Gregory Sholette

Sholette ha comisariado varias exposiciones itinerantes. Mientras fue Curador de Educación ^{[ 13 ]} en el New Museum en 1998, comisarió la exposición "Urban Encounters", que destacó el trabajo de seis colectivos artísticos activistas de Manhattan "generando efervescencia política y mucho buen arte". ^{[ 14 ]} Su proyecto conceptual grupal Imaginary Archive (2010-2015) consiste en una colección de documentos que sugieren una realidad social alternativa, y toma "la noción de colaboración como un material vivo y en constante trabajo para ser debatido, explorado y puesto a prueba". ^{[ 15 ]} El proyecto de instalación ha recorrido las ciudades de Kiev, Graz, Galway, Filadelfia, Friedrichshafen y Wellington en Nueva Zelanda. ^{[ 16 ]}

En 2017, la exposición individual de Sholette, Darker, una serie de dibujos a tinta, lápiz y aguada acrílica basados ​​en fotografías de arte activista y otras protestas políticas, se presentó en Station Independent Projects. El proyecto representaba "activismo artístico en tonos oscuros" y examinaba "cómo se visualiza y activa la materia oscura en obras de técnica mixta que exploran momentos recientes de protesta". ^{[ 17 ]} En 2022, contribuyó a la exposición itinerante Art for the Future: Artists Call and Central American Solidarities con "Insurrection", que presentaba "un texto corto serigrafiado repetidamente en cuatro paneles adyacentes que permanecen medio ocultos bajo una exuberante espesura de flora sintética nativa de América Latina". ^{[ 18 ]}

Partiendo del concepto de medios tácticos , Sholette, junto con Gene Ray, cuestionó la relevancia política de los medios tácticos y las estrategias creativas de bricolaje en el contexto de la privatización y la securitización en curso en 2008. Sholette abordó este tema por primera vez en 2004 con The Interventionists: A Users' Manual for the Creative Disruption of Everyday Life, coeditado con Nato Thompson. ^{[ 20 ]}

En *Colectivismo después del modernismo: El arte de la imaginación social* , Sholette y Blake Stimson argumentan que el verdadero potencial del colectivismo artístico solo puede comprenderse si se contextualiza históricamente. Ambos sostienen que la obra de arte colaborativa y producida colectivamente emerge como una herramienta fundamental para desafiar el afán de individualismo del capitalismo, pero que su forma ha experimentado un cambio fundamental en el período contemporáneo tras el colapso del modernismo. En colaboración con críticos de arte y académicos como Jelena Stojanović, Reiko Tomii , Okwui Enwezor , Alan Moore y Brian Holmes, los autores proponen la periodización del colectivismo después de la modernidad ( Futurismo , Productivismo , Constructivismo y Surrealismo ) y en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial . De este modo, el libro busca comprender las diversas formas de colectivismo de posguerra como fenómenos históricamente determinados y articular las posibilidades de la producción artística colectivista contemporánea. ^{[ 21 ]} Si bien el libro carece de "un debate sistemático sobre las diferencias entre lo colaborativo y lo colectivista", no obstante es "un estudio muy rico, aunque a veces excesivamente descriptivo y detallado, de la acción artística colectivista en todas partes del mundo (solo faltan China, el mundo islámico y Australia)". ^{[ 22 ]}

El arte de Sholette se centra en las genealogías olvidadas, reprimidas o especulativas del trabajo cultural redundante e invisible políticamente que, en realidad, mantiene y reproduce el mercado dominante del mundo del arte de élite. Sholette utiliza la « materia oscura » como metáfora de estas prácticas e instituciones artísticas, argumentando que el mundo del arte visible e institucional depende precisamente de aquello que margina y eclipsa. Desarrolló este concepto con mayor profundidad en Dark Matter: Art and Politics in the Age of Enterprise Culture (2010). Este libro aborda las condiciones dominantes del sistema artístico mediante la definición de lo que Sholette describe posteriormente en Delirium and Resistance (2017) como «arte desnudo». Tomando prestada la noción de vida desnuda de Giorgio Agamben ^{[ 23 ]} «como la condición de los cuerpos reducidos a la existencia biológica al ser excluidos de la categoría de ciudadanía política por el Estado» ^{[ 24 ]} , Sholette define el arte desnudo como el arte desprovisto de cualquier capacidad de transformación social y dedicado a la gestión financiera y a la reproducción del statu quo.

El teórico Marc James Léger describe el concepto de Sholette de materia oscura artística como "el trabajo de producción cultural autónoma y participativa por parte de trabajadores aficionados, informales, no oficiales, autónomos, activistas y no institucionales". ^{[ 25 ]} Susan Ryan, profesora de Historia del Arte en la Universidad Estatal de Luisiana , interpreta el término como un arte "tan arraigado en la realidad que está fuera del radar artístico". ^{[ 26 ]} El historiador del arte Kuba Szreder, de la Academia de Bellas Artes de Varsovia, escribe que las "instituciones simuladas" a las que Sholette apunta son "propias de la materia oscura artística: institutos de investigación, universidades informales, colectivos de jardineros urbanos, tribus de supervivientes, puntos de servicio temporales, cada uno de los cuales tiende a operar en un paisaje institucional devastado por las fuerzas hostiles del capitalismo tardío". ^{[ 27 ]} Las instituciones simuladas imitan las estructuras institucionales como una forma de reinvención crítica, véanse, por ejemplo, los proyectos de la artista Marina Naprushkina .

El arte del activismo y el activismo del arte (Londres: Lund Humphries, 2022).

El arte como acción social: una introducción a los principios y prácticas de la enseñanza del arte como práctica social (coeditado con Chloë Bass, Skyworth/Allworth Press, 2018).

Estética Despiadada/Nemilosrdna estetika (WHW Press, Croacia, 2016).

Es la economía política, estúpido (coeditado con Oliver Ressler, Pluto Press, 2012).

«Precarious Workers Pageant», una intervención performativa colaborativa llevada a cabo durante la Bienal de Venecia la noche del 7 de agosto de 2015, que consistió en una procesión pública organizada en solidaridad con los trabajadores migrantes que trabajan en la isla Saadiyat en Abu Dabi, donde pronto se construirá un Museo Guggenheim diseñado por Frank Gehry . ^{[ 33 ]} Venecia, Italia con estudiantes/exalumnos de Práctica Social de Queens College, 2015. ^{[ 34 ]}

"Nuestras barricadas", Station Independent Projects, una serie de piezas de bajorrelieve en blanco y negro que vinculan gráficamente la materialidad aceitosa de las barricadas callejeras con la petropolítica global , la guerra contra el terror y la necesidad de una estética de la resistencia, 2014. ^{[ 35 ]}

«15 Islas para Robert Moses », un proyecto específico para el sitio en el Panorama de la Ciudad de Nueva York , que fue construido originalmente para la Feria Mundial de 1964 por el urbanista Robert Moses. El proyecto colocó nuevas islas alrededor de los canales del Panorama basándose en propuestas de Larry Bogad, Marc Fischer, Aaron Gach/Center for Tactical Magic , Ann Messner , Ted Purves , Rasha Salti , Dread Scott , Libertad Guerra, Dara Greenwald, Marisa Jahn y varios otros a quienes Sholette invitó a responder a la pregunta: «Si pudieras agregar una isla a la ciudad de Nueva York, ¿cómo sería esa nueva masa de tierra?». Queens Museum , 2012. ^{[ 36 ]}