Jake Berthot

Berthot comenzó su carrera realizando pinturas abstractas dentro de la tradición minimalista . Aplicaba una gruesa capa pictórica a lienzos de gran formato ^{[ 3 ]} que empleaban los medios reductivos del minimalismo, pero expresando la emoción en lugar de reprimirla. ^{[ 7 ]} A pesar de la sencillez de sus medios, se decía que su obra trataba "más sobre sentimientos que sobre análisis". ^{[ 8 ]} Pintada en 1969, "Lovella's Thing" es un buen ejemplo de su estilo en ese momento. ^{[ 7 ]} Poco antes de su muerte, Berthot explicó cómo evolucionó: "Con Lovella's Thing, originalmente pensé en pintar el centro de un color plano y neutro, pero al adentrarme en él, aplicando muchas veladuras acrílicas, comencé a pintarlo de una manera más sentida. Así, se convirtió en una especie de diálogo entre algo muy concreto y algo muy sentido. Me gustaba la presencia contundente que la forma tenía en la pared y luego penetrar la superficie en el centro de una manera que supongo que podría llamarse al estilo de Rothko". ^{[ 9 ]}

A mediados de la década de 1970, el estilo de Berthot evolucionó. Su obra continuó teniendo una cualidad pictórica y lírica, pero añadió colores brillantes a la paleta apagada de su obra anterior ^{[ 10 ]} e introdujo barras rectangulares y óvalos en lienzos que ahora eran simples rectángulos. ^{[ 11 ]} Respecto a las barras, más tarde dijo que trabajaba para descubrir los puntos de tensión, o puntos focales, que eran inherentes a los ejes verticales y horizontales de una cuadrícula. Dijo que buscaba "un equilibrio entre el objeto y la apertura", y así "lograr gradualmente un equilibrio entre mis dos influencias: la sistémica y la sentida". ^{[ 3 ]} "Yellow Bar With Red", de 1977, es típica de las pinturas de este período. ^{[ 5 ] : 207} Otra pintura conocida de este período, "Walken's Ridge", de 1975-1976, es algo inusual. Aunque es una abstracción pura, tiene el tamaño y la forma de las pinturas de nenúfares de Monet —14 pies de ancho en dos secciones iguales— y tiene, como dijo Berthot, la sensación de un paisaje. ^{[ 9 ] [ nota 1 ]}

Durante la década de 1980, Berthot comenzó a exhibir grabados y dibujos junto con sus pinturas. ^{[ 12 ]} Los dibujos solían ser de grafito sobre un fondo de esmalte gris. Las líneas frecuentemente formaban figuras ovoides y estaban acompañadas de marcas casi caligráficas. ^{[ 12 ]} Un crítico afirmó que esta obra contenía un «lirismo poético» al que se podía acceder «no a nivel cognitivo, sino a uno más elemental e intuitivo». ^{[ 13 ]} Berthot comentó posteriormente a un entrevistador que en ella «gradualmente, el sentimiento comenzó a predominar». ^{[ 12 ]} Las pinturas de este período continuaron empleando óvalos y rectángulos en lienzos en los que la «materialidad del pigmento», como señaló un crítico, producía «una superficie altamente táctil». ^{[ 14 ]} Otro crítico escribió que «las superficies brillantes y incrustadas de los "óvalos" recuerdan a los últimos Nenúfares de Claude Monet . El uso del oro con rojos intensos y azules brillantes evoca iconos medievales». ^{[ 12 ]} Sobre su trabajo en esta época, Berthot dijo: "Intento romper el código de la pintura y dejar que tome vida propia sin ningún código". ^{[ 14 ]}

A principios de la década de 1990, Berthot continuó empleando barras y óvalos en sus pinturas. Sobre este período de su carrera, Berthot comentó más tarde: «Llegué a un punto en el que la idea se estaba volviendo demasiado compleja, había demasiada idea; las pinturas empezaron a parecer demasiado literales, demasiado parecidas a una figura en el espacio. Quería algo más orgánico, más sentido». Afirmó que quería «hacer de la pintura algo que se experimentara en lugar de simplemente ver». ^{[ 9 ]} Su obra «Línea dura» de 1980-83 es ​​un ejemplo temprano de este enfoque, que muestra un rectángulo sobre un fondo apagado con acentos brillantes que, según un crítico, eran una inesperada llama ardiente. ^{[ 11 ]} En 1994, Pepe Karmel, escribiendo en el New York Times , dijo sobre obras como estas: «A pesar de la falta de imágenes reconocibles, las pinturas parecen estar marcadas por una nostalgia por la representación». ^{[ 15 ]} La forma ovalada también aparece en los dibujos y grabados de Berthot de este período, algunos de los cuales tenían contenido representativo, incluyendo con mayor frecuencia un cráneo ovoide. ^{[ 12 ]}

Aparte de un breve período que pasó en Maine, Berthot vivió en la ciudad de Nueva York desde que se mudó allí en 1959 hasta el día de 1994 en que trasladó su casa y estudio a unos 160 kilómetros al norte de la ciudad, a un lugar rural en el condado de Ulster, a lo largo del valle del Hudson , en las estribaciones de las montañas Catskill . ^{[ 16 ]} En ese momento, hizo una transición gradual de pinturas abstractas sin un tema claro a otras que, si bien seguían siendo abstractas, tenían el entorno natural como tema. ^{[ 17 ] [ nota 2 ]} Sobre esta transición, Berthot dijo: «Aunque mi trabajo ahora se basa en el paisaje, es más abstracto que hace unos años. Trata sobre el espacio en el medio. Al principio pintaba el volumen del árbol en el espacio. Luego, sentí que el espacio mismo tiene volumen. Y ahora, es la luz la que tiene volumen». ^{[ 3 ]} La pintura «Chapel Trail Near Alter Road» muestra la dirección que tomó su trabajo en ese momento. Sus dibujos también ampliaron el alcance de sus temas, como lo demuestra el dibujo de un árbol sin título de 2002. ^{[ nota 3 ]}

A lo largo de su carrera, Berthot se mantuvo conscientemente al margen de los movimientos artísticos de su época. En una ocasión dijo: «No me interesa lo nuevo, sino intentar crear pinturas que se nieguen a envejecer» ^{[ 12 ]} y, en otra ocasión, hablando de la afinidad que sentía con el enfoque de Cézanne hacia su trabajo, dijo: «Su método claro... no es un cierre, sino una apertura... Hay que tener una forma y un método, y dentro de esa forma y método, en cierto punto uno tiene que convertirse en el servidor de la pintura» ^{[ 19 ]} . Resumiendo esta actitud en otra ocasión, dijo que, mientras trabajaba, llegaba un momento en que sentía que una pintura se apoderaba de su conciencia «para dictar lo que quería ser» ^{[ 9 ]} . Sus pinturas eran sus compañeras, así como el centro de su vida. Cuando la Colección Phillips le pidió organizar una gran retrospectiva que combinara las numerosas obras suyas que poseía con las que entonces se encontraban en su estudio, se negó diciendo que no podía vivir sin tener las pinturas a su alrededor. ^{[ 4 ] [ nota 4 ]}

Durante el transcurso de su carrera, los críticos señalaron un creciente impacto emocional en sus pinturas, y algunos incluso afirmaron que, si bien las obras podían comprenderse plenamente por sus propios méritos, era posible ver en ellas las respuestas de Berthot a las dificultades personales que enfrentó a lo largo de su trayectoria. ^{[ 9 ] [ nota 5 ]} Mientras recibía tratamiento para la leucemia durante los últimos años de su vida, Berthot produjo pinturas que se consideran de gran contenido emocional. ^{[ 6 ]} En 2015, una amiga suya, la artista Elisa Jensen, las describió como «inquietantes, conmovedoras, vivas, palpitantes y absolutamente innegablemente llenas de vida». ^{[ 1 ] [ nota 6 ]} Respecto a una de ellas, llamada "Noche, Madera y Roca", un amigo dijo que era "pura esencia, despojada de todo lo superfluo", y que su atenta observación de ella le infundió una "serena aceptación de la gloria de la vida, suspendida siempre por encima de la muerte, sin importar la inminencia o aparente finalidad de la muerte". ^{[ 18 ]}

Las primeras exposiciones de Berthot fueron en las galerías Feiner, Park Place y OK Harris ^{[ 3 ] [ nota 7 ]} y en los museos Jewish y Whitney de Nueva York. Tuvo exposiciones individuales en la galería Feiner, 42 Fifth Avenue, en 1963, ^{[ 21 ]} y en la galería OK Harris, 465 West Broadway, en 1970, ^{[ 22 ]} y fue incluido en exposiciones colectivas en el Museo Jewish, en 1970, ^{[ 22 ]} y en el Museo Whitney, en 1971. ^{[ 23 ]} Antes de exponer en OK Harris, Berthot se mantenía como profesor de arte. Más tarde dijo que el dueño de la galería, Ivan Karp, le había permitido trabajar a tiempo completo en su estudio dándole un subsidio de manutención equivalente a su salario de profesor. ^{[ 24 ]}

Durante la década de 1970 expuso con frecuencia en galerías comerciales y museos. Tuvo una exposición individual en OK Harris en 1975, apareció en una exposición benéfica en la Cayman Gallery en 1977, fue seleccionado para aparecer en una exposición llamada "Artists Choose Artists" en la CDS Gallery (1982), ^{[ 25 ]} y apareció en una exposición individual en la McKee Gallery (1983). ^{[ 11 ]} Además, pinturas suyas aparecieron en exposiciones en la sucursal del centro del Museo Whitney (1974), ^{[ 8 ]} la Corcoran Gallery (1975), ^{[ 26 ]} el Museo de Arte de Baltimore (1975), ^{[ 27 ]} la Bienal de Venecia (1976), ^{[ 28 ]} el Museo Aldrich (1978), el Museo de Arte de Brockton (1980), ^{[ 29 ]} y el Museo del Río Hudson (1983). ^{[ 30 ]}

Durante la década de 1980, Berthot continuó exponiendo en la Galería McKee. También expuso en la Galería Cava, Filadelfia, en 1987 ^{[ 13 ]} y en la Galería Nielson, Boston, en 1998 ^{[ 17 ]} y 2000. ^{[ 31 ]} Durante este tiempo, su obra siguió apareciendo en exposiciones de museos, incluido el Museo de Arte Moderno . El Museo de Arte Moderno incluyó obras de Berthot en "New Works on Paper" (1981), ^{[ 32 ]} "An International Survey of Recent Painting and Sculpture" (1984), ^{[ 33 ]} y "Contrasts of Form: Geometric Abstract Art, 1910-1980" (1985). ^{[ 5 ]} Su obra también se incluyó en exposiciones en el Museo de Arte de Berkeley (1984), ^{[ 12 ]} las galerías de los colegios Muhlenberg y Lafayette (1984), ^{[ 34 ]} la Galería Mandeville, Universidad de California, San Diego (1986), ^{[ 35 ]} el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego , ^{[ 35 ]} y el Museo de Bellas Artes de Boston (1987). ^{[ 36 ]} En 1988 se le dedicó una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Rose , Universidad de Brandeis . ^{[ 14 ]}

Hasta aproximadamente 2004, continuó siendo representado por la Galería McKee ^{[ 37 ]} y posteriormente por la Galería Betty Cunningham ^{[ 38 ]} que, desde su muerte, también ha representado su patrimonio. ^{[ 39 ]} Las exposiciones de museos de principios de la década de 1990 incluyen: "Slow Art: Painting in New York Now" en PS1, Long Island City , Nueva York (1992), "Square Painting/Plane Painting" en el Center on Contemporary Art , Seattle, Washington (1997), ^{[ 33 ]} "Jake Berthot" en la Phillips Collection (1998), "Against The Grain" en el Museum of Modern Art (2006), una exposición en el Hood Museum of Art , Dartmouth (2009), ^{[ 40 ]} una exposición en la galería de SUNY Ulster (2010), ^{[ 41 ]} y "Jake Berthot: From the Collection and Promised Gifts" en la Phillips Collection (2016). ^{[ 42 ]}

Las obras de Berthot pertenecen al Museo de Arte Moderno, al Museo Metropolitano de Arte , al Museo Whitney de Arte Estadounidense, al Museo Guggenheim , a la Galería Nacional de Arte , al Museo de Bellas Artes de Houston y al Museo de Arte de Berkeley y Archivo Cinematográfico del Pacífico . ^{[ 2 ]} Poco antes de morir, legó las pinturas que permanecían en su estudio a la Colección Phillips. ^{[ 4 ]} Recibió una beca Guggenheim en 1981 y una subvención del Fondo Nacional para las Artes en 1983. ^{[ 2 ]}