Música ricercata

Este movimiento utiliza la clase de altura A casi exclusivamente; D se introduce como nota final, proporcionando así un impulso al resto de los movimientos. Ligeti desarrolla esta clase de altura inicial, única, explotando las dimensiones del ritmo y el timbre (un ejemplo de contrapunto tímbrico ). Un comienzo atronador conduce a un crescendo gradual y accelerando que consiste en polirritmos superpuestos en varios registros. La coda, un accelerando métrico, golpea varias octavas más de A antes del D final. La relación entre D y A se refuerza mediante la retención de subarmónicos y armónicos de D, que contienen A (un resultado de la serie armónica ).

Tanto el material como el ambiente de este movimiento difieren notablemente del primero. El tema principal es una alternancia lastimera entre Mi♯ y Fa♯ ( un simple semitono). Este tema se escucha tanto en solitario (es decir, en una sola octava) como en octavas tranquilas ( una corda ) en ambos extremos del piano. La entrada de Sol cerca de la mitad de la pieza es particularmente abrupta, atacada vigorosamente en un accelerando similar al del primer movimiento. El Sol continúa sonando en un trémolo sin compás mientras el tema principal regresa en un contexto más "amenazante". El movimiento se disuelve gradualmente, con el tema principal y los Sol repetidos desvaneciéndose en el silencio.

Partes de este movimiento aparecieron en la banda sonora de Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick . ^{[ 8 ]}

El carácter alegre, casi blusero, de este movimiento representa otro contraste con lo anterior. La yuxtaposición lúdica de una tonalidad de do mayor (CEG) y do menor (CE ♭ -G) constituye la base del desarrollo del tema principal. La dinámica y el registro también cambian de forma libre y abrupta, contribuyendo aún más al carácter inquieto de este movimiento. La pieza finaliza en un do grave tras varias notas simultáneas de mi y mi ♭ , lo que hace aún más evidente la dicotomía sin llegar a resolverla.

Este movimiento es, en realidad, una reelaboración de ideas del primer movimiento de la Sonatina para piano a cuatro manos del compositor.

Otro movimiento ligero, esta vez en un vals desequilibrado en el que el pulso ternario se interrumpe ocasionalmente por un compás de 2/4. Para complicar aún más el ritmo, Ligeti indica en la partitura que «El valor del metrónomo se refiere al tempo máximo. La pieza puede interpretarse libremente —además de ser más lenta— con rubati, ritenuti y accelerandi, tal como el organillero tocaba su órgano de barril [«l'orgue de Barbarie»]». Siguiendo este estilo, hay pausas o cambios de dinámica abruptos ocasionales e indicaciones de ritardandi y accelerandi.

La pieza está estructurada formalmente como un vals estándar, aproximadamente similar a AABA. El tema A consiste en una escala ascendente con un breve giro al final de la frase. La sección B es generalmente más fuerte, con mayor dinámica y rango tonal, con acordes en la melodía (que no se escuchan en la sección A). El fondo de vals con ritmo ternario continúa en la mano izquierda casi durante toda la pieza. Como en movimientos anteriores, Ligeti opta por introducir una nueva clase de notas —Sol ♯— cerca de la mitad de la pieza en fortissimo en tres octavas, siendo especialmente notable, aunque el Sol ♯ /La ♭ desaparece después de solo unos pocos compases al ser absorbido por el tema principal del vals.

Para complementar los dos movimientos más ligeros anteriores, el quinto retoma la seriedad del segundo movimiento. De nuevo, como en el segundo movimiento, el tema principal se basa en gran medida en el intervalo de semitono. Sin embargo, los recursos melódicos adicionales de este movimiento permiten la construcción de dos tricordios relacionados por un tritono . El tritono se convierte en un intervalo de suma importancia en este movimiento, ya que se introduce como parte del tema secundario en la mano izquierda y constituye la base de las armonías paralelas que se escuchan tanto como acompañamiento del tema secundario como en el retorno del tema principal en el compás 22. Después de esto, Ligeti introduce un tañido de campana en las clases de altura de Sol y La bemol que continúa interrumpiendo los fragmentos de los temas primario y secundario a medida que se desvanecen hacia el final del movimiento. El movimiento concluye cuando la "campana" continúa tañendo en Sol de octava baja, aumentando hasta un triple forte.

Otro cambio abrupto de tono nos lleva al sexto movimiento, caracterizado por cambios rápidos e inesperados de dinámica, registro, articulación y material musical. Un descenso de Mi a La (estableciendo tentativamente una tonalidad de La mayor) define el material melódico inicial, mientras que en el acompañamiento de la mano izquierda se escucha un ascenso por escalas de La a Mi. Finalmente, los motivos ascendentes y descendentes se mezclan y recombinan, apiñados en una especie de caja de juguetes melódicos. La pieza termina con un Mi apropiadamente incómodo e inesperado (de un policorde de Fa sostenido menor/Si menor ), dejando al oyente con una sensación de falta de resolución.

El movimiento comienza con un ostinato de siete notas en la mano izquierda que Ligeti indica que debe ser rítmica y dinámicamente independiente de la mano derecha. La mano derecha interpreta una melodía de estilo folclórico que se escucha primero sola en notas individuales antes de yuxtaponerse en un canon libre con diversas versiones transformadas de sí misma, produciendo un contrapunto animado con ricas armonías y una sensación de libertad rítmica. Finalmente, ambas manos suben una octava, aligerando significativamente la textura. La pieza concluye con la mano derecha retomando el ostinato en una octava aún más alta; el ostinato va perdiendo notas progresivamente hasta convertirse en un trino en Fa y Sol que se desvanece hasta el silencio.

Este movimiento se basa claramente en el segundo movimiento, "Andante", de la Sonatina para piano a cuatro manos del compositor. Se utiliza de nuevo en el segundo movimiento de su Concierto para violín (1992).

El silencio del movimiento anterior se rompe con una fuerte disonancia en los re y mi de la octava. Así introducido, el tema principal se escucha en octavas, una danza vivaz y vigorosa en 7/8. Este tema principal se caracteriza por una melodía inferior escalar en la que cada nota está acompañada por un mi agudo. Tras varias transformaciones de esta melodía en la mano izquierda, esta mano interpreta el tema como figura de acompañamiento, mientras que la mano derecha ejecuta una versión ligera, juguetona y rítmicamente mutada de la melodía escalar del tema principal. Una vez completado esto, el tema principal regresa en ambas manos en todo su esplendor, desvaneciéndose brevemente para una reedición de la idea de la melodía secundaria antes de que el tema principal concluya decisivamente el movimiento.

Aunque el patrón de acentuación rítmica impulsa el movimiento, Ligeti omite tiempos en ciertos compases para "reiniciar" el patrón en secciones donde la repetición del tema por la mano izquierda está desfasada con respecto a la derecha. Ligeti refuerza aún más los orígenes folclóricos del movimiento mediante el uso frecuente de quintas abiertas en el acompañamiento, que corresponden a las cuerdas al aire de un violín o un violonchelo. De hecho, los numerosos "saltos" métricos y desfases rítmicos podrían aludir a los músicos folclóricos que, por accidente, entran en el momento equivocado.

Otro movimiento "serio", que comienza con do sostenido graves en octava , que el compositor describió como "como campanas de sonido grave". De estas profundidades surge una melodía compuesta por una serie de pares de terceras menores en un ritmo constante de semicorchea con puntillo (con cierta similitud al " Verbunkos " de la suite de danzas Contrastes de Bartók ). Ambos motivos melódicos y rítmicos se utilizan a lo largo del movimiento. Tras la presentación inicial y melancólica del tema, aparece una repetición repentina y fuerte de terceras menores en la mano derecha, junto con una reexpresión del tema principal en la mano izquierda, descrita como "en pánico". Después de estas exploraciones más agitadas del tema, prevalece una textura mucho más ligera con trémolos que acompañan otra melodía centrada en terceras menores. La pieza concluye con el tañido ineludible de las "campanas" de do sostenido graves.

El movimiento más abiertamente virtuoso de Musica ricercata . El uso aparentemente libre de la disonancia se puede rastrear a la bitonalidad entre D y C ♯ , de la cual se derivan muchos de los motivos conflictivos. Comenzando con una melodía cromática grave rítmicamente enérgica (alternando entre compases de 2/4 y 3/8), una melodía arpegiada más aguda se introduce rápidamente como tema secundario . Después de una fuerte repetición del tema inicial, Ligeti pasa a un conjunto de material etiquetado como " capriccioso e burlesco", que utiliza una melodía arpegiada con acompañamiento cromático , efectivamente una combinación de las dos ideas principales hasta el momento. A medida que Ligeti hace cada vez más uso de la disonancia de segunda menor entre los dos centros de altura de D y C ♯ a través de nuevas repeticiones del primer, segundo y tercer tema, comienzan a desarrollarse clústeres de tonos . Estos grupos agrupan notas a través de una sección marcada como "insistente, rencorosa" antes de culminar en un único y amplio grupo que utiliza todas las clases cromáticas excepto C y D. Se indica que debe repetirse "a menudo" y tocarse "como si estuviera loco". Tras alcanzar su máximo esplendor, una pausa proporciona un respiro antes de la repetición del tema del arpegio, que culmina en la primera clase de notas del movimiento, D.

En el estreno de Seis Bagatelas para Quinteto de Viento, el último movimiento (un arreglo de Musica ricercata X) se omitió por ser demasiado «peligroso» debido a su disonancia y cromatismo. ^{[ 9 ]}

El compositor barroco Girolamo Frescobaldi es considerado un importante innovador en el campo del ricercare , precursor de la posterior fuga, una forma de contrapunto imitativo . De hecho, este movimiento final de Musica ricercata está estructurado como un ricercare o fuga libre, y fue publicado posteriormente en una versión para órgano titulada Ricercare per organo – Omaggio a Girolamo Frescobaldi en 1953.

El tema es una serie de tonos que emplea las doce notas cromáticas. Las entradas sucesivas del tema ocurren en la quinta, como en una fuga propiamente dicha, pero siempre siguen inmediatamente a la anterior declaración completa del tema. El contrasujeto , una simple escala cromática descendente, se escucha siempre en una voz inmediatamente después de la declaración del tema. Sin embargo, Ligeti no se ciñe a muchas restricciones de la fuga, ya que las entradas sucesivas suelen generar un gran movimiento paralelo entre las voces. Los valores rítmicos disminuyen gradualmente con las sucesivas entradas del tema, estableciendo una dicotomía entre valores rítmicos más largos y más cortos en la parte central de la pieza. Después de una serie de stretti que extienden las voces exteriores hasta los límites del registro del piano, el tema se vuelve rítmicamente fragmentado e irregular, para finalmente aterrizar en la clase de nota La, con la que comenzó toda la obra.