Lila Katzen

Lila Katzen (30 de diciembre de 1925, en Brooklyn, NY – 20 de septiembre de 1998, en Nueva York, NY), nacida Lila Pell, fue una escultora estadounidense de abstracciones metálicas fluidas y a gran escala. ^{[ 1 ]}

Katzen nació y se crió en Brooklyn. ^{[ 1 ]} Asistió a Cooper Union y posteriormente estudió con Hans Hofmann en la ciudad de Nueva York y Provincetown, Massachusetts . Su primera exposición individual tuvo lugar en el Museo de Arte de Baltimore en 1955, cuando aún era pintora. Más tarde, Katzen realizó exposiciones individuales en el Museo de Arte de Montgomery en Alabama y en el Museo de Arte Ulrich en Kansas , entre otros. En 1962, Katzen aceptó un puesto en el Instituto de Arte de Maryland , donde permaneció hasta 1980.

Lila Katzen fue desanimada de continuar sus estudios de escultura por su profesor en Cooper Union, quien le dijo que debía ser pintora porque “quería que las cosas sucedieran demasiado rápido” ^{[ 2 ].} Las pinturas de Katzen eran obras abstractas y semifigurativas, en las que tomaba ciertos aspectos de la figura y los relacionaba con un concepto espacial. A medida que desarrollaba sus habilidades en la pintura, Katzen comenzó a buscar un desafío experimentando con diferentes tipos de pintura más escultórica. Progresó desde collages sobre lienzo hasta teñir lienzos de nailon . Finalmente, sintiéndose limitada incluso por el nailon semitransparente, Katzen comenzó a pintar sobre láminas acrílicas a finales de la década de 1950. ^{[ 3 ]}

Las pinturas acrílicas permitieron a Katzen hacer la transición a la escultura. Experimentó con pinturas fluorescentes e iluminación de fondo, utilizando la luz como medio en sí misma. ^{[ 4 ]} En The Pressure Light , Katzen descubrió que la luz era más compleja cuando podía interactuar con el entorno. Esto la llevó a explorar la dualidad de la luz, ya que está confinada dentro de los límites de la obra y, simultáneamente, existe más allá de sus límites, incluyendo al espectador en la propia obra de arte. ^{[ 5 ]}

Los experimentos y descubrimientos de Katzen la llevaron a construir Light Floors , exhibida en la Architectural League de Nueva York en 1968. Light Floors se construyó con un motivo geométrico y se exhibió en los pisos de tres salas de la galería. Se mostraron luces amarillas y ultravioletas en diferentes secuencias a través del acrílico. Un comunicado de prensa sobre la instalación señaló que: «La señorita Katzen ejerce un control total sobre su medio. Afirma que "la luz se emplea en todos sus aspectos. Se sitúan la reflectividad, la transparencia, la emisión y la transformación de coordenadas espaciales a temporales". El resultado es que "la arbitrariedad y el efecto se cancelan"». ^{[ 6 ]} Katzen continuó utilizando la luz como medio en The Universe is the Environment (1969) y Liquid Tunnel , un túnel octogonal que presentaba luz fluorescente mostrada a través del agua, que jugaba con las variaciones de la óptica y las similitudes entre líquidos y sólidos. ^{[ 7 ]}

A principios de la década de 1970, completamente inmersa en sus esculturas y reconocida por ellas, Katzen creó algunas de sus obras más conocidas, como Slip Edge Bliss (1973) y Trajho (1973). Ambas exploran la flexibilidad de sus materiales. Katzen estiró y manipuló metales, como acero y aluminio, para que parecieran fluidos y como cintas. El metal debía manipularse de inmediato y con pleno conocimiento de lo que la artista quería lograr. La artista explicó: "No hay margen de error. No se puede volver a enrollar. Perderá su elasticidad". ^{[ 8 ]} Partiendo de finas láminas de metal, Katzen manipulaba y doblaba el material con los dedos, transformando el frío acero con sensualidad humana. Como señaló Donald Kuspit,

"La gracia de las esculturas de Katzen, flexibles y texturizadas, de acero inoxidable y bronce (a veces aluminio), se curvan como una cinta voluptuosa, culminando a menudo en lo que solo puede considerarse una especie de reverencia." ^{[ 9 ]}

Muchas de las esculturas de Katzen son obras de gran formato para exteriores. Todas están diseñadas para relacionarse con su entorno, lo que hace referencia a sus experimentos y descubrimientos previos con la luz. Katzen también diseñó sus esculturas para que se relacionaran con el lugar donde se ubican, a la vez que resistían y fomentaban la interacción humana, en un contraste directo con la estética minimalista tan predominante en la década de 1960. ^{[ 10 ]} Muchas de sus esculturas son reubicables e invitan a sentarse, columpiarse, tumbarse o gatear bajo ellas. ^{[ 11 ]} Katzen desarrolló una profunda conexión emocional con su obra, considerándola como sus hijos. Ha dicho que «se siente maravillosa cuando sus obras encuentran un hogar». ^{[ 12 ]}

Mientras que su obra escultórica más conocida, iniciada en la década de 1970, se caracterizaba por curvas suaves, sinuosas y redondeadas, a menudo descritas como "líricas", a principios de la década de 1990 produjo un nuevo conjunto de obras cuyas piezas consistían en piezas de acero soldadas, afiladas y dentadas, descritas por un escritor como "duras y agresivas", que representaban una cultura fragmentada y frágil. ^{[ 13 ]} Las obras realizadas durante este período se exhibieron en la exposición "Exposición de escultura del quinto centenario de Lila Katzen: Isabel, Colón y la Estatua de la Libertad" en el Museo de Arte Muscarelle en la primavera de 1992; las obras mostradas incluían "Reina de la exploración", "Reina de los cinco escudos" y "Reina caimán", y crearon "un rico retrato imaginario" de la "persona femenina fantasmal" de la reina Isabel de Castilla . ^{[ 14 ]} Otra exposición de obras posteriores fue "Lila Katzen: Force I Esculturas y Dibujos" en el Museo de Arte Ulrich en el otoño de 1995. Las piezas de esa exposición incluyeron Nerve Threads (1992), Muzzle Warp (1993) y Paleolithic Map ( 1993) . En un artículo publicado junto con la exposición "Lila Katzen: Force I Esculturas y Dibujos", Dana Self, curadora de exposiciones, señaló:

"Las esculturas anteriores, si bien agresivas en estilo y contexto, solían ser formas de acero suaves, sinuosas, ligeramente redondeadas y en bucle que demostraban su adhesión a cánones de belleza como la noción de lirismo y gracia. Katzen cita el Éxtasis de Santa Teresa del artista barroco italiano Bernini como un ejemplo influyente de la forma barroca que la inspiró a desarrollar masas flotantes en el espacio que parecían desmentir su peso. En su nueva escultura, Katzen se resiste a las influencias histórico-artísticas. En cambio, las esculturas de esta exposición son la interpretación de Katzen, en un lenguaje escultórico abstracto, de los problemas sociales y culturales actuales... Katzen deja de lado el lirismo dramático de sus obras anteriores para adoptar un estilo duro y agresivo que interrumpe la historia del arte y, a la vez, aborda el presente." ^{[ 15 ]}

Su obra se encuentra en las colecciones de la National Gallery of Art, Washington, DC , el J. Paul Getty Museum , Santa Monica, CA , el Ulrich Museum of Art , ^{[ 16 ]} y el Georgia Museum of Art . ^{[ 17 ]}

En sus últimos años, contrató a algunos trabajadores para que la ayudaran a construir sus esculturas.

Katzen también fue una firme opositora de la discriminación sexual y se destacó por su compromiso con el movimiento feminista en las artes. Katzen relató sus propias experiencias con la discriminación sexual. Según ella, si bien su maestro, Hans Hofmann, la apoyaba en su trabajo en el estudio, se irritó al descubrir que se tomaba en serio su carrera como artista. En una ocasión, durante una cena que Katzen organizó para Hofmann y sus amigos, Hofmann brindó por el arte declarando: «Solo los hombres tienen alas». ^{[ 18 ]} Katzen se indignó y discutieron. De hecho, su arte fue percibido de manera diferente debido a su feminismo declarado: una reseña del New York Times sobre una escultura titulada Ruinas y construcciones vinculó el uso de motivos mayas por parte de Katzen con su «feminismo militante». ^{[ 19 ]}

La obra feminista de Mary Beth Edelson , Some Living American Women Artists / Last Supper (1972), se apropió de La Última Cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de destacadas artistas femeninas superpuestas sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles; Katzen fue una de esas destacadas artistas. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórico-artística en la subordinación de la mujer, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". ^{[ 20 ] [ 21 ]}

• Munro, Eleanor (1979). Artistas estadounidenses . Nueva York: Simon & Schuster. ISBN 9780671231095.
• Nemser, Cindy (1995). Charlas sobre arte: Conversaciones con 15 mujeres artistas . Nueva York: Icon Editions. ISBN 9780684139845.

• Entrevista con Lila Katzen