Nancy Selvin

Nancy Selvin (nacida en 1943) es una escultora estadounidense, reconocida por sus obras de cerámica y cuadros que exploran la forma de los recipientes y equilibran una interacción de materiales, formas mínimas y procesos expresivos. ^{[1] [2] [3] [4]} Surgió a fines de la década de 1960 entre una "segunda generación" de artistas cerámicos del Área de la Bahía que siguieron el Movimiento de Arcilla de California y continuaron desafiando las tradiciones cerámicas que involucraban expresión, forma y función, y un mundo del arte que colocaba al medio fuera de su jerarquía establecida. ^{[5] [6] [7]} Su trabajo ha sido exhibido en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), ^[8] el Museo de Arte de Denver , ^[9] el Museo de Arte Contemporáneo Daum ^[7] y el Centro de Artes Kohler , ^[10] y pertenece a las colecciones de arte público del LACMA, ^[11] el Instituto Smithsonian , ^[12] el Museo de Oakland de California , ^[13] y el Museo de Arte Crocker , ^[14] entre otros. El crítico David Roth ha escrito: "La posición de Selvin en el rango superior de los artistas de cerámica ha llegado a través de un proceso de riguroso autoexamen... lo que la diferencia es que evita el realismo y la funcionalidad, lo que indica un nivel de compromiso intelectual que no siempre se encuentra entre los ceramistas". ^[15] La escritora y curadora Jo Lauria describió los cuadros de Selvin como obras "elegíacas y estilísticamente unificadas" que sirven como "ensayos contundentes sobre la relación entre el realismo y la abstracción, el objeto y el sujeto, la decoración y el uso". ^[5] Selvin vive y trabaja en el área de Berkeley, California. ^[16]

Selvin nació y creció en Los Ángeles. ^[17] Estudió pintura y dibujo en la Universidad de California, Riverside , y se dedicó a la cerámica después de tomar lecciones en Iowa en 1966, donde ella y su esposo vivieron durante sus estudios de posgrado. ^[18] Después de mudarse de regreso al oeste, se inscribió en la Universidad de California, Berkeley durante una época de fermento artístico influenciada por el Movimiento de Arcilla de California y movimientos similares en las artes del vidrio y la fibra , que reconcibieron su trabajo como arte en lugar de "artesanía". ^{[19] [20] [18]} Allí se formó como escultora con Peter Voulkos y Ron Nagle , quienes alentaron la espontaneidad y la improvisación, produciendo un trabajo que se apartaba de la cerámica tradicional al privilegiar el color y la forma sobre la función. ^{[21] [22] [23]} Después de obtener su licenciatura en Bellas Artes (1969) y su maestría (Cerámica, 1970), Selvin realizó exposiciones tempranas en las galerías Quay (San Francisco) ^[24] y Anhalt (Los Ángeles) ^[1] y en el California Crafts Museum, ^[20] y participó en muestras colectivas en el Kohler Arts Center ^[10] y en el Denver Art Museum. ^[9]

En 1985, Selvin construyó un estudio de 140 metros cuadrados, similar a un almacén, en West Berkeley con metal corrugado y materiales recuperados. ^[22] Continuó exponiendo por todo Estados Unidos, en exposiciones destacadas en el Richmond Art Center (1995), Charleston Heights Art Center (1999), Daum Museum of Contemporary Art (2004), ^[7] y Baltimore Clayworks (2008), así como en importantes exposiciones colectivas en LACMA, ^[8] el de Saisset Museum , ^[25] Ruth Chandler Williamson Gallery (Scripps College), ^{[17] [26]} y Society for Contemporary Craft . ^[27] Selvin enseñó cerámica en varias instituciones, incluida la Universidad Estatal de Nueva York-Albany (1970-2), y más tarde, el California College of the Arts (CCA), a partir de 2007. ^[16] En 2018, se estableció el "Premio Nancy Selvin" para estudiantes de cerámica de pregrado en CCA para honrar el compromiso profesional y personal de Selvin en el campo. ^[28] Selvin está casada con el estadístico y profesor jubilado de bioestadística de UC Berkeley Steve Selvin ; su hija, la Dra. Elizabeth Selvin , es profesora de epidemiología en la Universidad Johns Hopkins . ^{[22] [29] [30]}

El arte de Selvin ha incluido piezas de cerámica íntimas y relacionadas con el hogar y naturalezas muertas, cuadros de técnica mixta más expansivos e instalaciones al aire libre a gran escala. ^[15] Los escritores identifican lo siguiente como característico de su trabajo: formas abstractas y mínimas que sirven como sitios para explorar la pintura y la composición tanto como la estructura; ^{[21] [31]} investigación intencionada de la forma de la vasija, a menudo en arreglos espartanos y similares a esculturas en relieve; ^{[7] [5] [32]} un enfoque suelto, táctil y poco convencional de la superficie y los materiales, incluido lo que American Ceramics describió como "un énfasis casi primario en el proceso sobre el producto"; ^{[2] [22]} y un rechazo de la funcionalidad, lo que permite un compromiso intelectual con temas que involucran la historia de los objetos utilitarios, el espacio doméstico, la contemplación de lo cotidiano y el paso del tiempo. ^{[15] [4]} Selvin recurre a diversas influencias en su obra, desde la cerámica japonesa temprana hasta los artistas del Movimiento de Arcilla de California y los expresionistas abstractos (en particular su énfasis en la espontaneidad, los materiales y la disolución de los límites entre la superficie y la forma) hasta fuentes menos evidentes, como la fotografía austera y cotidiana de Walker Evans . ^{[5] [22] [21]}

Los primeros trabajos de Selvin se centraron en formas de artículos para el hogar no funcionales y de escala íntima como un formato para explorar conceptos estéticos y temáticos más complejos como la abstracción, la forma y la función, y los rituales domésticos. ^[5] Estos recipientes independientes, hechos a mano, a menudo presentaban asas grandes, acabados poco convencionales y detalles de trampantojo ^{. [20]} En su serie "Quilted Teapot", disfrazó la solidez de la arcilla al desplomarla y arrugarla para crear ollas en forma de colchas de retazos, que terminó con pintura china aerografiada, esmalte, calcomanías decorativas e imágenes de su entorno. ^{[20] [12] [33]} Descritas en The New York Times como "caprichosas confecciones multicolores", las teteras transmiten cualidades antropomórficas, así como asociaciones culturales, sociales y femeninas cargadas en su decoración. ^{[34] [35]} En esta época, Selvin también produjo obras de papel hechas a mano que incorporaban cintas y encajes y piezas de arcilla para pared que reproducían arreglos de papel, cinta y cartón. ^{[20] [24] [9]}

A principios de los años 1980, la obra de Selvin evolucionó en una dirección más formal y pictórica, alejándose de los objetos independientes y hacia arreglos que sugerían naturalezas muertas occidentales, extensiones de paisajes y tradiciones artesanales asiáticas. ^{[1] [20] [2]} Su serie "Teabowl" (1981-2) ofrecía arreglos sobrios y rítmicos de elementos simples que involucraban forma, plano y línea: tazones de té de cerámica gruesos y cuadrados y delgadas varillas de vidrio coloreado colocadas en bandejas lacadas perladas y en ángulo. ^{[1] [34] [29]} Las superficies cobraron protagonismo, con superficies esmaltadas (inesperadamente en el interior de los tazones) y lacadas que se hacían eco entre sí (al igual que las formas del tazón y la bandeja, estas últimas a veces funcionando como sombras); los exteriores mate con capas de salpicaduras pintadas con aerógrafo proporcionaban un contraste con el brillo de los esmaltes, que a veces rezumaban sobre los labios del tazón como glaseado de pastel. ^{[20] [36]} La crítica del diario Los Angeles Times, Suzanne Muchnic, destacó la "sensibilidad poética y el uso del color seductor" de Selvin, lo que, según escribió, permitió que la obra trazara una línea "entre la honesta terrosidad de la arcilla expuesta y el precioso refinamiento de la laca sobre la madera". ^[1]

A finales de los años 1980, Selvin comenzó a crear cuadros más grandes de objetos cerámicos en contextos mínimos que hacían referencia a la arquitectura y al espacio doméstico. ^{[22] [2] [3]} Si bien este trabajo era más personal y, a veces, sugerente de narrativa (con la introducción de texto enigmático, como en Rough White , detalle), las preocupaciones formales de composición, color y superficie, así como el proceso, continuaron dominando. ^{[2] [3] [37]} Las construcciones a menudo tomaban la forma de filas y conjuntos de formas de botellas, latas de aceite, cuencos y libros hechos a mano y reducidos, enfatizando la silueta sobre la tridimensionalidad; sus "posturas" irregulares e inclinadas evocaban cualidades antropomórficas, particularmente en agrupaciones donde se registraban diferencias, volviéndolas familiares y extrañas. ^{[15] [38]} Selvin las dispuso en repisas, ventanas de madera de doble hoja y mesas personalizadas hechas de materiales de construcción que trató como componentes de diseño iguales. ^{[3] [39] [40]}

Selvin pintó sus formas libremente con esmalte bajo cubierta (en lugar de esmaltarlas en su totalidad), con el fin de explorar el color aparte de la forma y fusionar el color y la textura. ^{[38] [18]} El trabajo resultante presenta una amplia gama de contrastes de materiales y superficies (arcilla cruda expuesta, capas fantasmales de esmalte bajo cubierta mate, texto fragmentado, esmalte salpicado, pizarra, metal, paneles de yeso calcáreos) y procesos visibles (gubias y pinceladas expresionistas, costuras, imágenes serigrafiadas, marcas de lápiz, líneas incisas) que individualizan y unifican las piezas y también atraen al espectador. ^{[38] [41] [31] [27]} La ​​curadora Suzanne Baizerman escribió que este enfoque le dio al trabajo de Selvin, como Still Life: Raku and Steel (1997), tanto un sentido de contemplación reflexiva (en sus formas y composiciones mínimas) como de espontaneidad no estudiada, expresada a través de superficies rústicas y pinceladas gestuales. ^[31] Inicialmente, Selvin trabajó con colores saturados que atenuaban los efectos de la luz y la sombra; sus piezas desde finales de la década de 1990 en adelante fueron cada vez más pictóricas y adoptaron paletas más limitadas, a menudo de tonos terrosos de amarillo, blanco y crema. ^{[38] [5] [32]}

Los críticos describen las naturalezas muertas de Selvin como poéticas y meticulosamente ordenadas, comparándolas con el haiku y las pinturas de botellas de Giorgio Morandi ; ^{[37] [39] [38]} la curadora Mary Davis MacNaughton lo llamó "un trabajo tranquilo y discreto [que] nos anima a buscar la belleza visual en los objetos cotidianos". ^[21] Otros notan una vacilación entre la finalización y la disolución, y la evolución y la decadencia, lo que sugiere una calidad atemporal, como reliquias desenterradas de un sitio arqueológico en lugar de creadas. ^{[7] [41] [25]} El despojo consciente de la practicidad de sus objetos (botellas tapadas, etiquetas ilegibles, "libros" sin páginas para pasar, mesas poco prácticas) es un componente clave de la obra, que la lleva más allá de las preocupaciones utilitarias y puramente formales para involucrarse en exploraciones metafóricas, a menudo irónicas, de la forma, la función y el arte, y la apariencia, la ilusión y la realidad. ^{[3] [39] [40] [18]}

Además de sus naturalezas muertas en vasijas, Selvin ha creado obras de cerámica que parecen libros y que combinan imágenes enigmáticas y textos fragmentarios que recuerdan a las antiguas tablillas cuneiformes y exploran la narrativa y la abstracción. ^{[42] [43] [44]} También ha producido grandes dibujos abstractos en gouache sobre papel que los críticos describen como luminosos, con texturas de arañazos, manchas y borrones, y a la vez simples y monumentales. ^{[15] [7]} A finales de la década de 2010, Selvin ha recurrido a grandes jarrones y urnas de terracota independientes, hechos a mano y en losas, que a veces hacen referencia a mujeres expresionistas abstractas, como Trophy: Helen (Frankenthaler) (2016). La artista y escritora Julia Couzens describió esta obra como sencilla y evocadora de la calidad casera, la elegancia simple y la pátina del uso como un registro visceral del tiempo. ^[45]

Selvin ha creado varias instalaciones al aire libre, específicas para cada lugar. Looking Through Glass (Berkeley, 1991) fue una obra pública de tres por veinte metros, encargada, que abarcaba ocho escaparates pintados gestualmente con bordes de pan de oro, cada uno de los cuales contenía una palabra; colectivamente, se leía "A través del espectador, el arte entra en el mundo exterior". ^{[46] [47]} Para Game Board IV (Richmond Art Center, 1995), Selvin dispuso bolas y patas de cerámica raku y secciones de troncos con pan de oro sobre un piso de baldosas de pizarra cuadradas, abordando los misterios de los sistemas, los juegos, la colocación, la forma y la función. ^{[48] [49]} En 2003, Berkeley Civic Arts le encargó la creación de In Berkeley , una obra al aire libre en la que inscribió en los adoquines de la acera notas y datos de los 300 años de historia de la ciudad. ^[50]

La obra de Selvin pertenece a las colecciones de arte público de muchas instituciones, entre ellas el LACMA, ^[11] el Instituto Smithsonian, ^[23] el Museo de Oakland, ^[13] el Museo Americano de Arte Cerámico (AMOCA), el Centro de Artes de Arkansas , ^[51] el Museo de Arte Crocker, ^[14] el Museo de Arte Contemporáneo Daum, ^[52] el Museo de Arte Everson , el Centro de Artes Kohler, el Museo Mint , la Colección Prieto del Mills College, ^[53] el Museo de Arte Racine y el Museo de Arte Stanley de la Universidad de Iowa . ^[16] Su trabajo ha aparecido en varios libros, entre ellos American Studio Ceramics: Innovation and Identity, 1940 to 1979 (2015), ^[54] Masters: Earthenware (2010), ^[4] 20th Century Ceramics (2003), ^[55] The Craft and Art of Clay (1992), ^[56] y The History of American Ceramics: 1607–Present (1988), ^[36] entre otros. ^{[57] [58]}

Selvin ha recibido becas del California Arts Council (2003) y del National Endowment for the Arts (1988, 1980) y ha recibido el Primer Premio UrbanGlass (1998), el Premio Nacional de Compra de Cerámica Westwood (1980) y el Premio Artesano de California (1978), entre otros honores. ^[59] También es miembro de la Academia Internacional de Cerámica (2015) en Ginebra, Suiza. ^[60]

• Sitio web oficial de Nancy Selvin
• Perfil de Nancy Selvin, Artistas de Arcilla de Venecia