Nancy Cohen

La obra de Cohen en la década de 1990 presentaba formas abstractas y orgánicas hechas de acero, tela, adobe, cuerda, madera, cera y objetos encontrados que sugerían cápsulas o configuraciones celulares. ^{[ 40 ] [ 33 ] [ 31 ]} Su instalación al aire libre, A Community of Shelter (Thomas Paine Park, 1992) consistía en seis esculturas bajas sostenidas por armazones de acero atados a árboles. ^{[ 41 ] [ 40 ]} El crítico del New York Times, Michael Kimmelman, las comparó con las abstracciones de Martin Puryear o Richard Deacon y las formas naturales de refugio, añadiendo que sus formas evocadoras "aludían de manera simpática y oblicua a las personas sin hogar y su ingenio para crear lugares improvisados ​​para dormir". ^{[ 42 ]} Para Only Connect (Snug Harbor, 1998), una instalación pública en un invernadero de un jardín botánico, Cohen suspendió "capullos" de papel de abacá translúcido estirados sobre ramas llenas de follaje, herramientas de jardinería y acero que sugerían protuberancias fantasmales pero agresivas de las plantas del invernadero que se encontraban debajo. ^{[ 32 ] [ 33 ]}

En exposiciones en la Galería Kouros (1998, 2004), Cohen presentó enigmáticas obras de objetos encontrados y ensamblajes (p. ej., Gurney , 2002). La primera muestra evocaba temas femeninos, utilizando objetos domésticos (cubiertos, utensilios de cocina, cristalería rota) que estaban parcialmente ocultos por óvalos tensos de abacá que evocaban vainas protectoras y úteros (p. ej., Distention , 1998). ^{[ 3 ] [ 43 ]} La crítica de New Art Examiner, Rachel Selekman, observó que "la fuerza de la forma y la fragilidad de los medios dotan a la escultura de Cohen de una presencia de elegancia cruda que respira vida". ^{[ 3 ]} Las esculturas de objetos recuperados en la última muestra se compararon con combinaciones biomórficas encontradas en una playa urbana que ofrecían "un equilibrio tenue entre fantasía y reflexión". ^{[ 7 ]}

A partir de finales de la década de 2000, Cohen se dedicó a obras de papel hechas a mano, instalaciones de varias partes y esculturas de vidrio inspiradas en la cambiante ecología de los pantanos del sistema fluvial de Nueva Jersey/Nueva York. ^{[ 5 ] [ 23 ]} Su exposición "Water Ways" (Museo Noyes, 2008) se centró en su obra más ambiciosa hasta ese momento, Estuary: Moods and Modes . Una imponente y ondulante instalación de pulpa de abacá en capas, hecha y coloreada a mano —algunas estiradas como pieles de pergamino sobre armazones de alambre— hacía referencia a un ecosistema biótico del río Mullica que había observado durante meses. ^{[ 2 ] [ 9 ]} El crítico de escultura Dominique Nahas describió la obra como simultáneamente bajorrelieve, escultura transitable, instalación y dibujo diagramático en el espacio, con "papeles delicadamente coloreados, casi translúcidos, arremolinados y que se arrastran evocan el frágil equilibrio y el poder de la naturaleza", varios flujos y topografía y clima cambiantes. ^{[ 2 ]}

En la instalación itinerante Hackensack Dreaming (2013–15) y sus "Marsh Drawings" (2016), Cohen evocó los persistentes " ecosistemas novedosos " que surgieron en la confluencia de entornos construidos y una sección de humedales del río Hackensack que alguna vez fue un bosque de cedros. ^{[ 4 ] [ 11 ]} La instalación consistía en dos grandes secciones divididas por un pasaje estrecho que combinaba dibujos y objetos de vidrio, diseños orgánicos y vegetales, y facsímiles de tocones de cedro supervivientes, todo unificado por una paleta de colores azules. ^{[ 4 ] [ 44 ] [ 11 ]} Los críticos denominaron la obra un paisaje interior de "anarquía controlada" que transmitía tanto la toxicidad del impacto humano como una sensación de belleza arduamente conquistada. ^{[ 44 ] [ 4 ]} Los extensos murales tridimensionales de fibra de papel de Cohen, como Marsh Drawing (roundabout) (2016), recuerdan a los tapices tejidos por su drapeado, escala, fisicalidad y función de cuadros, y evocan las mutaciones de los paisajes fluviales en sus procesos formativos húmedos. ^{[ 5 ] [ 23 ]}

En exposiciones entre 2017 y 2024, Cohen continuó explorando la transformación y la fluidez relacionadas con el agua, al tiempo que amplió su temática a temas que involucran la fugacidad de la memoria y la vida, la lucha humana y la supervivencia, particularmente durante la era de la COVID-19 . ^{[ 10 ] [ 38 ] [ 19 ] [ 6 ]} Estas muestras a menudo se dividían entre dos conjuntos de obras: esculturas orgánicas exentas o suspendidas hechas de piezas de vidrio y tapices de papel cuyo uso de materiales translúcidos, línea y forma difuminaba las distinciones entre interno y externo, piel y estructura, y delicadeza y durabilidad. ^{[ 10 ] [ 19 ] [ 6 ]}

La exposición "Atlas de la impermanencia" (Visual Art Center of New Jersey (2021) se centró en nueve tapices monumentales de papel cuyas cuadrículas de hojas rectilíneas recordaban colchas, mapas o paisajes vistos desde arriba. Cubiertas de formas y líneas abstractas, sus superficies aludían a lugares y objetos del mundo material, desde los espacios personales de refugio de la pandemia (por ejemplo, Blue Storm of Our Anxieties ) hasta ríos y paisajes afectados por el clima o catástrofes (por ejemplo, Beneath the Surface , Fire Season ). ^{[ 38 ] [ 39 ]} La curadora Jennifer Scanlan describió los tapices como "una mirada a las formas en que el lugar se construye en nuestras mentes, como una serie de impresiones visuales, pero también estados de ánimo, texturas, sensaciones y ecos de espacios anteriores. Bellamente y evocadoramente construidas a partir de textura, color y luz, las obras funcionan como mapas que podemos seguir hacia nuestros propios recuerdos". ^{[ 38 ]} La muestra "The State We're In" (Kathryn Markel, 2024) incluía amalgamas independientes de vidrio y alambre que Mario Naves consideraba táctiles, modestas, profundamente sentidas e interiores en efecto, "con una sensibilidad contraintuitiva de la carne". ^{[ 6 ]}