Whanki Kim

Nacido como el cuarto hijo y único varón del acaudalado agricultor y terrateniente local Kim Sang-hyeon (김상현), Kim Whanki creció cómodamente en Eupdong-ri, Kijwado, Anjwa-myeon , condado de Sinan , Zenranan-dō , Corea, Imperio de Japón . Tras graduarse de la escuela primaria, Kim fue enviado a Seúl para vivir con su hermana mayor y asistir a la escuela secundaria Choongdong (중동중학교). Su familia lo apoyó para que estudiara en el extranjero, en Tokio, Japón, donde asistió a la escuela secundaria Kinjō . Durante sus cinco años de estudio, aprendió a tocar el violín. Cuando Kim regresó a casa en 1932, su padre se opuso a su deseo de continuar sus estudios y lo obligó a casarse. ^{[ 4 ] : 27–33}

Habiendo decidido convertirse en artista en contra de los deseos de su padre, Kim abordó secretamente un barco con destino a Japón . ^{[ 4 ] : 33} Así, en 1933, a la edad de 20 años, Kim se matriculó en el programa de 3 años ofrecido en el Departamento de Artes de la Universidad Nihon en Tokio. ^{[ 5 ]} Durante su segundo año en el programa, Kim se unió al Instituto de Pintura Occidental de Vanguardia (アヴァンギャルド洋画研究所, AbuangyarudoYōga Kenkyūjo ), dirigido por artistas japoneses que estaban introduciendo en Japón el Cubismo , el Futurismo y el Surrealismo basados ​​en su experiencia viviendo y trabajando en Europa. Entre sus mentores estaban Togo Seiji y Tsuguharu Foujita . ^{[ 6 ] : 53} En 1935, Kim es premiado por su primera presentación a la prestigiosa Asociación de la Segunda Sección (二科会, Nikakai , 이과전, Igwajŏn ), Cuando cantan las alondras (종달새 노래할 때), marcando su debut como artista. La pintura retrata a una mujer vestida con hanbok , cuyo cuerpo fue representado en formas geométricas y simplificadas. La cesta sobre su cabeza es "transparente" al mostrar su contenido en un ángulo imposible, revelando el interés de Kim más allá del realismo y hacia la abstracción. ^{[ 7 ] : 23} Sus experimentos de incorporar motivos coreanos como formas simplificadas en el plano pictórico plano continuaron, como puede verse en Casa <집> (1936) y Terraza de la jarra de salsa <장독대> (1936). También se observa que elementos comunes en las casas tradicionales coreanas, como puertas de madera, puertas de papel, muros de piedra, escaleras y cerámica, añadieron una sensación de orden y repetición a sus pinturas, ilustrando aún más su evolución hacia la abstracción pura. ^{[ 6 ] : 53}

Durante este tiempo, Kim participó en actividades dirigidas por muchas asociaciones de artistas de Japón, como la Sociedad Hakujitsu (白日会), la Sociedad Kofu (光風會, Kofukai , 광풍회, Kwangp'unghoe ), la Asociación de Artistas Libres (自由美術家協会, Jiyū Bijutsuka Kyōkai ), la Sala Nueve. Sociedad (九室會; Kyushitsukai ) y la Sociedad Hakuban (白蛮会, 백만회, Paengmanhoe ). ^{[ 5 ]} El Hakuban se estableció en 1936 tras el cierre del Instituto de Pintura Occidental de Vanguardia por cinco de sus miembros, entre ellos Kim y Gil Jin-seop (길진섭, 吉鎭燮, 1970–1975). ^{[ 8 ]} Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería Amagi de Tokio en enero de 1937, solo unos meses antes de regresar a Corea. Incluso después de dejar Tokio, Kim continuó presentando obras a la Asociación de Artistas Libres de Japón hasta 1941, incluyendo Rondo <론도> (1938). Como uno de los primeros ejemplos de arte abstracto en la Corea moderna, el gobierno del país designó la pintura como Bien Cultural Registrado (n.º 535) en 2013. ^{[ 7 ] : 24}

Incluso permaneció un año más en Japón como asistente antes de regresar a Corea en 1937. El tiempo que Kim pasó en Tokio consolidó su identidad como artista abstracto. Durante sus años universitarios, quedó fascinado por la obra de Henri Matisse y Pablo Picasso ^{[ 9 ].} Se dice que sus obras de 1937 y 1938, como Rondo, Aria y Gaviota Blanca, muestran un claro giro hacia la abstracción con sus composiciones de formas geométricas puras que consisten en formas circulares y oblongas rítmicas repetidas con cuadrados que se cruzan o superponen. ^{[ 10 ] .}

Los primeros experimentos artísticos de Whanki Kim con la abstracción geométrica se inspiraron en el cubismo. Su primera obra de gran popularidad fue «Cuando cantan las alondras» (1935), que representa a una mujer con una cesta sobre la cabeza. El edificio del fondo juega con luces y sombras, y es una de las muchas formas geométricas que crean profundidad en la pintura. Whanki Kim contrasta la representación realista de una mujer coreana tradicional con un fondo ambiguo que dificulta la identificación precisa del escenario. Además, se observa una falta de detalles en el cuerpo y el rostro de la mujer. La obra refleja la percepción de Whanki Kim sobre la Corea colonial bajo el dominio japonés, donde, como coreano, se encontraba relativamente alejado de la sociedad y tenía perspectivas diferentes a las de un artista coreano vinculado a la guerra y profundamente afectado por ella.

Tras regresar de sus estudios en Tokio, Kim continuó entablando amistad con miembros del círculo literario coreano, al tiempo que desarrollaba un mayor interés por el arte tradicional coreano. En 1940, esta exposición dejó de llamarse Exposición de Artistas Libres y pasó a llamarse Asociación de Artistas Creativos, debido a las crecientes tensiones militares que no propiciaban nuevas ideas. La Asociación de Artistas Creativos estableció una filial en Corea y celebró su primera exposición en Seúl, donde Kim, otros artistas coreanos y varios artistas japoneses expusieron sus obras. ^{[ 10 ]} Se dice que Kim presentó seis piezas: «Cuento de la isla» , «Naturaleza muerta » , «Paisaje 1» , «Paisaje 2 » , «Paisaje en Atami » y «Música de cámara» antes de abandonar la Asociación en 1941. ^{[ 10 ]}

En 1944, Kim, que se había divorciado de su primera esposa, se casó con Byun Dong-rim (변동림, 卞東琳, 1916–2004), una escritora de gran talento y viuda del poeta Yi Sang . Desafiando las objeciones de sus familias, Byun adoptó el nombre artístico de Kim —Hyang-an— al casarse y lo mantuvo hasta su muerte. Kim, por su parte, cambió su nombre artístico a Su-hwa (수화, 樹話).

Corea se liberó del dominio japonés en 1945 y estableció su gobierno independiente en 1948. Ese mismo año, Kim, junto con los artistas Yoo Youngkuk y Lee Kyusang (이규상, 李揆祥, 1918–1967), creó el Grupo del Nuevo Realismo (신사실파, Shinsashilp'a ). Su idea fundamental era explorar nuevos tipos de pintura realista y contribuir a la percepción de una "nueva formación de la realidad", que pudiera existir al margen de la influencia directa de Japón y de las luchas ideológicas entre derecha e izquierda que dominaron el período de la Guerra Fría en Corea. ^{[ 6 ] : 63–64} Navegando entre la figuración y la no figuración, el grupo ha sido considerado desde entonces pionero del arte abstracto coreano y uno de los grupos de artistas más influyentes del arte moderno coreano. ^{[ 11 ]} Entre los miembros participantes se encontraban Chang Ucchin , Paek Youngsu (백영수, 白榮洙, 1922–2018) y Lee Jung-seob . ^{[ 11 ]}

Para la segunda exposición del Grupo del Nuevo Realismo, celebrada en 1949, Kim presentó su pintura Jarra y flores <백자와 꽃> (1949). La obra, en la que una pieza de porcelana blanca se representa como una forma geométrica abstracta redonda, se considera uno de los primeros ejemplos de la obra de Kim en el que emplea la cerámica como un motivo significativo por el que recibió elogios de la crítica. ^{[ 6 ] : 64} Desde su regreso a su país natal desde Japón, Kim había coleccionado y desarrollado un gusto sofisticado por las antigüedades y la cerámica coreanas, especialmente por un tipo de porcelana blanca del período Joseon ampliamente conocida como jarras lunares . ^{[ 5 ]} Se sabe que disfrutaba exhibiendo y observando la cerámica coreana en su casa, mientras representaba esos mismos objetos en sus pinturas. Como motivo en las pinturas de Kim, la cerámica coreana se empleó como una solución estética para reconciliar la tradición con la modernidad. ^{[ 12 ] : 29–30}

Nuestros jarrones [coreanos] me abrieron la perspectiva sobre la calidad estética y el pueblo coreano, por lo que se podría decir que el libro de texto que utilicé fueron estos jarrones. ^{[ 13 ]}

A juzgar por sus obras presentadas en las exposiciones de neorrealismo , los trabajos de Kim entre 1942 y 1950 muestran inspiración en la naturaleza y la vida cotidiana. Su deseo de presentar composiciones puras y objetos simplificados es evidente en obras como Bosques . ^{[ 10 ]}

Durante la Guerra de Corea , el gobierno surcoreano se trasladó a la ciudad portuaria sureña de Busan , junto con muchos refugiados. Whanki Kim también huyó de Seúl en busca de seguridad en el sur y entró en un campo de refugiados durante tres años. Se dice que estos años fueron una época de sufrimiento para Whanki Kim; su esposa, Hyang-an Kim, recuerda su fuerte ira y su hábito de beber, aunque continuó pintando. Algunas de las obras producidas durante este tiempo son Tren de refugiados <피난열차> (1951), Paisaje en Chin-hae , Choza y Jarras y mujeres <항아리와 여인들> (1951). ^{[ 10 ]}

La pintura al óleo de Kim, "Un tren de evacuación" (1951), es otro ejemplo de su obra abstracta temprana que refleja su distanciamiento de la guerra de Corea. Esta pintura muestra a una multitud de refugiados hacinados en vagones de tren, creando un ambiente claustrofóbico. Mientras que algunos artistas optaron por representaciones más realistas y sombrías de esta época, utilizando tonos oscuros, Whanki Kim añadió su toque personal con tonalidades más brillantes de rojo y azul y formas simples. Parece existir una contradicción entre el ambiente urgente y claustrofóbico de los coreanos que huyen de la guerra y la representación caricaturesca de los refugiados. Esta pintura también refleja una época en la que el arte abstracto estadounidense era promovido por el Servicio de Información de los Estados Unidos (USIS). El arte occidental era fácilmente accesible para los artistas coreanos a través de suscripciones financiadas a periódicos, revistas y publicaciones de arte, que les introdujeron las tendencias contemporáneas de la abstracción. El verdadero origen de esta agenda fue la campaña anticomunista liderada por Estados Unidos contra el arte realista socialista de Corea del Norte. El Servicio Internacional de Inteligencia de Estados Unidos (USIS, por sus siglas en inglés) financió a artistas surcoreanos, entre ellos Whanki Kim, cuya obra representaba un antídoto contra las prácticas culturales norcoreanas. Esto contrastaba con el arte impuesto por la fuerza, que abordaba temas como Stalin y Kim Il Sung durante la época en que Corea del Sur estaba bajo el dominio norcoreano.

Cuando Kim Whanki regresó a Seúl en 1953, su obsesión por los jarrones resurgió con más fuerza que nunca. Dibujó jarrones repetidamente en sus obras, entre las que destacan Jarrón y poesía, Jarrón blanco y mujer, Jarrón y Jarrón y flores de ciruelo. Su regreso a Seúl también le permitió impartir clases en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Hongik , realizar una exposición individual en la Galería USIS y ser elegido miembro de la Academia Coreana. ^{[ 10 ]}

Los diarios de Kim muestran que su partida a París era algo que había estado planeando desde hacía bastante tiempo. A partir de 1954, muchos artistas coreanos realizaron este viaje, entre ellos Nam Kwan, Kim Heung-su y Kim Chong-ha. París, la capital del mundo del arte moderno, era el lugar que los curaría de su sentimiento de inferioridad, que había surgido de sus experiencias negativas con el arte occidental en Japón. ^{[ 10 ]} Aunque muchos artistas y sus obras cambiaron significativamente durante los viajes al extranjero, Kim conservó intencionalmente su estilo artístico y continuó representando motivos de jarrones, pájaros, montañas, ciervos y flores de ciruelo. ^{[ 10 ]} Lejos de Francia, Kim llegó a comprender y apreciar mejor las cualidades únicas de Corea y el arte coreano.

Whanki Kim viajaba frecuentemente a nuevos lugares para adoptar nuevas técnicas artísticas e incorporarlas a su obra, y su objetivo a lo largo de su carrera fue alcanzar la universalidad de una "integración sin fronteras de la estética oriental y occidental". Estaba cansado de que sus obras fueran vistas como un abandono de los valores coreanos o como una débil imitación del arte occidental "auténtico". Un símbolo de la lucha de Whanki Kim por lograr esta integración perfecta de los estilos tradicional y moderno, así como oriental y occidental, fue el jarrón buncheong de la dinastía Joseon. La cerámica de la dinastía Joseon se caracteriza por ser grande, blanca, gruesa e irregular, y tiene una función utilitaria. Una pieza tristemente célebre es el "Jarrón Lunar", un recipiente de porcelana blanca de forma redonda, como la luna. Cuando viajó a París, sus pinturas experimentaron un cambio profundo: la paleta de colores se tornó predominantemente azul y comenzaron a imitar las superficies jaspeadas de la cerámica. En la década de 1950, Whanki Kim comenzó a incorporar motivos tradicionales del paisaje coreano, como la luna azul, las montañas y las flores de ciruelo. Jar (1958), de Whanki Kim, representó la transición de pinceladas planas y dispersas a la superposición de capas. La textura de esta pieza es evidentemente gruesa y moteada, similar a la cerámica tradicional coreana. Además, la jarra, como sujeto, carece de sentido del espacio, ya que no hay objetos de referencia a su alrededor. La escala de la luna es tan grande como la jarra, lo que crea un efecto de acercamiento y contribuye a la abstracción de la obra. La incorporación de estos motivos coreanos a su obra hizo que Kim fuera más consciente de su identidad coreana en una época de constantes viajes. Visitar París fue una experiencia transformadora para Whanki Kim, ya que pudo experimentar con el efecto de vidriera de las pinturas de Roualt para replicar la naturaleza tridimensional y la textura de la jarra buncheong en el lienzo bidimensional. Logró combinar la esencia coreana de los jarrones de la dinastía Joseon con elementos del movimiento expresionista abstracto.

A su regreso a Seúl en 1959, casi de inmediato le ofrecieron el puesto de Decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Hongik. En 1960, se convirtió en Presidente del Colegio de Arte de Hongik. Se encontró dedicando más tiempo a la docencia y a las tareas administrativas que al arte. Durante este período, a menudo se sentía frustrado por los conflictos con otros miembros del consejo directivo y por la falta de conexión entre la realidad y sus sueños para las instituciones artísticas. ^{[ 10 ]}

1963 fue el primer año en que Corea participó en la Bienal de São Paulo , en la que Kim participó como comisario del país y entre los siete artistas destacados: Young-ju Kim (김영주, 金永周, (1920–1995), Yoo Youngkuk , Kim Ki-chang , Suh Se-ok , Han Yong-jin (한용진, 韓鏞進, 1934–) y Yoo Gang-yeol (유강열, 劉康烈, 1920–1976). ^{[ 14 ] : 143} Presentó tres obras: Luz de luna en la noche de verano <여름 달밤> (1961), Luz de luna en la isla <섬의 달밤> (1959) y Nube y luna <운월> (1963)–Kim recibió una Mención Honorífica por su pintura. ^{[ 5 ]} Al ver las obras en la Bienal, como las del artista estadounidense Adolph Gottlieb, quien recibió el Gran Premio, Kim manifestó su deseo de que el arte coreano se "internacionalizara". ^{[ 12 ] : 30}

"La sala coreana [en la Bienal] estuvo bien. Mi pintura tampoco estuvo mal. Sentí confianza en que mi arte tenía significado. ... Hay belleza en mi arte, y esta belleza proviene de haber vivido en el campo coreano." ^{[ 15 ]}

Así, en 1963, Kim se trasladó a Nueva York, una ciudad que emergía como un nuevo centro para el arte moderno. ^{[ 16 ]} Hyang-an Kim se unió a Kim en Nueva York al año siguiente. Con una beca de la Asia Society financiada por la fundación de John D. Rockefeller III , se instalaron en un estudio en el Upper West Side de Manhattan. ^{[ 16 ]} Allí encontró apoyo de varios agregados culturales coreanos, artistas coreano-estadounidenses como Po Kim , John Pai (1937–) y Nam June Paik , así como de los artistas estadounidenses Adolph Gottlieb y Mark Rothko . ^{[ 14 ] : 151}

Cuando Whanki Kim llegó a Nueva York, comenzó a experimentar con nuevos materiales, como páginas de periódico y pinturas al óleo. Sentía curiosidad por cómo reaccionaban las distintas pinturas al óleo con el aceite del periódico, lo que creaba una "sensación cambiante y dinámica de pintura sobre una superficie", en comparación con el efecto de absorción de la acuarela, lo que despertó su interés por el papel maché. Una escultura de papel llamada Daejup (1968) representa la transformación que experimentó el arte de Kim al fusionar las pinturas al óleo sobre periódicos con esculturas tridimensionales. Whanki Kim se enorgullecía de haber conservado la "coreanidad" en su arte, ya que la pintura al óleo sobre papel imitaba la superficie moteada de la cerámica de la dinastía Joseon. Daejup es una jarra negra ancha que se ensancha cerca de la parte superior y tiene puntos simétricos alrededor del revestimiento. Los puntos están intencionadamente desordenados para añadir un sentido orgánico a la obra, similar al de las jarras del período Joseon. Lo que hizo a Whanki Kim tan extraordinario fue que, incluso al mudarse a Nueva York y aprender estas nuevas técnicas de papel maché, conservó elementos de su tierra natal. Nueva York le permitió liberarse de toda obligación social y concentrarse únicamente en la creatividad de su obra. Sin embargo, es importante reconocer que otros artistas coreanos de su época no tuvieron el privilegio ni la oportunidad de abandonar todas sus responsabilidades para dedicarse al arte. Por lo tanto, Whanki Kim tuvo una ventaja en cuanto al acceso a técnicas extranjeras y la capacidad de explorar.

Lo más notable de la época del artista en Nueva York es el surgimiento de la serie de "pinturas de puntos sobre lienzo" (점면전화, Chŏmmyŏnjŏnhwa ) o simplemente conocidas como "pinturas de puntos". Hacia 1970, Kim comenzó a producir pinturas que llenaban toda la superficie de sus lienzos sin imprimación con pequeños puntos irregulares usando pintura al óleo mezclada con trementina. ^{[ 14 ] : 195} Un ejemplo temprano y significativo es ¿ Dónde, en qué forma, nos volveremos a encontrar? <어디서 무엇이 되어 다시 만나랴> (1970), titulado en honor a un poema de su amigo y poeta coreano Kim Gwang-Seop (김광섭, 1905–1977). Si bien la obra fue el resultado de años de experimentación con la abstracción y los elementos geométricos que componen la pintura —punto, línea y plano—, la paleta sobria, así como la pintura diluida, produjeron un efecto de tinta borrosa, evocador de la pintura de aguada de Asia Oriental . ^{[ 6 ] : 135–137} Con ¿Dónde, en qué forma, nos volveremos a encontrar?, Kim recibió el Gran Premio en la primera edición de la Exposición del Gran Premio de Arte Coreano. ^{[ 17 ]} Drásticamente diferente de la obra de Kim en Corea, que representaba motivos y sentimientos coreanos, su estilo puramente abstracto dejó una gran impresión en la escena artística coreana. ^{[ 14 ] : 189}

Kim continuó produciendo "pinturas de puntos" en lienzos de mayor tamaño y experimentó con diferentes colores, especialmente con la gama de tonos azules. ^{[ 6 ] : 142–147} En 1971, Kim dio un giro a su composición al disponer los puntos de forma circular o curvilínea, como se ve en Universe 05-IV-71 #200 (1971). Universe , considerada una de las obras más importantes de la producción artística actual, fue bien recibida en Nueva York en ese momento. ^{[ 18 ] [ 19 ]} La obra se incluyó en la exposición individual de Kim en la galería Poindexter de Nueva York, donde continuó exponiendo anualmente hasta su muerte en 1974. ^{[ 20 ] : 11}

Dansaekhwa, también conocido como el movimiento de pintura monocromática, incluyó pinturas en tonos grises, marrones, beige y blancos producidas a finales de la década de 1960 y aplicadas a obras que manifestaban una fusión entre el cuerpo y la mente del artista mediante la exploración de la fisicalidad de los materiales pictóricos. Este movimiento surgió del deseo de recuperar el orgullo de su identidad coreana, robado durante la guerra, y de la necesidad de un fuerte control político y social. También representó una ruptura con el estilo japonés Nihonga, que representaba el período colonial de Corea, y adoptó la pintura abstracta en las escenas artísticas occidentales durante la era de la modernización. En Universo (1971), Kim pintó filas repetitivas de círculos formados por puntos que capturan la esencia de las olas pulsando en la orilla. Los puntos "parecen proliferar como células vivas" y "representan el flujo de una poderosa energía solar", lo que permite al espectador experimentar sinestesia. Dado que no hay dos puntos iguales, el movimiento de cada pieza es desigual y provoca que la vista pierda el enfoque y se pierda en la pintura. Whanki Kim se distingue de otros artistas por la temporalidad de su obra. Las pinturas estadounidenses tienden a tener ese aspecto de "todo a la vez", mientras que la obra de Whanki Kim es constantemente dinámica y hay una sensación implícita de movimiento en todo momento. Nueva York fue un período de transición significativo, ya que los motivos habituales, como el pájaro y la luna, fueron reemplazados gradualmente por puntos y líneas, como se aprecia en esta obra. Sus piezas se volvieron menos figurativas y más abstractas, con líneas horizontales y verticales y disposiciones diagonales. En comparación con sus obras anteriores de tonalidades muy brillantes, Universo, junto con sus obras posteriores, presenta tonos gris azulados o negros y encapsula la paleta "Azul Whanki". Además, Kim diseñó esta pieza para que el espectador pudiera imaginar el movimiento de cuerpos celestes resplandecientes, imitado por los puntos dinámicos. El espectador se siente estimulado a "fundirse" con la pintura. Esta transición y desaparición de los motivos coreanos también puede reflejar el distanciamiento de Whanki Kim de su identidad coreana al establecerse en Nueva York y sumergirse en el arte extranjero.

Durante su trayectoria en Nueva York, surgieron obras que representaban temas cósmicos y planetarios, sonido, eco y música. ^{[ 10 ]} En la segunda mitad de su estancia en Nueva York, Kim dedicó mucho tiempo a collages, obras de papel maché y pinturas al óleo sobre papel de periódico. Fue durante este período que Kim comenzó a utilizar puntos en sus obras, llegando incluso a cubrir lienzos enteros solo con puntos, como en ¿ Dónde y en qué forma nos volveremos a encontrar? (1970) y 05-IV-71 #200 (Universo) (1971). Esta última se vendió por 102 millones de dólares de Hong Kong (13,03 millones de dólares estadounidenses), superando su precio estimado de entre 48 y 62 millones de dólares de Hong Kong, y se convirtió en la obra de arte coreana más cara. ^{[ 21 ]}

Kim fue operado de la columna cervical para corregir el dolor de cuello que le causaba pasar toda la vida encorvado realizando trabajos minuciosos durante hasta 10 horas al día. ^{[ 22 ]} La operación salió bien, pero Kim sufrió una caída en el hospital y una hemorragia intracerebral , que le provocó la muerte a los 61 años.

Su sobrino nieto es Choi Seung-hyun (n. 1987), artista, actor y rapero conocido bajo el nombre artístico TOP, además de exmiembro de Big Bang . ^{[ 23 ] [ 24 ]}