Linn Meyers

Linn Meyers (nacida en 1968), conocida profesionalmente como linn meyers , es una artista visual radicada en Washington, DC y Los Ángeles. ^{[1] [2]} Es conocida por sus densos e intrincados dibujos, pinturas, instalaciones y grabados que varían en escala desde imágenes del tamaño de una página hasta grandes piezas en Mylar y panel y obras de pared monumentales y específicas del sitio. ^{[3] [4]} Su arte tiene sus raíces en un proceso de dibujo repetitivo: miles de marcas dibujadas a mano que se unen para formar conjuntos rítmicos y estampados y sirven como registros de su propia creación. ^{[5] [6] [7]} Aunque ostensiblemente abstractas, sus obras también sugieren ampliamente fenómenos naturales y aspectos fundamentales del universo, desde huellas dactilares hasta galaxias y patrones celulares hasta maremotos. ^{[7] [8]} La curadora Anne Ellegood observó: "Ella busca una pureza en la creación, un proceso físico que no se esconda detrás del ilusionismo, una inmediatez en la que la materialidad de la obra sea evidente y... se elimine todo el misterio para que sea lo que es". ^[8]

Meyers ha creado dibujos murales específicos para el sitio en instituciones culturales como el Museo Hammer , ^[9] la Colección Phillips , ^[10] el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn ^[5] y el Museo Columbus (Georgia). También ha expuesto en el Museo de Arte de Baltimore , la Galería de Arte Corcoran , el Museo Kreeger y el Museo de Arte Teien Metropolitano de Tokio . ^{[11] [12]} Su obra pertenece a las colecciones públicas del Museo Smithsonian de Arte Americano , el Museo Británico , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , la Galería Nacional de Arte y la Colección Phillips, entre otros. ^{[13] [14] [15] [16]} En 2023, Meyers recibió el premio Anonymous Was a Woman . ^{[17] [18]}

Meyers nació en 1968 en Washington, DC y creció en el área de DC. ^[19] Después de graduarse de la escuela secundaria, vivió durante un año en París, Francia, antes de mudarse a la ciudad de Nueva York para inscribirse en The Cooper Union . ^[20] Completó una licenciatura en Bellas Artes en 1990, luego se mudó a Oakland, California, para asistir al California College of the Arts , donde obtuvo una maestría en Bellas Artes en 1993. ^[21] Durante su primera década profesional, Meyers vivió en la ciudad de Nueva York, New Haven, CT, Carolina del Norte y Pittsburgh antes de regresar a su natal Washington en 2002. ^{[20] [22] [23]}

Al principio de su carrera, Meyers se centró principalmente en pinturas basadas en paisajes que iban desde estudios ambiguos y referenciales en cuanto a tono y atmósfera hasta piezas más abstractas en las que pinceladas vagamente cuadriculadas creaban espacios elusivos y pulsantes. ^{[24] [25] [8]} Después de dedicarse más a un trabajo basado en el dibujo a principios de la década de 2000, comenzó a recibir reconocimiento por exposiciones individuales en Gallery Joe (Filadelfia), ^[26] The Frick Pittsburgh , ^[27] el New Britain Museum of American Art ^[28] y G Fine Art (Washington). ^[29]

El proceso creativo de Meyers se basa tanto en un enfoque meticuloso y riguroso como en un enfoque intuitivo abierto a pequeños deslices e imperfecciones de la mano humana que llevan sus composiciones en direcciones imprevistas. ^{[9] [3] [6]} Gran parte de su trabajo comenzó con líneas fluidas individuales que trazaban marcos predeterminados de círculos o gestos simples, que definían la dirección en la que evolucionaba cada imagen. Trabajando sin plantillas ni cinta, luego colocó trazos sucesivos de tinta acrílica, pintura, bolígrafo o marcador siguiendo los contornos de la marca anterior como si estuviera dibujando un mapa topográfico. ^{[5] [21] [3]} Cada marca era una respuesta directa que se basaba en la anterior, formando patrones densamente empaquetados en los que los saltos, las curvas y las variaciones involuntarias se acumulan como las ondulaciones de los guijarros en un estanque o las secciones transversales de árboles antiguos. ^{[30] [29] [31]} Al describir el proceso, la crítica de Artforum Annie Buckley escribió: "El dibujo de Meyers magnifica el alcance y la intensidad de las marcas singulares a través de patrones expansivos; tomadas en conjunto, las líneas parecen latir, encarnando tanto la fisicalidad de su proceso como la del espacio". ^[9]

Algunos observadores vinculan el enfoque de Meyers con Agnes Martin y Anne Truitt en su atención a la estructura sistemática y las consideraciones formales, o con Vija Celmins debido a sus sugerencias de fenómenos naturales. ^{[8] [9] [32]} Sin embargo, en un nivel más profundo, los críticos sostienen que sus obras funcionan como mapas de tiempo y espacio, evocando procesos en lugar de cosas, y más concretamente, sirven como registros del movimiento físico y su propio devenir. ^{[8] [32] [4] [3]} En este sentido, su obra tiene una afinidad con la forma de hacer marcas de Jackson Pollock como rastro o índice de un evento, un modo que lo cambia de lo puramente abstracto hacia algo que se acerca a la narrativa o incluso al realismo. ^[8]

Los dibujos murales de Meyers, realizados en lugares específicos de su obra, realzan y magnifican ciertos aspectos de su obra en general: su fisicalidad, la inmediatez de los materiales, el uso de la entropía y los temas de resistencia, contemplación e impermanencia. ^{[8] [4] [32] [33]} Los crea línea por línea en el lugar a lo largo de días, semanas o meses, a menudo con espectadores que presencian el esfuerzo y el desarrollo de la obra. ^{[20] [34] [5]} Su enfoque metódico y sin prisas fomenta un sentido de reflexión que va en contra de la velocidad cada vez mayor de la vida contemporánea. Debido a la gran escala, los espectadores experimentan los dibujos no solo visualmente sino también corporalmente, como espacios inmersivos en los que se encuentran. ^[8] Cuando termina una exposición, estas obras se pintan encima, y ​​la impermanencia le da un valor añadido a la experiencia. ^{[20] [4]}

Meyer produjo por primera vez dibujos basados ​​en sistemas simples y predeterminados a principios de la década de 2000. ^{[7] [29]} En estas obras en Mylar, pergamino y papel cuadriculado, exploró las consecuencias de una única línea dibujada que dictaba la siguiente. ^{[30] [29] [31]} Los críticos las compararon con una forma más suelta y orgánica de minimalismo o posminimalismo . ^{[29] [32] Nord Wennerstrom de} Artforum escribió: "el tiempo se suspende y el efecto es meditativo, dichoso y refrescante"; ^[29] el Baltimore Sun las calificó como "mandalas abstractos de trabajo intensivo... [con] una ambición heroica de delinear el infinito a través de la creación de marcas en los límites de la percepción". ^[32]

A finales de la década de 2000, Meyers amplió sus dibujos a obras murales de gran escala y no permanentes. Primero las creó en su estudio, luego en la Galería de Arte de la Universidad de Maryland (2009), el Instituto de Arte Contemporáneo de San José (2009) y el Centro de Artes Katzen (2011), entre otros lugares. ^{[35] [36] [37] [38]} La Colección Phillips encargó un dibujo mural en respuesta a una de sus pinturas de Van Gogh: at the time being (2010), cuya densa red de líneas sugería una inmersión en las pinceladas del artista holandés. ^[10] Este conjunto de obras se caracteriza por sus líneas onduladas, paletas de colores limitadas, áreas delineadas geométricamente y capacidad de respuesta a la arquitectura, el color y la luz de sus sitios. ^[7]

En 2011, Meyers creó Every Now. And Again en el Museo Hammer a lo largo de 180 horas en doce días. ^[2] Inspirada por el color y la luz de Los Ángeles, la obra de color violeta oscuro y amarillo pálido, de aproximadamente 100 pies de largo, presentaba remolinos ondulantes, curvas y formas de lágrima hechas de múltiples trazos, que parecían caer hacia el fondo de la escalera del vestíbulo del museo. ^{[9] [8]} Los críticos describieron las formas como evocadoras de "misterios antiguos": criaturas submarinas, patrones cíclicos de la naturaleza y la vida, y dibujos rupestres prehistóricos. ^{[9] [39]} En 2016, Meyers creó Our View From Here (2016), un dibujo de 400 pies de largo ejecutado durante 11 semanas que serpenteaba a través de la galería circular curva del segundo piso del Museo Hirshhorn; el título hacía referencia a la incapacidad de ver la obra en su totalidad. ^{[5] [2] [20]} Consistía en ocho segmentos (dictados por elementos arquitectónicos), cada uno comenzando con un círculo o círculo parcial definido como una ausencia por miles de líneas sinuosas que fluían a su alrededor. Los segmentos estaban unificados por dos bandas de pigmento amarillo pálido y gris que recorrían la longitud del pasillo en las mitades superior e inferior de la pared. ^{[4] [2] [34]} Hyperallergic describió la obra como "poesía lírica y lineal", mientras que el crítico del Washington Post Mark Jenkins la llamó "una versión minimalista pero amplia del círculo". ^{[40] [4]}

Let's Get Lost (Bowdoin College Museum of Art, 2018) fue un dibujo mural cuyos parámetros físicos determinaron el contenido de una obra sonora participativa e invisible, Listening Glass (creada por Rebecca Bray, James Bigbee Garver y Josh Knowles). ^{[5] [33]} La pieza sonora permitió a los visitantes tocar el dibujo de Meyers como un instrumento con sus teléfonos celulares, descubriendo notas musicales audibles en la obra que se escuchaban en conjunto con sonidos provenientes de los parlantes de la galería. ^[5]

Desde 2013, el enfoque de Meyers se ha caracterizado por ser más intuitivo y menos estructurado por restricciones geométricas que se extienden entre la pintura y el dibujo. ^[7] Sus obras sobre papel y pinturas sobre panel a menudo emplean una paleta de tonalidad más profunda con áreas planas de color (a menudo azules pálidos o profundos) aplicadas antes del dibujo. ^[7] Durante este período, amplió su característica técnica de trazos lineales para incluir líneas de puntos cuyos patrones se han descrito como "resonantes de terrenos cosmológicos, paisajes geométricos y mapas geológicos". ^{[3] [41] [11]}

En sus comienzos, Meyers solía elaborar ideas y elementos compositivos para grandes obras en pequeñas piezas sobre papel cuadriculado. Más tarde, este trabajo se convirtió en un conjunto de obras por derecho propio. ^[7] Sus dibujos en papel cuadriculado (2005-presente), del tamaño de un cuaderno, utilizan la cuadrícula impuesta de sus superficies como plataforma para la experimentación, pasando de la organización al desorden para explorar imágenes con pliegues y arrugas y oscilaciones entre líneas, huecos y cuadrículas. ^{[3] [11]} A menudo incluyen números y perforaciones en el papel original, lo que sugiere dimensiones numéricas y límites a los espacios íntimos e imaginados de la obra. ^[11] Sus “Reducciones de texto” (2020) utilizaron páginas recortadas de un libro de 1900 de los escritos de John Ruskin sobre el pintor paisajista JMW Turner , del que eliminó casi todas las palabras, dejando atrás vacíos geométricos y mensajes poéticos sobrios que evocan emociones sublimes. ^{[11] [42]}

Meyers ha recibido subvenciones de la Fundación Pollock-Krasner (2001) y la Fundación Fifth Floor (2004, 2007), una beca de investigación para artistas del Smithsonian (2009), un premio de la Fundación Santo (2016), un premio Anonymous Was A Woman (2023) y nueve becas de la Comisión de Artes y Humanidades de DC entre 2008 y 2023. ^{[17] [43] [44] [18] [19]} Ha recibido residencias artísticas en Ballinglen, el Centro Bemis de Artes Contemporáneas , Bowdoin College, el Museo Hirshhorn, Hayama Residency (Japón), Iris Project, Millay Arts , el Instituto de Arte Contemporáneo de San José y el Instituto Tamarind . ^{[20] [19] [45] [46]}

La obra de Meyers pertenece a las colecciones públicas del Museo de Arte de Allentown, ^[46] Museo de Arte AmorePacific (Corea), Museo de Arte Ballinglen (Irlanda), ^[47] Museo Británico, ^[14] Museo de Arte de Baltimore, ^[48] Museo Hammer, Museo Hirshhorn, ^[49] Museo Kreeger, ^[12] Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Galería Nacional de Arte, ^[15] Museo Nacional de Mujeres en las Artes , ^[21] Museo de Arte Americano de New Britain, ^[50] Academia de Bellas Artes de Pensilvania , ^[51] Colección Phillips, ^[16] Museo de Arte Sheldon ^[52] y Museo Smithsonian de Arte Americano, ^[13] entre otros. ^[18]

• sitio web de linn meyers
• Joel Shapiero, podcast de Linn Meyers sobre arte moderno, 2016
• Linn Meyers en conversación con Jonathan Frederick Walz, Museo Columbus en la Galería Nacional de Arte
• Vídeo de instalación, Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn
• Vídeo de instalación, The Phillips Collection
• Vídeo de instalación, Instituto de Arte Contemporáneo de San José