Linda Fleming

Linda Fleming (nacida en 1945) es una escultora y ex educadora estadounidense. ^{[ 1 ]} Ha estado activa desde finales de la década de 1960, produciendo construcciones abstractas, monumentales y en miniatura, y dibujos figurativos y abstractos, empleando materiales que incluyen acero cortado con láser, troncos y vigas de madera recuperada, bronce, lana, caucho, vidrio y papel. ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] [ 1 ]} Inspirándose en el mundo físico, la ciencia y la imaginación, su obra se destaca por su sentido fluido de la forma, la escala y la alusión. ^{[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]} Los críticos describen su escultura como evocadora a la vez de fenómenos efímeros, estructurales y cosmológicos: partículas subatómicas, las trayectorias de las estrellas y las nebulosas, instrumentos y artilugios humanos, pensamiento abstracto, telas, encaje y humo. ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]} Donna Schumacher de Sculpture observó: "Fleming ha estado desarrollando un conjunto de obras que se esfuerzan por expresar las realidades simultáneas que se encuentran en el espacio intermedio: entre lo consciente y lo subconsciente, la forma y la materia, la ciencia y el arte, entre este mundo y el que está justo más allá de la percepción". ^{[ 2 ]}

Fleming ha expuesto en instituciones como el Museo de Arte de Berkeley , ^{[ 12 ]} el Museo de Arte de Denver , ^{[ 13 ]} el Museo Internacional de Edredones , ^{[ 14 ]} el Museo de Arte de Nevada , ^{[ 8 ]} el Museo de Oakland de California ^{[ 1 ]} y el Parque de Esculturas Sócrates . ^{[ 15 ] [ 16 ]} Su obra se encuentra en las colecciones de los museos de Berkeley y Oakland y los Museos de Bellas Artes de San Francisco , entre otros. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]}

Fleming nació en 1945 en Pittsburgh , Pensilvania. ^{[ 20 ]} Estudió arte en la Universidad Carnegie Mellon y en el Instituto de Arte de San Francisco antes de mudarse a la ciudad de Nueva York para convertirse en artista en 1967. ^{[ 21 ]} Se involucró con la escena artística incipiente de SoHo , incluyendo artistas de la influyente galería cooperativa Park Place Gallery , como Mark di Suvero , Dean Fleming y Frosty Myers ; su obra apareció en la última exposición de la galería. ^{[ 22 ] [ 20 ] [ 23 ]}

Después del cierre de Park Place, se fue a Colorado con Dean Fleming para establecer una versión rural de la galería con estudios de arte. ^{[ 20 ] [ 24 ]} En 1968, se casaron y cofundaron una comunidad de artistas, Libre, con otros artistas en 360 acres en el Valle de Huerfano de las Montañas Rocosas. ^{[ 25 ] [ 10 ] [ 26 ] [ 27 ]} Ella y otros miembros diseñaron y construyeron sus propios estudios en casa (en su caso, una cúpula geodésica, luego una estructura de paredes rectas) y la infraestructura de la comunidad, y crearon estatutos para el autogobierno que siguen vigentes más de cincuenta años después. ^{[ 25 ] [ 6 ]} Fleming ha seguido dedicando parte de su tiempo a vivir y trabajar en Libre desde su fundación. ^{[ 2 ] [ 1 ]}

Fleming conoció a su futuro esposo, el pintor Michael Moore, en San Francisco en 1987. ^{[ 2 ]} Durante más de tres décadas, han viajado cíclicamente cada año entre estudios y casas en la ciudad costera de Benicia , en el Área de la Bahía , el desierto de Smoke Creek en Nevada y Libre. ^{[ 1 ] [ 10 ] [ 28 ]} Fleming considera que la migración estacional es clave para su proceso, alternando entre la introspección y la observación al aire libre y el procesamiento interno del trabajo de estudio más urbano. ^{[ 2 ] [ 1 ]}

El crítico David Roth resume los fundamentos conceptuales de la obra de Fleming como "una mezcla de abstracción lírica , inspirada por las investigaciones de la artista sobre la física de partículas y la teoría de cuerdas ; geometría muscular, derivada de su temprana asociación, en Nueva York, con Mark di Suvero; y utopismo hippie ". ^{[ 6 ]} Sus formas escultóricas emplean patrones de líneas y planos de capas y tejido abierto —intrincadas celosías o curvas en espiral— construidos de diversas maneras a partir de longitudes o paneles cortados con láser de acero, madera reciclada, lana o papel. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 1 ]} Los autores señalan la encarnación en la obra de múltiples propiedades espaciales: masa y vacío, interior y exterior, gravedad e ingravidez, estasis y flujo. ^{[ 2 ] [ 28 ] [ 6 ] [ 29 ]} Esta cualidad deriva en parte de su fascinación por fenómenos como las partículas subatómicas, que sirven como base común tanto de la materia como del espacio. Estos conceptos la inspiran a crear obras que los espectadores puedan ver, atravesar y comprender al mismo tiempo. ^{[ 1 ] [ 6 ] [ 29 ]}

Los críticos han descrito las construcciones de Fleming como vernáculas, hechas a mano y "simultáneamente cósmicas e imprecisas", señalando su preferencia por los pernos visibles sobre la soldadura para resaltar la fabricación de la obra. ^{[ 9 ] [ 2 ]} Los pernos enfatizan la relación fundamental en su obra de la parte (a menudo formas geométricas simples) con el todo. ^{[ 9 ] [ 2 ] [ 5 ] [ 1 ]} Imitan la forma en que las partículas subatómicas se combinan en nuevas partículas y materia, al tiempo que demuestran cómo los objetos de una escala funcionan a una diferente cuando forman una nueva entidad. ^{[ 29 ]} El curador Lawrence Rinder comentó: "Fleming transmite una sensación de la vulnerabilidad de la teoría abstracta, una sensación de sus orígenes en el mundo orgánico y emocionalmente incisivo de la imaginación humana. Sus esculturas son improvisadas: llenas de ambición y esperanza, pero sin llegar al tipo de declaración absoluta que uno ha llegado a esperar de la voz científica". ^{[ 9 ]}

Fleming cultiva una fluidez en la percepción de la escala trabajando en dimensiones muy grandes o muy pequeñas que invitan a los espectadores a suspender la comprensión fácil y realizar saltos imaginativos. ^{[ 7 ] [ 1 ] [ 8 ] [ 9 ]} Sus maquetas pueden concebirse como modelos miniaturizados de vastas estructuras o fenómenos intergalácticos, mientras que sus esculturas del tamaño de una habitación podrían ser representaciones ampliadas de minúsculos diseños moleculares. ^{[ 1 ] [ 9 ] [ 2 ]} El punto de vista también juega un papel; los espectadores pueden imaginarse encogiéndose para entrar en la maqueta o sosteniendo una escultura masiva en su mano (desde la distancia), antes de examinarla de cerca como un objeto y finalmente entrar en ella como una estructura. ^{[ 2 ] [ 8 ]} Confundiendo aún más la percepción, la escala y la masa no se correlacionan en la obra de Fleming, como es típico; las delicadas maquetas pueden proyectar solidez y peso, mientras que las grandes esculturas de metal parecen ingrávidas. ^{[ 7 ] [ 2 ]}

Conjuntos de obras y exposiciones

En sus dos primeras décadas, Fleming exploró cómo las construcciones complejas evolucionan a partir de formas simples. ^{[ 3 ] [ 30 ] [ 5 ]} Ensambló estas obras de interior y exterior a partir de objetos crudos encontrados —inicialmente, vigas, tablones y maderas recuperadas— creando algo nuevo a partir de lo viejo, mientras conservaba evidencia visible de la historia del material (por ejemplo, X-Rays , 1980; Accumulated and Readjusted , 1993). ^{[ 31 ] [ 30 ] [ 29 ] [ 5 ]} Fleming exhibió la obra en exposiciones tempranas, así como en dos retrospectivas: "Wilderness Study Area" (1995, Oakland Museum Sculpture Court) y "Tangible Mind" (2016, California College of the Arts ). ^{[ 32 ] [ 33 ] [ 34 ] [ 30 ] [ 9 ]}

En la década de 1990, con la intención de hacer su obra más duradera, etérea y reflectante, recurrió a grandes construcciones de acero con forma de celosía. ^{[ 5 ] [ 29 ]} Compuestas por igual de espacio y materia, sus esculturas de acero han sido descritas en términos de creación humana como sugestivas de prototipos de antiguos instrumentos científicos, artilugios abandonados, viejas cerchas o la Torre Eiffel . ^{[ 9 ] [ 1 ] [ 2 ] [ 29 ]} The Cloak of the Motion (1996) fue comparada con un cohete escalable o un carrusel invertido; las vigas de acero unidas en Insinuation (1997) y Necklace (2000) fueron comparadas con obeliscos suspendidos, una "grúa caída en un montón" y estructuras de puentes del siglo XIX. ^{[ 9 ] [ 35 ] [ 1 ]}

Dos exposiciones en Linda Durham Contemporary Art señalaron el giro de Fleming de lo artificial a lo metafísico. ^{[ 11 ] [ 5 ]} En "Universo Paralelo" (2003), grandes esculturas, una maqueta encerrada en vidrio y una pintura plantearon una realidad alternativa centrada en una estética cohesiva y de otro mundo de formas universales. ^{[ 11 ] [ 4 ]} La gran estructura en forma de abanico de color óxido Intricacy estaba compuesta de patrones complejos entrelazados de acero atornillado que se reflejaban en Dark Matter , una gran pieza de suelo aplanada de caucho negro. ^{[ 11 ] [ 4 ] [ 28 ]} Con un efecto similar, las configuraciones de acero de tejido abierto y bordes de esmalte de color de "(Ingredientes Des)integrados" (2004) mezclaron líneas curvas y rectas para sugerir infraestructuras similares a platillos voladores (por ejemplo, Pink Wobble , Green Lace ). ^{[ 5 ]}

A mediados de la década de 2000, la llegada de la tecnología de corte láser permitió a Fleming esculpir con líneas curvas en lugar de rectas. ^{[ 29 ] [ 7 ] [ 25 ]} Ensambló paneles ondulados y monocromáticos de filigrana de acero atornillada en estructuras transparentes y de encaje como Gray Matter en forma de abanico o la comisión pública Reverie (2008, Museo Internacional de Edredones). ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 25 ]} La luz y cómo se movía a través, sobre y alrededor de las formas, o proyectaba sombras intrincadas y cambiantes, tuvo prioridad en estas obras. ^{[ 1 ]} Fleming exhibió tales esculturas junto con maquetas en exposiciones en Brian Gross Fine Art (2006) y Lemmons Contemporary (2008). ^{[ 7 ] [ 2 ]} Al observar la mezcla de inclinaciones ornamentales, arquitectónicas y feministas, el crítico del San Francisco Chronicle, Kenneth Baker, comentó: «Fleming expresa una especie de complejidad e inmensidad de género en la escultura que ningún escultor estadounidense había intentado desde Nancy Graves ». ^{[ 7 ]}

En sus exposiciones "Modeling the Universe" (Nevada Museum of Art, 2011) y "Drawn To/Drawn From" (2012, Oats Park Art Center), las maquetas y los dibujos de Fleming, respectivamente, cobraron protagonismo. ^{[ 8 ] [ 36 ]} La primera muestra exhibió 40 estructuras de balsa, papel, bronce y metal oxidado que se asemejaban a tapetes de papel doblados y cortados a mano que desplazaron el marco de referencia de la obra hacia flujos efímeros de aire, partículas, energía, pensamiento y sonido. ^{[ 8 ] [ 2 ]} La retrospectiva de dibujos destacó formas biomórficas y radiales —algunas superpuestas sobre representaciones completamente realistas (por ejemplo, una formación rocosa)— que se repitieron en una obra de suelo de fieltro grueso, Puddle (2012). ^{[ 36 ]} "Making Places" (2013) fue una exposición conjunta ecléctica que documentó el trabajo, las historias nómadas y los espacios construidos de Fleming y Michael Moore, a través de obras de arte, diarios, video y objetos cotidianos. ^{[ 25 ] [ 28 ] [ 37 ]}

Los críticos observan que exposiciones posteriores de grandes y coloridas obras de acero contrastan estructuras tridimensionales que transmiten una sensación de mutabilidad posmoderna con piezas de pared bidimensionales que tienden a la geometría audaz y la certeza. ^{[ 6 ] [ 1 ] [ 29 ]} Las obras bidimensionales, como Voltage (2016) y Lightning Cloud (2017), mezclan curvas entrelazadas y formas angulares para evocar una energía similar a la de un láser. Otras combinan la forma geométrica con experimentos de color utilizando acero cromado o secciones de color contrastante que se mezclan ópticamente (por ejemplo, Heat Lightning , 2016; Orogeny , 2022). ^{[ 1 ] [ 6 ] [ 29 ]} En las esculturas tridimensionales montadas en el suelo (por ejemplo, Lightning o Valley Fog , 2022), Fleming fomenta múltiples ángulos de visión al duplicar cada sección con una forma interior complementaria exacta atornillada y pintada en colores contrastantes o de valor cercano; el método crea dos versiones distintas de cada objeto coexistiendo en el mismo espacio: dentro y fuera. ^{[ 6 ] [ 29 ]}

Fleming es profesora emérita del California College of the Arts (CCA) tras haber impartido clases allí desde 1986 hasta 2017, incluyendo veinte años como jefa del departamento de escultura. ^{[ 20 ] [ 21 ] [ 1 ]} En 2016, recibió el Premio a la Educadora Destacada del International Sculpture Center . ^{[ 12 ] [ 1 ]} Su método de enseñanza ha sido descrito como holístico por su énfasis en la exploración personal y la vida y responsabilidades del artista. ^{[ 1 ]} Antes de CCA, impartió clases en el San Francisco Art Institute, el Minneapolis College of Art and Design y la San Francisco State University , entre otras escuelas. ^{[ 1 ]}

Fleming ha recibido subvenciones y premios de la Fundación Pollock-Krasner (2023, 1993), la Fundación Peter S. Reed (2007), la Fundación Adolph y Esther Gottlieb (1994), La Vie des Formes (1991), Art Matters (1986) y la Fundación Athena (1983). ^{[ 38 ] [ 39 ] [ 1 ] [ 40 ]} Ha tenido exposiciones individuales en los Jardines Botánicos de Denver , ^{[ 41 ]} KANEKO , ^{[ 40 ]} el Museo de Arte de Nevada, ^{[ 42 ] [ 8 ]} y el Museo de Arte del Valle de Sonoma , ^{[ 43 ]} entre otros. Ha creado instalaciones de arte público en Art Omi , el Museo de Arte de Berkeley, el Parque de Esculturas de Franconia , el Museo Internacional de Edredones, el Parque de Esculturas de Laumeier , el Museo de Oakland y la Granja de Esculturas de Runnymede . ^{[ 44 ] [ 2 ] [ 1 ] [ 45 ] [ 30 ] [ 46 ]}

La obra de Fleming se encuentra en las colecciones del Museo de Albuquerque , el Museo de Arte de Berkeley, ^{[ 17 ]} el Centro de Artes Cantor ], ^{[ 47 ]} los Museos de Bellas Artes de San Francisco, ^{[ 19 ]} el Parque de Esculturas Laumeier, Universidad Estatal de Michigan , ^{[ 1 ]} el Museo de Oakland de California, ^{[ 18 ] [ 48 ]} la Universidad de Santa Clara , ^{[ 49 ]} el Museo de Arte Sheldon , ^{[ 50 ]} el Parque de Esculturas Sócrates, ^{[ 51 ]} el Departamento de Estado de los Estados Unidos , ^{[ 52 ]} y la Universidad de Wyoming , ^{[ 53 ]} entre otros.

• Sitio web oficial de Linda Fleming
• Linda Fleming , Galería Robischon
• Linda Fleming , Brian Gross Bellas Artes
• Linda Fleming, California College of the Arts. Archivado el 7 de junio de 2010 en Wayback Machine .