Tierra de oro

Se pegaba pan de oro a láminas de vidrio de unos 8  mm de espesor con goma arábiga , y luego se añadía una capa extra muy fina de vidrio encima para mayor durabilidad. En la antigüedad, la técnica de crear "vidrio sándwich de oro" ya se conocía en la Grecia helenística alrededor del 250 a. C., y se utilizaba para recipientes de vidrio dorado . En los mosaicos, la capa superior se aplicaba cubriendo la lámina con vidrio en polvo y cociéndola lo suficiente como para fundir el polvo y fusionar las capas. ^{[ 9 ]} En la Venecia del siglo XV, el método cambió y la capa superior de vidrio fundido se soplaba sobre las otras dos a alta temperatura. Esto proporcionaba una mejor unión en el punto más débil de una tesela, cuando el oro se unía a la capa inferior de vidrio más gruesa. ^{[ 10 ]}

Las láminas de vidrio se rompían en pequeñas teselas . A continuación, se utilizaban dos métodos para fijarlas al cemento fresco de una pared preparada, que ya contaba con varias capas de yeso, a veces dejando hasta 5  cm de separación entre la piedra o el ladrillo de la pared y el vidrio. Una opción era presionar las teselas individualmente sobre la pared, lo que daba como resultado una superficie ligeramente irregular con teselas en diferentes ángulos. Esto podía controlarse hasta cierto punto por el artesano y permitía sutiles efectos de brillo al incidir la luz sobre la superficie. El otro método consistía en utilizar un pegamento soluble en agua para fijar las teselas boca abajo a una lámina delgada; en la actualidad, se utiliza papel. La lámina se presionaba sobre el cemento de la pared y, una vez seco, se humedecía el papel y el pegamento y se retiraban frotando. Esto proporcionaba una superficie mucho más lisa. ^{[ 11 ]}

Existen diversos métodos para aplicar el oro. La superficie preparada de madera o pergamino que se iba a pintar se esbozaba con al menos los contornos de las figuras y otros elementos. Luego (o quizás antes) se añadía una capa de una mezcla de arcilla rojiza llamada bole . Esto daba profundidad al color dorado y evitaba el tinte verdoso que solía presentar el pan de oro sobre fondo blanco. Tras varios siglos, esta capa suele quedar al descubierto donde el pan de oro se ha perdido. ^{[ 12 ]}

Además, se añadía pan de oro. Lo más común era aplicar una hoja entera a la vez, mediante la técnica del dorado al agua . La hoja se bruñía frotándola cuidadosamente con el diente de un perro o un lobo, o con un trozo de ágata , para conseguir una superficie brillante. Otra opción era el dorado con mordiente , que requería dejar la hoja sin bruñir, lo que daba un efecto más apagado. Tras varios siglos, la diferencia entre ambas técnicas suele ser mucho menos perceptible para el espectador moderno. ^{[ 13 ]}

El oro de concha era una pintura dorada con oro en polvo como pigmento. Generalmente se usaba solo para áreas pequeñas, normalmente detalles y reflejos dentro de las partes coloreadas de la pintura. El nombre proviene de la costumbre de usar conchas marinas para contener mezclas de pintura de todo tipo al pintar. El "relieve dorado aplicado" era pan de oro sin bruñir aplicado mediante dorado con mordiente sobre una superficie de relieve moldeada de yeso o pastiglia . Las superficies planas podían luego ser "recortadas" con punzones y herramientas para trazar líneas, para crear patrones dentro del oro, muy a menudo en halos u otros elementos, pero a veces en todo el fondo. Varias de estas técnicas podían usarse en la misma pieza para lograr una variedad de efectos. ^{[ 14 ]}

Cualquier pan de oro se aplicaba, y generalmente se bruñía, antes de comenzar a pintar. ^{[ 15 ]} Según Otto Pächt, no fue hasta el siglo XII que los iluminadores occidentales aprendieron a lograr el efecto completo del pan de oro bruñido a partir de fuentes bizantinas. Anteriormente, por ejemplo, en los manuscritos carolingios , "se utilizaba un pigmento de oro de carácter arenoso y granulado, con solo un brillo tenue". ^{[ 16 ]} Las técnicas en la pintura de manuscritos son similares a las de las pinturas sobre tabla , aunque a menor escala. Una diferencia, tanto en las obras occidentales como islámicas, es que la capa de yeso o bolé se reduce en profundidad en sus bordes, lo que da a las áreas de oro una curva muy leve, que hace que el oro refleje la luz de manera diferente. En los manuscritos también se podía usar plata, pero esta ahora generalmente se ha oxidado a negro. ^{[ 17 ]}

En Occidente, este estilo era habitual en las pinturas de iconos ítalo-bizantinos desde el siglo XIII en adelante, inspiradas en los iconos bizantinos que llegaron a Europa tras el saqueo de Constantinopla en 1204. Estos pronto evolucionaron hacia el políptico de retablo con marco de madera , que también solía emplear el estilo de fondo dorado, especialmente en Italia. A finales de siglo, un número creciente de frescos italianos desarrollaban fondos naturalistas, así como efectos de volumen y profundidad. ^{[ 18 ]} Esta tendencia comenzó a extenderse a las pinturas sobre tabla , aunque muchas aún utilizaban fondos dorados hasta bien entrado el siglo XIV, e incluso más allá, especialmente en centros más conservadores como Venecia y Siena , y para los grandes retablos. Lorenzo Monaco , fallecido alrededor de 1424, representa «el último suspiro del esplendor del fondo dorado en el arte florentino». ^{[ 19 ]}

En la pintura flamenca temprana se empleó inicialmente el estilo de fondo dorado, como en el Tríptico de Seilern de c. 1425 de Robert Campin , pero unos años más tarde su Retablo de Mérode recibe un entorno naturalista de gran detalle. ^{[ 20 ]} La "casi eliminación de los fondos dorados comenzó en la pintura flamenca temprana a mediados de la década de 1420", y fue bastante rápida, con algunas excepciones como el Retablo de los Médici de Rogier van der Weyden , que probablemente fue pintado después de 1450, tal vez para un mecenas italiano que solicitó el estilo anterior. ^{[ 21 ]}

A finales del siglo XV, el estilo representaba un arcaísmo deliberado, que aún se utilizaba ocasionalmente. El pintor romano Antoniazzo Romano y su taller continuaron empleándolo hasta los primeros años del siglo XVI, ya que «se especializó en repintar o interpretar imágenes antiguas, o en generar nuevas imágenes de culto con un sabor arcaico». ^{[ 22 ]} Carlo Crivelli (fallecido hacia 1495), quien durante gran parte de su carrera trabajó para mecenas relativamente provinciales en la región de Las Marcas , también hizo un uso tardío del estilo para lograr efectos sofisticados. ^{[ 23 ]} Joos van Cleve pintó un Salvator Mundi con fondo dorado entre 1516 y 1518 (actualmente en el Louvre ). ^{[ 24 ]} La Crucifixión de Albrecht Altdorfer , de alrededor de 1520, en Budapest , es un ejemplo muy tardío que también «retoma un tipo iconográfico (la "Crucifixión con multitud") y un enfoque no naturalista del espacio que llevaba mucho tiempo fuera de moda». ^{[ 25 ]}

En épocas posteriores del arte europeo, el estilo se revivió en ocasiones, generalmente solo con pintura dorada. En 1762, George Stubbs pintó tres composiciones con caballos de carreras sobre un fondo blanco dorado o miel, siendo la más grande Whistlejacket (actualmente en la National Gallery ). Todas fueron para su propietario, el marqués de Rockingham , quien pudo haber sugerido la idea. ^{[ 26 ]} Dada su pasión por las carreras de caballos, posiblemente se trataba de una broma sobre su gran aprecio por estos animales. En el siglo XIX, el estilo se popularizó para las pinturas de iglesias en la arquitectura neogótica , y se utilizó para techos o lunetas más pequeñas en grandes edificios públicos o religiosos, evocando vagamente precedentes bizantinos, reflejando la luz y ahorrando también el trabajo de pintar fondos. Las pinturas en la escalera del Kunsthistorisches Museum de Viena , de Hans Makart (1881-1884), son un ejemplo de muchos. Otro ejemplo son las pinturas del techo que Lord Leighton pintó (exhibidas en la Royal Academy en 1886) para la casa de Henry Marquand en Manhattan , en la que insistió en usar un fondo dorado pintado en lugar del "escenario boscoso" que el mecenas deseaba para las figuras, de la mitología clásica. En una entrevista, dijo: "Si lo miras, encontrarás una superficie luminosa... Al ver las pinturas desde este punto, se obtiene un efecto brillante, como el resplandor del día sobre ellas; si desde el otro lado observas, la luz se disuelve en el rico y cálido resplandor del sol poniente". ^{[ 27 ]}

La «Fase Dorada» de Gustav Klimt abarcó aproximadamente desde 1898 hasta 1911 e incluyó algunas de sus pinturas más conocidas, como El Beso (1907-1908), el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y el friso del Palacio Stoclet (1905-1911). Este último fue diseñado por Klimt y ejecutado en mosaico por Leopold Forstner , un artista que trabajó extensamente en mosaico, incluyendo el uso de oro. Al parecer, el interés de Klimt por este estilo se intensificó tras una visita a Rávena en 1903, donde su acompañante comentó que «los mosaicos le causaron una impresión inmensa y decisiva». ^{[ 28 ]} Utilizó grandes cantidades de pan de oro y pintura dorada de diversas maneras, tanto para la ropa de sus personajes como para los fondos. ^{[ 29 ]}

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  Crucifixión italiana del siglo XIV , obra de Allegretto Nuzi ; gran parte del pan de oro se ha desgastado, dejando al descubierto el tronco rojo que hay debajo.
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  Antoniazzo Romano , Virgen con el Niño y retrato del donante , c. 1480
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  Erato , de Lord Leighton , 1886, una de las piezas de un conjunto de techos para Henry Marquand.
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  Gustav Klimt , Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907)
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  Bailarina camboyana , 1922, de René Piot , pan de oro y témpera

Las pinturas de la Escuela Cretense en Creta y las Islas Jónicas, conocida como Maniera Greca en Occidente, continuaron utilizando fondos dorados en obras destinadas principalmente a la exportación a Occidente. La mayoría de los pintores italianos adoptaron la pintura al óleo, abandonando la técnica de la témpera al huevo. El famoso libro de Giorgio Vasari , Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, criticó la técnica griega. Maniera Greca fue uno de los primeros términos europeos posclásicos para referirse a un estilo artístico . ^{[ 30 ]} La técnica se utilizó desde 1400 hasta la década de 1830 tanto en la Escuela Cretense como en la Escuela Heptanesa . Michael Damaskinos comenzó a mezclar la pintura veneciana con el estilo tradicional bizantino griego-italiano. La técnica se convirtió en un componente importante de la Escuela Cretense. Los fondos dorados eran importantes para los pintores, pero estos se apartaron de la tradición al adoptar técnicas modernas de pintura italiana. ^{[ 31 ]}

Hacia el siglo XVII, los pintores comenzaron a adoptar variaciones en sus estilos pictóricos. A mediados de ese siglo, los pintores griegos en el mundo veneciano emplearon una versión del estilo artístico flamenco. Si bien mantuvieron la tradición del fondo dorado, pintaron obras con figuras tridimensionales complejas. Theodore Poulakis integró la técnica del dorado en la mayoría de sus pinturas modernizadas; un ejemplo de ello fue su obra titulada El Arca de Noé . Claramente, el pintor reemplaza intencionalmente el cielo con láminas de oro, manteniendo el estilo pictórico flamenco moderno y alejándose de la tradición bizantina grecoitaliana. ^{[ 32 ]} Otro pintor que emuló la obra de Tiziano fue Stephanos Tzangarolas . Tzangarolas se inspiró en la Virgen Col Bambino para pintar a la Virgen Glykofilousa con el Himno Acatisto . El fondo dorado exalta las figuras teológicas a un reino supremo. Cada historia bíblica en la pintura está respaldada por oro. Este estilo tradicional se ha mantenido en el mundo griego hasta nuestros días. ^{[ 33 ]}

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  La crucifixión de Konstantinos Paleokapas , 1640
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  Virgen de la Pasión, de Emmanuel Tzanfournaris , principios del siglo XVII.
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  Virgen Glykofilousa con el himno akathista de Stephanos Tzangarolas , 1700

pintura japonesa

En el Japón del período Azuchi-Momoyama (1568-1600), este estilo se empezó a utilizar en los grandes biombos plegables ( byōbu ) de los shiro o castillos de las familias daimyo a finales del siglo XVI. Los temas incluían paisajes, aves y animales, y algunas escenas multitudinarias de la literatura o de la vida cotidiana. Estos se utilizaban en las habitaciones destinadas al entretenimiento de los invitados, mientras que los destinados a la familia solían utilizar biombos con tinta y algunos colores. Se utilizaban cuadrados de pan de oro sobre papel, dejando a veces visibles sus bordes. ^{[ 34 ]} Estas habitaciones tenían ventanas bastante pequeñas, y el oro reflejaba la luz hacia el interior; los techos podían decorarse de la misma manera. ^{[ 35 ]} El fondo completo podía ser de pan de oro, o a veces solo las nubes del cielo. ^{[ 36 ]} La escuela Rinpa hizo un uso extensivo del fondo dorado. ^{[ 37 ]}

En el biombo de cipreses de Kano Eitoku (c. 1590), la mayor parte del «cielo» tras los árboles es dorado, pero las zonas coloreadas del primer plano y las cumbres montañosas distantes muestran que este dorado pretende representar la niebla de la montaña. La superficie inmediata del primer plano también es de un dorado más apagado. Como alternativa, los fondos podían pintarse con una fina capa de oro, lo que permitía una mayor variación en el efecto de los paisajes. ^{[ 38 ]} Este estilo no era tan adecuado para las pinturas japonesas en rollo , que a menudo se guardaban enrolladas. Algunos paneles de madera más pequeños tenían fondos de pan de oro. ^{[ 39 ]}

Fue solo en los siglos I y II cuando los mosaicos murales, en contraposición a los de suelo, se hicieron comunes en el mundo grecorromano, inicialmente para tumbas húmedas y ninfeos , antes de ser utilizados en entornos religiosos a finales del siglo IV. Al principio se concentraban en el ábside y el santuario, o alrededor de ellos, detrás del altar mayor. ^{[ 40 ]} Se descubrió que «con una iluminación cuidadosa, parecían no encerrar, sino ampliar el espacio que rodeaban». ^{[ 41 ]}

Uno de los grupos más antiguos de mosaicos con fondo dorado que se conservan, anteriores al año 440 aproximadamente, se encuentra en Santa Maria Maggiore , en Roma, en el arco triunfal y la nave (los mosaicos del ábside son mucho posteriores), aunque los de la nave están colocados demasiado alto para apreciarse con claridad. La cantidad de fondo dorado varía según las escenas y suele estar mezclado con elementos arquitectónicos, cielos azules y otros detalles. Posteriormente, el mosaico se convirtió en «el medio predilecto para transmitir la verdad de las creencias ortodoxas», así como en «el medio imperial por excelencia». ^{[ 42 ]}

La visión tradicional, ahora cuestionada por algunos estudiosos, es que los patrones de uso del mosaico se difundieron desde los talleres de la corte de Constantinopla , desde los cuales a veces se enviaban equipos a otras partes del imperio, o más allá, como obsequios diplomáticos, y que su participación puede deducirse de la calidad relativamente más alta de su producción. ^{[ 43 ]}

Técnicamente, el término manuscrito iluminado se limita a los manuscritos cuyas páginas están embellecidas con metales, siendo el oro el más común. Sin embargo, en el uso moderno, los manuscritos con miniaturas e iniciales que solo utilizan otros colores suelen estar incluidos en el término. ^{[ 44 ]}

En los manuscritos, el oro se utilizaba tanto en las letras y bordes de mayor tamaño como para el fondo completo de las miniaturas. Por lo general, solo unas pocas páginas hacían un uso extensivo del oro, y estas solían estar al principio del libro o marcaban una nueva sección importante, por ejemplo, el comienzo de cada evangelio en un Libro de los Evangelios . En Europa Occidental, el uso de fondos de oro a gran escala se encuentra principalmente en los manuscritos reales o imperiales más suntuosos de períodos anteriores, como el arte otoniano , o hacia finales de la Edad Media , cuando el oro se hizo más accesible. La Hagadá Dorada del siglo XIV, conservada en la Biblioteca Británica, presenta un ciclo introductorio de 14 miniaturas de temas bíblicos sobre fondo de oro con un patrón regular, como también era típico en la iluminación cristiana de lujo de la época, además de utilizar letras de oro para los títulos principales. ^{[ 45 ]}

El oro se utilizaba en manuscritos de Persia, India y Tíbet, para el texto, en miniaturas y bordes. ^{[ 46 ]} En Persia se utilizaba como fondo del texto, generalmente con un borde liso alrededor de las letras. En Tíbet, así como en China, Japón y Birmania , se utilizaba para formar las letras o caracteres del texto, en todos los casos para manuscritos especialmente importantes o lujosos, generalmente de textos budistas, y a menudo se utilizaba papel teñido de azul para lograr un buen contraste. En Tíbet, se empezó a utilizar relativamente tarde como color de fondo para imágenes, restringido solo a algunos temas. ^{[ 47 ]} En India se utilizaba principalmente en bordes o en elementos de imágenes, como el cielo; esto es especialmente común en el vistoso estilo de la pintura del Decán . Las miniaturas mogolas pueden tener bordes de paisajes y animales bellamente pintados sobre oro sobre un fondo de un color similar. También se podían añadir motas de oro durante la fabricación del papel. ^{[ 48 ]}