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Erika Rothenberg

Erika Rothenberg, House of Cards , instalación de 90 tarjetas de felicitación satíricas, 1992, Museo de Arte Moderno, Nueva York. Erika Rothenberg es una artista conceptual radi...

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Erika Rothenberg, House of Cards , instalación de 90 tarjetas de felicitación satíricas, 1992, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Erika Rothenberg es una artista conceptual radicada en Los Ángeles cuyo trabajo ha incluido pintura, dibujo y fotografía, arte público, escultura e instalación . [ 1 ] [ 2 ] Su arte emplea estrategias y formatos de los medios de comunicación y la persuasión, utilizando palabras e imágenes de maneras familiares para presentar contenido satírico y socialmente crítico, a menudo con un punto de vista feminista subversivo. [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ] En 2015, la escritora de Artforum, Michelle Grabner, calificó el uso irónico que hace Rothenberg de la señalización vernácula y las estrategias de marketing como "implacable", caracterizándola como "una dura crítica social con facilidad para la creación de imágenes, el lenguaje y el diseño... la ironía en manos de Rothenberg es un arma política afilada, y la empuña para subrayar las injusticias muy reales que observa en la vida cotidiana". [ 6 ]

Rothenberg ha expuesto en lugares como el Museo de Arte Moderno (MoMA), [ 7 ] el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), [ 8 ] el New Museum , [ 9 ] el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA), el Museo Hirshhorn , [ 10 ] y Documenta IX . [ 11 ] Su obra pertenece a las colecciones públicas del MoMA, [ 7 ] el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , [ 12 ] el LACMA, [ 13 ] el MCA de Chicago, [ 14 ] y el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Gante), [ 15 ] entre otros.

Educación y comienzo de la carrera profesional

Rothenberg nació en la ciudad de Nueva York en 1950. Estudió arte en la Universidad de Chicago hasta que fue expulsada por participar en una manifestación estudiantil. [ 1 ] [ 2 ] Tras regresar a Nueva York a principios de la década de 1970, encontró trabajo en la agencia de publicidad McCann-Erickson ; con el objetivo de convertirse en directora de arte, tomó un curso nocturno de diseño en la Escuela de Artes Visuales y pronto se convirtió en la primera mujer en ocupar ese puesto en la agencia. [ 2 ] [ 1 ] Trabajó durante ocho años en la agencia, para clientes como Coca-Cola, NBC, Lufthansa y The New York Times , mientras creaba arte en su tiempo libre. [ 2 ] [ 1 ]

Rothenberg comenzó su carrera artística a finales de la década de 1970. Adaptó su experiencia laboral a la creación artística, fusionando el humor negro y el comentario sociopolítico con el amplio alcance, la franqueza y la mezcla de lenguaje y elementos visuales de la publicidad. [ 2 ] [ 16 ] [ 1 ] En su primera década, expuso en exposiciones individuales en PPOW Gallery (Nueva York), [ 17 ] WPA (Washington) [ 18 ] y Rosamund Felsen Gallery (Los Ángeles), [ 19 ] y exposiciones colectivas en Franklin Furnace , Artists Space , White Columns y The Alternative Museum , entre otros. [ 20 ] [ 21 ] La directora del New Museum, Marcia Tucker, seleccionó la obra de Rothenberg para "Not Just For Laughs: The Art of Subversion" (1980), la influyente y divisiva exposición " Bad Girls " (1994) y una exposición individual en 1989. [ 22 ] [ 23 ] [ 24 ] [ 9 ] Desde el principio, Rothenberg buscó un arte socialmente comprometido, participando en proyectos públicos organizados por Group Material , entre otros. [ 7 ] En una demanda de 2003, se reveló inadvertidamente como "Kathe Kollwitz", una de las líderes de las Guerrilla Girls , un colectivo de artistas que se organizó anónimamente en 1985 (adoptando los nombres de mujeres artistas fallecidas como seudónimos) para dar a conocer y combatir el sexismo, el racismo y la corrupción en el mundo del arte. [ 25 ] [ 26 ] [ 27 ] [ 2 ]

Trabajar

El estilo de Rothenberg ha sido descrito como "fácil de usar", [ 4 ] empleando una prosa concisa e inexpresiva e imágenes emblemáticas, a menudo pintadas a mano, en contextos poco convencionales —anuncios falsos, vallas publicitarias, escaparates, suplementos de periódicos— para examinar la ideología estadounidense, la cultura de masas y temas tabú. [ 5 ] [ 3 ] [ 1 ] [ 28 ] El crítico del Los Angeles Times, Christopher Knight, escribió que su trabajo combina accesibilidad y "un lado conceptual resonante" informado por la dimensión política a menudo ignorada del arte pop , "involucrando a una audiencia diversa y amplia en una consideración de su situación compartida como ciudadanos". [ 4 ] Leah Ollman colocó a Rothenberg entre una larga línea de satíricos sociales contemporáneos —desde Barbara Kruger hasta Stephen Colbert— "que atacan el statu quo" con un trabajo que "induce escalofríos, risas incómodas y suspiros de todo tipo: dolor, vergüenza, indignación". [ 3 ]

Erika Rothenberg, Monumento Nacional a la Libertad de Expresión , madera, chapa metálica, placa de bronce, 1984. Nueva York, "Arte en la Playa" de Creative Time. En colaboración con Laurie Hawkinson y John Malpede.

Primeros trabajos – década de 1980

Rothenberg se dio a conocer por primera vez con su serie «Productos moralmente superiores» (1980-1990): instalaciones y pinturas de guiones gráficos que promocionaban empresas y productos ficticios, y que conformaron gran parte de sus primeras exposiciones individuales en la galería PPOW en 1986 y 1987. [ 29 ] [ 17 ] [ 2 ] Basada en estrategias publicitarias, la serie empleaba colores brillantes, rostros amigables y un tono implacable de optimismo para examinar las intersecciones entre el excepcionalismo estadounidense y el consumismo a través de la creación de productos con conciencia moral. [ 29 ] [ 30 ] [ 17 ] Entre sus productos se encontraban «Salsa contra el racismo» y «El pene secreto»: medias que complementaba con un bulto cosido diseñado para ayudar a las mujeres a «sentirse iguales» en el lugar de trabajo; su eslogan decía: «¡Una mujer necesita empezar desde abajo para llegar a la cima!». [ 30 ] [ 2 ] La crítica de Artforum, Kate Linker, describió la obra como "atrevida, desenfrenada y deliberadamente poco sutil" en sus puntos políticos. [ 17 ] El crítico del New York Times, Michael Brenson, escribió: "Rothenberg nos sumerge en la brecha entre la apariencia y la realidad... hay una desolación que sugiere la visión de Estados Unidos en las mejores obras de F. Scott Fitzgerald y Joan Didion ". [ 29 ]

La exhibición de Rothenberg en el New Museum en 1989, ¿Has atacado a Estados Unidos hoy?, fue descrita por la directora Marcia Tucker como "la exposición más notoria" que el museo albergó. [ 31 ] [ 9 ] [ 32 ] La exhibición, que parecía una farmacia, ofrecía en tono de broma "Drogas para la libertad de expresión" diseñadas para facilitar la disidencia ciudadana (un ungüento contra la apatía, enjuague bucal "Ofender", pastillas "Pro-Test"), una versión reescrita de "Star-Spangled Banner" y kits para quemar banderas que mostraban a adolescentes sonrientes y de rostro fresco prendiendo fuego sutilmente a banderas estadounidenses. [ 9 ] [ 4 ] [ 33 ] Popular y controvertida a la vez, fue vandalizada dos veces por visitantes que rompieron el escaparate y saquearon la mayoría de los artículos, que Rothenberg repuso. [ 9 ] [ 33 ] La exhibición se mostró en Los Ángeles en 1990 (junto con una obra publicitaria), [ 4 ] y los productos se incluyeron en la exposición del Museo Hirshhorn, "Brand New" (2018). [ 33 ] [ 10 ]

Durante este período, Rothenberg también creó su primera obra de arte público importante, el Monumento Nacional a la Libertad de Expresión (1984), en colaboración con la arquitecta Laurie Hawkinson y el artista de performance John Malpede para la exposición "Arte en la Playa", encargada por Creative Time . [ 34 ] [ 35 ] [ 36 ] Inspirado en la agitación y propaganda soviética temprana , el monumento consistía en un gran megáfono rojo montado sobre una escalera y apuntando hacia el horizonte del Bajo Manhattan, invitando a los visitantes a expresar sus opiniones y quejas. [ 37 ] [ 34 ] En 2003, el crítico de arquitectura del New York Times, Herbert Muschamp, propuso la reconstrucción del proyecto en la Zona Cero. [ 37 ] Al año siguiente, Creative Time lo presentó nuevamente, esta vez frente a los juzgados de Foley Square durante la temporada de elecciones estadounidenses; [ 38 ] también formó parte de la exposición del Museo de la Ciudad de Nueva York , "Arte al Aire Libre", en 2017. [ 39 ]

Tarjetas de felicitación y letreros para iglesias (Desde 1991)

Erika Rothenberg, América, un faro brillante para el mundo , estuche de aluminio y fieltro, letras de plástico, 2018.

En la década de 1990, Rothenberg comenzó a producir obras satíricas pintadas a mano que imitaban la forma y el sentimentalismo genérico de las tarjetas de felicitación, a la vez que examinaban una serie de males e injusticias sociales y políticas. [ 40 ] [ 41 ] [ 6 ] Presentó noventa de ellas en la instalación estilo tienda de tarjetas de felicitación, House of Cards (1992, MoMA), cada una empleando la estrategia de doble golpe de las tarjetas típicas: una portada inocua con una frase trampa en el interior, exhibidas una al lado de la otra. [ 40 ] [ 3 ] [ 41 ] La instalación estaba organizada con placas en la pared de la sección que decían "Aborto", "Política", "Racismo", "Religión" y "Abuso sexual", entre otros. [ 40 ] [ 6 ] [ 3 ] Patricia Phillips de Artforum describió la exposición como un ataque "contra la comercialización del sentimiento y nuestra propia complacencia" que buscaba "representar el espacio entre el silencio y el sensacionalismo". [ 40 ]

Rothenberg repuso la exposición en versiones ampliadas entre 2015 y 2018 en Zolla Lieberman (Chicago), Charlie James (Los Ángeles) y Susan Inglett (Nueva York). [ 6 ] [ 3 ] [ 2 ] La muestra de Los Ángeles incluyó la nueva obra, One World So Many Ways It Could End (2015), una escultura sobre pedestal cuya rueda los espectadores podían girar para ver dieciséis escenarios del fin del mundo que iban desde el calentamiento global y la guerra nuclear hasta el apocalipsis zombi o la invasión alienígena. [ 42 ] Las reseñas caracterizaron la relevancia continua de las tarjetas de felicitación como observaciones "desalentadoramente atemporales" que atestiguaban su perspicacia original. [ 3 ] [ 42 ]

En 1991, Rothenberg también comenzó a crear letreros de iglesias ficticios. A menudo sugerían índices irónicos de desesperación en forma de listados de actividades de la iglesia de una semana de duración (por ejemplo, AA, vigilancia de suicidios adolescentes y grupos de "crianza de tu clon"); el primero, America's Joyous Future , se exhibió en Documenta IX en 1992. [ 5 ] [ 43 ] Nancy Princenthal describió los letreros como acusaciones tanto de la religión organizada como del creciente papel de los trastornos en la autodefinición y la participación social estadounidenses. [ 5 ] La obra de Rothenberg de esta época gradualmente tomó una posición más oblicua e incluyó más elementos escultóricos. [ 5 ] [ 44 ] [ 45 ] Feeding Station (1992), por ejemplo, era un grupo denso de perfiles de madera contrachapada pintados y volcados que se estiraban hacia micrófonos que colgaban sobre ellos, un comentario sobre la creciente necesidad del país de atención pública y amplificación psíquica. [ 5 ] [ 44 ]

Obras narrativas (Desde 1993)

La obra posterior de Rothenberg ha explorado temas como la muerte, la fama y las relaciones de género, a menudo adoptando una dimensión narrativa más abierta inspirada en artículos periodísticos. [ 1 ] Su colaboración con Tracy Tynan, "Suicide Notes" (1993–5, Rosamund Felsen, PPOW, Centre for Contemporary Arts), presentó diecisiete mensajes dejados por personas que se suicidaron en la vida real, que obtuvieron de una fuente del Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD). [ 46 ] [ 45 ] Los artistas reescribieron las notas (cambiando también los nombres) y las adjuntaron a bolsas para cadáveres colgadas en la pared, acompañadas de un folleto con citas y datos recopilados sobre el suicidio. [ 45 ] [ 47 ] [ 48 ] Las críticas de la obra fueron divididas: The New York Times la calificó como una "exposición profundamente conmovedora sobre un tema que suele provocar negación o rechazo", [ 47 ] mientras que otros cuestionaron si explotaba o trivializaba el tema. [ 49 ] [ 45 ] El Monumento a un Oso (2002-3) era una lápida de hormigón que conmemoraba a un cachorro de oso que se quemó en un incendio, fue rescatado por bomberos y curado en un refugio de vida silvestre antes de ser liberado en la naturaleza, solo para ser abatido legalmente por un cazador. La escultura recreaba la cabeza y las patas vendadas del cachorro junto con una placa de bronce que presentaba la historia de Associated Press de la que se derivó. [ 1 ]

Varios proyectos ofrecieron lo que Art Issues denominó una "comprensión más delicada" de las cuestiones de género. [ 50 ] [ 1 ] La exposición de Rothenberg de 1997 en Rosamund Felsen incluyó la serie Smoke Gets in Your Eyes , que presentaba historias de relaciones de personas: buenas, malas y feas. [ 50 ] La serie "The Stravinskys" (2005) exploró la fama y la muerte a través de fotografías de las tumbas del compositor del siglo XX Igor Stravinsky y su esposa Vera, idénticas excepto que la suya está cubierta de regalos mientras que la de ella está marcada solo por un ramo de flores marchitas a sus pies. [ 1 ]

Arte público

Rothenberg ha completado encargos de arte público para Los Ángeles, San Francisco, Washington, DC, Hartford y Filadelfia. [ 51 ] [ 52 ] [ 53 ] Entre los proyectos notables, además del Monumento Nacional a la Libertad de Expresión (1984), se incluyen varias obras de vallas publicitarias (dos para Art Against AIDS, 1989) y dos obras encargadas por la ciudad de Los Ángeles: Wall of Un(Fame) (1995) y The Road to Hollywood (2001). [ 52 ] [ 54 ] [ 53 ] The Wall of Un(Fame) fue un juego de palabras con el Paseo de la Fama de Hollywood , inmortalizando los nombres, las huellas de manos y pies de más de 650 residentes de comunidades cercanas. [ 54 ] El Camino a Hollywood consistía en cincuenta concisos mosaicos de mármol blanco y negro —historias divertidas, conmovedoras y directas de cómo la gente empezó en Hollywood— incrustados en una sinuosa "alfombra roja" en un centro comercial adyacente al Teatro Kodak , sede de los Premios de la Academia . El camino conducía a una cama de día de fibra de vidrio de gran tamaño y estilo de época en un patio abierto con vistas al mítico letrero de Hollywood . [ 55 ] [ 1 ] [ 56 ] Christopher Knight lo clasificó "entre los mejores proyectos de arte público en Los Ángeles", uno que dio "sorprendente nueva vida" a los clichés pop. [ 55 ] En 2020, a pesar de los esfuerzos de preservación y la protesta de la prensa, los nuevos propietarios demolieron la obra como parte de una remodelación de la propiedad. [ 53 ]

Colecciones y otros reconocimientos

La obra de Rothenberg pertenece a numerosas colecciones de museos, entre ellas el Art Institute of Chicago , [ 57 ] FAE ​​Musée d'Art Contemporain (Lausana), Los Angeles County Museum of Art, [ 13 ] Museum of Contemporary Art Chicago, [ 14 ] Museum of Contemporary Art Los Angeles, [ 12 ] Museum of Contemporary Art North Miami , [ 58 ] Museum of Modern Art, [ 7 ] New Museum, [ 22 ] Orange County Museum of Art , [ 59 ] Rose Art Museum , [ 60 ] Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Gante), [ 15 ] Tang Museum , [ 61 ] y Walker Art Center , [ 62 ] entre otros. Ha recibido becas de Art Matters (1990), la Norton Family Foundation (1990) y el Getty Center (1993). [ 52 ]

Referencias

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  • Sitio web de Erika Rothenberg
  • Proyecto Erika Rothenberg , MoMA
  • Erika Rothenberg , Museo de Arte de Laguna
  • Página de la artista Erika Rothenberg , Charlie James