Dmitry Mitrokhin

Dmitry Mitrokhin debe sus primeros experimentos en el diseño de libros al profesor de acuarela de Stroganovka SI Yaguzhinsky, en 1904, quien le ofreció "un pequeño trabajo para las editoriales" y lo apreció: Valery Bryusov , en ese momento, editor jefe de "Escorpión" . ^{[ 3 ]} A su regreso en 1908 de París, donde conoció a SP Yaremich, quien a su vez presentó al artista a ESKruglikova , que había vivido en Francia durante muchos años, al famoso escultor polaco Eduard Wittig, en cuyo taller Dmitry Mitrokhin vivió en tiempos difíciles, se mudó a San Petersburgo y comenzó a trabajar sistemáticamente como ilustrador de libros, lo que rápidamente le trajo fama, facilitada por su relación con los artistas del "Mundo del Arte". En la etapa inicial del exitoso desarrollo de la creatividad de D.I. Mitrokhin como artista de libros e ilustrador de revistas, por supuesto, la ayuda de E.E. Lanceray , quien le enviaba editores, también influyó ("Dibujé modelos con él. Los invitó a pintar en el salón de la biblioteca de la Academia de Artes... Los primeros años de mi vida en San Petersburgo se vieron muy iluminados por la atención de Evgeny Evgenievich Lanceray." - D. Mitrokhin. Notas autobiográficas (1973)). ^{[ 3 ]} Al mismo tiempo, comienza a grabar en linóleo (en V.D. Falileev), - "Grababa composiciones de color, imprimía no con pinturas al óleo, sino con acuarelas, al estilo japonés". ^{[ 3 ]} Colabora con muchos editores de libros: "IN Knebel "," Golike y Vilborg "," Ilustración "," Pechatnik "," M. y S. Sabashnikovs "(para ellos DI Mitrokhin desarrolló una marca de imprenta )", " Apolo "," MV Popov "y muchos otros. Continúa estudiando las colecciones de grabados en la biblioteca de la Academia de Artes y el Hermitage . Trabaja mucho en ilustraciones para libros infantiles, sobre salvapantallas de revistas, títulos dobles, guardas, etc. Raro en belleza y expresividad sonora, interpretación perseguida - "Uyezdnoye" de E. Zamyatin (1916; casa editorial de M. V. Popov), "Cuentos rusos del abuelo Peter" de Arthur Ransom (1916; Londres y Edimburgo) y muchos otros.

El hecho de que hable sobre todo de lo que Dmitry Mitrokhin es como artista del libro es sumamente importante, ya que ella fue, si bien una parte importante, pero lejos del escenario principal en su trabajo, siempre, trabajando en el diseño de una u otra publicación, con toda la variedad de técnicas gráficas a las que el artista recurrió, se guió por un único principio para todos los elementos del libro, desde la portada y las guardas hasta la tipografía y la decoración; todos ellos están sujetos a una coherencia estilística.

Comenzamos con un profundo rechazo hacia lo que se hacía en el mundo gráfico a nuestro alrededor. Pero el odio por sí solo no basta. Se necesita conocimiento. Recurrimos a la historia de los grabados y los libros. Allí encontraron una justificación para su odio y la confirmación de la corrección de su camino. Los antiguos maestros de las imprentas venecianas, de Basilea y de Lyon, así como los grabadores de Núremberg, demostraron ser excelentes maestros y consejeros que no se negaban a impartir valiosas enseñanzas, y ahora lo hacen con todo aquel que las necesite. - D. Mitrokhin. Notas autobiográficas (1973) ^{[ 3 ]}

• 1911 - Ilustra libros infantiles de la editorial I. Knebel (hasta 1914).
• 1912 - Trabaja en las portadas de la serie para la editorial M. y S. Sabashnikovs.
• 1913 - colaboración en las revistas "Satyricon" (hasta 1914) y "New Satyricon" (hasta 1917); - portada de "Cup" de VA Zhukovsky (editorial IN Knebel, Moscú); - en marzo, por invitación de la Sociedad de Dresde "Kunstverein", participa con G. Yakulov en una exposición de acuarelas.
• 1914 - Bordes decorativos de la revista "Lukomorye" (hasta 1917).
• 1915-1916 - Realizó numerosas portadas de libros.
• 1916 - fue admitido en el "Mundo del Arte"; - realizó el diseño gráfico para el libro de Arthur Ransome "Cuentos rusos del abuelo Peter" (A. Ransome "Cuentos rusos del viejo Peter" - Londres); - a finales de año, comenzó a trabajar en el departamento de grabados y dibujos del Museo Ruso (en la lista figuran otros trabajos para imprenta).
• 1917 - movilización en el ejército con una comisión en la Comisión de Trofeos; - en septiembre, con motivo del fallecimiento de su padre, se traslada a Yeisk, donde permanecerá hasta finales del año siguiente - "Dediqué mucho tiempo a pintar del natural, trabajé mucho con lápiz y acuarelas, pinté paisajes, interiores, bodegones y retratos."

En la época soviética, el artista desarrolló con éxito este trabajo, que lo absorbió y que realiza con amor, combinándolo con entusiasmo y gran éxito con el grabado, el aguafuerte y la litografía. Diseñó e ilustró una gran cantidad de libros y revistas en varias editoriales: "Las luces", "Petrópolis", "Petrogrado", "Piensa", "Surf" y muchas otras, en la mejor de ellas, Academia (con la que colaboró ​​durante unos seis años): "Siete retratos de amor" de A. de Rainier (1920, 1921; Petrogrado), el poema de cuento de hadas de Marina Tsvetaeva "La doncella del zar" (1922); - Dibujos de plumas vivaces realizados de una manera que ya se ha convertido en tradicional para el artista para la decoración de "Golden Beetle" (1922) de Edgar Poe , "Epsine" de Ben Johnson (1920, 1921); "Petropolis"), - ilustraciones de Victor Hugo (1923), Henri Barbusse , Octave Mirbeau , "Comedy Books" de Aristófanes (1930), "Ethiopics" de Heliodoro (1932) y muchos otros, - autor de varios elementos decorativos de muchas publicaciones. ^{[ 3 ]}

• 1918 - regresa a Petrogrado a finales de año; - Nombrado jefe del Departamento de Grabados y Dibujos del Museo Ruso .
• 1919 - Profesor del Instituto Superior de Fotografía y Técnica Fotográfica (hasta 1923); - trabaja en portadas para la "Biblioteca del Pueblo" de la Editorial Estatal; - portadas de series (hasta 1926).
• 1921 - el libro de Vs. Voinov "Libro de firmas de DI Mitrokhin" (otras publicaciones sobre DI Mitrokhin están en la lista).
• 1924 - Profesor del Departamento de Imprenta de la Academia de Artes (curso de artes gráficas del libro - hasta 1934).

En la década de 1920, DiMitrokhin vuelve a entrar en contacto con la literatura infantil, ilustrando y diseñando varios libros, entre los que cabe destacar el ya mencionado "El escarabajo dorado" de Edgar Allan Poe (1921-1922), "Viaje al país del cine" de V. Shklovsky (1926) y "Alfabeto de octubre" (1927). El trabajo en la última edición confirma una vez más el brillante dominio del artista sobre el arte de la tipografía. La aparición de la novela satírica en dos volúmenes de Karl Immerman , "Münchausen" (1930-1932), sugiere que el artista abordó con gran ingenio la solución de toda la estructura de esta publicación: los personajes de la obra están agudamente caricaturizados, lo que se convierte en comentarios peculiares y entretenidos sobre el libro; la maquetación de las páginas de título es ingeniosa; la encuadernación, la guarda y la sobrecubierta están en armonía. Desde el otoño de 1939, DI Mitrokhin trabajó en el diseño del libro de cuentos de hadas de Hans Christian Andersen , tras recibir un encargo de una editorial alemana. Como se desprende de las cartas del artista, continuó creando interesantes ilustraciones, a juzgar por los pocos ejemplares que se conservan, ya a mediados de junio de 1941; esta edición no estaba destinada a ver la luz... ^{[ 3 ] [ 6 ]}

Desarrolló varias docenas de marcas editoriales , emblemas comerciales y etiquetas. En el campo de las "formas pequeñas", dominio que D.I. Mitrokhin ya dominaba en la década de 1910, el ex libris ocupa un lugar especial. Maestro de la composición, versado en los componentes decorativos y gráficos del libro, y con una sutil sensibilidad hacia su naturaleza, realizó casi cincuenta ex libris (la mayoría entre 1919 y 1923); estas obras se encuentran entre las mejores creadas en este género en Rusia.

Pero entre finales de la década de 1920 y mediados de la de 1930, el artista se alejó del diseño gráfico de libros, retomándolo solo periódicamente y sin interés previo. Después de la guerra, rara vez realizó trabajos para publicaciones. Una excepción puede considerarse el libro ilustrado y diseñado por D. I. Mitrokhin en 1959, «Cuentos de hadas franceses» (M. GIHL), y uno de los últimos: el libro de memorias de M. V. Nesterov (M. «Art»), diseñado por él mismo ese mismo año.

La obra de DiMitrokhin experimentó cambios a lo largo de casi medio siglo de intensa actividad en este campo, como si anticipara la atracción del artista hacia la única forma posible, pero también la más vívida y singular, de aplicar su talento: el dibujo, que desde cierto momento se convertiría en un medio expresivo universal de su visión del mundo. Da la impresión de que otros tipos de grabado de caballete cumplían la misma función "preparatoria", como si ayudaran al artista a encontrar ese lenguaje lapidario, inteligible, pero lejos de ser monosilábico, de las obras que constituyen la base, en cuanto a contenido y capacidad, de una escritura gráfica individual y completamente independiente. ^{[ 5 ]}

Al tener la oportunidad de percibir retrospectivamente esta experiencia creativa, se puede observar en su desarrollo una tendencia: desde mediados de la década de 1930, la ilustración de libros dejó de ser de suma importancia en la obra del artista y comenzó a ceder terreno a la xilografía, el grabado en metal, el dibujo y la acuarela. El trabajo del natural nunca estuvo excluido de las clases regulares ni del ámbito de interés de DiMitrokhin; es más, en este campo buscó y perfeccionó constantemente, lo que resultó en una transformación gradual del significado y el contenido de la pintura: de la «escuela de la naturaleza», necesaria para comprender la tradición a la que pertenecía, al valor independiente y expresado de la hoja de caballete original. ^{[ 5 ]}

• 1923 - comienzo de la tala sistemática de árboles (hasta 1934).
• 1925 - la primera exposición individual (Kazán - 250 hojas).
• 1927 - comienza a grabar con una cuchilla y punta seca sobre metal (hasta 1951).
• 1928 - comenzó a dedicarse a la litografía (hasta 1934).
• 1935-1941 - trabaja en una serie de grabados del ciclo "Paisajes de Leningrado" (lado Petrogradskaya, Parque Central de Cultura y Descanso).
• 1941 - en los primeros días de la Gran Guerra Patria se alistó como voluntario en la milicia popular; - artista de 58 años trabaja para la Editorial del Estado Mayor, para el Instituto de Transfusión de Sangre ("La historia de la transfusión de sangre" (1941-1942); - creó alrededor de 100 dibujos a lápiz y acuarela, incluidos aquellos dedicados a la vida de la ciudad sitiada.
• 1942 - en la mañana del 1 de enero, murió la esposa del artista, Alisa Yakovlevna Bruschetti; - en el verano trabaja del natural en las calles de la ciudad sitiada y expone sus dibujos; - a finales de año, DI Mitrokhin, tras permanecer en el hospital, en estado de agotamiento extremo, fue evacuado a Almaty .
• 1943 - Miembro de la Junta Directiva de la Unión de Artistas de Kazajstán y Presidente de su sección de artes gráficas, expone y se dedica principalmente a la acuarela.

DI Mitrokhin comenzó a grabar en madera "casi por curiosidad", bajo la influencia de Vsevolod Vladimirovich Voinov, uno de los iniciadores y propagandistas del renacimiento de la xilografía como técnica de caballete independiente (no reproductiva), con quien Dmitry Isidorovich estaba bien familiarizado en el "Mundo del Arte", y en el trabajo museístico; en 1941 se unieron juntos a la milicia, sobrevivieron al bloqueo y estuvieron juntos en Alma-Ata. V. Voinov introdujo en la xilografía a BM Kustodiev , quien, debido a una enfermedad en sus últimos años, no se aisló completamente de la creatividad gracias al grabado.

D.I. Mitrokhin realizó algo más de 70 grabados, pero incluso esta cantidad relativamente pequeña de obras en este campo le permite figurar entre los mejores maestros rusos del grabado en madera. Comenzando con técnicas cercanas al "estilo negro", cuando el artista prefería un trazo blanco y ligeramente tosco, posteriormente llegó a "una escala plateada rica en medios tonos y diversos elementos texturizados"; era ajeno a cualquier tipo de "ostentación con virtuosismo"; inicialmente, en el grabado en madera, se sentía atraído por la expresividad pictórica, para lo cual a veces iluminaba sus grabados con acuarelas, a veces apenas perceptibles, a veces corpusculares y vibrantes. Y aquí se puede observar la integridad del arte de Mitrokhin, como lo demuestra la bien definida interrelación entre su grabado en madera y su dibujo.

En las obras de este período (década de 1920 - finales de la de 1930) predominan los ciclos paisajísticos: abundan los grabados en madera y en tinta (el artista, deliberadamente, no recurrió al aguafuerte, pues apreciaba la línea limpia y viva de la aguja y el cincel secos), así como las litografías dedicadas a las entonces afueras de Leningrado: los terrenos baldíos de Petrogradskaya y las plazas de las islas. «Mitrokhin se encariñó profundamente con el paisaje tan particular de esta parte de la ciudad en aquellos años. Fue allí donde, gracias al rápido desarrollo de principios de siglo, interrumpido por la Primera Guerra Mundial y la revolución, se creó una especie de conglomerado arquitectónicamente desorganizado de grandes edificios de apartamentos con muros cortafuegos en blanco, terrenos baldíos con imponentes árboles viejos, vallas interminables y casas de madera que aún se conservaban. El paisaje, que no se podía apreciar en otras partes de la antigua capital, cautivó a Mitrokhin con el persistente contraste entre la ciudad que de repente detuvo su avance y los islotes de naturaleza que le resistían heroicamente». ^{[ 5 ]}

Desde los bocetos parisinos, el tema de género está invariablemente presente en la obra de Dmitry Mitrokhin. Se remonta a sus raíces en una tradición estable y rica, originada en la antigüedad, continuada en la ilustración de libros medievales, en las miniaturas orientales, en los dibujos de los antiguos maestros, en los grabados del Renacimiento , en los tipos populares de Durero, entre los pequeños holandeses , en las estampas populares rusas y, finalmente, en el grabado japonés ukiyo-e . Adquiere su mayor agudeza social en el siglo XVIII con las famosas series de grabados franceses e ingleses «Los gritos de París» y «Los gritos de Londres»; esta tradición se desarrolla con dibujos, litografías y figurillas de porcelana de tipos populares de San Petersburgo de principios del siglo XIX. ^{[ 3 ] [ 5 ]}

Y si las escenas callejeras, las pequeñas figuras de transeúntes, como una especie de "personalidad", dan vida a casi todos los paisajes de D.I. Mitrokhin, entonces en su serie urbana de grabados en madera de mediados de la década de 1920 y principios de la de 1930, el personaje del "hombre de la calle" ocupa un lugar central. Las obras de estos ciclos amablemente irónicos, ahora casi grotescos, junto con una serie de litografías y grabados de mayor formato, se corresponden más estrechamente con la tradición mencionada ("Tipos callejeros", "Vendedor de helados", "Jugador de fútbol", "Vendedor de flores", "Pulidor de suelos", "Petrorayrabcoop", "otros"). ^{[ 5 ]}

Al mismo tiempo, en la década de 1930, en una serie de grabados finales de DiMitrokhin, dedicados a la vida de la región de Azov, los motivos románticos reemplazan al "género", dictado por el interés del artista "en la trama en sus formas específicas, la preocupación por la integridad decorativa y la expresividad del grabado en madera de la hoja". ^{[ 5 ]}

La fluidez en las técnicas de grabado en madera, a las que llegó DIMitrokhin a mediados de la década de 1930, naturalmente lleva al artista a cambiar sus intereses hacia el grabado con cincel, que ya le atraía en ese momento. Mientras que el grabado y la litografía habían experimentado un renacimiento desde la década de 1920, el grabado con cincel en Rusia ya había perdido las características de alta arte, teniendo solo un valor aplicado; en Europa Occidental, también fue solo en las décadas de 1910 y 1920 cuando algunos maestros comenzaron a comprender su valor independiente para las artes gráficas, que también había estado durante mucho tiempo relegada solo a la artesanía y las reproducciones. El artista, teniendo una idea general de la técnica del grabado con incisivos, no tenía ejemplos vivos a su alrededor, y es precisamente la comprensión de sus posibilidades para resolver tareas independientes del artista gráfico desde los primeros experimentos lo que aleja al maestro de las técnicas reproductivas: "dibuja" con un buril. En este sentido, Yu.A. Rusakov señaló acertadamente: «No es exagerado decir que esto representó un nuevo descubrimiento en el grabado con cincel». Enriqueciendo las posibilidades tonales, el maestro también trabaja con aguja seca, cuya mayor libertad en el trazo acerca los efectos logrados al dibujo natural, al dibujo con pluma, lo cual era una de las tareas del autor: preservar su vivacidad y calidez. Pero no imita el dibujo, sino que, gracias a este uso de las posibilidades del grabado sobre metal, busca dotar a la estampa de una impresión fresca y un carácter emotivo. ^{[ 5 ]}

En la década de 1920, retomó el mismo tema: paisajes de Petrogrado, bodegones y escenas de Yeisk. Sin embargo, en esta ocasión, amplió su temática, adquiriendo mayor dinamismo y, en algunos casos, una mayor calidad pictórica. A mediados de la década de 1930, creó un ciclo de grabados de gran formato dedicados al Parque Central de Cultura y Ocio: varios paisajes panorámicos basados ​​en bocetos realizados desde ventanas. Un pequeño grupo de obras, también pequeño, consistía en bodegones grabados por D.I. Mitrokhin a finales de los años 30 y principios de los 40, que el autor inicialmente concibió como acuarelas ligeras. El estilo general de estas obras se acerca a la visión que desarrolló mucho más tarde.

El grabado en metal de D. I. Mitrokhin es un fenómeno único en el arte soviético del período de preguerra. La verdadera maestría con la que el artista logró plasmar la delicada estructura emocional y el lirismo de su naturaleza artística no encontró respuesta en esta nueva empresa, y el ámbito real de su obra, verdaderamente único, ocupa un lugar entre "los mayores fenómenos del grabado europeo en metal del siglo XX", señala el artista y crítico de arte Yu. A. Rusakov. El reconocido experto en grabado Zvontsov, Vasili Mikhailovich, coincide con él: "Fue el único que desarrolló el arte del grabado hasta nuestros días. Esta idea sobre Mitrokhin se vio reforzada por las historias que contaban sobre él los artistas de la generación anterior, mis maestros (V. N. Levitsky, L. F. Ovsyannikov, G. S. Vereysky y otros)". ^{[ 5 ]}

Hasta la segunda mitad de la década de 1920, solo recurrió al trabajo en piedra en dos ocasiones. De «creado por DiMitrokhin en litografía», la mitad se refiere a 1928, el primer año en que estudió a fondo esta técnica de impresión.

Para preservar el contacto vívido del lápiz litográfico suave con la superficie de trabajo, prescinde de la copiadora, que permite transferir un dibujo previamente realizado; el artista trabaja directamente sobre la piedra. Y aquí emplea toda la riqueza de técnicas: dibuja con trazos amplios y ligeros, usa pluma, aclara el tono y realiza largos trazos paralelos (lo cual solo es posible trabajando directamente sobre el plano de impresión). Principalmente realizó litografías de caballete para impresiones monocromáticas, sobre una sola piedra, aunque también imprimió varias litografías en dos o incluso tres piedras (1929-1931).

Sus litografías están dominadas por el mismo tema que el grabado final: la calle Leningradskaya y la pesca en Yeisk. Su mejor serie es "Seis litografías coloreadas por el autor" (1928). En ella, la atención del artista se centra en coloridas escenas callejeras; estas obras nos traen la imagen de la ciudad, el aroma de una época pasada...

La breve fascinación de DI Mitrokhin por esta técnica surgió de su experiencia al utilizarla en el diseño gráfico de libros: se diseñaron las "Obras escogidas" de NS Leskov (1931). ^{[ 5 ]}

• 1944 - se traslada a Moscú en julio; a partir de entonces, comenzó a dedicarse sistemáticamente a la acuarela y al dibujo; periódicamente regresa al diseño gráfico de libros (hasta la década de 1960).
• 1946 - Reanuda el grabado en metal (hasta 1951).
• 1959 - comienza a trabajar con lápices de colores.
• 1967-1969 - Realicé varios grabados a punta seca.
• 1969 - Galardonado con el título de Artista de Honor de la RSFSR .
• 1971 - último artículo de DI Mitrokhin "Dibujar todos los días" ("Creatividad", n.º 4).
• 1973 - Exposiciones en la Galería Pequeña de la editorial "Arte" (Dresde) y "Por el 90.º y el 70.º aniversario de su actividad creativa" en la Unión de Artistas de la URSS en Moscú (más de 800 láminas). El 7 de noviembre, el artista falleció.

Durante su período creativo en Moscú, DiMitrokhin volvió dos veces al grabado en metal: 20 grabados de la segunda mitad de la década de 1940 a principios de la de 1950 y varias obras a finales de la década de 1960. Entre estas obras hay varias de primera categoría, como «Carnero» (1948), un grabado muy expresivo y dinámico, y «Manzana y nueces» (1969), que, incluso sin el color implícito, da la impresión de estar completamente terminada. ^{[ 3 ] [ 5 ]}

A pesar de los éxitos de D.I. Mitrokhin en el diseño gráfico de libros y sus logros en el grabado, la parte más significativa de su obra reside en el dibujo de caballete. Este concepto aúna el trabajo a lápiz, las acuarelas y las obras realizadas con técnicas mixtas, las principales ocupaciones de los últimos treinta años de su vida. Cientos de pequeñas hojas de caballete (en su gran mayoría del tamaño de una postal o una página de cuaderno) contienen la expresión más vívida e impactante de la visión del mundo del artista; en ellas, los principios gráficos y pictóricos se fusionan de forma muy orgánica; estas series, creadas a lo largo de los años, son páginas de un diario personal. ^{[ 5 ]}

La mayoría de quienes han estudiado el legado de Dmitry Isidorovich Mitrokhin llegan a la conclusión de que los últimos treinta años de su vida creativa parecen ser los más interesantes en muchos sentidos. Este es el método que satisfizo completamente al artista, no lo encadenó, no lo obligó a cumplir con las órdenes, es una forma universal de autoexpresión que encontró, a la que, consciente e inconscientemente, no recurrió durante muchos años, es una síntesis de todo lo que comprendió y sufrió, resultando en una narración embriagadora y mesurada, compuesta por palabras sencillas y naturales de un lenguaje claro y armonioso de cientos de obras. En tal valoración del último período, sin negar la importancia de todo lo que había hecho antes, todos los que conocieron y apreciaron su obra se solidarizan: MV Alpatov, Yu. A. Rusakov y EA Kibrik, NI Khardzhiev , VM Zvontsov, A. Ransome e IV Golitsyn, y finalmente, el escultor LV Chaga, quien comprendió esta obra con gran sutileza y empatía, convirtiéndose en un testigo sensible y no indiferente del triunfo del arte verdaderamente libre. ^{[ 3 ]}

Vasily Mikhailovich Zvontsov, jefe de redacción de la editorial «Aurora» (1973-1977), considerada la mejor escritora rusa de la época, y que preparaba la publicación de un libro sobre D.I. Mitrokhin, se vio obligado a rehacer la monografía tras contemplar en su totalidad la obra del artista en las últimas décadas. Habla de la impresión «inesperada y abrumadora» que le causaron estos cuadernos: «En la última etapa de su trayectoria, el artista alcanzó una perfección extraordinaria, posible en casos excepcionales. Logró una completa unidad entre el diseño y los medios de expresión». ^{[ 3 ]}

En efecto, en el tercer período de su obra, D.I. Mitrokhin refutó la opinión generalizada de que era imposible que un artista conservara una mirada fresca y una percepción juvenil en la vejez. Con sus dibujos, respondiendo a la opinión de K. Hamsun de que "no se puede esperar que nadie escriba tan bien después de los cincuenta años como lo hacía antes", el maestro, con la contundencia, la generosidad y la integridad de sus obras, declara que mucho depende del mundo interior de la persona y de la disciplina que sigue. Si bien el artista ya no es capaz de trazar una línea recta, sus obras impactan la seguridad de las líneas y la sonoridad de las imágenes hasta el último día.

A quienes acudían a él con la intención de rendir homenaje a la "reliquia viviente", al "último mundo del arte", Dmitry Isidorovich declaraba que "Mitrokhin llevaba mucho tiempo muerto", que el "Mitrokhin de Knebel" no le interesaba en absoluto. "Elogiaban sus grabados... admiraban sus ex libris. Entre estos visitantes no solo había 'escritores' y 'coleccionistas', sino también artistas. Ninguno recordaba ni los grabados ni los dibujos de Mitrokhin. Dmitry Isidorovich se irritaba mucho con tales visitantes, se sonrojaba de rabia y decía que "aún no había muerto"... Con pasos amplios y pesados ​​recorría las habitaciones. La ropa le quedaba demasiado holgada en su cuerpo demacrado. Recordaba las esculturas de Giacometti . Pero sus ojos se veían penetrantes y jóvenes. Y sus manos, inusualmente expresivas, habían conservado su gracia y fuerza hasta el final". Y dependiendo de la disposición de la persona que venía a percibir la búsqueda que preocupaba al artista en ese momento, DI Mitrokhin era perspicaz: siempre "veía muy bien al interlocutor", desplegaba frente a él las últimas obras: paisajes asombrosamente diversos vistos desde la misma ventana, performances muy significativas (dos, tres objetos), interiores diversos, vistos en la misma habitación...

En el momento en que comenzó, la tendencia general de la creatividad espacial significaba "deshacerse" de los dictados de una comprensión inequívoca de la naturaleza; así, P. Klee, siguiendo a P. Cézanne , uno de los primeros en desafiar, según R. M. Rilke en una carta a V. Gausenstein, "como náufrago o atrapado en el hielo polar, superándose a sí mismo, busca escribir sus observaciones y experiencias hasta el último minuto, para que sus vidas dejen una huella en los espacios en blanco de la hoja, donde nadie había podido llegar antes" ^{[ 7 ]} , esta inevitable necesidad de superar el "impasse académico", finalmente agotó el fotonaturalismo, pero también el salón, el gusto, las "maneras", las "imitaciones" y las "reconstrucciones", cuando los objetos impresos carecían de contenido; Sin embargo, el arte no figurativo llegó en algún momento al "gran límite": indiferente tanto al autor como al "consumidor" de arte, las formas (en respuesta al juego desapasionado de sí mismas) volvieron a convertirse solo en un pretexto, y no en una expresión de pensamiento.

Inicialmente, D.I. Mitrokhin, por designios del destino, acabó en el bando de los más cercanos al salón, pero en Rusia era inevitable el camino de la estética, opuesto al dominio de la vulgaridad, que invadía el arte sin miramientos; experimentó otras influencias, las superó paso a paso en dos tercios de su trayectoria, sin dejar de ser, además, un maestro de primera clase.

"El camino de regreso", pero también el camino hacia "nuevos espacios", fue difícil antes de que "una nueva voz irrumpiera", lo cual resulta doloroso. "Los pedidos de las editoriales se están cancelando. Los clientes están decepcionados: el antiguo maestro virtuoso ya no existe".

Según L. Chag, el artista tuvo que empezar con estudios, bocetos tímidos, el "barro" de los bodegones estudiantiles, sombras negras. Este sabio artista devuelve la "objetividad" a lo representado, con una sola diferencia: ahora los "componentes de lo narrado" están espiritualizados, les otorga un nuevo sentido de participación, sin necesidad de un sentimentalismo-decorativo, hiperrealismo o generalización prohibitiva; no son indiferentes al espectador, al reclamar el derecho a un diálogo confidencial y sincero entre el artista y él... El autor es representante de las mismas "fuerzas principales" (una vez un artista polaco preguntó sobre el momento de su llegada), que no proclaman su novedad, sin declararse en terminología militar como "unidades de vanguardia" (que dejaron de serlo tan pronto como fueron adoptadas por la cultura de masas y anunciadas por doquier), con calma y constancia, sin publicidad ni afectaciones, comenzaron a hacer bien su trabajo favorito, dándole nuevo significado y espacio; no hay necesidad de formatos gigantes para expresar grandes ideas.

Estos ciclos no necesitan ser sistematizados; todo ya está claro: vasos, platos de farmacia, frutas, pescado, flores, flores secas...

Por cierto, las flores aquí no son solo plantas hermosas o sus variedades; no solo poseen las cualidades de los seres vivos, sino también la capacidad de transmitir los matices del estado de ánimo de su "segundo" creador: un estudiante concienzudo, paciente y reflexivo del "primero". Gracias al cuidado del autor, los frascos de farmacia superan con creces su utilidad. Las frutas se regocijan, las nueces acechan, las cáscaras están a punto de pelear, y las sillas son una continuación de sus dueños, y no al revés.

También había tramas al estilo de Anderson: una aguja y un alfiler, un ovillo de hilo. Juguetes artesanales —silbatos, caballos, gallos, huevos de madera pintados— aparecían en los dibujos en las encarnaciones e interpretaciones más inesperadas: cambiaban de color, de proporciones, se trasladaban a un espacio imaginario, a escenas, se representaban "pequeñas tragedias".

Las ramas secas de un viejo árbol están abundantemente cubiertas de flores.

Solo los grandes maestros de este género, tanto del siglo XVII como de nuestra época, como G. Morandi , logran que las cosas, los objetos y las frutas cobren una vida tan plena, profunda e individual como en los dibujos de D.I. Mitrokhin. En una ocasión, A.P. Chéjov , señalando un cenicero, dijo: «Si quieres, te escribiré una historia sobre él». Estas son las «historias» que el artista escribió con lápices y acuarelas. Pero son, ante todo, literatura. El artista observa estas plantas, frutas y objetos con una profundidad y una perspicacia extraordinarias; en cada uno de ellos siente que hay una persona, atrapada en una forma, vestida de color, pero que le revela el secreto de la creación… - E. Levitin. ^{[ 3 ]}

No me gusta la expresión «naturaleza muerta». Mejor otro término: «Still — Leben». Una vida tranquila y oculta que un artista puede y debe ver... Casi siempre encuentro en las cosas algún tipo de bondad, de amabilidad. Y quiero hablar de ello... Cuando miro mis dibujos, los más logrados me parecen ajenos, pero siento las deficiencias como propias... Cuando me preguntan cuál de mis obras valoro más, suelo responder: las que haré mañana. Porque el trabajo de toda una vida es la preparación para lo que harás mañana. - DI Mitrokhin. Sobre la figura. ^{[ 3 ]}