Jan Nelson

Jan Nelson (nacida en 1955) es una artista australiana que trabaja en escultura, fotografía y pintura. Es reconocida por sus imágenes hiperrealistas de adolescentes. Ha expuesto ampliamente en Australia, así como en París y Brasil. Sus obras forman parte de las colecciones de galerías australianas, entre ellas la Galería Nacional de Australia , la Galería Nacional de Victoria , la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney y la Galería de Arte Moderno de Brisbane , además de importantes galerías regionales. Representó a Australia en la XXV Bienal de São Paulo , Brasil.

Nelson nació en Melbourne en 1955 ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]} y asistió al Victorian College of the Arts , donde se graduó en 1983. ^{[ 4 ]}

En 2018 completó un doctorado en la Universidad Deakin , Facultad de Artes y Educación, Escuela de Comunicación y Artes Creativas, Melbourne. Su tesis, titulada " Compostaje de lasaña: estrategias para pintar en la era digital", propuso estrategias para la supervivencia de la pintura en la era digital. ^{[ 5 ]}

Como pintora, Nelson exploró inicialmente el paisaje y en la década de 1980 se centró en la política de las ocupaciones y el espacio. Nelson realizó dibujos a lápiz. ^{[ 6 ]} Después de mediados de la década de 1980, Nelson se centró en ideas sobre el lugar de la mujer en la sociedad y la invisibilidad de las mujeres en ella. Sus obras incorporaron artesanías tradicionales, como el trabajo con yeso y la cestería. ^{[ 7 ]}

En 1989–91 Nelson produjo una serie de obras llamada El largo siglo. ^{[ 8 ]}

En su obra Comportamiento internacional (2000), superpuso una fotografía de refugiados vietnamitas en barcos sobre un fondo de colores y patrones psicodélicos y vívidos. ^{[ 6 ]} En 1994, Nelson exhibió esculturas que evocaban el Gran Cañón y la selva amazónica: formas simples sobre pedestales. Ya entonces, los críticos destacaron su teatralidad y su comentario sobre la presentación tradicional de obras sobre pedestales. ^{[ 9 ]}

Las obras más recientes de Nelson son hiperrealistas y recuerdan el brillo de la publicidad y las revistas. Sus obras retratan a personas entre sus mundos y sus deseos, a menudo adolescentes. ^{[ 10 ]}

La serie más conocida de Nelson es Walking in Tall Grass , retratos de adolescentes, en la que trabajó durante quince años, finalizando en 2016. Nelson comenzó fotografiando a personas que conocía, así como a desconocidos. Se inspiró en las fotografías para sus pinturas, que pueden combinar una cabeza, un torso y rasgos de varios sujetos que ha fotografiado. Al pintar los retratos, Nelson añade colores vibrantes y a menudo pinta reflejos en los ojos o en las gafas de sol. Para intensificar la viveza, Nelson ha pintado las paredes de sus exposiciones con colores vibrantes. ^{[ 1 ]} Cada joven adolescente está vestido y adornado para expresar su individualidad, así como la moda de la época en que se realizó la pintura. ^{[ 11 ]} Sin embargo, cada individuo mira hacia otro lado, lo que sugiere que miran hacia adentro, inseguros de adónde van. ^{[ 12 ]} En una entrevista, Nelson señaló que al caminar entre la hierba alta no se puede retroceder, hay que avanzar, pero no se puede ver adónde se va. ^{[ 12 ]}

Las obras de Jan Nelson explotan la intensidad emocional, textural y cromática, oscilando entre el miedo y el poder, la complacencia y la disidencia. En su obra se entrelaza la experiencia personal de sus años formativos durante la agitación social, política y cultural de la década de 1970. La práctica multidisciplinaria de Nelson, que abarca pintura, escultura, fotografía e instalación, se centra en el papel de lo visual en la construcción y la experiencia del yo en desarrollo. Atractiva e inquietante a la vez, el dinamismo de su obra surge de la preocupación de la artista por los estados de cambio. ^{[ 13 ]}

Las narrativas sugeridas por Nelson frecuentemente involucran momentos cruciales, transformaciones y los espacios intermedios en los que opera el potencial de cambio y trascendencia. ^{[ 14 ]} Por ejemplo, en la década de 1990, sus pinturas (Anticipating Transcendence, 1996 y An Ordinary Life, 1997) exploraron tropos icónicos del modernismo al reinterpretar la obra de Yves Klein y Piero Manzoni . La serie culminó en la exposición Incident 1960, que examinó cuestiones de simulación y la relación entre la pintura, la fotografía y los objetos 3D. ^{[ 15 ]}

A principios de la década de 2000, Nelson comenzó su serie de pinturas hiperrealistas y de colores vibrantes, titulada Walking in Tall Grass (Caminando entre la hierba alta). Como escribe Rachel Kent, curadora principal del MCA: «Las pinturas de Nelson son decididamente representativas; sus sujetos están pintados meticulosamente a partir de fotografías tomadas por la artista, en lugar de sesiones de estudio. Tituladas colectivamente Walking in Tall Grass, sus obras tienen como sujeto a una persona joven —hombre o mujer— en la antesala de la adolescencia. Altamente individuales, con rasgos distintivos, vestimenta y otros detalles visuales (un gorro con pompón, insignias, un anorak particular), se distancian del espectador, ya que aparecen discretamente de espaldas y no miran directamente a los ojos. Esta "desconexión" o negativa a interactuar ha sido descrita por algunos críticos como un reflejo de la naturaleza de la adolescencia, con su introspección solitaria y su evitación de la interacción adulta. Cada retrato es singular; la figura se presenta sobre un fondo sencillo y colorido». Cada vez más, son composiciones de varias personas combinadas digitalmente: la cabeza de una, el torso o los brazos de otra, y así sucesivamente… Este paso posterior se convierte entonces en un ejercicio para ir más allá de la verdad de la fotografía, introduciendo una hiperrealidad y una poderosa intensidad de color y emoción, de modo que, en palabras de Nelson, la pintura «comienza a vibrar». [Para intensificar aún más la escena, Nelson suele exhibir estas obras en] paredes de galería a rayas pintadas a mano, lo que introduce una intensidad cromática abstracta y un contraste con la figuración de los lienzos. ^{[ 16 ]}

En 2013, su exposición Strange Days injertó símbolos del idealismo de la década de 1970 en Occupy Melbourne y las actividades del movimiento ambiental local. Reinterpretando sus anteriores obras de fundición 3D "blanqueadas", la instalación de Nelson continuó vibrando con la energía de "lo real" y oscilando entre los estados a menudo conflictivos de vulnerabilidad y desafío. ^{[ 17 ]} Las tres obras que conformaban la exposición (cada una réplica fundida a escala 1:1 de objetos de la vida real) provenían específicamente de la propia experiencia de la artista. Por ejemplo, Defiance, una barrera de agua representada, meticulosamente detallada en forma y superficie pero desprovista de cualquier color que no sea el de la fundición, fue tomada de la protesta de Occupy Melbourne en City Square de Melbourne, cuando el 21 de octubre el campamento fue barricado por la policía utilizando barreras de agua y vallas ciclónicas. Dentro del círculo de barreras conectadas, una barrera solitaria yacía abandonada dentro del campamento. La unidad solitaria, inútil sin su conexión con las demás barreras, se convierte en un potente símbolo de cómo el poder solo se alcanza cuando los individuos se unen. Esta imagen se reforzó aún más como símbolo de desafío cuando apareció una única etiqueta pintada con grafiti. Este gesto irreverente fue posteriormente reconstruido por la etiqueta Venom del artista callejero Sirum 1, que se aplicó a la obra Defiance de Nelson como una reiteración del acto de reivindicación. ^{[ 17 ]}

Para Nelson, es importante destacar que el trabajo manual se percibe como un acto performativo, que expone la brecha entre la constante búsqueda de la perfección y la realidad imperfecta de nuestra humanidad idiosincrásica. Como escribe: «Como en toda mi obra, el significado reside en el proceso donde lo artesanal se encuentra con la precisión industrial. Ya sea una réplica hiperrealista de una fotografía o pantalla, una representación minimalista y abstracta de rayas en una pared o la fabricación incesante de objetos 3D, todo se gestiona a partir de un conjunto de instrucciones, seguidas al pie de la letra para lograr una especie de perfección y, más importante aún, para problematizar la naturaleza misma de la representación. Al plasmar esta exactitud, mi objetivo es reivindicar una forma de testimonio de la ansiedad y la lucha de la vida contemporánea». ^{[ 13 ]}

• 1983–1984 Beca del Consejo Australiano para las Artes otorgada para apoyar su residencia en Owen Tooth Cottage, Vence , Francia ^{[ 18 ]}
• 1984–1985 Subvención para proyectos del Consejo Australiano para las Artes otorgada ^{[ 19 ]}
• 1986 Artista residente, Victorian College of the Arts ^{[ 20 ]}
• Subvención del Consejo de Australia otorgada en 2003-2004 ^{[ 21 ]}
• Premio de Arte en Memoria de John McCaughey 2004 en la Galería Nacional de Victoria ^{[ 22 ]}
• Premio de pintura Arthur Guy Memorial 2009 , Galería de Arte de Bendigo , por Caminando entre hierba alta (Tom) ^{[ 23 ] [ 24 ]}

• Galería de Arte de Nueva Gales del Sur ^{[ 25 ]}
• Galería de Arte de Bendigo ^{[ 26 ]}
• Museo de Arte Contemporáneo, Sídney ^{[ 1 ]}
• Galería Nacional de Victoria ^{[ 27 ]}
• Galería Nacional de Australia ^{[ 28 ]}
• Galería de Arte de Queensland/Galería de Arte Moderno ^{[ 29 ]}
• Galería de Arte de Australia Occidental ^{[ 30 ]}
• Museo de Arte de la Universidad de Monash ^{[ 31 ]}
• Museo de Arte Ian Potter ^{[ 32 ]}
• Museo de Arte Moderno Heide ^{[ 33 ]}

• Sitio web oficial