Michael Joo

“Ciclo de transferencia de sales, 1993-95”

La naturaleza esquizofrénica y ambigua de las identidades socioculturales «modernas» constituye el tema central de esta obra en vídeo. Partiendo de la dicotomía entre el hemisferio izquierdo y el derecho del cerebro, lo lineal y lo cíclico, así como de estereotipos específicos sobre los asiático-americanos, la obra también aborda la noción de acción obsesiva en relación con la velocidad, el gasto y la recuperación de energía, el consumo y la producción artística. La obra consta de tres segmentos grabados en tres lugares específicos: Nueva York, Utah y Corea del Sur. El artista actúa como protagonista en cada secuencia.

Las imágenes grabadas en el primer lugar, el estudio del artista en el barrio chino de Nueva York, incluyen un baño o una travesía a través de dos mil libras de glutamato monosódico (GMS).

El Gran Desierto Salado de Utah, escenario de las pruebas de velocidad terrestre en Estados Unidos, es el lugar donde se desarrolla el siguiente segmento. En esta secuencia, el protagonista realiza una parodia de la evolución, transformándose gradualmente de un organismo acuático a una criatura de cuatro patas y, finalmente, a un ser bípedo. Cada etapa de su desarrollo tiene lugar sobre el lecho de las salinas, lo que resulta en que el cuerpo del protagonista quede completamente cubierto de sal.

El segmento final del video se desarrolla en las montañas del norte de Corea del Sur. Allí se recolectan anualmente cuernos de alce y sangre de sus astas por sus supuestas propiedades medicinales. La performance/acción tiene lugar justo antes de la recolección primaveral de astas. En esta secuencia, el artista, completamente cubierto por una capa visible de sal, espera en el paisaje a que el alce lama la sal de su cuerpo. Al servir como un objeto para que el alce lama la sal, este segmento completa la transferencia de la sal (como precipitado de energía) desde las ideas y el artificio del estudio a la realidad de la naturaleza, al entrar en el torrente sanguíneo del alce.

Presentada por primera vez en 1993 como una coproducción de Petzel/Borgman, la instalación original consistía en una proyección mural a gran escala que compartía espacio con un conjunto de barras de carga horizontales que suspendían bandejas grabadas contra las paredes superiores mediante presión hacia afuera, en un gesto de expansión del espacio. Una réplica tallada en espuma de uretano del coche de velocidad que batió récords, "la Llama Azul", también se exhibía sobre un pedestal de bolsas de glutamato monosódico y junto a un bidón de combustible de caucho fundido de 5 galones. Dos vídeos adicionales de performances en monitores que descansaban sobre columnas de bloques de sal fundidos a presión se reproducían simultáneamente y desincronizados, por lo que el contenido estaba en constante cambio. Un vídeo mostraba al artista intentando equilibrar un gran nivel de cristal lleno de mercurio líquido y el otro presentaba imágenes de archivo de la Llama Azul filmadas en Utah durante las pruebas de velocidad.

La obra también se exhibió en el ARC Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Francia; el Festival de Cine de Nueva York; la Galería Anthony d'Offay , Londres; y el Walker Art Center, entre otros, durante ese período, y posteriormente en la Galería Rodin de la Fundación Samsung para el Arte y la Cultura (2007) y el Centro de Artes Visuales List del MIT (2003). Forma parte de varias colecciones de museos importantes.

"Dios II" , 2003, 40" x 61" x 61", Uretano fundido, plástico de polietileno, algodón, cuero, sello, lobo, caucho, base de plexiglás con superficie superior refrigerada.

Presentada por primera vez en 2002 en la Galería Anton Kern de Nueva York, esta obra interactiva consiste en una figura transparente y fundida que reposa sobre una base refrigerada. Con el tiempo, el vaho de la respiración de los espectadores se combina con la humedad del entorno inmediato de la obra para formar gruesas capas de escarcha que comienzan a fusionarse con la figura y a ocultarla. La obra mantiene la figura como elemento central mientras lo imperceptible va reduciendo gradualmente su protagonismo visual. La obra juega con la idea de la transparencia en múltiples niveles y se conecta con una obra anterior de 1999 titulada "Visible", en la que una figura de Buda transparente y sin cabeza presenta literalmente sus órganos internos como un modelo anatómico.

La obra se mostró más tarde en la retrospectiva de Joo de 2003 en el MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts , en la Serpentine Gallery en la exposición comisariada por Damien Hirst "In the Darkest Hour There May Be Light (2006). ^{[ 5 ]}

"Ritmo Circanual (pibloktok)" , 2003–2005, Proyección de vídeo de tres canales con sonido, Dimensiones de instalación variables."

En nuestras vidas contemporáneas, ricas en información y saturadas de tecnología, vivimos bajo la ilusión de que ningún rincón del planeta nos es inaccesible. Esta obra audiovisual aborda la idea de que nuestro concepto de "periferia" o límite está en constante cambio y en conflicto con nuestra propia naturaleza. Filmada en diversas localizaciones de Alaska, consta de tres segmentos que exploran temas como el tiempo y la decadencia, el primer y el tercer mundo (como sugiere la frontera), lo sociológico frente a lo psicológico, la corrupción, el consumo y la revelación. Cada una de las tres partes del proyecto representa dos realidades duales: 1) el desplazamiento físico de un cuerpo humano hacia el borde de un continente y el viaje interior resultante de la privación, la falta de contacto y el deterioro; 2) la imposición de valores socioculturales sobre una acción religiosa o espiritual; y 3) la explotación de la previsibilidad de la naturaleza para generar resultados visuales impredecibles. Estas fuerzas se manifiestan en los campos de nieve que se derriten, en un mundo que se encoge, definido desde fuera como una "frontera que desaparece". Los distintos segmentos abordan sucesos reales en condiciones artificiales (la secuencia de la caminata), acciones ficticias para describir una situación real (la secuencia de la posesión) y sucesos reales para representar una realidad específica (la secuencia de la alimentación). -M Joo

Esta obra, exhibida por primera vez en su forma prototípica en el MIT List Visual Arts Center en Cambridge, Massachusetts, en 2003 y posteriormente en 2006 en su formato final, de cincuenta pies de ancho, nueve canales y tres proyectores, en el espacio de exposiciones de la Fundación Bohen en la calle 13, Manhattan, como pieza central de la exposición individual de Joo, "Still Lives".

La obra consta de tres segmentos distintos y fue filmada durante varios años de viajes e investigación por Alaska. En ella, Joo, como protagonista, camina contra la corriente del oleoducto Trans-Alaska, recorriendo la autopista Dalton al norte de Fairbanks, a través de múltiples microclimas y paisajes cambiantes, hasta su origen en Prudhoe Bay, mientras su propia salud se deteriora. Para el segundo segmento, Joo colocó un caribú disecado y esculpido, equipado interna y externamente con cámaras de seguridad infrarrojas, en la naturaleza salvaje de Denali, registrando su encuentro y absorción interactiva a lo largo del tiempo por los elementos, los insectos, los intestinos en expansión y un lobo. La escultura funcionó como una especie de reloj, actuando también como pieza central y telón de fondo para el día y la noche. En un tercer segmento, Joo colaboró ​​con ciudadanos inupiat locales que fueron seleccionados en Barrow, Alaska, mediante una convocatoria abierta. Estos intérpretes provenían de diversos orígenes y todos estaban involucrados en la comunidad ballenera local. El rodaje tuvo lugar en un sitio remoto a orillas del océano Ártico que los lugareños llamaban "Hollywood". Estas ruinas nevadas de una casa tradicional de turba eran, de hecho, el decorado abandonado de una producción cinematográfica etnográfica francesa. El segmento mostraba a los personajes excavando esta estructura, lo que desencadenaba una crisis dramática en la que se fusionaban el trauma fisiológico y la posesión chamánica. ^{[ 6 ] [ 7 ]}

“ Transferencia de respiración única (Serie de obras), 2017-presente”

Las obras tratan esencialmente sobre la transformación de la materia y la transmisión de un ser a otro, ya sea aliento, conocimiento o experiencia… cosas compartidas, lo que se pierde y lo que se gana. El proceso de creación de las esculturas de vidrio se inicia respirando en simples bolsas de papel y plástico desechadas, que se solidifican y se convierten en moldes cerámicos, en los que luego se sopla vidrio fundido transparente y de color. Tituladas «Transferencias de un solo aliento», las piezas aluden, por un lado, a una prueba clínica que se realiza para medir el nivel de absorción de los pulmones/cuerpo en comparación con lo que se exhala. Consiste en inhalar y exhalar una sola vez monóxido de carbono para determinar lo que queda. Por otro lado, las obras también aluden a la transferencia (del aliento) de un cuerpo a otro; en este caso, al del soplador de vidrio. De esta manera, primero el papel (o plástico) y luego el vidrio mismo, actúa como una piel que separa y contiene el aliento del exterior. - M Joo

2021:

• Michael Joo, Sensory Meridian, Kavi Gupta , Chicago, Illinois

2019:

• Proyecto: Michael Joo, del 9 de febrero de 2019 al 16 de marzo de 2019, Galería Kavi Gupta , Chicago, EE. UU.

2017:

• Michael Joo, Galería Kukje, Seúl , Corea del Sur

2016–2017:

• Perspectivas: Michael Joo , Galería Arthur M. Sackler , Instituto Smithsonian , Washington, DC.
• (próximamente) Michael Joo, La Galería Carles Taché , Barcelona, ​​ES
• Los siete pecados capitales, Carolina Nitsch Project Room , Nueva York, Nueva York

2013:

• Michael Joo, Edificio M, Art Basel Miami Beach 2013, Miami, EE. UU.

2009:

• Galería Anton Kern , Nueva York, EE. UU.
• Bodhi Obfuscatus (Lealtad), Museo de Arte de Chelsea , Nueva York, EE. UU.

2006:

• Michael Joo, Galería Rodin (Leeum, Museo de Arte Samsung ), Seúl, KR ^{[ 9 ]}

2020:

• La Palabra Escrita, exposición en línea, Kavi Gupta , Chicago, Illinois
• Optimismo radical, exposición en línea, Kavi Gupta , Chicago, Illinois
• El arte de coleccionar, Galería Shoshana Wayne , Los Ángeles, California.

2019:

• La razón no da respuestas: Obras seleccionadas de la colección, Newport Street Gallery , Londres, Reino Unido.

2016:

• Proyecto de arte público de Anyang , Anyang-si, KR
• Aún los bárbaros, comisariada por Koyo Kouoh , Bienal Internacional EVA 2016, Limerick, Irlanda
• Fuerza de la Naturaleza (comisariada por James Putnam ), Galerie Valérie Bach , Bruselas, BE

2010:

• ¿Alguna vez has mirado realmente al sol?, Haunch of Venison, Berlín, Alemania (con Damien Hirst )
• El estallido estelar infinito de tus fríos y oscuros ojos, Galería PKM , Seúl, Corea del Sur
• Dirty Kunst, Seventeen Gallery , Londres, Reino Unido ^{[ 9 ]}