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Dibujo

Leonardo da Vinci , Hombre de Vitruvio , c. 1485 , Galería de la Academia , Venecia El dibujo es un arte visual que utiliza un instrumento para marcar papel u otra superficie bi...

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Leonardo da Vinci , Hombre de Vitruvio , c. 1485 , Galería de la Academia , Venecia

El dibujo es un arte visual que utiliza un instrumento para marcar papel u otra superficie bidimensional , o una representación digital de la misma. Tradicionalmente, los instrumentos utilizados para crear un dibujo incluyen lápices , ceras y plumas de tinta , a veces combinados. Las herramientas más modernas incluyen lápices ópticos , ratones , tabletas gráficas y mandos de videojuegos en software de dibujo de realidad virtual .

Un instrumento de dibujo deposita una pequeña cantidad de material sobre una superficie, dejando una marca visible. Existen muchos instrumentos de dibujo, como bolígrafos, lápices, pasteles, ceras, marcadores, lápices de colores, acuarelas y más. El soporte más común para dibujar es el papel , aunque también se han utilizado otros materiales, como cartón , vitela , madera , plástico , cuero , lienzo y tablero . Se pueden realizar dibujos temporales en una pizarra o pizarrón blanco . El dibujo ha sido un medio popular y fundamental de expresión pública a lo largo de la historia de la humanidad. Es uno de los medios más sencillos y eficaces de comunicar ideas. [ 1 ] La amplia disponibilidad de instrumentos de dibujo hace del dibujo una de las actividades artísticas más comunes.

Además de sus formas más artísticas, el dibujo se utiliza frecuentemente en la ilustración comercial , la animación , la arquitectura , la ingeniería y el dibujo técnico . Un dibujo rápido a mano alzada, que generalmente no se considera una obra terminada, a veces se denomina boceto . Un artista que practica o trabaja en dibujo técnico puede ser llamado dibujante o delineante. [ 2 ]

Descripción general

Henri de Toulouse-Lautrec , Madame Palmyre con su perro , 1897

El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana dentro de las artes visuales. Generalmente se ocupa de marcar líneas y áreas de tono sobre papel u otro material, donde la representación precisa del mundo visual se expresa sobre una superficie plana. [ 3 ] Los dibujos tradicionales eran monocromáticos , o al menos tenían poco color, [ 4 ] mientras que los dibujos modernos con lápices de colores pueden acercarse o cruzar el límite entre el dibujo y la pintura . En la terminología occidental, el dibujo es distinto de la pintura, aunque a menudo se emplean medios similares en ambas tareas. Los medios secos, normalmente asociados con el dibujo, como la tiza, pueden usarse en pinturas al pastel . El dibujo puede hacerse con un medio líquido, aplicado con pinceles o plumas. El uso del pincel para dibujar está muy extendido y aquí es más el proceso de usar líneas y sombreado lo que caracteriza algo como dibujo. Los soportes similares también pueden servir para ambos: la pintura generalmente implica la aplicación de pintura líquida sobre lienzo o paneles preparados, pero a veces se dibuja primero un boceto sobre ese mismo soporte.

La concepción del dibujo como una forma de arte autónoma, que no busca otro fin que el suyo propio, surgió de debates entre artistas y aficionados al arte sobre las cualidades plásticas y los principios que rigen la pintura. La «Disputa del Color» del siglo XVII enfrentó a los defensores del color con los del dibujo. En estos debates, el «dibujo» se entendía como independiente tanto de la técnica como del soporte. Se refería principalmente a los contornos de los sujetos, en contraposición a la superficie coloreada y sus modulaciones, una distinción que Leonardo da Vinci estableció célebremente. [ 5 ]

El dibujo suele ser exploratorio, con un énfasis considerable en la observación, la resolución de problemas y la composición. También se utiliza habitualmente como preparación para una pintura, lo que dificulta aún más la distinción entre ambas disciplinas. Los dibujos creados con estos fines se denominan bocetos.

Existen varias categorías de dibujo, entre ellas:

También existen muchos métodos de dibujo, como por ejemplo:

En ámbitos ajenos al arte, los dibujos técnicos o los planos de edificios, maquinaria, circuitos y otras cosas suelen denominarse "dibujos", incluso cuando se han transferido a otro soporte mediante la impresión.

Historia

En comunicación

El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana, con evidencia de su existencia anterior a la de la comunicación escrita. [ 6 ] Se cree que el dibujo se utilizó como una forma especializada de comunicación antes de la invención del lenguaje escrito, [ 6 ] [ 7 ] demostrado por la producción de pinturas rupestres y en cuevas hace unos 30 000 años ( Arte del Paleolítico Superior ). [ 8 ] Estos dibujos, conocidos como pictogramas, representaban objetos y conceptos abstractos. [ 9 ] Los bocetos y pinturas producidos en la época neolítica fueron estilizados y simplificados en sistemas de símbolos ( protoescritura ) y finalmente en sistemas de escritura primitivos .

En manuscritos

Antes de la popularización del papel en Europa, los monjes de los monasterios europeos utilizaban dibujos, ya fuera como bocetos para manuscritos iluminados en vitela o pergamino, o como ilustración final. El dibujo también se ha utilizado ampliamente en el ámbito científico como método de descubrimiento, comprensión y explicación.

En ciencia

Galileo Galilei , Fases de la Luna , 1609 o 1610, tinta marrón y aguada sobre papel, 208 × 142 mm, Biblioteca Nacional Central (Florencia) , Gal.  48, fol.  28r

Dibujar diagramas de las observaciones es una parte importante del estudio científico.

En 1609, el astrónomo Galileo Galilei explicó las fases cambiantes de Venus y también las manchas solares mediante sus dibujos telescópicos de observación. [ 10 ] En 1924, el geofísico Alfred Wegener utilizó ilustraciones para demostrar visualmente el origen de los continentes. [ 10 ]

Como expresión artística

El dibujo es una de las formas más fáciles de visualizar ideas y expresar la creatividad; por lo tanto, ha sido prominente en el mundo del arte. A lo largo de gran parte de la historia, el dibujo fue considerado la base de la práctica artística. [ 11 ] Inicialmente, los artistas usaban y reutilizaban tablillas de madera para la producción de sus dibujos. [ 12 ] Tras la amplia disponibilidad del papel en el siglo XIV, el uso del dibujo en las artes aumentó. En este punto, el dibujo se usaba comúnmente como una herramienta para el pensamiento y la investigación, sirviendo como medio de estudio mientras los artistas preparaban sus obras finales. [ 13 ] [ 14 ] El Renacimiento trajo consigo una gran sofisticación en las técnicas de dibujo, lo que permitió a los artistas representar las cosas de manera más realista que antes, [ 15 ] y reveló un interés por la geometría y la filosofía. [ 16 ]

La invención de la primera forma de fotografía ampliamente disponible provocó un cambio en la jerarquía de las artes. [ 17 ] La fotografía ofreció una alternativa al dibujo como método para representar con precisión los fenómenos visuales, y la práctica tradicional del dibujo recibió menos énfasis como habilidad esencial para los artistas, particularmente en la sociedad occidental. [ 10 ]

Artistas y dibujantes destacados

El dibujo adquirió importancia como forma de arte a finales del siglo XV, con artistas y maestros grabadores como Albrecht Dürer y Martin Schongauer ( c. 1448-1491 ), el primer grabador nórdico conocido por su nombre. Schongauer era originario de Alsacia y nació en una familia de orfebres. Albrecht Dürer, maestro de la siguiente generación, también era hijo de un orfebre. [ 18 ] [ 19 ]

Los dibujos de los grandes maestros suelen reflejar la historia del país en el que fueron producidos y las características fundamentales de la nación en aquella época. En la Holanda del siglo XVII, un país protestante, prácticamente no existían obras de arte religiosas y, al no haber rey ni corte, la mayor parte del arte se adquiría de forma privada. Los dibujos de paisajes o escenas de género a menudo se consideraban no como bocetos, sino como obras de arte de gran calidad. Sin embargo, los dibujos italianos muestran la influencia del catolicismo y la Iglesia, que desempeñaron un papel fundamental en el mecenazgo artístico. Lo mismo suele ocurrir con los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII las disciplinas del clasicismo francés [ 20 ] hicieron que los dibujos fueran menos barrocos que sus homólogos italianos, más libres, que transmitían una mayor sensación de movimiento. [ 21 ]

En el siglo XX, el modernismo impulsó la «originalidad imaginativa» [ 22 ] y el enfoque de algunos artistas hacia el dibujo se volvió menos literal y más abstracto. Artistas de renombre mundial como Pablo Picasso , Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat contribuyeron a desafiar el statu quo, con el dibujo como elemento central de su práctica, y a menudo reinterpretando la técnica tradicional. [ 23 ]

Los dibujos de Basquiat se realizaron en muchos medios diferentes, siendo los más comunes la tinta, el lápiz, el rotulador o marcador y la barra de óleo, y dibujaba sobre cualquier superficie que tuviera a mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes y cascos de béisbol. [ 24 ]

Los siglos han dado lugar a un canon de artistas y dibujantes notables, cada uno con su propio lenguaje de dibujo distintivo, entre los que se incluyen:

Materiales

El medio es el soporte mediante el cual la tinta, el pigmento o el color se aplican sobre la superficie de dibujo. La mayoría de los soportes de dibujo son secos (por ejemplo , grafito , carboncillo , pasteles , Conté , punta de plata ) o utilizan un disolvente o portador fluido ( rotulador , pluma y tinta ). Los lápices de acuarela se pueden usar secos como lápices comunes y luego humedecerlos con un pincel húmedo para obtener diversos efectos pictóricos. Muy raramente, los artistas han dibujado con tinta invisible (generalmente decodificada) . El dibujo con punta metálica suele emplear plata o plomo. [ 26 ] Con menos frecuencia se utilizan oro, platino, cobre, latón, bronce y punta de estaño.

El papel se presenta en una variedad de tamaños y calidades, desde papel de periódico hasta papel de alta calidad y relativamente caro que se vende en hojas sueltas. [ 27 ] Los papeles varían en textura, tonalidad, acidez y resistencia al mojarse. El papel liso es bueno para reproducir detalles finos, pero un papel más rugoso retiene mejor el material de dibujo. Por lo tanto, un material más grueso es útil para producir un contraste más profundo.

El papel de periódico y el papel de máquina de escribir pueden ser útiles para practicar y realizar bocetos . El papel de calco se utiliza para experimentar sobre un dibujo a medio terminar y para transferir un diseño de una hoja a otra. El papel de cartucho es el tipo básico de papel de dibujo que se vende en blocs. El cartón Bristol e incluso los cartones libres de ácido más gruesos, frecuentemente con acabados lisos, se utilizan para dibujar detalles finos y no se deforman al aplicar medios húmedos (tinta, aguadas). El vitela es extremadamente liso y adecuado para detalles muy finos. El papel de acuarela prensado en frío puede ser el preferido para dibujar con tinta debido a su textura.

El papel libre de ácido y de calidad de archivo conserva su color y textura durante mucho más tiempo que el papel a base de pulpa de madera , como el papel de periódico , que se amarillea y se vuelve quebradizo mucho antes.

Las herramientas básicas son un tablero o mesa de dibujo , un sacapuntas y una goma de borrar , y para dibujar con tinta, papel secante . Otras herramientas utilizadas son el compás , la regla y la escuadra . Se utiliza fijador para evitar que las marcas de lápiz y crayón se emborronen. La cinta adhesiva se usa para fijar el papel a la superficie de dibujo y también para proteger un área de marcas accidentales, como salpicaduras de materiales o lavados. Se utiliza un caballete o una mesa inclinada para mantener la superficie de dibujo en una posición adecuada, que generalmente es más horizontal que la que se usa en la pintura.

Técnica

Antoine Watteau , técnica de los tres crayones

Casi todos los dibujantes utilizan sus manos y dedos para aplicar los materiales, con la excepción de algunas personas con discapacidad que dibujan con la boca o los pies. [ 28 ]

Antes de trabajar en una imagen, el artista suele explorar cómo funcionan los distintos materiales. Puede probar diferentes herramientas de dibujo en hojas de práctica para determinar el valor tonal y la textura, y cómo aplicarlas para producir diversos efectos.

Rafael , estudio para lo que se convertiría en la Virgen de Alba , con otros bocetos.

La elección de trazos por parte del artista afecta la apariencia de la imagen. Los dibujos a pluma y tinta suelen utilizar sombreado (grupos de líneas paralelas). [ 29 ] El sombreado cruzado utiliza sombreado en dos o más direcciones diferentes para crear un tono más oscuro. El sombreado discontinuo, o líneas con interrupciones intermitentes, forma tonos más claros, y el control de la densidad de las interrupciones permite lograr una gradación de tono. El punteado utiliza puntos para producir tono , textura y sombra . Se pueden lograr diferentes texturas según el método utilizado para construir el tono. [ 30 ]

Los dibujos en medios secos suelen emplear técnicas similares, aunque los lápices y las barras de dibujo permiten lograr variaciones tonales continuas. Generalmente, el dibujo se rellena según la mano dominante del artista. Un artista diestro dibuja de izquierda a derecha para evitar que la imagen se emborrone. Las gomas de borrar permiten eliminar líneas no deseadas, aclarar tonos y corregir marcas accidentales. En un boceto o dibujo de contorno, las líneas suelen seguir el contorno del sujeto, creando profundidad al imitar las sombras proyectadas por una luz en la posición del artista.

A veces, el artista deja una sección de la imagen sin tocar mientras rellena el resto. La forma del área a conservar se puede pintar con líquido de enmascarar o recortar de una máscara y aplicarla sobre la superficie del dibujo, protegiéndola de marcas accidentales hasta que se retire la máscara.

Otro método para preservar una sección de la imagen consiste en aplicar un fijador en aerosol sobre la superficie. Esto sujeta con mayor firmeza el material suelto a la hoja y evita que se manche. Sin embargo, el fijador en aerosol suele contener sustancias químicas que pueden dañar el sistema respiratorio, por lo que debe utilizarse en un área bien ventilada, como al aire libre.

Otra técnica es el dibujo sustractivo, en el que la superficie de dibujo se cubre con grafito o carboncillo y luego se borra para crear la imagen. [ 31 ]

Tono

Retrato a lápiz de Henry Macbeth-Raeburn , con sombreado y tramado (1909).

El sombreado es la técnica que consiste en variar los tonos del papel para representar la tonalidad del material, así como la ubicación de las sombras. Prestar atención a la luz reflejada, las sombras y los brillos puede dar como resultado una representación muy realista de la imagen.

El difuminado utiliza una herramienta para suavizar o extender los trazos originales del dibujo. Se realiza más fácilmente con un medio que no se fija inmediatamente , como el grafito, la tiza o el carboncillo, aunque la tinta recién aplicada se puede difuminar, húmeda o seca, para lograr ciertos efectos. Para sombrear y difuminar, el artista puede usar un difumino , un pañuelo de papel , una goma de borrar maleable , la yema del dedo o cualquier combinación de estos. Un trozo de gamuza es útil para crear texturas suaves y para eliminar material y aclarar el tono. Se puede lograr un tono continuo con grafito sobre una superficie lisa sin difuminar, pero la técnica es laboriosa, ya que implica pequeños trazos circulares u ovalados con una punta algo roma.

Las técnicas de sombreado que también aportan textura al dibujo incluyen el rayado y el punteado . Existen otros métodos para crear textura. Además de la elección del papel, el material y la técnica de dibujo influyen en la textura. Esta puede parecer más realista cuando se dibuja junto a una textura contrastante; una textura rugosa resulta más evidente al colocarla junto a una zona de transición suave. Un efecto similar se consigue dibujando tonos distintos muy juntos. Un borde claro junto a un fondo oscuro destaca a la vista y casi parece flotar sobre la superficie.

Forma y proporción

Proporciones del cuerpo humano

Medir las dimensiones de un sujeto durante el boceto es un paso importante para lograr una representación realista. Se pueden usar herramientas como un compás para medir los ángulos de los diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie de dibujo y luego verificar para asegurar su precisión. Otra forma de medición consiste en comparar los tamaños relativos de las distintas partes del sujeto, una técnica llamada medición comparativa . Se puede usar un dedo colocado en un punto del instrumento de dibujo para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede usar tanto como escuadra como para calcular proporciones.

Variación de la proporción con la edad

Al intentar dibujar una forma compleja, como una figura humana, resulta útil representarla inicialmente con un conjunto de volúmenes primitivos. Casi cualquier forma puede representarse mediante alguna combinación de cubo, esfera, cilindro y cono. Una vez que estos volúmenes básicos se han ensamblado para formar una figura, el dibujo puede refinarse hasta obtener una forma más precisa y pulida. Las líneas de los volúmenes primitivos se eliminan y se reemplazan por la figura final. Dibujar la estructura subyacente es una habilidad fundamental para el arte figurativo y se enseña en muchos libros y escuelas. Su correcta aplicación resuelve la mayoría de las dudas sobre los detalles más pequeños y hace que la imagen final luzca coherente. [ 32 ]

Un dibujo de figura más refinado requiere que el artista posea un profundo conocimiento de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista capacitado conoce la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la disposición de los músculos, el movimiento de los tendones y cómo interactúan las diferentes partes durante el movimiento. Esto le permite representar poses más naturales, sin rigidez artificial. El artista también conoce cómo varían las proporciones según la edad del sujeto, especialmente al dibujar un retrato.

Perspectiva

Dibujo en perspectiva de dos puntos

La perspectiva lineal es un método para representar objetos en una superficie plana de manera que sus dimensiones disminuyan con la distancia. Cada conjunto de aristas paralelas y rectas de cualquier objeto, ya sea un edificio o una mesa, sigue líneas que convergen en un punto de fuga. Normalmente, este punto de convergencia se encuentra en el horizonte, ya que los edificios se construyen al mismo nivel que la superficie plana. Cuando varias estructuras están alineadas, como los edificios a lo largo de una calle, las partes superiores e inferiores horizontales de las estructuras suelen converger en un punto de fuga.

Cuando se dibujan tanto la fachada como los laterales de un edificio, las líneas paralelas que forman un lateral convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del papel de dibujo). Esto se denomina perspectiva de dos puntos. [ 33 ] La convergencia de las líneas verticales en un tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.

Un artista dibujando una figura desde la perspectiva de un gusano.

La profundidad también puede representarse mediante diversas técnicas, además de la perspectiva mencionada anteriormente. Los objetos de tamaño similar deberían parecer cada vez más pequeños a medida que se alejan del observador. Así, la rueda trasera de un carro parece ligeramente más pequeña que la delantera. La profundidad también puede representarse mediante la textura . A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más compacta y densa, adquiriendo un carácter completamente diferente al que tendría si estuviera cerca. Asimismo, la profundidad puede representarse reduciendo el contraste en los objetos más distantes y disminuyendo la saturación de sus colores. Esto reproduce el efecto de la bruma atmosférica y hace que la vista se centre principalmente en los objetos dibujados en primer plano.

Composición

Dibujo de estudio con reflejos blancos de William-Adolphe Bouguereau

La composición de la imagen es un elemento importante para crear una obra interesante y de mérito artístico . El artista planifica la disposición de los elementos para comunicar ideas y sentimientos al espectador. La composición puede determinar el enfoque de la obra y dar como resultado un conjunto armonioso, estéticamente atractivo y estimulante.

La iluminación del sujeto es un elemento clave en la creación de una obra artística, y el juego de luces y sombras constituye una valiosa herramienta para el artista. La ubicación de las fuentes de luz puede influir considerablemente en el mensaje que se transmite. Por ejemplo, varias fuentes de luz pueden disimular las arrugas del rostro y darle un aspecto más juvenil. En cambio, una sola fuente de luz, como la luz solar directa, puede resaltar texturas o rasgos interesantes.

Al dibujar un objeto o una figura, el artista experto presta atención tanto al área dentro de la silueta como a lo que se encuentra fuera de ella. El exterior se denomina espacio negativo y puede ser tan importante en la representación como la propia figura. Los objetos situados en el fondo de la figura deben aparecer correctamente ubicados dondequiera que se puedan ver.

Un estudio es un boceto que se realiza como preparación para la imagen final planificada. Los estudios pueden utilizarse para determinar el aspecto de partes específicas de la imagen terminada o para experimentar con el mejor enfoque para lograr el objetivo final. Sin embargo, un estudio bien elaborado puede ser una obra de arte en sí misma, y ​​su realización puede requerir muchas horas de trabajo minucioso.

Proceso

Una joven dibujando el Fauno Barberini en Múnich.

Los individuos muestran diferencias en su capacidad para producir dibujos visualmente precisos, [ 34 ] cuando un dibujo visualmente preciso es "reconocido como un objeto particular en un momento particular y en un espacio particular, representado con poca adición de detalles visuales que no se pueden ver en el objeto representado o con poca eliminación de detalles visuales". [ 35 ]

Los estudios de investigación han intentado explicar por qué algunas personas dibujan mejor que otras. Un estudio planteó cuatro habilidades clave en el proceso de dibujo: las habilidades motoras necesarias para trazar marcas, la percepción que el dibujante tiene de su propio dibujo, la percepción de los objetos dibujados y la capacidad de tomar buenas decisiones representativas. [ 35 ] Siguiendo esta hipótesis, varios estudios han buscado determinar cuáles de estos procesos son más importantes para la precisión de los dibujos.

Proceso de dibujo en el Estudio académico de un torso masculino de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1801, Museo Nacional de Varsovia ).
Control del motor

El control motor es un componente físico importante en la "Fase de Producción" del proceso de dibujo. [ 36 ] Se ha sugerido que el control motor juega un papel en la capacidad de dibujo, aunque sus efectos no son significativos. [ 35 ]

Percepción

Se ha sugerido que la capacidad de un individuo para percibir un objeto que está dibujando es la etapa más importante en el proceso de dibujo. [ 35 ] Esta sugerencia está respaldada por el descubrimiento de una relación sólida entre la percepción y la habilidad para dibujar. [ 37 ]

Esta evidencia sirvió de base para el libro de Betty Edwards sobre cómo dibujar, Dibujar con el lado derecho del cerebro . [ 38 ] Edwards pretendía enseñar a sus lectores a dibujar, basándose en el desarrollo de las habilidades perceptivas del lector.

Además, el influyente artista y crítico de arte John Ruskin enfatizó la importancia de la percepción en el proceso de dibujo en su libro Los elementos del dibujo . [ 39 ] Afirmó: «Porque estoy casi convencido de que, una vez que vemos con suficiente agudeza, hay muy poca dificultad en dibujar lo que vemos».

Memoria visual

También se ha demostrado que esto influye en la capacidad de crear dibujos visualmente precisos. La memoria a corto plazo juega un papel importante en el dibujo, ya que la mirada se desplaza entre el objeto que se está dibujando y el dibujo en sí. [ 40 ]

Toma de decisiones

Algunos estudios que comparan a artistas con personas que no son artistas han encontrado que los artistas dedican más tiempo a pensar estratégicamente mientras dibujan. En particular, los artistas dedican más tiempo a actividades "metacognitivas", como considerar diferentes planes hipotéticos sobre cómo podrían avanzar con un dibujo. [ 41 ]

Véase también

Referencias

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Lecturas adicionales

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  • Leonardo da Vinci: dibujos anatómicos de la Biblioteca Real del Castillo de Windsor , catálogo de la exposición disponible íntegramente en línea en formato PDF en el Museo Metropolitano de Arte (un excelente recurso de dibujo).
  • Leonardo da Vinci, Maestro Dibujante , catálogo de la exposición disponible íntegramente en línea en formato PDF en el Museo Metropolitano de Arte (un excelente recurso sobre dibujo).
  • El dibujo en la Edad Media: Un resumen de cómo se utilizaba el dibujo como parte del proceso artístico en la Edad Media.