programa formal y apropiado de documentación, cuidado y uso de colecciones u objetos; Llevar a cabo las funciones anteriores principalmente en una instalación o sitio físico; Haber estado abierto al público durante al menos dos años; Estar abierto al público al menos 1000 horas al año; Haber incorporado el 80 por ciento de su colección permanente ; Contar con al menos un profesional remunerado con conocimientos y experiencia en museos; Contar con un director de tiempo completo a quien se le delegue autoridad para las operaciones diarias; Contar con los recursos financieros suficientes para operar eficazmente; Demostrar que cumple con los Estándares Básicos para Museos; Completar con éxito el Programa de Verificación de Documentos Básicos". ^{[ 22 ]}

Además, existe una definición legal de museo en la legislación de los Estados Unidos que autoriza el establecimiento del Instituto de Servicios de Museos y Bibliotecas : "Museo significa una institución pública, tribal o privada sin fines de lucro que se organiza de forma permanente con fines esencialmente educativos, de patrimonio cultural o estéticos y que, utilizando personal profesional: posee o utiliza objetos tangibles, ya sean animados o inanimados; cuida de estos objetos; y los exhibe al público en general de forma regular" (Ley de Servicios de Museos de 1976). ^{[ 23 ]}

Uno de los museos más antiguos que se conocen es el Museo de Ennigaldi-Nanna , construido por la princesa Ennigaldi en el actual Irak a finales del Imperio Neobabilónico . El yacimiento data de alrededor del 530 a . C. y contenía artefactos de civilizaciones mesopotámicas anteriores . Cabe destacar que en el yacimiento se encontró una etiqueta de un tambor de arcilla, escrita en tres idiomas, que hacía referencia a la historia y al descubrimiento de una pieza del museo. ^{[ 24 ] [ 25 ]}

Los antiguos griegos y romanos coleccionaban y exhibían arte y objetos, pero percibían los museos de manera diferente a la visión moderna. En el período clásico, los museos eran los templos y sus recintos, que albergaban colecciones de ofrendas votivas. Pinturas y esculturas se exhibían en jardines, foros, teatros y termas. ^{[ 26 ]} En la antigüedad, había poca diferencia entre bibliotecas y museos, ya que ambos ocupaban el edificio y frecuentemente estaban conectados a un templo o palacio real. El Museo de Alejandría , idéntico a la Biblioteca de Alejandría , fue una inspiración durante el Renacimiento temprano, y por ello, originalmente, las bibliotecas se llamaban museos. ^{[ 27 ]} Los palacios y templos reales, como el Templo de la Paz romano, también funcionaban como una especie de museo equipado con arte y objetos de territorios conquistados y regalos de embajadores de otros reinos, lo que permitía al gobernante exhibir las colecciones acumuladas a los invitados y dignatarios visitantes. ^{[ 28 ]}

También en Alejandría, desde la época de Ptolomeo II Filadelfo (285-246 a  . C.), se encontraba el primer parque zoológico. Inicialmente utilizado por Filadelfo en un intento por domesticar elefantes africanos para su uso en la guerra, los elefantes también se utilizaban para exhibiciones junto con una colección de otros animales, incluyendo antílopes , avestruces , cebras , leopardos , jirafas , rinocerontes y pitones . ^{[ 29 ] [ 30 ]}

Los Museos Capitolinos (Musei Capitolini), ubicados en la colina Capitolina de Roma, Italia, son considerados el museo público más antiguo del mundo. Sus orígenes se remontan a 1471, cuando el papa Sixto IV donó una colección de importantes esculturas de bronce antiguas al pueblo de Roma. Esta donación inicial, que incluía piezas emblemáticas como el Lobo Capitolino, marcó el comienzo de lo que se convertiría en un vasto depósito de arte y objetos romanos. Los museos abrieron oficialmente al público en 1734 bajo el pontificado del papa Clemente XII , convirtiéndose así en la primera institución donde el arte podía ser disfrutado por la gente común y no solo por sus propietarios. ^{[ 31 ] [ 32 ] [ 33 ]}

La importancia de los Museos Capitolinos representa un momento crucial en el desarrollo de las instituciones culturales. Su creación simbolizó un cambio en la propiedad y el acceso al arte, pasando de colecciones privadas a patrimonio público. Las colecciones de los museos han crecido a lo largo de los siglos hasta incluir estatuas de la antigua Roma, arte medieval y renacentista, joyas, monedas y otros artefactos históricos. ^{[ 34 ] [ 31 ]}

Los Museos Vaticanos (Musei Vaticani), ubicados en la Ciudad del Vaticano , Roma, albergan una extensa colección de arte y objetos históricos acumulados por la Iglesia Católica a lo largo de los siglos. Sus orígenes se remontan a la compra de una sola escultura de mármol, Laocoonte y sus hijos , que fue expuesta al público en 1506 por el Papa Julio II . ^{[ 35 ]}

Otros museos primitivos surgieron como colecciones privadas de arte, objetos naturales y artefactos raros o curiosos, pertenecientes a individuos, familias o instituciones adineradas . Estos se exhibían a menudo en las llamadas "salas de maravillas" o gabinetes de curiosidades . Estas colecciones aparecieron primero en Europa occidental y luego se extendieron a otras partes del mundo. ^{[ 36 ]}

El acceso público a estas colecciones a menudo solo era posible por capricho del propietario y su personal. Una forma en que los hombres de la élite de este período alcanzaban un estatus social más elevado era coleccionando estos objetos curiosos y exhibiéndolos. Muchos de los objetos de estas colecciones eran descubrimientos recientes, y estos coleccionistas o naturalistas, dado que muchos de ellos tenían interés en las ciencias naturales, estaban ansiosos por obtenerlos. Al colocar sus colecciones en un museo y exhibirlas, no solo podían mostrar sus fantásticos hallazgos, sino que también utilizaban el museo como una forma de clasificar y "gestionar la explosión empírica de materiales que la mayor difusión de textos antiguos, el aumento de los viajes, las expediciones de descubrimiento y las formas más sistemáticas de comunicación e intercambio habían producido". ^{[ 37 ]}

Uno de estos naturalistas y coleccionistas fue Ulisse Aldrovandi , cuya política de coleccionismo, que consistía en reunir la mayor cantidad posible de objetos e información sobre ellos, era de carácter enciclopédico, reminiscente de la de Plinio, el filósofo y naturalista romano. ^{[ 38 ]} La idea era consumir y acumular la mayor cantidad de conocimiento posible, plasmando todo lo que recolectaban y todo lo que sabían en estas exhibiciones. Sin embargo, con el tiempo, la filosofía museística cambiaría y la naturaleza enciclopédica de la información, tan apreciada por Aldrovandi y sus colegas, sería descartada, al igual que «los museos que contenían este conocimiento». Los eruditos del siglo XVIII, propios de la Ilustración, consideraban sus ideas sobre el museo superiores y basaron sus museos de historia natural en la «organización y la taxonomía», en lugar de exhibir todo en cualquier orden, al estilo de Aldrovandi. ^{[ 39 ]}

El Museo Ashmolean , fundado en 1677 a partir de la colección personal de Elias Ashmole , se estableció en la Universidad de Oxford para estar abierto al público. ^{[ 40 ]} La colección incluía la de Elias Ashmole , que él mismo había reunido, incluyendo objetos que había adquirido de los jardineros, viajeros y coleccionistas John Tradescant el Viejo y su hijo del mismo nombre . La colección incluía monedas antiguas, libros, grabados, especímenes geológicos y especímenes zoológicos, entre los que se encontraba el cuerpo disecado del último dodo visto en Europa; pero en 1755 el dodo disecado estaba tan apolillado que fue destruido, excepto su cabeza y una garra. El museo abrió sus puertas el 24 de mayo de 1683, con el naturalista Robert Plot como primer conservador. El primer edificio, que llegó a conocerse como el Antiguo Ashmolean , a veces se atribuye a Sir Christopher Wren o a Thomas Wood. ^{[ 41 ]}

Cuando el Museo Británico abrió sus puertas al público en 1759, existía la preocupación de que las grandes multitudes pudieran dañar los artefactos. Los visitantes potenciales del Museo Británico debían solicitar la entrada por escrito, y se permitía el acceso a las galerías a grupos pequeños cada día. ^{[ 42 ]} El Museo Británico se hizo cada vez más popular durante el siglo XIX, entre personas de todas las edades y clases sociales que lo visitaban, especialmente en días festivos. ^{[ 43 ]}

En Francia, el primer museo público fue el Louvre en París , ^{[ 44 ]} inaugurado en 1793 durante la Revolución Francesa , que permitió por primera vez el acceso gratuito a las antiguas colecciones reales francesas para personas de todas las clases sociales y estatus. Los fabulosos tesoros artísticos coleccionados por la monarquía francesa a lo largo de los siglos eran accesibles al público tres días cada " década " (la unidad de 10 días que había reemplazado a la semana en el Calendario Republicano Francés ). El Conservatoire du muséum national des Arts (Conservatorio del Museo Nacional de las Artes) se encargó de organizar el Louvre como museo público nacional y pieza central de un sistema nacional de museos planificado. A medida que Napoleón I conquistaba las grandes ciudades de Europa, confiscando objetos de arte a su paso, las colecciones crecieron y la tarea organizativa se volvió cada vez más compleja. Tras la derrota de Napoleón en 1815, algunos de los tesoros que había acumulado fueron finalmente devueltos a sus dueños . Su plan nunca se llevó a cabo del todo, pero su concepto de museo como agente del fervor nacionalista tuvo una profunda influencia en toda Europa.

Los visitantes chinos y japoneses a Europa quedaron fascinados por los museos que vieron, pero tuvieron dificultades culturales para comprender su propósito y encontrar un término equivalente en chino o japonés. A principios del siglo XIX, los visitantes chinos nombraron estos museos según su contenido, definiéndolos como "edificios para acumular huesos", "patios de tesoros", "pabellones de pintura", "tiendas de curiosidades", "salones de hazañas militares" o "jardines de todo". Japón tuvo su primer contacto con las instituciones museísticas occidentales al participar en las Exposiciones Universales europeas en la década de 1860. Uno de sus delegados describió el Museo Británico como un "hakubutsukan", una "casa de cosas extensas"; este término acabaría siendo aceptado como equivalente a "museo" en Japón y China. ^{[ 45 ]}

Los museos estadounidenses finalmente se unieron a los museos europeos como los principales centros mundiales para la producción de nuevos conocimientos en sus campos de interés. Un período de intensa construcción de museos, tanto en el sentido intelectual como físico, se produjo a finales del siglo XIX y principios del XX (a menudo llamado "El período de los museos" o "La era de los museos"). Si bien muchos museos estadounidenses, tanto de historia natural como de arte, se fundaron con la intención de centrarse en los descubrimientos científicos y los desarrollos artísticos en América del Norte, muchos se orientaron a emular a sus homólogos europeos en ciertos aspectos (incluido el desarrollo de colecciones clásicas del antiguo Egipto , Grecia , Mesopotamia y Roma ). También surgieron museos comerciales en las escuelas de negocios de Europa y Japón. ^{[ 46 ]} . ^{[ 47 ]} .Basándose en el concepto de gobierno liberal de Michel Foucault , Tony Bennett ha sugerido que el desarrollo de los museos más modernos del siglo XIX fue parte de nuevas estrategias de los gobiernos occidentales para producir una ciudadanía que, en lugar de ser dirigida por fuerzas coercitivas o externas, supervisara y regulara su propia conducta. Para incorporar a las masas en esta estrategia, el espacio privado de los museos, que anteriormente había sido restringido y socialmente exclusivo, se hizo público. De este modo, los objetos y artefactos, particularmente aquellos relacionados con la alta cultura, se convirtieron en instrumentos para estas "nuevas tareas de gestión social". ^{[ 48 ]} Las universidades se convirtieron en los principales centros de investigación innovadora en los Estados Unidos mucho antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial . Sin embargo, los museos hasta el día de hoy contribuyen con nuevos conocimientos a sus campos y continúan construyendo colecciones que son útiles tanto para la investigación como para la exhibición. ^{[ 49 ]}

En muchos países, los bienes culturales almacenados en museos se ven amenazados por desastres naturales , guerras , ataques terroristas u otras emergencias. Por ello, un aspecto de importancia internacional es la puesta en común de los recursos existentes y la creación de redes de competencias especializadas para prevenir cualquier pérdida o daño a los bienes culturales o minimizar los daños. La UNESCO y Blue Shield International son socios internacionales de los museos , de conformidad con el Convenio de La Haya para la Protección de los Bienes Culturales de 1954 y su Segundo Protocolo de 1999. Por razones legales, existen numerosas colaboraciones internacionales entre museos y las organizaciones locales de Blue Shield. ^{[ 68 ] [ 69 ]}

Blue Shield ha llevado a cabo extensas misiones para proteger museos y bienes culturales en conflictos armados, como en 2011 en Egipto y Libia, en 2013 en Siria y en 2014 en Mali e Irak. Durante estas operaciones, se busca especialmente prevenir el saqueo de la colección. ^{[ 70 ]}

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  Las salas de procesamiento de archivos proporcionan un espacio para que los archiveros organicen y describan los materiales de archivo, haciéndolos accesibles a los investigadores.
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  El espacio de almacenamiento textil del museo incluye estanterías con ruedas, armarios colgantes, estanterías para prendas de vestir y vitrinas.
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  Almacenamiento de colecciones de objetos históricos tridimensionales.
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  En los museos, los cuadros, enmarcados o sin enmarcar, suelen colgarse en estanterías deslizantes o fijas.

Las ciudades han utilizado los museos como herramientas para el desarrollo económico, especialmente en regiones postindustriales. El Museo Guggenheim Bilbao, en España, es un ejemplo. El gobierno regional vasco financió el museo para revitalizar la zona del antiguo puerto de la ciudad. El gobierno invirtió alrededor de 100 millones de dólares en la construcción, lo que provocó protestas de los residentes locales. Tras su inauguración, el museo atrajo a más de 1,1 millones de visitantes en 2015, de los cuales el 63 % procedía de fuera de España. Esta afluencia de visitantes extranjeros incrementó el gasto y la inversión locales, lo que impulsó la economía de la ciudad y generó ingresos fiscales que superaron la inversión inicial. ^{[ 76 ] [ 77 ] [ 78 ]}

Titanic Belfast en Irlanda del Norte siguió un enfoque similar. Construido en los antiguos astilleros de la ciudad, la atracción costó aproximadamente lo mismo que el Museo Guggenheim Bilbao. En su primer año, Titanic Belfast recibió a más de 800.000 visitantes, de los cuales casi el 60% provenían de fuera de Irlanda del Norte. ^{[ 79 ]} Durante diez años, la atracción generó un estimado de 430 millones de libras esterlinas en gasto directo dentro de la región. ^{[ 80 ]} En Estados Unidos, las ciudades también han invertido en museos como motores económicos, como el Museo de Arte Taubman en Roanoke, Virginia, y The Broad en Los Ángeles. The Broad, por ejemplo, generó 54,5 millones de dólares en ingresos comerciales totales y apoyó cientos de empleos en su primer año. ^{[ 81 ]}

El uso de los museos como motores económicos ha generado debate entre los profesionales del sector y las comunidades locales. En algunas ciudades se han producido protestas cuando se utilizan fondos públicos para proyectos museísticos. Las protestas suelen disminuir si el museo tiene éxito, como en Bilbao. Sin embargo, si un museo no logra atraer suficientes visitantes, las críticas pueden persistir. El Museo de Arte Taubman es un ejemplo donde los elevados costes de construcción y una asistencia inferior a la esperada provocaron dificultades financieras y preocupaciones constantes sobre su sostenibilidad. ^{[ 82 ] [ 81 ] [ 83 ]}

Los museos se enfrentan a la escasez de financiación. La financiación de los museos proviene de cuatro categorías principales, y a partir de 2009 el desglose para los Estados Unidos es el siguiente: apoyo gubernamental (en todos los niveles) 24,4%, donaciones privadas (caritativas) 36,5%, ingresos propios 27,6% e ingresos por inversiones 11,5%. ^{[ 85 ]} La financiación gubernamental del Fondo Nacional para las Artes , el mayor financiador de museos en los Estados Unidos, disminuyó en 18,260 millones de dólares entre 2011 y 2015, ajustado por inflación. ^{[ 86 ] [ 87 ]} El gasto promedio por visitante en un museo de arte en 2016 fue de 8 dólares entre entradas, ventas minoristas y restaurantes, mientras que el gasto promedio por visitante fue de 55 dólares. ^{[ 88 ]} Las donaciones corporativas , que se incluyen en las donaciones privadas, pueden ser una buena fuente de financiación para cubrir el déficit de financiación. La cantidad que las corporaciones donan actualmente a los museos representa solo el 5% de la financiación total. ^{[ 89 ]} Sin embargo, se proyectó que las donaciones corporativas a las artes aumentarían un 3,3% en 2017. ^{[ 90 ]}

La siguiente lista ofrece una idea de los principales tipos de museos. Si bien es exhaustiva, no es una lista definitiva.

Un movimiento global para la descolonización de los museos ha cobrado impulso desde finales del siglo XX. ^{[ 105 ]} Los defensores de este movimiento argumentan que «los museos son una caja de cosas» y no representan historias completas; en cambio, muestran narrativas sesgadas basadas en ideologías, en las que ciertas historias se ignoran intencionalmente. ^{[ 75 ] : 9–18} De esta manera, se anima a otros a considerar esta perspectiva faltante al observar las colecciones de los museos, ya que cada objeto expuesto en dichos entornos fue colocado por un individuo para representar un punto de vista determinado, ya sea histórico o cultural. ^{[ 75 ] : 9–18}

El informe de 2018 sobre la restitución del patrimonio cultural africano ^{[ 106 ]} es un ejemplo destacado en lo que respecta a la descolonización de museos y otras colecciones en Francia y las reclamaciones de los países africanos para recuperar artefactos tomados ilegalmente de sus entornos culturales originales.

Desde 1868, varias figuras humanas monolíticas conocidas como Moai han sido retiradas de la Isla de Pascua y colocadas en exhibiciones en importantes museos occidentales como el Museo Nacional de Historia Natural , el Museo Británico, el Louvre y los Museos Reales de Arte e Historia . Varios residentes de la Isla de Pascua han hecho demandas para la devolución de los Moai. ^{[ 107 ]} Las figuras son vistas como ancestros y familia o el alma por los Rapa Nui y tienen un profundo valor cultural para su pueblo. ^{[ 107 ]} Otros ejemplos incluyen el Escudo de Gweagal , que se cree que es un escudo muy significativo tomado de Botany Bay en abril de 1770 ^{[ 108 ]} o las esculturas de mármol del Partenón , que fueron tomadas de Grecia por Lord Elgin en 1805. ^{[ 109 ]} Sucesivos gobiernos griegos han solicitado sin éxito la devolución de los mármoles del Partenón. ^{[ 109 ]} Otro ejemplo entre muchos otros es el llamado tocado de Moctezuma en el Museo de Etnología de Viena , que es fuente de disputa entre Austria y México. ^{[ 110 ]}

Además de la defensa de la descolonización de los museos, también existe la presión de algunos para representar, tanto en exposiciones como en nuevos museos, a las comunidades marginadas dentro de una cultura o sociedad. Un ejemplo de ello es el Museo del Minero Negro en Nottingham, Inglaterra. ^{[ 111 ] [ 112 ]}

En Estados Unidos, la repatriación de restos humanos de colecciones de museos se rige por la Ley de Protección y Repatriación de Tumbas de Nativos Americanos (NAGPRA, por sus siglas en inglés), promulgada en 1990. Esta ley exige a los museos y agencias federales identificar, inventariar y devolver los restos humanos de nativos americanos y los objetos funerarios asociados a sus descendientes directos, tribus y organizaciones nativas hawaianas. ^{[ 113 ] [ 114 ] [ 115 ]} Las actualizaciones recientes de la NAGPRA han introducido plazos más estrictos y exigen que los museos obtengan el consentimiento de las comunidades descendientes antes de exhibir o investigar restos humanos y objetos culturales. ^{[ 115 ] [ 116 ]} Muchos museos han respondido cubriendo las exhibiciones y aumentando la consulta con las tribus afiliadas al revisar las colecciones para verificar su cumplimiento. A pesar de estos esfuerzos, persisten desafíos, como inventarios incompletos, recursos limitados y dificultades para establecer la afiliación cultural de algunos restos. ^{[ 117 ]}

En Europa, la repatriación de restos humanos también refleja cambios en los estándares éticos y las actitudes públicas, pero el proceso está condicionado por un conjunto heterogéneo de leyes nacionales, políticas institucionales y acuerdos internacionales. En el Reino Unido, la Ley de Tejidos Humanos de 2004 permite a los museos nacionales devolver restos humanos bajo ciertas condiciones, y varias instituciones han repatriado restos a comunidades indígenas, incluidas las de Australia. ^{[ 118 ]} En Alemania y Francia, los museos siguen directrices que fomentan la transparencia, la consulta y la evaluación individualizada de las solicitudes de repatriación, especialmente para restos adquiridos en contextos coloniales. ^{[ 119 ] [ 120 ]} Algunas instituciones enfatizan el valor científico de conservar los restos, mientras que otras priorizan la colaboración con las comunidades de origen y la restitución cultural. El proceso sigue siendo complejo, e implica consideraciones legales, políticas y éticas, pero existe una creciente presión pública y gubernamental para que los museos aborden los legados coloniales y devuelvan los restos humanos a las comunidades descendientes. ^{[ 121 ] [ 120 ]}

Fondo

En Estados Unidos, la afiliación sindical entre los trabajadores de museos ha crecido, con más de 15 000 empleados de museos representados por sindicatos en más de 50 museos de arte. La ola de sindicalización ha incluido instituciones como el Museo de Arte de Filadelfia, el Museo Whitney y el Museo Guggenheim, entre otros. ^{[ 122 ] [ 123 ]} Estos esfuerzos reflejan un movimiento más amplio para abordar los problemas laborales y promover un trato justo en todo el ámbito museístico. En 2019, los trabajadores de varios museos votaron a favor de formar sindicatos, y muchos más protestaron para presionar por un contrato justo y contra las prácticas laborales injustas. ^{[ 124 ]} Durante ese año, más de 3000 trabajadores culturales comenzaron a compartir anónimamente sus salarios en línea a través de una hoja de cálculo de transparencia salarial. ^{[ 125 ]}

Historia

En Estados Unidos, los conflictos laborales dentro del sector artístico y cultural se remontan al menos a casi un siglo atrás, a 1933, cuando un colectivo de artistas con sede en Nueva York, posteriormente conocido como Artist's Union, utilizó la negociación colectiva para obtener ayuda estatal para los artistas desempleados. ^{[ 126 ]}

En 1971, el personal administrativo del Museo de Arte Moderno de Nueva York formó la organización "Asociación de Profesionales y Personal del Museo de Arte Moderno" (PASTA), el primer sindicato de empleados profesionales, a diferencia del personal de mantenimiento y servicio, en un museo financiado con fondos privados. El contrato negociado contemplaba un aumento salarial, protección contra el despido injustificado y acceso directo a los fideicomisarios y a los procesos de toma de decisiones del museo. Si bien hubo cierto interés por parte de trabajadores de otros museos en ese momento, durante los siguientes cincuenta años hubo pocos cambios en la incorporación de la representación sindical de los empleados profesionales de los museos. ^{[ 125 ] [ 127 ]}

Proceso de sindicalización en los museos

Los trabajadores de los museos suelen comenzar por debatir sus inquietudes comunes y organizarse de manera informal. Posteriormente, pueden afiliarse a sindicatos ya establecidos o formar unidades independientes. El proceso implica obtener el reconocimiento de la dirección del museo, lo que puede requerir una elección formal. Una vez reconocido, el sindicato negocia un convenio colectivo que abarca salarios, prestaciones y condiciones laborales. ^{[ 128 ]}

Las recientes campañas sindicales a menudo han buscado una representación integral, que incluye a trabajadores de múltiples departamentos bajo un solo contrato. Este enfoque contrasta con los modelos anteriores que organizaban a los trabajadores por ocupación. ^{[ 128 ]}

Huelgas y piquetes

Los trabajadores de museos han participado en huelgas y piquetes para abordar disputas sobre salarios y condiciones laborales. En el Museo de Arte de Seattle, los guardias de seguridad se declararon en huelga durante 11 días en diciembre de 2024, lo que condujo a su primer contrato y aumentos salariales. ^{[ 129 ] [ 130 ]} En el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts (MASS MoCA), el personal sindicalizado realizó una huelga de tres semanas en marzo de 2024, lo que resultó en un nuevo contrato con salarios mínimos más altos, un aumento del salario base y mejores pagos por horas extras y días festivos. ^{[ 131 ] [ 132 ]} En el Reino Unido, los guardias de seguridad del Museo de Historia Natural, el Museo de Ciencias y el Museo Victoria & Albert organizaron una huelga y piquetes coordinados en diciembre de 2024, exigiendo un salario más alto, licencia por enfermedad desde el primer día de empleo y vacaciones anuales adicionales. ^{[ 133 ]}

Protestas y manifestaciones públicas

Los sindicatos de museos también han utilizado manifestaciones públicas para llamar la atención sobre despidos y disputas contractuales. En febrero de 2025, trabajadores del Museo de Brooklyn, afiliados a las secciones locales 2110 y 1502 del Consejo de Distrito 37 de la UAW, se manifestaron frente al museo para protestar por el despido previsto de 47 empleados. Los sindicatos argumentaron que la dirección no los consultó antes de anunciar los despidos y que el plan violaba los contratos sindicales. La manifestación incluyó discursos de políticos locales y el apoyo de trabajadores de otros museos, y los líderes sindicales pidieron soluciones alternativas, como permisos sin goce de sueldo, en lugar de reducciones de personal. ^{[ 134 ]}

formación de sindicatos

La formación de sindicatos en los museos ha tenido tanto éxitos como desafíos. La Fundación de Arte Marciano, un museo establecido por los cofundadores de la marca de ropa Guess , Maurice Marciano y Paul Marciano, cerró indefinidamente en noviembre de 2019 después de que los trabajadores intentaran sindicalizarse . ^{[ 135 ] [ 136 ]} La Fundación Marciano emitió un comunicado un mes después diciendo que el cierre era permanente. ^{[ 137 ]} En Georgia, 40 empleados fueron despedidos en mayo de 2022 como parte de una reestructuración. El sindicato recién formado, el Sindicato Georgiano de Trabajadores de la Ciencia, la Educación y la Cultura, dijo en un comunicado que los empleados fueron despedidos ilegalmente y que la reorganización fue "llevada a cabo por el empleador de manera poco transparente y mal administrada" y que la organización "definitivamente luchará hasta el final para proteger los derechos de los empleados". La curadora principal despedida, Maia Pataridze, dijo que la nueva administración mencionó sus publicaciones en redes sociales criticando al gobierno. ^{[ 138 ] [ 139 ]} Entre los despedidos estaba el presidente del sindicato, Nikoloz Tsikaridze, un investigador y arqueólogo sénior que asoció su despido y el de otros empleados del museo con la formación de un sindicato, y dijo que Thea Tsulukiani , la ministra de Cultura de Georgia, los había "castigado". ^{[ 140 ] [ 141 ]} Los trabajadores del MASS MoCA formaron su sindicato en abril de 2021 y consiguieron un contrato tras una huelga prolongada en 2024. ^{[ 131 ] [ 132 ]} Los guardias de seguridad del Museo de Arte de Seattle formaron un sindicato independiente en 2021 y lograron un contrato tras su huelga en 2024. Sin embargo, los esfuerzos sindicales a menudo se enfrentan a la resistencia de la dirección, y las disputas sobre despidos y términos contractuales siguen presentando desafíos para los sindicatos de museos. ^{[ 134 ]} En 2025, los trabajadores del Museo de Ciencias de Minnesota formaron un sindicato de pared a pared en 2023 y ratificaron su primer contrato. ^{[ 142 ]}

Cada vez más, los museos han respondido a la actual crisis climática mediante la implementación de prácticas museísticas sostenibles y exposiciones que destacan los problemas relacionados con el cambio climático y el Antropoceno .

Un estudio encontró que el control climático para las colecciones de los museos contribuye significativamente a la huella de carbono del museo y, en algunos casos, puede contribuir hasta con el 70% de su consumo de energía. ^{[ 143 ]}

A medida que la cultura digital ha aumentado en la sociedad, los museos han tenido que responder a estos cambios en las instalaciones que ofrecen en línea. ^{[ 144 ]}