Música

A menudo se debate hasta qué punto se comprenderán los orígenes de la música, ^{[ 23 ]} y existen teorías contrapuestas que pretenden explicarla. ^{[ 24 ]} Muchos estudiosos destacan una relación entre el origen de la música y el origen del lenguaje , y existe desacuerdo sobre si la música se desarrolló antes, después o simultáneamente con el lenguaje. ^{[ 25 ]} Una fuente similar de controversia gira en torno a si la música fue el resultado intencional de la selección natural o un subproducto de la evolución. ^{[ 25 ]} La primera teoría influyente fue propuesta por Charles Darwin en 1871, quien afirmó que la música surgió como una forma de selección sexual , quizás a través de llamadas de apareamiento. ^{[ 26 ]} La perspectiva original de Darwin ha sido duramente criticada por sus inconsistencias con otros métodos de selección sexual, ^{[ 27 ]} aunque muchos estudiosos del siglo XXI han desarrollado y promovido la teoría. ^{[ 28 ]} Otras teorías incluyen que la música surgió para ayudar a organizar el trabajo, mejorar la comunicación a larga distancia, beneficiar la comunicación con lo divino , ayudar a la cohesión comunitaria o como defensa para ahuyentar a los depredadores. ^{[ 29 ]}

La música prehistórica solo puede teorizarse a partir de hallazgos de yacimientos arqueológicos paleolíticos . La controvertida flauta de Divje Babe , un fémur perforado de oso cavernario , tiene al menos 40.000 años de antigüedad, aunque existe un considerable debate sobre si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales. ^{[ 30 ]} Los objetos más antiguos cuya designación como instrumentos musicales es ampliamente aceptada son flautas de hueso del Jura de Suabia , Alemania, concretamente de las cuevas de Geissenklösterle , Hohle Fels y Vogelherd . ^{[ 31 ]} Datadas en el Auriñaciense (del Paleolítico Superior) y utilizadas por los primeros humanos modernos europeos , de las tres cuevas hay ocho ejemplos, cuatro hechos de huesos de alas de aves y cuatro de marfil de mamut ; tres de estos están casi completos. ^{[ 31 ]} Tres flautas de Geissenklösterle se datan como las más antiguas, c. 43.150–39.370 AP. ^{[ 22 ] [ n 3 ]}

La evidencia material y representativa más antigua de instrumentos musicales egipcios data del período Predinástico , pero la evidencia está más firmemente atestiguada en el Imperio Antiguo, cuando se tocaban arpas , flautas y clarinetes dobles . ^{[ 35 ]} Los instrumentos de percusión, las liras y los laúdes se añadieron a las orquestas en el Imperio Medio . Los platillos ^{[ 36 ]} acompañaban frecuentemente la música y la danza, tal como todavía lo hacen en Egipto hoy en día. La música folclórica egipcia , incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr , es el género musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto , ya que ha conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos. ^{[ 37 ] [ 38 ]}

El " Himno hurrita a Nikkal ", hallado en tablillas de arcilla en la antigua ciudad siria de Ugarit , es la obra musical notada más antigua que se conserva, datada aproximadamente en el año 1400  a. C. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia y era una de las principales materias que se enseñaban a los niños. La educación musical se consideraba importante para el desarrollo del alma de un individuo. Los músicos y cantantes desempeñaban un papel destacado en el teatro griego , ^{[ 41 ]} y aquellos que recibían educación musical eran vistos como nobles y en perfecta armonía (como se puede leer en la República, Platón ). Coros mixtos actuaban para el entretenimiento, las celebraciones y las ceremonias espirituales. ^{[ 42 ]} Los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada , la lira , principalmente un tipo especial llamado cítara . La música era una parte importante de la educación, y a los niños se les enseñaba música desde los seis años. La alfabetización musical griega propició un desarrollo musical significativo. La teoría musical griega incluía los modos musicales griegos, que con el tiempo se convirtieron en la base de la música religiosa y clásica occidental . Posteriormente, las influencias del Imperio Romano , Europa del Este y el Imperio Bizantino transformaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluyendo notación musical, en todo el mundo. ^{[ 43 ]} La obra más antigua que se conserva sobre teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno . ^{[ 44 ]}

La música asiática abarca una amplia gama de culturas musicales analizadas en los artículos sobre Arabia , Asia Central , Asia Oriental , Asia Meridional y el Sudeste Asiático . Estas tradiciones, algunas de las cuales se remontan a la antigüedad, comparten vínculos históricos a través del comercio, la religión y el intercambio filosófico, pero conservan sus estéticas y estilos de interpretación locales únicos. ^{[ 45 ]}

La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. ^{[ 46 ]} Esculturas de la civilización del valle del Indo muestran danzas ^{[ 47 ]} e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler . ^{[ 48 ]} El Rigveda , un antiguo texto hindú, tiene elementos de la música india actual, con notación musical para denotar el metro y el modo de canto. ^{[ 49 ]} La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga organizada rítmicamente a través de talas . El poema Cilappatikaram proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente. ^{[ 50 ]} La música hindi actual fue influenciada por la música tradicional persa y los mogoles afganos . La música carnática , popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. Hay canciones que hacen hincapié en el amor y otros temas sociales.

La música indonesia se ha formado desde que la cultura de la Edad del Bronce migró al archipiélago indonesio en los siglos II-III a. C. La música tradicional indonesia utiliza instrumentos de percusión, especialmente el kendang y los gongs . Algunos desarrollaron instrumentos elaborados y distintivos, como el instrumento de cuerda sasando en la isla de Rote, el angklung sundanés y las complejas y sofisticadas orquestas de gamelan javanesas y balinesas . Indonesia es la cuna del gong chime , un término general para un conjunto de pequeños gongs de olla de tono agudo. Los gongs suelen colocarse en orden de nota, con el centro hacia arriba en una cuerda sostenida en un marco de madera bajo. La forma más popular de música indonesia es el gamelan, un conjunto de instrumentos de percusión afinados que incluye metalófonos , tambores , gongs y violines de púas junto con el suling de bambú (similar a una flauta ). ^{[ 51 ] [ 52 ]}

La música clásica china , el arte tradicional o música de la corte de China, tiene una historia que se extiende a lo largo de unos 3000 años. Posee sistemas únicos de notación musical, así como afinación y tono propios, instrumentos musicales y estilos o géneros. La música china es pentatónica - diatónica , con una escala de doce notas por octava (5  +  7  =  12), al igual que la música de influencia europea. ^{[ 53 ]}

En el siglo XIX, una forma clave de que las nuevas composiciones llegaran al público era mediante la venta de partituras , que los aficionados a la música de clase media interpretaban en casa, en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX , la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad masiva de discos de gramófono hizo que las grabaciones de sonido escuchadas por los oyentes (en la radio o el tocadiscos) se convirtieran en la principal forma de conocer nuevas canciones y piezas. ^{[ 65 ]} Hubo un enorme aumento en la escucha de música a medida que la radio ganaba popularidad y los fonógrafos se usaban para reproducir y distribuir música; cualquiera con una radio o un tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y big bands en su propia sala de estar. Durante el siglo XIX, el enfoque en las partituras había restringido el acceso a la música nueva a las personas de clase media y alta que sabían leer música y que poseían pianos y otros instrumentos. Las radios y los tocadiscos permitieron que las personas de bajos ingresos, que no podían permitirse una entrada para un concierto de ópera o sinfónica, escucharan esta música. Además, la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, aunque no pudieran permitirse viajar a esos lugares. Esto ayudó a difundir estilos musicales. ^{[ 66 ]}

El enfoque de la música culta en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas artes, incluida la música, y los compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y duros. Estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folk fueron utilizados por los compositores como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música culta del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a nuevos subgéneros de la música clásica, incluidas las escuelas acusmática ^{[ 67 ]} y de música concreta de composición electrónica. La grabación de sonido fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros de música popular, porque permitió la amplia distribución de grabaciones de canciones y bandas. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock , porque podía hacer más que grabar la actuación de una banda. Utilizando un sistema multipista, una banda y su productor musical podían superponer muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo. ^{[ 68 ] [ 69 ]}

El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad, el rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a finales del siglo XIX y principios del XX en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos, a partir de la confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. Su herencia de África Occidental es evidente en el uso de notas azules , la improvisación , los polirritmos , la síncopa y la nota con swing . ^{[ 70 ]}

El rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1950 a partir del rock and roll , el rockabilly , el blues y la música country . ^{[ 71 ]} El sonido del rock suele girar en torno a la guitarra eléctrica o acústica, y utiliza un fuerte ritmo marcado por una sección rítmica . Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. En su "forma más pura", "tiene tres acordes , un ritmo fuerte e insistente y una melodía pegadiza". ^{[ 72 ]} La sección rítmica tradicional para la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas tienen instrumentos de teclado como el órgano, el piano o, desde la década de 1970, los sintetizadores analógicos . En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a usar sintetizadores digitales, como el sintetizador DX-7 , cajas de ritmos electrónicas como la TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el TB-303 ) o teclados de bajo sintetizado . En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizados y software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital ). En la década de 2020, los sintetizadores virtuales y las aplicaciones de música por computadora permiten a los productores aficionados crear y grabar tipos de música, como música electrónica de baile , en sus hogares, agregando instrumentos digitales y muestreados y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJs en sus grupos. Los DJs crean música manipulando música grabada, utilizando una mesa de mezclas para DJ . ^{[ 73 ] [ 74 ]}

La composición es el acto o la práctica de crear una canción, una pieza instrumental , una obra con canto e instrumentos, u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical , como una partitura , que luego es interpretada por el compositor o por otros cantantes o músicos. En la música popular y tradicional, el acto de componer, que generalmente se denomina composición de canciones, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado partitura principal , que establece la melodía , la letra y la progresión de acordes . En la música clásica, el compositor generalmente orquesta sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que realice la orquestación. En algunos casos, los compositores pueden no usar notación en absoluto, y en su lugar componen la canción mentalmente y luego la interpretan o graban de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones destacadas de intérpretes influyentes tienen la misma importancia que las partituras escritas en la música clásica. ^{[ 75 ] [ 76 ]}

Incluso cuando la música está notada con relativa precisión, como en la música clásica, el intérprete debe tomar muchas decisiones, ya que la notación no especifica con exactitud todos los elementos musicales. El proceso de decidir cómo interpretar música previamente compuesta y notada se denomina «interpretación». Las interpretaciones de una misma obra por parte de diferentes intérpretes pueden variar ampliamente en cuanto a los tempos elegidos, el estilo de interpretación o canto, o el fraseo de las melodías. Los compositores y letristas que presentan su propia música interpretan sus canciones, al igual que quienes interpretan la música de otros. El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se conoce como práctica interpretativa , mientras que interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales del intérprete. ^{[ 77 ]}

Aunque una composición musical suele utilizar notación musical y tener un único autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, como ocurre a menudo en la música popular cuando un grupo colabora para componer una canción, o en el teatro musical, donde una persona escribe las melodías, otra la letra y una tercera la orquesta. En algunos estilos musicales, como el blues , un compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin haberlas escrito nunca en notación musical. Una pieza musical también puede componerse con palabras, imágenes o programas informáticos que explican o indican cómo el cantante o músico debe crear los sonidos musicales. Los ejemplos van desde la música de vanguardia que utiliza notación gráfica , hasta composiciones textuales como Aus den sieben Tagen , pasando por programas informáticos que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo del azar y la aleatoriedad se llama música aleatoria [ ^{78 ]} y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski . Un ejemplo comúnmente conocido de música basada ^en el azar es el sonido de las campanillas de viento tintineando con la brisa.

El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de música popular y canciones y piezas instrumentales de música tradicional , así como obras improvisadas espontáneamente como las de los intérpretes de free jazz y los percusionistas africanos como los tamborileros Ewe .

La interpretación es la expresión física de la música, que ocurre cuando se canta o se toca una canción. En la música clásica, una obra es escrita en notación musical por un compositor y luego se interpreta una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se interpreta, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los instrumentistas, cantantes o directores pueden realizar gradualmente cambios en el fraseo o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los intérpretes tienen más libertad para modificar la forma de una canción o pieza. Por lo tanto, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca una versión de una canción , pueden realizar cambios como agregar un solo de guitarra o insertar una introducción. ^{[ 79 ]}

Una interpretación puede planificarse y ensayarse (practicarse) —lo cual es habitual en la música clásica, las grandes orquestas de jazz y muchos estilos de música popular— o improvisarse sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), lo cual es habitual en pequeños grupos de jazz y blues . Los ensayos de orquestas, bandas de concierto y coros están dirigidos por un director. Las bandas de rock, blues y jazz suelen estar dirigidas por el líder de la banda. Un ensayo consiste en la repetición estructurada de una canción o pieza por parte de los intérpretes hasta que puedan cantarla o tocarla correctamente y, si se trata de una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén sincronizadas rítmica y afinadas.

Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación solista (en la que actúa un solo cantante o instrumentista), como en la música clásica india y en la tradición de la música culta occidental. Otras culturas, como la de Bali , incluyen fuertes tradiciones de interpretación grupal. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambas, y la interpretación puede abarcar desde la improvisación solista hasta actuaciones altamente planificadas y organizadas, como el concierto de música clásica moderna, las procesiones religiosas, los festivales de música clásica o los concursos musicales . La música de cámara , que es música para un pequeño conjunto con solo uno o pocos instrumentos de cada tipo, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas. ^{[ 80 ]}

La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro de (o basada en) un marco armónico, una progresión de acordes o riffs preexistentes . Los improvisadores utilizan las notas del acorde, diversas escalas asociadas a cada acorde, ornamentos cromáticos y notas de paso que pueden no ser ni notas del acorde ni pertenecer a las escalas típicas asociadas a un acorde. La improvisación musical puede realizarse con o sin preparación. La improvisación es una parte fundamental de algunos géneros musicales, como el blues , el jazz y el jazz fusión , en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento. ^{[ 81 ]}

En la tradición de la música clásica occidental, la improvisación fue una habilidad importante tanto en el Barroco como en el Clasicismo. En el Barroco, los intérpretes improvisaban ornamentos, y los intérpretes de bajo continuo improvisaban acordes basados ​​en la notación de bajo cifrado . Asimismo, se esperaba que los solistas más destacados fueran capaces de improvisar piezas como preludios . En el Clasicismo, los solistas y cantantes improvisaban cadencias virtuosas durante los conciertos.

Sin embargo, durante el siglo XX y principios del XXI, a medida que la interpretación de la música clásica occidental se institucionalizó en orquestas sinfónicas, óperas y ballets, la improvisación pasó a un segundo plano, ya que cada vez se transcribía más música en partituras para que los músicos la interpretaran. Al mismo tiempo, algunos compositores de música clásica de los siglos XX y XXI han incorporado cada vez más la improvisación en su obra creativa. En la música clásica india , la improvisación es un componente fundamental y un criterio esencial para las interpretaciones.

La notación musical generalmente se refiere a la expresión escrita de notas y ritmos musicales en papel mediante símbolos. Al escribir música, se anotan las alturas y el ritmo, como las notas de una melodía . La notación musical suele proporcionar instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que es un "blues lento" o un "swing rápido", lo que indica el tempo y el género. Para leer notación musical, es necesario comprender la teoría musical , la armonía y la práctica interpretativa asociada al género de la canción o pieza en cuestión.

La notación escrita varía según el estilo y el período de la música. Hoy en día, la música notada se produce como partitura o, para quienes tienen programas de transcripción musical por computadora , como una imagen en la pantalla de una computadora . En la antigüedad, la notación musical se grababa en tablillas de piedra o arcilla. ^{[ 40 ]} Para interpretar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista necesita comprender los elementos rítmicos y de altura que incorporan los símbolos y la práctica de interpretación asociada con una pieza musical o género. En géneros que requieren improvisación musical , el intérprete a menudo toca a partir de partituras donde solo están escritos los cambios de acordes y la forma de la canción, lo que requiere que el intérprete tenga una gran comprensión de la estructura musical, la armonía y los estilos de un género en particular, por ejemplo, jazz o música country .

En la música clásica occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical para los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la partitura simplificada , que anota la melodía, los acordes, la letra (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. También se utilizan cancioneros en el jazz; pueden consistir en partituras simplificadas o simplemente diagramas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento para canciones de jazz. Las partituras y las partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las " big bands " de jazz. En la música popular, los guitarristas y bajistas eléctricos a menudo leen música notada en tablatura (a menudo abreviada como "tab"), que indica la ubicación de las notas que se deben tocar en el instrumento mediante un diagrama del diapasón de la guitarra o el bajo. La tablatura se utilizó en la época barroca para anotar música para el laúd , un instrumento de cuerda con trastes. ^{[ 84 ]}

Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folclórica, no se escribían en partituras ; en cambio, se conservaban originalmente en la memoria de los intérpretes, y las canciones se transmitían oralmente , de un músico o cantante a otro, o de forma auditiva, aprendiendo la canción de oído . Cuando se desconoce el compositor de una canción o pieza, esta música suele clasificarse como «tradicional» o «folclórica». Las distintas tradiciones musicales tienen diferentes enfoques sobre cómo y dónde modificar el material original, desde los más estrictos hasta los que exigen improvisación o modificación. La historia y las narraciones de una cultura también pueden transmitirse de oído a través de la música. ^{[ 85 ]}

El tono es un aspecto del sonido que podemos oír, que refleja si un sonido, nota o tono musical es "más agudo" o "más grave" que otro. Podemos hablar de la altura o gravedad del tono en un sentido más general, como cuando un oyente percibe una nota aguda de flautín o un silbido como más agudo que el golpe profundo de un bombo . También hablamos del tono en el sentido preciso asociado a las melodías , líneas de bajo y acordes musicales . El tono preciso solo se puede determinar en sonidos cuya frecuencia sea lo suficientemente clara y estable como para distinguirlos del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que intentar discernir el tono de un platillo que se golpea. ^{[ 94 ]}

Una melodía, también llamada "tono", es una serie de notas que suenan sucesivamente, a menudo con un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía se crean generalmente mediante sistemas de alturas, como escalas o modos . Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías de las canciones folclóricas sencillas y las canciones tradicionales pueden utilizar únicamente las notas de una sola escala, la escala asociada a la tónica o tonalidad de la canción. Por ejemplo, una canción folclórica en la tonalidad de Do (también conocida como Do mayor) puede tener una melodía que utiliza únicamente las notas de la escala de Do mayor (las notas individuales Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si y Do; estas son las " teclas blancas " en un teclado de piano). Por otro lado, el jazz de la era Bebop de la década de 1940 y la música contemporánea de los siglos XX y XXI pueden utilizar melodías con muchas notas cromáticas (es decir, notas adicionales a las de la escala mayor; en un piano, una escala cromática incluiría todas las notas del teclado, incluidas las "teclas blancas" y las "teclas negras") y escalas inusuales, como la escala de tonos enteros (una escala de tonos enteros en la tonalidad de Do contendría las notas Do, Re, Mi, Fa♯ , ​​Sol♯ y La♯ ) . Una línea musical grave tocada por instrumentos de bajo, como el contrabajo, el bajo eléctrico o la tuba , se denomina línea de bajo . ^{[ 95 ]}

La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de las notas en la música, lo que significa que las notas que se tocan o cantan juntas al mismo tiempo crean un acorde . Por lo general, esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que delinea una estructura armónica (es decir, mediante el uso de notas melódicas que se tocan una tras otra, delineando las notas de un acorde). En la música escrita utilizando el sistema de tonalidad mayor-menor ("claves"), que incluye la mayor parte de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayor parte de la música pop, rock y tradicional occidental, la clave de una pieza determina la "nota principal" o tónica a la que generalmente resuelve la pieza, y el carácter (por ejemplo, mayor o menor) de la escala utilizada. Las piezas clásicas sencillas y muchas canciones de música pop y tradicional están escritas de manera que toda la música está en una sola clave. Las canciones y piezas de música clásica, pop y tradicional más complejas pueden tener dos claves (y en algunos casos tres o más claves). La música clásica de la época romántica (escrita aproximadamente entre 1820 y 1900) a menudo contiene múltiples tonalidades, ^{[ 96 ]} al igual que el jazz , especialmente el jazz bebop de la década de 1940, en el que la tonalidad o "nota principal" de una canción puede cambiar cada cuatro compases o incluso cada dos compases. ^{[ 97 ]}

El ritmo es la disposición de sonidos y silencios en el tiempo. La métrica anima el tiempo en grupos regulares de pulsos, llamados compases o barras , que en la música clásica, popular y tradicional occidental a menudo agrupan notas en conjuntos de dos (p. ej., compás de 2/4), tres (p. ej., compás de 3/4, también conocido como compás de vals o 3/8) o cuatro (p. ej., compás de 4/4). Las métricas se perciben mejor porque las canciones y piezas a menudo (aunque no siempre) enfatizan el primer tiempo de cada grupo. Existen excepciones notables, como el contratiempo utilizado en gran parte del pop y el rock occidental, en el que una canción que utiliza un compás de cuatro tiempos (llamado compás de 4/4 o compás común ) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que normalmente son interpretados por el baterista en la caja , un instrumento de percusión de sonido fuerte y característico. En el pop y el rock, las partes rítmicas de una canción son interpretadas por la sección rítmica , que incluye instrumentos que tocan acordes (por ejemplo, guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano u otros instrumentos de teclado), un instrumento de bajo (normalmente bajo eléctrico o, para algunos estilos como el jazz y el bluegrass , contrabajo) y un baterista. ^{[ 98 ]}

La textura musical es el sonido general de una pieza musical o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por cómo se combinan los elementos melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido en una pieza. La textura se describe a menudo en relación con la densidad, o grosor, y el rango, o amplitud, entre los tonos más graves y más agudos, en términos relativos, así como de forma más específica según el número de voces, o partes, y la relación entre estas voces (véanse los tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura densa contiene muchas «capas» de instrumentos. Una capa puede ser una sección de cuerdas u otra de metales. El grosor se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos. ^{[ 99 ]} La textura se describe comúnmente según el número de partes o líneas musicales y la relación entre ellas:

• monofonía : una sola melodía (o "tono") sin acompañamiento instrumental ni armonía . Un ejemplo sería una madre cantando una nana a su bebé.
• Heterofonía : dos o más instrumentos o cantantes interpretan la misma melodía, pero cada intérprete varía ligeramente el ritmo o la velocidad, o añade diferentes adornos . Dos violinistas de bluegrass que tocan la misma melodía tradicional suelen variar la melodía en cierta medida y añadir diferentes adornos.
• Polifonía : múltiples líneas melódicas independientes que se entrelazan y que se cantan o tocan simultáneamente. La música coral del Renacimiento se componía típicamente en este estilo. Un canon , como por ejemplo « Row, Row, Row Your Boat », en el que distintos grupos de cantantes comienzan a cantar en momentos diferentes, es un ejemplo de polifonía.
• homofonía : una melodía clara acompañada de acordes . La mayoría de las canciones de música popular occidental desde el siglo XIX en adelante están escritas con esta estructura.

Se suele decir que la música que contiene un gran número de partes independientes (por ejemplo, un doble concierto acompañado por 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entrelazadas) tiene una textura más "gruesa" o "densa" que una obra con pocas partes (por ejemplo, una melodía de flauta solista acompañada por un solo violonchelo).

El timbre, a veces llamado "color" o "color tonal", es la cualidad o sonido de una voz o instrumento. ^{[ 100 ]} El timbre es lo que hace que un sonido musical particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una  nota La de 440 Hz suena diferente cuando se toca en un oboe , piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes intérpretes del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a diferencias en la técnica instrumental (por ejemplo, diferentes embocaduras ), diferentes tipos de accesorios (por ejemplo, boquillas para los intérpretes de metales, cañas para los intérpretes de oboe y fagot) o cuerdas hechas de diferentes materiales para los intérpretes de cuerda (por ejemplo, cuerdas de tripa versus cuerdas de acero ). Incluso dos instrumentistas que tocan la misma nota en el mismo instrumento (uno después del otro) pueden sonar diferentes debido a diferentes formas de tocar el instrumento (por ejemplo, dos intérpretes de cuerda pueden sostener el arco de manera diferente).

Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro , la envolvente y los armónicos de una nota o sonido musical. En los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico , el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador , los controles de tono del instrumento y utilizando unidades de efectos electrónicos como pedales de distorsión . El tono del órgano Hammond eléctrico se controla ajustando los tiradores .

Las cualidades expresivas son aquellos elementos de la música que crean cambios sin alterar las notas principales ni modificar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los intérpretes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden añadir expresividad musical a una canción o pieza mediante el fraseo , la adición de efectos como el vibrato (con la voz y algunos instrumentos, como la guitarra, el violín, los instrumentos de viento metal y los instrumentos de viento madera), la dinámica (el volumen o la suavidad de la pieza o de una sección de ella), las fluctuaciones del tempo (por ejemplo, ritardando o accelerando , que consisten, respectivamente, en ralentizar y acelerar el tempo), la adición de pausas o fermatas en una cadencia y la modificación de la articulación de las notas (por ejemplo, haciendo que las notas sean más pronunciadas o acentuadas, haciendo que las notas sean más legato , es decir, que estén conectadas suavemente, o haciendo que las notas sean más cortas).

La expresión se logra mediante la manipulación del tono (como la inflexión, el vibrato, los glissandos, etc.), el volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), la duración (fluctuaciones del tempo, cambios rítmicos, cambios en la duración de las notas como con legato y staccato, etc.), el timbre (por ejemplo, cambiar el timbre vocal de una voz ligera a una resonante) y, a veces, incluso la textura (por ejemplo, duplicar la nota del bajo para un efecto más rico en una pieza de piano). Por lo tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc." ^{[ 101 ]} y como tal no puede incluirse como un elemento perceptivo único de la música, ^{[ 102 ]} aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.

En música, la forma describe la estructura o el plan general de una canción o pieza musical, ^{[ 103 ]} y describe la disposición de una composición dividida en secciones. ^{[ 104 ]} A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones de los musicales de Broadway a menudo tenían la forma AABA de treinta y dos compases , en la que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases (con variación) y la sección B proporcionaba una melodía o armonía contrastante durante ocho compases. Desde la década de 1960 en adelante, las canciones de pop y rock occidentales a menudo tienen la forma de verso-estribillo , que comprende una secuencia de secciones de verso y estribillo (" estribillo "), con letras nuevas para la mayoría de los versos y letras repetidas para los estribillos. La música popular a menudo utiliza la forma estrófica , a veces junto con el blues de doce compases . ^{[ 105 ]}

En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un término medio exitoso entre los extremos opuestos de la repetición sin alivio y la alteración sin alivio". ^{[ 106 ]} Ejemplos de formas comunes de la música occidental incluyen la fuga , la invención , la sonata-allegro , el canon , la estrófica , el tema y variaciones y el rondó .

Scholes afirma que la música clásica europea tenía solo seis formas independientes: binaria simple, ternaria simple, binaria compuesta, rondó, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha adoptado ciertas convenciones estructurales. ^{[ 107 ]} )

Cuando una pieza no puede dividirse fácilmente en unidades seccionales (aunque pueda tomar prestada alguna forma de un poema, cuento o programa ), se dice que es de composición continua . Este suele ser el caso de una fantasía , un preludio , una rapsodia , un estudio , un poema sinfónico , una bagatela , un impromptu o una composición similar. ^{[ 108 ]} El profesor Charles Keil clasificó las formas y los detalles formales como "seccionales, de desarrollo o variacionales". ^{[ 109 ]}

La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos cerebrales implicados en los procesos cognitivos subyacentes a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar, interpretar, componer, leer, escribir y actividades complementarias. También se interesa cada vez más por las bases cerebrales de la estética y la emoción musical. Este campo se distingue por su dependencia de la observación directa del cerebro, utilizando técnicas como la resonancia magnética funcional (RMf), la estimulación magnética transcraneal (EMT), la magnetoencefalografía (MEG), la electroencefalografía (EEG) y la tomografía por emisión de positrones (PET).

La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva que se ocupa de modelar computacionalmente el conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. ^{[ 117 ]} El uso de modelos informáticos proporciona un medio preciso e interactivo para formular y probar teorías, y tiene sus raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva . ^{[ 118 ]}

La musicología cognitiva investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. La investigación a menudo incluye modelos de computación inspirados en la biología, como redes neuronales y programas evolutivos. ^{[ 119 ]} Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, interpreta y genera el conocimiento musical. Mediante un entorno informático bien estructurado, se pueden investigar las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos. ^{[ 120 ]}

La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas al sonido (incluidos el habla y la música). Puede clasificarse además como una rama de la psicofísica .

La musicología evolutiva se ocupa de los "orígenes de la música, la cuestión del canto animal, las presiones selectivas subyacentes a la evolución musical" y la "evolución musical y la evolución humana". ^{[ 121 ]} Busca comprender la percepción y la actividad musical en el contexto de la teoría evolutiva . Charles Darwin especuló que la música pudo haber tenido una ventaja adaptativa y haber funcionado como un protolenguaje , ^{[ 122 ]} una visión que ha generado varias teorías contrapuestas sobre la evolución musical. ^{[ 123 ] [ 124 ] [ 125 ]} Una visión alternativa considera la música como un subproducto de la evolución lingüística ; una especie de "pastel de queso auditivo" que complace los sentidos sin proporcionar ninguna función adaptativa. ^{[ 126 ]} Esta visión ha sido directamente refutada por numerosos investigadores musicales. ^{[ 127 ] [ 128 ] [ 129 ]}

La cultura o etnia de un individuo influye en su cognición musical , incluyendo sus preferencias , reacción emocional y memoria musical . Las preferencias musicales se inclinan hacia las tradiciones musicales culturalmente familiares desde la infancia, y la clasificación que hacen los adultos de la emoción de una pieza musical depende tanto de características estructurales culturalmente específicas como universales. ^{[ 130 ] [ 131 ]} Además, las capacidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida. ^{[ 132 ] [ 133 ]}

Desde el surgimiento del estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con cómo escuchamos la música que con cómo aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psicología de la música , ^{[ 134 ]} identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos fueron: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p.  3). No los llamó "elementos de la música", sino que se refirió a ellos como "componentes elementales" (p.  2). Sin embargo, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "tono" y "timbre" coinciden exactamente, "volumen" se vincula con la dinámica, y "tiempo" se vincula con los elementos temporales de ritmo, duración y tempo. Este uso de la frase "los elementos de la música" se relaciona más estrechamente con la definición de elemento del Diccionario Webster del Nuevo Siglo XX como: "una sustancia que no puede dividirse en una forma más simple por métodos conocidos" ^{[ 135 ]} y las listas de elementos de las instituciones educativas generalmente también se alinean con esta definición.

Si bien quienes elaboran listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variarlas según sus prioridades personales (o institucionales), los elementos perceptivos de la música deberían consistir en una lista establecida (o comprobada) de elementos discretos que puedan manipularse de forma independiente para lograr el efecto musical deseado. En este sentido, parece que aún queda investigación por hacer en este ámbito.

Una forma ligeramente diferente de abordar la identificación de los elementos de la música es identificar los "elementos del sonido " como: tono , duración , volumen , timbre , textura sonora y ubicación espacial , ^{[ 136 ]} y luego definir los "elementos de la música" como: sonido, estructura e intención artística. ^{[ 136 ]}

Las mujeres han desempeñado un papel fundamental en la música a lo largo de la historia, como compositoras, letristas, instrumentistas , cantantes, directoras de orquesta, musicólogas , educadoras musicales , críticas musicales / periodistas musicales y en otras profesiones relacionadas con la música. En la década de 2010, si bien las mujeres constituían una proporción significativa de cantantes de música popular y clásica, y una proporción significativa de compositoras (muchas de ellas cantautoras), había pocas productoras discográficas, críticas de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido un gran número de compositoras en la música clásica, desde la Edad Media hasta la actualidad, las compositoras han estado significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado , en los libros de texto de historia de la música y en las enciclopedias musicales; por ejemplo, en la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann es una de las pocas compositoras que se mencionan.

Las mujeres constituyen una proporción significativa de solistas instrumentales en la música clásica, y su porcentaje en las orquestas va en aumento. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicaba que el 84 % de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres aún representaban solo el 6 % de la prestigiosa Orquesta Filarmónica de Viena . Su presencia como instrumentistas es menos frecuente en géneros de música popular como el rock y el heavy metal , si bien ha habido varias instrumentistas femeninas destacadas y bandas exclusivamente femeninas . La presencia femenina es particularmente escasa en los géneros de metal extremo . ^{[ 140 ]} En la escena de la música pop de la década de 1960, "[al igual que la mayoría de los aspectos de la industria musical, [en la década de 1960] la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres... eran vistas principalmente como consumidoras:... Cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no se hacía." ^{[ 141 ]} Las mujeres jóvenes "...no eran socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]." ^{[ 141 ]}

Las mujeres también están subrepresentadas en la dirección de orquesta, la crítica musical/periodismo musical, la producción musical y la ingeniería de sonido . Si bien en el siglo XIX se desalentaba a las mujeres a componer y existen pocas musicólogas , estas se involucraron en la educación musical "...hasta tal punto que dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". ^{[ 142 ]}

Según Jessica Duchen , escritora musical de The Independent de Londres , las mujeres músicas en la música clásica son "...con demasiada frecuencia juzgadas por su apariencia, en lugar de por su talento" y enfrentan presión "...para verse sexys en el escenario y en las fotos". ^{[ 143 ]} Duchen afirma que si bien "[s]uando hay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia,...las que lo hacen tienden a tener más éxito material". ^{[ 143 ]} Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria musical ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en roles de interpretación o entretenimiento, pero las mujeres tienen muchas menos probabilidades de tener puestos de autoridad, como ser la directora de una orquesta . ^{[ 144 ]} En la música popular, si bien hay muchas mujeres cantantes que graban canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúen como productoras musicales, las personas que dirigen y administran el proceso de grabación. ^{[ 145 ]} Una de las artistas más grabadas es Asha Bhosle , una cantante india más conocida como cantante de playback en el cine hindi. ^{[ 146 ]}

La incorporación de la música a la educación general, desde preescolar hasta la educación postsecundaria, es común en Norteamérica y Europa. Se cree que la participación en la interpretación y el canto musical enseña habilidades básicas como la concentración, el conteo , la escucha y la cooperación, además de promover la comprensión del lenguaje , mejorar la capacidad de recordar información y crear un entorno más propicio para el aprendizaje en otras áreas. ^{[ 154 ]} En las escuelas primarias, los niños suelen aprender a tocar instrumentos como la flauta dulce , cantar en pequeños coros y aprender sobre la historia de la música clásica occidental y la música tradicional. Algunos niños de primaria también aprenden sobre estilos de música popular. En las escuelas religiosas, los niños cantan himnos y otra música religiosa. En las escuelas secundarias (pero rara vez en las primarias), los estudiantes pueden tener la oportunidad de participar en algunos tipos de conjuntos musicales, como coros (un grupo de cantantes), bandas de marcha , bandas de concierto , bandas de jazz u orquestas. En algunos sistemas escolares, se pueden ofrecer clases de música sobre cómo tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman clases particulares de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumento. Los músicos aficionados suelen aprender rudimentos musicales básicos (por ejemplo, la notación musical para escalas y ritmos ) y técnicas de canto o interpretación instrumental de nivel principiante a intermedio.

A nivel universitario, los estudiantes de la mayoría de los programas de artes y humanidades pueden obtener créditos por cursar algunas asignaturas de música, que suelen consistir en un curso introductorio sobre la historia de la música o un curso de apreciación musical centrado en la escucha y el aprendizaje de diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas cuentan con agrupaciones musicales en las que los estudiantes de artes y humanidades pueden participar, como coros, bandas de música, orquestas o grupos musicales. El estudio de la música clásica occidental es cada vez más común fuera de Norteamérica y Europa, como en el Instituto Indonesio de las Artes en Yogyakarta , Indonesia, o en los programas de música clásica disponibles en países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y facultades occidentales están ampliando sus planes de estudio para incluir música de culturas no occidentales, como la música de África o Bali (por ejemplo, la música gamelan ).

Las personas que aspiran a ser músicos profesionales, cantantes, compositores, letristas, profesores de música y profesionales de otras áreas relacionadas con la música, como profesores de historia de la música , ingenieros de sonido , etc., estudian en programas de educación superior especializados que ofrecen colegios, universidades y conservatorios de música . Algunas instituciones que forman a personas para carreras musicales ofrecen formación en una amplia gama de profesiones, como es el caso de muchas de las mejores universidades de EE. UU., que ofrecen títulos en interpretación musical (incluyendo canto e instrumentos), historia de la música, teoría musical, composición musical, educación musical (para quienes aspiran a ser profesores de música de primaria o secundaria) y, en algunos casos, dirección de orquesta. Por otro lado, algunos centros de enseñanza superior más pequeños pueden ofrecer formación únicamente en una sola profesión (por ejemplo, grabación de sonido ).

Si bien la mayoría de los programas de música de universidades y conservatorios se centran en la formación de estudiantes en música clásica, existen universidades y facultades que preparan a músicos para carreras como intérpretes y compositores de jazz o música popular , con ejemplos notables en EE. UU. como la Manhattan School of Music y el Berklee College of Music . Dos instituciones en Canadá que ofrecen formación profesional en jazz son la Universidad McGill y el Humber College . Es poco probable que las personas que aspiran a carreras en ciertos tipos de música, como el heavy metal , la música country o el blues, se conviertan en profesionales mediante la obtención de títulos o diplomas. En cambio, suelen aprender sobre su estilo musical cantando o tocando en bandas (a menudo comenzando en bandas amateur, de versiones y tributo ), estudiando grabaciones en DVD e Internet, y trabajando con profesionales ya establecidos en su estilo musical, ya sea a través de mentorías informales o clases regulares de música . Desde la década de 2000, la creciente popularidad y disponibilidad de foros de Internet y videos instructivos de YouTube han permitido a cantantes y músicos de metal, blues y géneros similares mejorar sus habilidades. Muchos cantantes de pop, rock y country se entrenan informalmente con entrenadores vocales y profesores de canto . ^{[ 155 ] [ 156 ]}

La musicología, el estudio académico de la música, se estudia en universidades y conservatorios de música. Las primeras definiciones del siglo XIX definían tres subdisciplinas de la musicología: musicología sistemática , musicología histórica y musicología comparada o etnomusicología . En la investigación actual (2010), es más común encontrar una división entre teoría musical , historia de la música y etnomusicología. La investigación en musicología se ha enriquecido a menudo con trabajos interdisciplinarios, por ejemplo, en el campo de la psicoacústica . El estudio de la música de culturas no occidentales y el estudio cultural de la música se denomina etnomusicología. Los estudiantes pueden cursar estudios de musicología, etnomusicología, historia de la música y teoría musical a través de diferentes titulaciones, incluyendo licenciatura, maestría y doctorado. ^{[ 157 ] [ 158 ] [ 159 ]}

La teoría musical es el estudio de la música, generalmente de una manera altamente técnica y al margen de otras disciplinas. En un sentido más amplio, se refiere a cualquier estudio de la música, usualmente relacionado de alguna forma con cuestiones compositivas, y puede incluir matemáticas, física y antropología . Lo que más comúnmente se enseña en las clases de teoría musical para principiantes son pautas para escribir al estilo del período de la práctica común , o música tonal . La teoría, incluso de la música del período de la práctica común, puede adoptar otras formas. ^{[ 160 ]} La teoría de conjuntos musicales es la aplicación de la teoría matemática de conjuntos a la música, aplicada por primera vez a la música atonal . La teoría musical especulativa , en contraste con la teoría musical analítica , se dedica al análisis y la síntesis de materiales musicales, por ejemplo, sistemas de afinación , generalmente como preparación para la composición. ^{[ 161 ]}

La zoomusicología es el estudio de la música de los animales no humanos, o de los aspectos musicales de los sonidos producidos por ellos. Como preguntó George Herzog (1941), "¿tienen música los animales?". Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983) de François-Bernard Mâche , un estudio de "ornitomusicología" que utiliza una técnica de análisis de segmentación paradigmática de Language , musique, poésie (1972) de Nicolas Ruwet , muestra que los cantos de las aves se organizan según un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990) sostiene que "en última instancia, es un ser humano quien decide qué es y qué no es musical, incluso cuando el sonido no es de origen humano. Si reconocemos que el sonido no es organizado ni conceptualizado (es decir, hecho para formar música) simplemente por su productor, sino por la mente que lo percibe, entonces la música es exclusivamente humana". ^{[ 162 ]}

En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña se centra en la música culta de la civilización occidental, conocida como música clásica. La historia de la música en culturas no occidentales (« música del mundo » o el campo de la «etnomusicología») también se enseña en las universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de países asiáticos fuera de la influencia de Europa Occidental, así como la música folclórica o indígena de diversas culturas. Los estilos de música popular o folclórica en países no occidentales variaban de una cultura a otra y de una época a otra. Las diferentes culturas enfatizaban distintos instrumentos , técnicas, estilos de canto y usos de la música. La música se ha utilizado para el entretenimiento, ceremonias, rituales, fines religiosos y para la comunicación práctica y artística. La música no occidental también se ha utilizado con fines propagandísticos, como fue el caso de la ópera china durante la Revolución Cultural .

Existen numerosas clasificaciones para la música no occidental, muchas de las cuales están inmersas en el debate sobre la definición de música . Entre las más importantes se encuentra la división entre música clásica (o música culta) y música popular (o música comercial , que incluye estilos no occidentales como el rock, el country y el pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en ninguna de estas dos grandes clasificaciones (como la música folclórica , la música del mundo o el jazz ).

A medida que las culturas del mundo han entrado en mayor contacto global , sus estilos musicales autóctonos a menudo se han fusionado con otros estilos, lo que produce nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo bluegrass de Estados Unidos contiene elementos de las tradiciones instrumentales y vocales anglo - irlandesas , escocesas , irlandesas, alemanas y africanas, que pudieron fusionarse en la sociedad multiétnica de Estados Unidos , un verdadero crisol de culturas . Algunos tipos de música del mundo contienen una mezcla de estilos autóctonos no occidentales con elementos de la música pop occidental. Los géneros musicales se determinan tanto por la tradición y la presentación como por la música en sí. Algunas obras, como Rhapsody in Blue de George Gershwin , son reivindicadas tanto por el jazz como por la música clásica, mientras que Porgy and Bess de Gershwin y West Side Story de Leonard Bernstein son reivindicadas tanto por la ópera como por la tradición musical de Broadway . Muchos festivales de música no occidental incluyen bandas y cantantes de un género musical en particular, como la música del mundo. ^{[ 163 ] [ 164 ]}

La música india , por ejemplo, es uno de los géneros musicales más antiguos y longevos, y aún se escucha e interpreta ampliamente en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). La música india cuenta principalmente con tres formas de música clásica: los estilos indostaní , carnático y dhrupad . También posee un amplio repertorio de estilos que incluyen únicamente música de percusión, como las interpretaciones de talavadya, famosas en el sur de la India .