Keri Ataumbi

Keri Ataumbi (nacida en 1971) es una artista kiowa que pinta y esculpe, pero es más conocida como diseñadora de joyas . Sus obras han sido exhibidas y forman parte de las colecciones permanentes de varios museos, entre ellos el Heard Museum , el Minneapolis Institute of Art , el Peabody Essex Museum , el Philbrook Museum of Art y el Smithsonian National Museum of the American Indian . En 2015, ella y su hermana, Teri Greeves , fueron reconocidas como Tesoros Vivientes por el Museum of Indian Arts and Culture en Santa Fe, Nuevo México .

Keri Sue Greeves nació en 1971 ^{[ 1 ]} en la Reserva Indígena Wind River en Lander, Wyoming, hija de Jeri Ah-be-hill y Richard V. Greeves. Su padre era artista y escultor de ascendencia italoamericana. Su madre, miembro de la tribu Kiowa de Oklahoma con ascendencia comanche , dirigió el puesto comercial en Fort Washakie durante casi treinta años. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Ella y su hermana mayor, Teri, crecieron en la parte oriental de la Reserva Wind River , en lugar de la parte norteña de la Reserva Wind River, y fueron fuertemente influenciadas por sus padres. De niña, Keri observaba a su padre verter metal en su fragua para sus esculturas ^{[ 4 ]} y estaba fascinada por su fundición . Aprendió de su padre tanto la rebeldía como el aprecio por la habilidad técnica requerida para el arte. Más tarde dijo que ella y su hermana "le deben nuestras carreras a él". ^{[ 5 ]} También vio a su madre comercializar productos nativos americanos para llegar a un público más amplio y aprendió a identificar las características del trabajo de calidad. ^{[ 4 ]} Ella le atribuye a su madre el haberle enseñado a celebrar su herencia Kiowa a través de su expresión individual. ^{[ 6 ]}

Educada en casa hasta la secundaria, Ataumbi se graduó de The Cambridge School of Weston , cerca de Boston . Luego, por sugerencia de su profesor de arte, Todd Bartel, se matriculó en la Rhode Island School of Design . ^{[ 7 ]} Después de un año en 1990, Greeves decidió dejar la escuela y mudarse a Santa Fe, Nuevo México , donde su madre se había trasladado. ^{[ 7 ] [ 8 ]} Ese año, cambió legalmente su nombre a Keri Sue Ataumbi, ^{[ 9 ]} agregando el apellido de su abuela Carrie Susie Ataumbi, de quien había sido nombrada. ^{[ 10 ]} Trabajó brevemente en el comercio minorista antes de abrir un negocio de paisajismo con una amiga. Simultáneamente, comenzó a exhibir y vender pinturas en varias galerías de arte. Cuando su socia decidió ir a la facultad de medicina, disolvieron la sociedad y Ataumbi también regresó a la escuela. Se matriculó en el Instituto de Artes Indígenas Americanas para mejorar su técnica pictórica y, tras obtener un título de asociado en 1996, continuó sus estudios en el College of Santa Fe , ahora la Universidad de Arte y Diseño de Santa Fe, donde se graduó con honores (magna cum laude) con una licenciatura en pintura y una subespecialización en Historia del Arte. ^{[ 7 ] [ 8 ]} Su instructora, Linda Swanson, la influyó profundamente, enseñándole a encontrar su propia visión y a afrontar las críticas a su obra. Tras graduarse, Ataumbi decidió cursar un máster y se matriculó en la Universidad de Nuevo México . A los seis meses, decidió abandonarla, pues no deseaba ser profesora y quería centrarse en su arte. Tras realizar un curso de iniciación a la joyería en un colegio comunitario local, Ataumbi encontró su vocación en el mundo del arte y comenzó a crear joyas. ^{[ 11 ]}

Las pinturas de Ataumbi son abstracciones de técnica mixta que a menudo se centran en la belleza opuesta y la ironía de su entorno. Por ejemplo, en un viaje de estudio a Indonesia en el año 2000 , trabajó en una serie que presentaba un muro derruido en Bali , en lugar de pintar los exuberantes alrededores de la isla. ^{[ 1 ] [ 5 ]} Mientras estaba en Bali, estudió técnicas de fundición con Nyoman Partha para mejorar sus habilidades de fabricación. ^{[ 12 ]} Sus elecciones escultóricas también desafían las percepciones de los espectadores de que debe usar íconos y motivos nativos tradicionales y aceptados para ser una artista nativa. Una de esas esculturas, una mesa de Lucite con patas de hierro fundido a partir de un molde de los brazos de Ataumbi, desafía la noción de estereotipar el trabajo de los artistas nativos; Otra obra, que presenta muñecos Pillsbury Doughboys de 30 cm , explora los paralelismos entre objetos icónicos y la representación objetivadora de los pueblos indígenas en la cultura popular. Otra pieza, más tradicional, que creó para el Museo Heard, es un bolso de plata forrado en piel de venado, decorado con estrellas de oro y diamantes que representan la leyenda de la Osa Mayor de los Kiowa. ^{[ 5 ]}

El trabajo de joyería de Ataumbi generalmente comienza con un tema, y ​​luego crea una serie de piezas relacionadas. Por ejemplo, en su Serie de Insectos , las piezas se centraron en abejas, escarabajos, libélulas, chinches acuáticas y avispas amarillas. ^{[ 13 ]} No produce estrictamente piezas con motivos nativos, pues cree que la joyería nativa contemporánea no tiene por qué reflejar un diseño estereotipado. ^{[ 11 ]} En cambio, sus piezas a menudo exploran las conexiones y desconexiones de los sistemas de valores. En las culturas indígenas, los objetos de valor incluían dientes de alce y plumas, mientras que la cultura más amplia se centra en metales y gemas. Ataumbi utiliza materiales de ambas perspectivas culturales en su trabajo. ^{[ 14 ]} Aunque el oro es uno de sus medios favoritos, también trabaja con plata y platino, combinando metales con piedras preciosas, cuerno de búfalo, piel de venado ^{[ 15 ]} o púas de puercoespín . ^{[ 10 ]} Su enfoque es artístico; En lugar de prestar una atención meticulosa al engaste de las piedras, combina texturas como diamantes de talla rosa y talla brillante por su efecto artístico. ^{[ 15 ]} Le interesa mezclar materiales que combinen elementos que "como pueblos indígenas valoramos (dientes de alce, búfalo, plumas, etc.) con elementos considerados valiosos en la cultura popular (diamantes, oro de alto quilate, piedras preciosas, etc.). Hay una belleza que surge al combinar diferentes sistemas de valores a través de materiales que son inclusivos. ^{[ 16 ]}

Una de sus piezas, un collar de conchas de mejillón de su Colección Océano , se presentó en la exposición itinerante "Moda Nativa Ahora" ^{[ 17 ]} que destacó las obras de 75 diseñadores de moda nativos americanos de América del Norte. ^{[ 18 ]} La exposición itinerante se estrenó en el Museo Peabody Essex en Salem, Massachusetts en 2014 ^{[ 17 ]} y luego se trasladó a otros lugares como el Museo de Arte Philbrook en Tulsa, Oklahoma , el Museo de Arte de Portland en Oregón antes de terminar en el Museo Nacional del Indio Americano del Smithsonian en Manhattan en 2016. ^{[ 17 ] [ 18 ]} La Colección Mommy's de Ataumbi está dedicada a reproducir algunas de las piezas icónicas usadas por su madre, quien murió en 2015. Una de estas fue un anillo de plata originalmente comercializado por Fred Harvey . El toque personal de Ataumbi en el anillo fue rehacerlo en oro y colocar un pequeño diamante en la parte inferior. Esta pieza y un par de pendientes diseñados por Ataumbi fueron usados ​​por Melaw Nakehk'o en el estreno de El renacido en 2015. ^{[ 17 ]} Otra pieza de la Serie de Mamá presentaba el retrato pintado de su homónima y una interpretación del fetiche del clan en forma de tortuga que Carrie Susie había hecho en el nacimiento de Greeve. La pintura se combinó con trabajos en metal y ganó el premio a la mejor pieza de su clase en 2016 en el Mercado Indígena de Santa Fe . ^{[ 19 ]}

Además de su propia serie de obras, Ataumbi ha tenido varias colaboraciones productivas. En 2011, junto con Robin Waynee ( Saginaw Chippewa ), crearon un conjunto de pendientes, anillo y collar con temática de insectos, que fue donado a la subasta benéfica de la Southwestern Association for Indian Arts (SWAIA). En 2014, con la artesana de cuentas Jamie Okuma ( Luiseño / Shoshone-Bannock ), Ataumbi trabajó en otro conjunto de pendientes, anillo y collar basado en retratos históricos de Pocahontas . El conjunto de técnica mixta, que utilizó cuentas, piel de venado, diamantes, perlas de agua dulce, vidrio antiguo, oro y wampum indígena , fue adquirido para la colección permanente del Minneapolis Institute of Art . En una segunda colaboración inspirada en la escultura For the Love of God de Damien Hirst , Ataumbi y Okuma crearon For the Love of Art , que presenta un anillo de Marilyn Monroe y una calavera en una pulsera. ^{[ 10 ]} Aunque ella y su hermana, Teri, una destacada artesana de cuentas, normalmente no colaboran en su trabajo, ^{[ 20 ]} las hermanas hablaron conjuntamente sobre patrimonio y arte en el Museo Wheelwright del Indio Americano , ^{[ 21 ]} después de ser honradas como Tesoros Vivientes por el Museo de Artes y Cultura Indígenas de Santa Fe en 2015. ^{[ 22 ]} El premio, otorgado por una división del Departamento de Asuntos Culturales de Nuevo México , reconoció a las hermanas, individual y colectivamente, por su "trabajo de calidad museística", que incorpora una narrativa de su herencia cultural. ^{[ 6 ]}

Ataumbi ha sido artista residente en UCROSS en dos ocasiones. En 2024, Ataumbi realizó una residencia de una semana en Carolina del Norte como parte de su obra expuesta en el Museo de Arte de Carolina del Norte en la muestra "To Take Shape and Meaning" y para una charla en el Museo de Arte Ackland de la UNC.

En 2023, su trabajo fue lucido por la actriz Lily Gladstone (de la tribu Blackfeet), y en 2024 recibió el encargo de colaborar con la diseñadora Gabriella Hearst en el atuendo de Gladstone para la Gala del Met. Además de colaborar en el vestido, Ataumbi creó todos los accesorios del look, incluyendo pendientes, un adorno para el cabello y anillos.