Lowell Blair Nesbitt

Lowell Blair Nesbitt (4 de octubre de 1933 - 8 de julio de 1993) fue un pintor , dibujante , grabador , artista de vitrales y escultor estadounidense . Fue el artista oficial de la NASA durante las misiones espaciales Apolo 9 y Apolo 13. En 1976, la Armada de los Estados Unidos le encargó la creación de un mural monumental para el edificio administrativo de Treasure Island en San Francisco , descrito en su momento como el mural más grande de los Estados Unidos. En 1980, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió cuatro sellos postales que representaban sus pinturas. ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

Lowell Blair Nesbitt nació en Towson , Maryland , hijo de Frank E. Nesbitt y Mildred C. Nesbitt (de soltera Carback). Pasó sus primeros años en el distrito histórico de Stoneleigh en Towson , donde se encontraba la casa familiar en el número 708 de Stoneleigh Road. ^{[ 5 ] [ 2 ]}

Completó su educación secundaria en Towson High School en 1951 y posteriormente obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de la Tyler School of Art and Architecture de la Universidad de Temple en Filadelfia , Pensilvania , en 1955. Continuó su formación formal mediante estudios avanzados en vidrieras y grabado en el Royal College of Art de Londres , Inglaterra , donde fue becario de 1955 a 1956. ^{[ 6 ] [ 7 ] [ 2 ]}

Nesbitt se alistó en el Ejército de los Estados Unidos en 1956 y sirvió hasta 1958. Al regresar a la vida civil, residió en Washington, D.C. , donde trabajó como vigilante nocturno en The Phillips Collection . En 1963, se mudó definitivamente a la ciudad de Nueva York para dedicarse de lleno a su carrera como artista visual. ^{[ 7 ] [ 2 ]}

En 1958, el Museo de Arte de Baltimore acogió la primera exposición individual de Nesbitt en su dilatada trayectoria, pero fue en 1964, con su debut en la Galería de Arte Corcoran (Museo) de Washington, D.C., cuando Nesbitt alcanzó mayor reconocimiento. Es muy probable que la colección de obras botánicas no se hubiera creado de no ser por la sugerencia del también artista Robert Indiana , quien, en 1962, tras contemplar algunas de las pinturas, dibujos y grabados abstractos de Lowell Nesbitt, le propuso que intentara una transición de la abstracción, en la que se había centrado su carrera antes de 1962, al estilo del realismo.

A Nesbitt se le solía clasificar como artista fotorrealista, aunque a lo largo de su carrera luchó por no ser incluido en este grupo. Nesbitt se consagró como un artista capaz de emplear una gran diversidad de técnicas y temas en sus pinturas, dibujos y grabados, utilizando interiores de estudio, prendas de vestir, pilas de zapatos, figuras radiográficas (Nesbitt fue el primer artista de gran reconocimiento en utilizar este tema desde que los artistas de la región de Nueva Zelanda pintaran, sin saberlo, figuras de estilo radiográfico a principios del último milenio), cavernas, ruinas, paisajes, flores, grupos de frutas y verduras, y componentes electrónicos (se le atribuye ser el primer artista en utilizar piezas de ordenador como tema para su obra). También utilizó a sus perros, además de aves, reptiles, diversos mamíferos y las fachadas neoclásicas de los edificios de hierro fundido del siglo XIX de SoHo y varios de los principales puentes de Manhattan, además de varias series en las que incorporó numerosas escaleras victorianas y otras escenas de interiores como tema para su obra. Su última serie, de la década de 1980, titulada "La serie imposible", fue un conjunto de pinturas y dibujos de paisajes surrealistas.

Para honrar las contribuciones de Nesbitt al mundo del arte, en 1980, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió cuatro sellos basados ​​en sus pinturas florales. También fue el artista oficial de los vuelos espaciales de la NASA del Apolo 9 y el Apolo 13. Nesbitt fue hallado muerto en su estudio de Nueva York en 1993 a la edad de 59 años. La policía declaró que murió por causas naturales. ^{[ 8 ]}

Lowell Nesbitt fue ampliamente conocido por crear casas y estudios muy singulares que funcionaban como extensiones de su práctica artística. Tanto su estudio en la ciudad de Nueva York como su posterior residencia campestre en Carmel, Nueva York, fueron ampliamente documentados en el New York Times y Architectural Digest, reflejando su interés por los espacios a gran escala, la arquitectura, la horticultura y los entornos de vida experimentales. ^{[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]}

Edificio de estudios en la ciudad de Nueva York

A mediados de la década de 1970, Nesbitt emprendió una importante renovación de un edificio de hierro fundido de 1858 en el Meatpacking District del West Village de Manhattan , convirtiendo un antiguo establo de policía y matadero en un espacio combinado de estudio, residencia y exposición. El edificio había albergado previamente talleres de fabricación de carruajes , y su historia industrial seguía siendo evidente en elementos como las rampas para el ganado entre los pisos. ^{[ 9 ] [ 11 ]}

En colaboración con los arquitectos Edward S. Knowles y John Immitt y la diseñadora de interiores Mara Palmer, Nesbitt elevó el techo de la estructura de tres pisos, añadió un solárium en el cuarto piso e instaló una gran claraboya central. La renovación duró aproximadamente catorce meses y resultó en unos 12.500 pies cuadrados de espacio. La claraboya, construida por los especialistas en invernaderos Lord and Burnham en colaboración con JAMCO Construction, medía aproximadamente 27 por 27 pies y se elevaba a más de cincuenta pies sobre la planta baja, lo que la convertía en una de las claraboyas más grandes de la ciudad de Nueva York en ese momento. ^{[ 9 ] [ 11 ]}

En el centro del edificio se encontraba una piscina cubierta instalada a nivel del suelo y rodeada de pinturas de gran formato. Debido a las regulaciones municipales, la piscina tenía una profundidad máxima de cuatro pies y su uso estaba restringido a personas. Todos los sistemas mecánicos principales eran de nueva instalación y se dejaron en gran parte a la vista, lo que reforzaba el carácter industrial del edificio. Los materiales del antiguo establo, incluidas las barandillas metálicas de los boxes, se reciclaron como barandillas de la azotea o se reutilizaron como muebles. ^{[ 9 ] [ 11 ]}

La magnitud de la estructura favoreció directamente la producción artística de Nesbitt. Trabajó en pinturas de hasta treinta y cinco pies de largo y a menudo produjo obras en series que requerían paredes largas e ininterrumpidas para su exhibición. El edificio también funcionaba como un espacio de galería informal, donde Nesbitt ocasionalmente exhibía el trabajo de artistas de otras ciudades, además del suyo propio. El interior estaba densamente ajardinado con plantas y contaba con un pequeño personal, lo que reflejaba su deseo de combinar la vida urbana con elementos de un entorno natural. ^{[ 9 ] [ 11 ]}

Dentro del contexto más amplio de la reutilización adaptativa impulsada por artistas en el Bajo Manhattan durante las décadas de 1960 a principios de 1980, el estudio de Nesbitt en West Village destacó por su escala y grado de integración. Mientras que muchos artistas de la época ocupaban lofts de una sola planta, Nesbitt transformó un edificio industrial de varias plantas en un entorno de trabajo unificado que abarcaba espacio de estudio, paredes para instalación y exhibición, almacenamiento, áreas de exposición y vivienda. Elementos arquitectónicos como el tragaluz de gran tamaño, el interior verticalmente abierto y las paredes excepcionalmente largas fueron diseñados específicamente para albergar pintura monumental. En este sentido, el edificio anticipó un patrón posterior entre destacados artistas contemporáneos que establecieron amplios complejos urbanos de vivienda y trabajo adaptados a la producción y exhibición a gran escala. ^{[ 9 ] [ 11 ]}

Residencia en Carmel, Nueva York

A principios de la década de 1980, Nesbitt comenzó a pasar cada vez más tiempo fuera de la ciudad y encargó una segunda residencia importante en Carmel , Nueva York , aproximadamente a dos horas al norte de Manhattan. La casa, llamada Stoneleigh en honor a la comunidad cercana a Baltimore donde se crió, estaba situada en veintiocho acres de terreno boscoso con vistas a un barranco cerca del embalse de White Pond . ^{[ 10 ]}

Diseñada por el arquitecto Preston Phillips, la casa Carmel fue concebida como un refugio alimentado por energía solar que priorizaba la eficiencia energética, la vida compacta y la integración con el paisaje natural. Nesbitt instruyó que la casa fuera en gran medida autosuficiente energéticamente , una decisión influenciada por la lejanía del lugar y el acceso limitado al suministro de combustible convencional. La estructura incorporó sistemas solares pasivos, incluyendo un gran invernadero orientado al sur y un muro Trombe , ambos diseñados para recolectar, almacenar y redistribuir el calor por toda la casa. ^{[ 10 ]}

El invernadero también servía como entorno de cultivo para plantas tropicales que Nesbitt fotografiaba y utilizaba como material de referencia para sus pinturas. El calor recogido durante el día se almacenaba en un lecho de rocas bajo el suelo del invernadero y se distribuía según fuera necesario, lo que permitía mantener temperaturas estables incluso en invierno. La casa lograba una autosuficiencia energética parcial, complementada con chimeneas de leña y un sistema eléctrico de respaldo limitado. ^{[ 10 ]}

Stoneleigh se construyó principalmente con materiales encontrados en el terreno, incluyendo piedra de los bosques circundantes, y se extendía en cascada por la ladera en tres niveles. Los espacios interiores seguían una planta abierta con mínimas divisiones, integrando vegetación, estanques y formaciones rocosas naturales en toda la casa. A pesar de su modesta superficie de aproximadamente 140 metros cuadrados, el uso de techos altos, puertas correderas y pasarelas en voladizo creaba una sensación de amplitud. Junto a la casa se encontraba un estudio con forma de pirámide , diseñado con un espíritu similar de autosuficiencia energética. ^{[ 10 ]}

La residencia de Carmel marcó un cambio hacia un estilo de vida más aislado y centrado en el medio ambiente. Si bien Nesbitt había organizado anteriormente grandes reuniones en la ciudad de Nueva York, la casa de campo estaba destinada a la soledad y a grupos pequeños. Al momento de su finalización, seguía siendo una residencia de tiempo parcial, con planes para un estudio adicional y más sistemas de energía renovable. ^{[ 10 ]}

En 1989, Lowell Nesbitt se asoció públicamente con la controversia nacional en torno a la exposición Robert Mapplethorpe : El momento perfecto, luego de que la Galería de Arte Corcoran en Washington, D.C., cancelara su presentación programada en medio de presiones políticas y un creciente debate sobre la financiación pública de las artes y la obscenidad. ^{[ 12 ]} La decisión provocó críticas generalizadas de artistas, curadores y profesionales de museos y condujo a un boicot organizado que interrumpió el calendario de exposiciones y la reputación pública de la Corcoran.

La participación de Nesbitt fue ampliamente difundida en septiembre de 1989, cuando retiró al Corcoran de su testamento en protesta por la cancelación. Según The Washington Post , Nesbitt tenía la intención de legar al museo propiedades, obras de arte y derechos de propiedad intelectual valorados en más de un millón de dólares (aproximadamente 2,5 millones de dólares estadounidenses en 2025), un legado que revocó tras las acciones del Corcoran. ^{[ 13 ]} Nesbitt declaró que su decisión no se basaba en la lealtad personal a Mapplethorpe, sino en lo que consideraba una violación fundamental de la responsabilidad del museo de defender la libertad artística . ^{[ 13 ]}

Cuando el Corcoran emitió posteriormente un comunicado público expresando su pesar por haber “ofendido involuntariamente” a miembros de la comunidad artística y reafirmando su apoyo a la libertad de expresión artística, Nesbitt respondió con cautela. Reconoció el comunicado, pero se negó a restablecer el legado, indicando que el compromiso de la institución debía demostrarse mediante acciones futuras en lugar de declaraciones. ^{[ 14 ]} Informes posteriores señalaron que la retirada del legado por parte de Nesbitt fue una de las varias consecuencias tangibles de la controversia, que también incluyó renuncias, cancelaciones de exposiciones y protestas continuas. ^{[ 15 ]}

La cobertura periodística contemporánea situó la controversia de Corcoran dentro de un clima nacional más amplio de creciente escrutinio del arte contemporáneo. La exposición de Mapplethorpe se convirtió en un punto central de los debates sobre el Fondo Nacional para las Artes , ya que miembros del Congreso intentaron imponer restricciones a la financiación de obras consideradas obscenas, lo que generó preocupación por la injerencia política en las instituciones culturales . ^{[ 16 ]}

Las implicaciones de la controversia trascendieron Washington. En 1990, el Centro de Artes Contemporáneas de Cincinnati y su director fueron acusados ​​de obscenidad por exhibir las fotografías de Mapplethorpe, un juicio que terminó en absolución y que fue ampliamente interpretado como una importante afirmación de la libertad artística para museos y curadores en todo el país. ^{[ 17 ]} El caso reforzó el papel de la exposición de Mapplethorpe como un episodio clave en los debates de finales del siglo XX sobre la libertad de expresión en las artes visuales.

En la biografía de Nesbitt, el escándalo de Mapplethorpe destaca como un raro ejemplo de defensa pública directa . Al utilizar un legado planificado como palanca, se alineó con artistas e instituciones que resistían la censura y subrayó las implicaciones éticas y financieras que conlleva ceder los museos a la presión política externa. ^{[ 13 ]} Los reportajes contemporáneos trataron la acción de Nesbitt como emblemática de la respuesta más amplia de la comunidad artística, ilustrando cómo las disputas sobre una sola exposición repercutieron en cuestiones de independencia institucional, influencia de los donantes y los límites de la libertad artística en espacios financiados con fondos públicos. ^{[ 16 ]}

La obra de arte de Lowell Nesbitt es propiedad de cientos de colecciones públicas en todo el mundo. Estas colecciones incluyen: programa de arte de la Embajada de Estados Unidos; Instituto de Arte de Chicago , Illinois; David Geffen Hall , Lincoln Center , Nueva York, Nueva York; Museo de Arte de Baltimore , Maryland; Instituto Butler de Arte Americano , Youngstown, Ohio; Castillo Gandolfo , Roma, Colección de los Museos Vaticanos ; Museo de Arte de Cleveland , Ohio; Galería de Arte Corcoran , Washington, DC (transferida a la Galería Nacional de Arte, Washington DC ); Museo de Arte de Dallas , Dallas, Texas; Instituto de Artes de Detroit , Detroit, Michigan; Museo Ulrich , Universidad Estatal de Wichita , Kansas; Agencia de Protección Ambiental de los Estados Unidos , Washington, DC; Banco de la Reserva Federal , Baltimore, Maryland; Banco de la Reserva Federal de Richmond, Virginia; Museos de Arte de Harvard , Universidad de Harvard , Cambridge, Massachusetts; Museo de Arte Moderno de Fort Worth , Texas; Goucher College , Baltimore, Maryland; High Museum of Art , Atlanta, Georgia; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , Instituto Smithsonian , Washington, DC; Instituto Hunt para la Documentación Botánica , Universidad Canegie-Mellon , Pittsburgh, Pensilvania; Fondo Monetario Internacional , Washington, DC; Museo de Israel , Jerusalén; Museo de Arte John y Mable Ringling , Sarasota, Florida; Museo de Arte Contemporáneo de San Diego , La Jolla, California; Biblioteca del Congreso , Washington, DC; Museo de Arte de Orlando , Florida; Instituto Tecnológico de Massachusetts , Boston; Galería de Arte Memorial , Universidad de Rochester , Nueva York; Sistema de Bibliotecas Públicas de Miami-Dade , Miami, Florida; Museo de Arte de Milwaukee , Wisconsin; Museo de Arte Morris , Morristown, Nueva Jersey; Museo de Arte Moderno , Nueva York; Administración Nacional de Aeronáutica y del Espacio , Washington, DC; Galería Nacional de Arte , Washington, DC; Museo de Arte Americano , Instituto Smithsonian, Washington, DC; Te Papa , Wellington, Nueva Zelanda; New York City Center , Nueva York; Oberlin College , Ohio; Oklahoma City Museum of Art , Tulsa; Parrish Art Museum , Southampton, Nueva York; Ludwig Forum für Internationale Kunst , Alemania; Philadelphia Museum of Art , Pensilvania; The Phillips Collection , Washington, DC; Centre national des arts plastiques , París, Francia; Renwick Gallery , Smithsonian Institution , Washington DC; Saginaw Art Museum, Saginaw, Michigan; San Antonio Museum of Art , Texas; SEB Group , Gotemburgo, Suecia; Temple University , Filadelfia, Pensilvania; Thyssen-Bornemisza Museum ; Tucson Museum of Art , Arizona; Twelfth Naval District , Treasure Island Museum , San Francisco, CA; United States Department of the Interior , Washington, DC; University of Maryland, College Park , Maryland; University of North Texas , Denton, Texas; University of Virginia , Charlottesville; Universidad Washington and Lee , Lexington, Virginia; Museo de Arte de Worcester , Worcester, Massachusetts; y Galería de Arte de la Universidad de Yale , Universidad de Yale , New Haven, CT. ^{[ 18 ]}

Sus exposiciones individuales se celebraron en las siguientes galerías (lista parcial):

• Museo de Arte de Baltimore, Baltimore, MD, 1958
• Galería de Arte Corcoran: Washington D.C., 1964
• Museo de Arte de Baltimore, Baltimore, MD, 1969
• Galería de Arte Corcoran, Washington, DC, 1973
• Museo de Bellas Artes, San Juan, PR, 1974
• Galería de Arte Corcoran, Washington, DC, 1975
• Galería de Arte Memorial, Universidad de Rochester, Nueva York, 1975
• Hayden, Instituto Tecnológico de Massachusetts, Cambridge, MA, 1976
• Museo de la Armada y el Cuerpo de Marines, Treasure Island, San Francisco, California, 1976
• Museo de Arte Edwin A. Ulrich, Wichita, Kansas, 1977
• Universidad Estatal de Kent, Kent, Ohio, 1978
• Jardines Botánicos Selby, Museo de Botánica y Artes, Sarasota, Florida, 1979
• Instituto de Arte Marion Koogler Mcnay, San Antonio, Texas, 1980
• Museo Aldrich de Arte Contemporáneo, Ridgefield, Connecticut, 1980
• Instituto Butler de Arte Americano, Youngstown, Ohio, 1982
• Centro Atlántico para las Artes, New Smyrna Beach, Florida, 1983
• Museo de Arte Burpee, Rockford, Illinois, 1983
• Museo de Artes y Ciencias Morris, Morristown, Nueva Jersey, 1983
• Centro de Arte de Oklahoma, Oklahoma City, OK, 1983
• Universidad Washington and Lee, Lexington, Virginia, 1983
• Instituto de Arte Contemporáneo, Universidad de Pensilvania, 1983
• Centro de Arte de Oklahoma, Oklahoma City, OK, 1984
• Galería Tyler, Escuela de Arte Tyler, Universidad de Temple, Filadelfia, Pensilvania, 1986
• Galería Tyler, Escuela de Arte Tyler, Universidad de Temple, Filadelfia, Pensilvania, 1989
• Centro de Artes Culturales, Gadsden, Alabama, 1989

• Flores, fachadas y máquinas IBM , Galería Howard Wise, Nueva York, Nueva York, septiembre/octubre de 1965. Texto de Henry Martin.
• Arte 1965, Feria Mundial de Nueva York , Nueva York, 1965. Texto de Brian O'Doherty, declaración del artista.
• Espacios interiores , Galería Howard Wise, Nueva York, Nueva York, 1966. Texto de Bill Wilson.
• El Gran Dibujo , Galería Graham, Nueva York, Nueva York, abril/mayo de 1969. Texto de Barbara Kulicke.
• Aspectos del Nuevo Realismo , Centro de Arte de Milwaukee, junio/agosto de 1969. Museo de Arte Contemporáneo de Houston, septiembre/octubre de 1969; Instituto de Arte de Akron, noviembre/diciembre de 1969. Texto de John Lloyd Taylor.
• La nueva pintura , Praeger, Nueva York, 1969. Texto de Udo Kultermann.
• Lowell Nesbitt , Galería Pyramid, Washington D.C.
• Lowell Nesbitt , Galería Ostergren, Malmö, Suecia, enero/febrero de 1972. Texto de Anders Bergh.
• Lowell Nesbitt , Galería Fabian Carlson, Gotemburgo, Suecia, marzo/abril de 1972. Texto de Anders Bergh.
• Lowell Nesbitt , Galería Gimpel y Hanover, Zúrich, Suiza, mayo/junio de 1972. Texto de Udo Kultermann.
• Lowell Nesbitt , Galería Aronovitsch, Estocolmo, Suecia, noviembre de 1972. Texto de Anders Bergh.
• Realismo radical , Praeger, Nueva York, 1972. Texto de Udo Kultermann.
• Hyperrealiste Americain , Galerie Des Quatre Movements, París, Francia 1972.
• Arte e ilustración botánica 1972-1973 , Instituto Hunt para la Documentación Botánica, Universidad Carnegie Mellon, Pittsburgh, Pensilvania, 1972.
• La serie Flores 1964-1973 , Galería [Museo] de Arte Corcoran, Washington D.C., abril/mayo de 1973. Texto de Henry T. Hopkins. Introducción de Roy Slade.
• Hiperrealismo , París, Francia, 1973. Texto de Isy Brachot.
• Le Fleurs du Mal , Walton Galleries, San Francisco, California, junio de 1974. Texto de John Pereault.
• Lowell Nesbitt , Museo de Bellas Artes de Puerto Rico, octubre de 1974. Texto de Roy Slade.
• Pintura y escultura hoy, 1974 , Sociedad de Arte Contemporáneo del Museo de Arte de Indianápolis, Indiana, 1974.
• Realismo Imagista , Museo de Arte de Palm Beach y Museo de Arte Norton, Palm Beach, Florida, diciembre de 1974/enero de 1975. Texto de Richard Martin.
• Bienal Internacional de Tokio, "Nueva imagen en la pintura", Tokio, Japón, 1974.
• La situación actual del arte estadounidense. Texto de John Perrault.
• Superrealismo: Una antología crítica , EP Dutton & Company, Nueva York, 1975. Texto de Gregory Babcock.
• Lowell Nesbitt: Una autobiografía , ACG, Nueva York, Nueva York, enero de 1976. Texto de Andrew Crispo.
• Estados Unidos 1976: Exposición del Bicentenario , Departamento del Interior de los Estados Unidos, Washington D.C. 1976.
• Libro de recetas para artistas , Museo de Arte Moderno, Nueva York, Nueva York, diciembre de 1977.
• Modedr med Kunstnere I Weekendavisen , Dinamarca 1977.
• Lowell Nesbitt: Naturalezas muertas , Galería Andrew Crispo, Nueva York, Nueva York, marzo de 1978. Texto de Andrew Crispo.
• Lowell Nesbitt, Contacto artístico , Miami, Florida, 1978.
• Sneakers , Workman Publishing Company, Nueva York, Nueva York, 1978. Texto de Samuel Americus Walker.
• Flores de Lowell Nesbitt , 1964–1979, Galería Andrew Crispo, Nueva York, Nueva York 1979. Texto de Andrew Crispo .
• La Bicicleta , Museo Boymans-van Beuningen, Rotterdam, Bélgica 1977.
• Lowell Nesbitt: Una selección de pinturas y dibujos desde 1963. Museo Aldrich de Arte Contemporáneo, Ridgefield, Connecticut, 1980. Texto de Noel Frackman.
• Nesbitt's Nesbitt's, Marion Koogler Mcnay Art Institute, San Antonio, Texas 1980.
• Exposición en la Galería de Nueva York, Centro de Arte de Oklahoma, Oklahoma City, 1981.
• Lowell Nesbitt, Galería de General Electric, Sede corporativa de General Electric, Fairfield, Connecticut.
• Lowell Nesbitt - Obras 1964-1971. Galería Onnasch, Berlín, Alemania, 1982.
• Lowell Nesbitt, Instituto Butler de Arte Americano, Youngstown, Ohio, 1982.
• Lowell Nesbitt: Un realista estadounidense 1962-1983, Centro de Arte de Oklahoma, Oklahoma City, 1983. Texto de Noel Frackman.
• Reflexiones: Nuevas concepciones de la naturaleza , Galería de Arte Hillwood, mayo/julio de 1984.
• Colección de arte de la Embajada de Estados Unidos en Viena, Austria, 1984.
• Colección de arte de la Embajada de Estados Unidos en Bruselas, Bélgica, 1985.
• Realismo estadounidense: dibujos y acuarelas del siglo XX , Museo de Arte Moderno de San Francisco, noviembre/septiembre de 1987.

• Depósito Lowell Nesbitt, Archivos de Arte Americano, Instituto Smithsonian, Washington, DC
• "Lowell Nesbitt, pintor realista de flores, fue hallado muerto a los 59 años", New York Times , Roberta Smith, 10 de julio de 1993.
• “Corcoran Head habla sobre su renuncia”, New York Times , Susan F. Rasky, 20 de diciembre de 1989
• “Artistas divididos ante la disculpa de Corcoran”, New York Times , Barbara Gamarekian, 20 de septiembre de 1989.
• “La ‘tragedia de los errores’ envuelve al Corcoran”, New York Times , Barbara Gamarekian, 18 de septiembre de 1989.
• “Estilo; Al día siguiente, algunas vísperas para recordar”, New York Times , Enid Nemy, 1 de enero de 1983
• “Arte; Esculturas de tierra inspiradas en ceremonias indígenas”, New York Times , John Caldwell, 22 de noviembre de 1981
• “ARTE: Una exposición 'inquietante' de obras de Nesbitt”, New York Times , John Caldwell, 16 de noviembre de 198-0
• “Los Kennedy (bueno, algunos de ellos) promocionan un evento benéfico”, New York Times , Anne-Marie Schiro, 8 de junio de 1978.
• “Home Beat; La historia de una colcha Nesbitt en Bloomie's”, New York Times , Jane Geniesse, 1 de junio de 1978
• “Arte: Lowell Nesbitt cuida su jardín”, New York Times , Vivien Raynor, 24 de marzo de 1978
• “El mundo del arte recurre a las impresiones originales como refugios fiscales; otros usos implican una 'forma de aplazamiento'. Se considera posible una avalancha de pagos iniciales bajos. Las opiniones varían”, New York Times , Grace Glueck, 5 de febrero de 1978.
• “Estudio en un establo; Estudio en un establo: una piscina y un trapecio”, New York Times , Joan Kron, 19 de mayo de 1977
• “Dibujos de Nesbitt: una retrospectiva”, New York Times , Hilton Kramer, 6 de noviembre de 1971
• “El enfoque fotográfico de Lowell Nesbitt; el artista rinde homenaje a Jack Mitchell”, New York Times , Hilton Kramer, 14 de marzo de 1970.
• “Ian Hornak, de 58 años, cuyas pinturas eran conocidas por su aspecto hiperrealista”, New York Times , Ken Johnson, 30 de diciembre de 2002.
• Depósito Ian Hornak, Archivos de Arte Americano, Instituto Smithsonian, Washington, DC
• “Lowell Nesbitt”, Washington Post , 10 de julio de 1993
• “Corcoran excluido del testamento del pintor; la protesta de Lowell Nesbitt en Mapplethorpe”, Washington Post , Judd Tully, 6 de septiembre de 1989.
• “En las profundidades: Explorando las grutas y la flora de Lowell Nesbitt”, Washington Post , Meryle Secrest, 22 de marzo de 1975
• “Flores de Lowell Nesbitt en el baile de Corcoran”, Washington Post , 8 de abril de 1973
• “Ex artista de Washington D.C. se especializa en pinturas de estudio con apariencia fotográfica”, Washington Post , Paul Richard Washington, 1 de octubre de 1967.
• "Lowell Nesbitt (1933-1993): Una retrospectiva completa", Absolute Arts , 12 de septiembre de 2003