Erica Lord

• 2023 Compartiendo honores y cargas: Renwick Invitational 2023 , Galería Renwick, Instituto Smithsonian ^{[ 3 ] [ 13 ] [ 14 ]}
• 2020 Maajiigin wa'aw akiing miinawaa (Comenzar este mundo otra vez): Gina Adams , Erica Lord, Merritt Johnson , en Accola Griefen Fine Art, Nueva York, NY ^{[ 15 ]}
• 2018 El Nuevo Orden Rojo: La Filosofía Salvaje del Reconocimiento Interminable, Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York, NY ^{[ 16 ]}
• 2007-2017 Nuestra gente, nuestra tierra, nuestras imágenes: Fotógrafos indígenas internacionales , de gira a través de ExhibitsUSA, un programa nacional de Mid-America Arts Alliance ^{[ 17 ]}
• Hielo seco , 2010 , Museo de Arte Nativo Americano Contemporáneo, Santa Fe, NM ^{[ 10 ]}
• 2009 BadLand , Museo del Instituto de Artes Indígenas Americanas , Santa Fe, NM, ^{[ 18 ]} Una instalación de paquetes de oración hechos con la tela roja de la Bandera Estrellada de los Estados Unidos ^{[ 19 ]}
• 2007 Fuera del mapa: Paisaje y la imaginación nativa , Museo Nacional del Indio Americano de la Institución Smithsoniana , Nueva York, NY ^{[ 20 ]}

Uno de los primeros proyectos de Lord, en 2000, se centra en sus raíces nativas americanas . En su instalación Native American Land Reclamation Project , emplea objetos de técnica mixta para crear conciencia sobre el ciclo repetido de tratados estadounidenses rotos, específicamente con los nativos americanos de 1778 a 1886. ^{[ 9 ]} Exhibida en el Instituto de Artes Indígenas Americanas , la instalación ocupaba una sala de 16" x 16" con espejos pegados a las paredes y el suelo. ^{[ 9 ]} Colgando del techo hay docenas de franjas rojas cortadas (la sangre) de la bandera de los Estados Unidos. Lord luego envolvió la tela y la llenó con tierra de varias aldeas, reservas y tierras tribales de todo Estados Unidos Para mostrar la repetición de la historia, Lord utilizó los espejos para multiplicar los lazos de oración. ^{[ 21 ]} En una entrevista, Lord explica: «Empecé a pensar en lo que en mi cultura se ha repetido una y otra vez. [...] Quería crear una obra que reconociera nuestra historia, y que enfatizara tanto al opresor como al superviviente, al nativo y al no nativo; es una historia compartida». ^{[ 22 ]}

Erica Lord fotografía dos tatuajes: uno en la parte interna de su antebrazo izquierdo titulado “Número de inscripción” y otro en su antebrazo derecho titulado “Cuantía de sangre”. ^{[ 9 ] [ 23 ]} Estos dos tatuajes critican la imagen de los nativos americanos creada por la sociedad moderna. ^{[ 24 ]} El tatuaje de Lord titulado “Cuantía de sangre”, en referencia a las leyes de cuantía de sangre , es una crítica visual al control del gobierno de Estados Unidos sobre toda la herencia nativa americana. ^{[ 9 ]} El tatuaje “Número de inscripción” es el número que la Oficina de Asuntos Indígenas le asignó a Erica Lord, y a todos los nativos americanos. ^{[ 25 ]} Al colocar este número en su brazo, Erica Lord establece una comparación directa entre los sobrevivientes del Holocausto y sus experiencias con la expansión y reubicación de los nativos americanos por parte de Estados Unidos. ^{[ 9 ]}

“The Tanning Project” (2004–2007) es una serie fotográfica de cuatro imágenes en la que Lord aplicó texto sobre su piel y luego utilizó sesiones de bronceado para oscurecerla, dejando las áreas cubiertas con texto con un tono de piel mucho más claro. El texto y la pose varían en cada fotografía: “Indian Looking”, “Halfbreed”, “Colonize Me” y “I Tan to Look More Native” (Me bronceo para parecer más nativa), y el título de cada fotografía individual utiliza estas palabras. En su análisis de esta serie de obras, Colleen Kim Daniher describe el bronceado, u oscurecimiento de la piel mediante la exposición al sol, como un ritual de embellecimiento blanco, pero también señala otros contextos para la palabra "bronceado", afirmando que la artista está “jugando ingeniosamente con la práctica tradicional de transformar pieles crudas de animales en cuero mediante un proceso de desollado, encalado, secado y estiramiento”. ^{[ 9 ]} Las palabras " Me bronceo para parecer más nativa" perturban críticamente las ideas de los espectadores sobre la pureza cultural y las expectativas poco realistas de cómo se supone que debe verse una persona nativa, y las formas en que los individuos nativos interactúan con esas expectativas a través de sus propias elecciones corporales. ^{[ 9 ]}

El 3 de abril de 2008, Erica Lord llegó al Centro George Gustav Heye, el Museo Nacional del Indio Americano, en el Museo Smithsonian de Nueva York, para una performance/instalación titulada « Artefacto, Revisitado». ^{[ 26 ]} Esta pieza era una recreación de «Artefacto , Revisitado» del artista estadounidense James Luna , ^{[ 26 ]} presentada por primera vez en el Museo del Hombre de San Diego en 1987. Cuando Lord entró en la galería, se tumbó en una caja, cerró los ojos y permitió que los visitantes del museo la examinaran durante las siguientes horas. Unos letreros colocados a lo largo de la exhibición identificaban partes de ella, como las uñas de los pies pintadas. Había dos vitrinas a cada lado de la caja donde yacía Lord, que contenían ropa y sus pertenencias personales. Un lado contenía vestimenta de nativos de Alaska y el otro, ropa moderna. Esta primera presentación de « Artefacto, Revisitado» fue seguida de conferencias y una charla con la propia Lord. La artista regresó al museo para presentar la pieza dos veces más durante los dos días siguientes. Utilizando su cuerpo como tema de conversación, Lord criticó la exhibición de los pueblos indígenas en las exposiciones de los museos y la exhibición de los cuerpos de las mujeres. ^{[ 27 ]}