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Neoclasicismo

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El neoclasicismo , también escrito Neo-clasicismo , surgió como un movimiento cultural occidental en las artes decorativas y visuales , la literatura , el teatro , la música y la arquitectura, inspirado en el arte y la cultura de la antigüedad clásica . Nació en Roma , principalmente gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann durante el redescubrimiento de Pompeya y Herculano . Su popularidad se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte europeos terminó su Grand Tour y regresó de Italia a sus países de origen con ideales grecorromanos recién redescubiertos. [ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] El principal movimiento neoclásico surgió de la Ilustración del siglo XVIII y alcanzó su apogeo a principios y mediados del siglo XIX, llegando a competir con el Romanticismo . En arquitectura, el estilo perduró a lo largo de los siglos XIX, XX y hasta el XXI. [ 5 ] [ 6 ]

El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó hacia 1760 en oposición al estilo rococó dominante. La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; la arquitectura neoclásica se basa en los principios de simplicidad y simetría, considerados virtudes de las artes de la Antigua Roma y la Antigua Grecia , y tomados directamente del clasicismo renacentista del siglo XVI . Cada movimiento "neoclasicista" selecciona algunos modelos entre la gama de clásicos posibles a su disposición e ignora otros. Entre 1765 y 1830, los defensores del neoclasicismo —escritores, oradores, mecenas, coleccionistas, artistas y escultores— rindieron homenaje a una idea de la generación artística asociada con Fidias , pero los ejemplos de escultura que realmente adoptaron fueron, con mayor probabilidad, copias romanas de esculturas helenísticas . Ignoraron tanto el arte griego arcaico como las obras de la Antigüedad tardía . El descubrimiento del arte rococó de la antigua Palmira a través de los grabados en Las ruinas de Palmira de Robert Wood fue toda una revelación. Dado que Grecia permanecía en gran parte inexplorada y era considerada un territorio peligroso del Imperio Otomano , la apreciación de la arquitectura griega por parte de los neoclásicos se transmitió principalmente a través de dibujos y grabados que, sutilmente, suavizaban y regularizaban, "corrigían" y "restauraban" los monumentos griegos, no siempre de forma consciente.

El estilo Imperio , una segunda fase del Neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas , tuvo su centro cultural en París durante la época napoleónica . Especialmente en la arquitectura, pero también en otros campos, el Neoclasicismo siguió vigente mucho después de principios del siglo XIX, con oleadas periódicas de resurgimiento que se extendieron hasta el siglo XX e incluso el XXI, sobre todo en Estados Unidos y Rusia.

Historia

El neoclasicismo es un resurgimiento de los diversos estilos y el espíritu de la antigüedad clásica, inspirado directamente en el período clásico, [ 7 ] que coincidió y reflejó los desarrollos en filosofía y otras áreas de la Ilustración, y fue inicialmente una reacción contra los excesos del estilo rococó precedente . [ 8 ] Si bien el movimiento suele describirse como la contraparte opuesta del Romanticismo , esta es una gran simplificación que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas u obras específicas. El caso del supuesto principal defensor del neoclasicismo tardío, Ingres , lo demuestra especialmente bien. [ 9 ] El resurgimiento puede rastrearse hasta el establecimiento de la arqueología formal . [ 10 ] [ 11 ]

El arqueólogo y teórico del arte italiano Giovanni Pietro Bellori es considerado el precursor del Neoclasicismo. En 1664, pronunció una conferencia sobre el «ideal» en el arte en la Accademia di San Luca de Roma, que se convirtió en la declaración fundamental de la teoría idealista del arte. [ 12 ] La conferencia de Bellori tuvo una influencia decisiva en la teoría académica europea y posteriormente se convirtió en la base teórica del Neoclasicismo defendido por Winckelmann. [ 13 ]

Johann Joachim Winckelmann , a menudo llamado "el padre de la arqueología" [ 14 ]

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en pintura y escultura (1755) y Geschichte der Kunst des Alterthums («Historia del arte antiguo», 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego y romano antiguos, y definir períodos dentro del arte griego, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o la decadencia que continúa teniendo influencia hasta nuestros días. Winckelmann creía que el arte debía aspirar a la «noble sencillez y la serena grandeza» [ 15 ] y elogiaba el idealismo del arte griego, en el que decía que encontramos «no solo la naturaleza en su máxima belleza, sino también algo más allá de la naturaleza, a saber, ciertas formas ideales de su belleza, que, como nos enseña un antiguo intérprete de Platón , provienen de imágenes creadas únicamente por la mente». La teoría distaba mucho de ser nueva en el arte occidental, pero su énfasis en la copia fiel de los modelos griegos era: «La única manera de que lleguemos a ser grandes, o si esto es posible, inimitables, es imitar a los antiguos». [ 16 ]

La Revolución Industrial vio una transición global de la economía humana hacia procesos de fabricación más eficientes y estables. [ 17 ] Hubo un tremendo avance material y una mayor prosperidad. [ 18 ] Con la llegada del Grand Tour , comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones, extendiendo un renacimiento neoclásico por toda Europa. [ 19 ] El "neoclasicismo" en cada arte implica un canon particular de un modelo "clásico".

En inglés, el término «neoclasicismo» se utiliza principalmente para referirse a las artes visuales; el movimiento similar en la literatura inglesa , que comenzó mucho antes, se denomina literatura augustea . Esta, que había sido dominante durante varias décadas, comenzaba a declinar cuando el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque la terminología difiere, la situación en la literatura francesa era similar. En la música, este período vio el auge de la música clásica , y el término «neoclasicismo» se utiliza para referirse a los desarrollos del siglo XX . Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaron un enfoque específicamente neoclásico, tal como se expone en el prefacio de la partitura publicada de Alceste (1769), que pretendía reformar la ópera eliminando la ornamentación , aumentando el papel del coro en consonancia con la tragedia griega y utilizando líneas melódicas más sencillas y sin adornos. [ 20 ]

El término «neoclásico» no se inventó hasta mediados del siglo XIX, y en aquel entonces el estilo se describía con términos como «el verdadero estilo», «reformado» y «renacimiento»; lo que se consideraba un renacimiento variaba considerablemente. Los modelos antiguos ciertamente influyeron mucho, pero el estilo también podía considerarse un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un retorno al barroco más austero y noble de la época de Luis XIV , por el que se había desarrollado una considerable nostalgia a medida que la posición militar y política dominante de Francia comenzaba un grave declive. [ 21 ] El retrato de coronación de Napoleón de Ingres incluso tomó prestados elementos de los dípticos consulares de la Antigüedad tardía y su renacimiento carolingio , para desaprobación de los críticos.

El neoclasicismo tuvo mayor auge en la arquitectura , la escultura y las artes decorativas , donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de la pintura antigua que demostraban las cualidades que, según los escritos de Winckelmann, faltaban en la escultura. Winckelmann participó en la difusión del conocimiento sobre las primeras grandes pinturas romanas descubiertas en Pompeya y Herculano y, al igual que la mayoría de sus contemporáneos, salvo Gavin Hamilton , no quedó impresionado por ellas, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su época. [ 22 ]

En cuanto a la pintura, la pintura griega se había perdido por completo: los pintores neoclásicos la revivieron con gran imaginación, en parte mediante frisos en bajorrelieve , mosaicos y pintura sobre cerámica, y en parte a través de los ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael , los frescos de la Domus Aurea de Nerón , Pompeya y Herculano, y mediante la renovada admiración por Nicolas Poussin . Gran parte de la pintura «neoclásica» es más clasicista en su temática que en cualquier otra cosa. Durante décadas se libró una feroz, aunque a menudo muy mal informada, disputa sobre los méritos relativos del arte griego y romano, con Winckelmann y sus compañeros helenistas generalmente en el bando ganador. [ 23 ]

Pintura, dibujo y grabado

Es difícil recapturar la naturaleza radical y emocionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora les parece incluso a aquellos escritores que se inclinan favorablemente hacia ella "insípida" y "casi completamente desinteresante para nosotros"—algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnaso en la Villa Albani de Anton Raphael Mengs , [ 35 ] del artista a quien su amigo Winckelmann describió como "el artista más grande de su tiempo, y quizás de tiempos posteriores". [ 36 ] Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados , de John Flaxman usaban un dibujo de línea muy simple (considerado el medio clásico más puro [ 37 ] ) y figuras mayormente de perfil para representar La Odisea y otros temas, y alguna vez "encendieron a la juventud artística de Europa" pero ahora están "descuidados", [ 38 ] mientras que las pinturas históricas de Angelica Kauffman , principalmente retratista, son descritas por Fritz Novotny como poseedoras de "una suavidad untuosa y tediosidad" . [ 39 ] La frivolidad rococó y el movimiento barroco habían sido eliminados, pero muchos artistas lucharon por poner algo en su lugar, y en ausencia de ejemplos antiguos para la pintura histórica, aparte de los jarrones griegos utilizados por Flaxman, Rafael tendía a ser utilizado como modelo sustituto, como recomendaba Winckelmann.

La obra de otros artistas, que no podría calificarse fácilmente de insípida, combinó aspectos del Romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forma parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando principalmente dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la prescripción de Winckelmann de "noble sencillez y serena grandeza". [ 40 ] A diferencia de los proyectos no realizados de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron numerosos y rentables, y los llevaban consigo quienes realizaban el Grand Tour por toda Europa. Su tema principal eran los edificios y ruinas de Roma, y ​​se sentía más inspirado por lo antiguo que por lo moderno. La atmósfera algo inquietante de muchas de sus Vedute (vistas) se vuelve dominante en su serie de 16 grabados de Carceri d'invenzione ("Prisiones imaginarias") cuya "arquitectura ciclópea opresiva" transmite "sueños de miedo y frustración". [ 41 ] El suizo Henry Fuseli pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y si bien su estilo fundamental se basaba en principios neoclásicos, sus temas y tratamiento reflejaban con mayor frecuencia la vertiente "gótica" del Romanticismo , y buscaban evocar drama y emoción.

El neoclasicismo en la pintura adquirió un nuevo rumbo con el sensacional éxito de El juramento de los Horacios de Jacques-Louis David en el Salón de París de 1785. A pesar de su evocación de las virtudes republicanas, se trataba de un encargo del gobierno real, que David insistió en pintar en Roma. David logró combinar un estilo idealista con dramatismo y fuerza. La perspectiva central es perpendicular al plano pictórico, acentuada por la tenue arcada del fondo, contra la cual se disponen las figuras heroicas como en un friso , con un toque de la iluminación artificial y la puesta en escena de la ópera , y el colorido clásico de Nicolas Poussin . David se convirtió rápidamente en el líder del arte francés, y tras la Revolución Francesa pasó a ser un político que controlaba gran parte del mecenazgo gubernamental en el arte. Logró mantener su influencia durante el período napoleónico , recurriendo a obras abiertamente propagandísticas, pero tuvo que exiliarse en Bruselas durante la Restauración Borbónica . [ 42 ]

Entre los numerosos alumnos de David figuraba Jean-Auguste-Dominique Ingres , quien se consideraba clasicista a lo largo de su dilatada trayectoria, a pesar de un estilo maduro que guarda una relación ambigua con la corriente principal del Neoclasicismo, y de sus posteriores incursiones en el Orientalismo y el estilo trovadoresco , difíciles de distinguir de las de sus contemporáneos abiertamente románticos, salvo por la primacía que sus obras siempre otorgan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del Impresionismo , pero su estilo, una vez consolidado, apenas cambió. [ 43 ]

Escultura

Si la pintura neoclásica adolecía de una falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir de un exceso de ellos. Aunque los ejemplos de escultura griega auténtica del « Período Clásico », que comenzó alrededor del 500 a. C., eran entonces muy escasos, las obras más prestigiosas eran en su mayoría copias romanas. [ 49 ] Los principales escultores neoclásicos gozaron de gran reputación en su época, pero ahora son menos reconocidos, con la excepción de Jean-Antoine Houdon , cuya obra consistía principalmente en retratos, muy a menudo bustos, que no sacrificaban una fuerte impresión de la personalidad del retratado al idealismo. Su estilo se volvió más clásico a medida que avanzaba su larga carrera, y representa una progresión bastante fluida del encanto rococó a la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistía en que sus retratados vistieran a la romana ni en que estuvieran desnudos. Retrató a la mayoría de las figuras notables de la Ilustración y viajó a América para realizar una estatua de George Washington , así como bustos de Thomas Jefferson , Benjamin Franklin y otros fundadores de la nueva república. [ 50 ] [ 51 ]

Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen residían en Roma y, además de retratos, realizaron numerosas figuras y grupos de tamaño natural de gran envergadura; ambos representaban la marcada tendencia idealizadora de la escultura neoclásica. Canova posee una ligereza y una gracia singulares, mientras que Thorvaldsen es más severo; esta diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias . [ 52 ] Todos ellos, junto con Flaxman, seguían activos en la década de 1820, y el Romanticismo tardó en influir en la escultura, donde las variantes del Neoclasicismo mantuvieron el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.

Un neoclasicista temprano en escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel . [ 53 ] John Flaxman también fue, o principalmente, escultor, produciendo sobre todo relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; también diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph , uno de los pocos escultores neoclásicos que murió joven, fueron los principales artistas alemanes, [ 54 ] con Franz Anton von Zauner en Austria. El escultor austriaco del barroco tardío Franz Xaver Messerschmidt se volcó al neoclasicismo a mitad de su carrera, poco antes de que aparentemente sufriera algún tipo de crisis mental, después de la cual se retiró al campo y se dedicó a las muy distintivas "cabezas de carácter" de figuras calvas haciendo expresiones faciales extremas. [ 55 ] Al igual que los Carceri de Piranesi , estos gozaron de un gran resurgimiento del interés durante la época del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.

Dado que antes de la década de 1830 Estados Unidos no tenía una tradición escultórica propia, salvo en lo que respecta a lápidas, veletas y mascarones de proa de barcos, [ 56 ] se adoptó allí el estilo neoclásico europeo, que prevaleció durante décadas y se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough , Harriet Hosmer , Hiram Powers , Randolph Rogers y William Henry Rinehart .

Arquitectura y artes decorativas

Hotel Gouthière , calle Pierre-Bullet núm. 6, París, posiblemente por J. Métivier, 1780 [ 57 ]
"La sala etrusca ", de Potsdam , Alemania, c. 1840, ilustración de Friedrich Wilhelm Klose.

El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresista, todo al mismo tiempo. [ 58 ]

El neoclasicismo se popularizó primero en Gran Bretaña y Francia, gracias a una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia , Polonia y Rusia . Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas familiares, como en los interiores del amante de Catalina la Grande , el conde Grigory Orlov , diseñados por un arquitecto italiano con un equipo de estucadores italianos : solo los medallones ovalados aislados, a modo de camafeos, y el bajorrelieve sobre las puertas insinúan el neoclasicismo; el mobiliario es completamente rococó italiano.

Una segunda ola neoclásica, más severa, más elaborada (a través del grabado ) y con una marcada orientación arqueológica, se asocia con el apogeo del Imperio napoleónico . En Francia, la primera fase del neoclasicismo se manifestó en el estilo Luis XVI , y la segunda en los estilos Directorio e Imperio . El estilo rococó se mantuvo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos introdujeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como una declaración política por jóvenes italianos urbanos, progresistas y de inclinaciones republicanas.

En las artes decorativas, el Neoclasicismo se ejemplifica en los muebles de estilo Imperio fabricados en París, Londres, Nueva York y Berlín; en los muebles Biedermeier fabricados en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, en el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y en el recién construido Capitolio de los Estados Unidos en Washington, D.C.; y en los bajorrelieves y jarrones de basalto negro de Josiah Wedgwood . El estilo era internacional; el arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos de estilo italiano para Catalina la Grande, de origen alemán, en San Petersburgo, Rusia.

En el interior, el Neoclasicismo redescubrió el auténtico interior clásico, inspirado por los redescubrimientos de Pompeya y Herculano . Estos habían comenzado a finales de la década de 1740, pero solo alcanzaron una amplia audiencia en la década de 1760, [ 59 ] con los primeros volúmenes de lujo de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano ( Las Antigüedades de Herculano ). Las antigüedades de Herculano demostraron que incluso los interiores más clasicistas del Barroco , o las habitaciones más «romanas» de William Kent, se basaban en la arquitectura exterior de basílicas y templos , pero con el exterior hacia el interior, de ahí su apariencia a menudo pomposa para los ojos modernos: marcos de ventanas con frontones convertidos en espejos dorados , chimeneas rematadas con frentes de templo. Los nuevos interiores buscaban recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.

Las técnicas empleadas en este estilo incluían motivos más planos y ligeros, esculpidos en bajo relieve a modo de friso o pintados en tonos monocromáticos en camafeo , medallones, jarrones, bustos, bucráneos u otros motivos aislados, suspendidos de guirnaldas de laurel o cintas, con esbeltos arabescos sobre fondos, quizás, de color rojo pompeyano o tonos pálidos, o colores piedra. En Francia, este estilo era inicialmente parisino, el Goût grec (estilo griego), no cortesano; cuando Luis XVI ascendió al trono en 1774, María Antonieta , su reina amante de la moda, llevó el estilo Luis XVI a la corte. Sin embargo, no hubo un intento real de emplear las formas básicas del mobiliario romano hasta la transición al siglo XIX, y los ebanistas tendían más a inspirarse en la arquitectura antigua, del mismo modo que los orfebres se inspiraban más en la cerámica y la talla en piedra antiguas que en la metalurgia: «Los diseñadores y artesanos... parecen haber sentido un placer casi perverso al transferir motivos de un medio a otro». [ 60 ]

Castillo de Malmaison , 1800, habitación para la emperatriz Joséphine , en la cúspide entre el estilo Directorio y el estilo Imperio

A partir de 1800, una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, plasmados en grabados y aguafuertes, dio un nuevo impulso al Neoclasicismo, el Renacimiento Griego . Al mismo tiempo, el estilo Imperio representó una ola más grandiosa del Neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Basado principalmente en los estilos imperiales romanos, tuvo su origen y tomó su nombre del reinado de Napoleón en el Primer Imperio Francés, donde se pretendía idealizar el liderazgo napoleónico y el Estado francés. Este estilo se corresponde con el estilo Biedermeier, más burgués , en los países de habla alemana; el estilo Federal en Estados Unidos; [ 59 ] el estilo Regencia en Gran Bretaña; y el estilo Napoleónico en Suecia. Según el historiador de arte Hugh Honour , «lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y su transformación, una vez más, en un mero renacimiento de la antigüedad, desprovisto de todas las ideas elevadas y la fuerza de convicción que habían inspirado sus obras maestras». [ 61 ] Una fase anterior de este estilo se denominó estilo Adam en Gran Bretaña.

El neoclasicismo siguió siendo una fuerza importante en el arte académico durante el siglo XIX y más allá —una constante antítesis al Romanticismo y al renacimiento gótico— , aunque desde finales del siglo XIX, en influyentes círculos críticos, a menudo se le consideraba antimoderno, o incluso reaccionario. Los centros de varias ciudades europeas, especialmente San Petersburgo y Múnich , llegaron a parecerse mucho a museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura neogótica (a menudo vinculada al movimiento cultural romántico), un estilo originario del siglo XVIII que ganó popularidad a lo largo del siglo XIX, contrastaba con el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizaba por estilos de influencia griega y romana, líneas geométricas y orden, la arquitectura neogótica hacía hincapié en edificios de aspecto medieval, a menudo con una apariencia rústica y "romántica".

Francia

Estilo Luis XVI (1774–1789)

Marca la transición del Rococó al Clasicismo. A diferencia del Clasicismo de Luis XIV , que transformó los ornamentos en símbolos, el estilo de Luis XVI los representa de la forma más realista y natural posible; es decir, las ramas de laurel son realmente ramas de laurel, las rosas también, etc. Uno de los principales principios decorativos es la simetría. En los interiores, los colores utilizados son muy brillantes, incluyendo blanco, gris claro, azul brillante, rosa, amarillo, lila muy claro y dorado. Se evitan los excesos de ornamentación. [ 72 ] El retorno a la antigüedad es sinónimo, sobre todo, de un retorno a las líneas rectas: las verticales y horizontales estrictas eran la norma. Las líneas sinuosas ya no se toleraban, salvo algún que otro semicírculo u óvalo. La decoración de interiores también respetó este gusto por el rigor, con el resultado de que las superficies planas y los ángulos rectos volvieron a ponerse de moda. El ornamento se utilizó para atenuar esta severidad, pero nunca interfirió con las líneas básicas y siempre se dispuso simétricamente alrededor de un eje central. Aun así, los ebanistas a menudo inclinaban los ángulos delanteros para evitar una rigidez excesiva. [ 73 ]

Los motivos decorativos del estilo Luis XVI se inspiraron en la antigüedad , el estilo Luis XIV y la naturaleza. Elementos característicos del estilo: una antorcha cruzada con una vaina con flechas, discos imbricados, guilloché , nudos de lazo dobles, braseros humeantes, repeticiones lineales de pequeños motivos ( rosetas , cuentas, oves), trofeos o medallones florales colgando de una cinta anudada, hojas de acanto , estrías, entrelazados , meandros , cornucopias , mascarones , urnas antiguas, trípodes, quemadores de perfume, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y grifos . También se utilizan profusamente motivos arquitectónicos grecorromanos: estrías , pilastras (estriadas y lisas), balaustres estriados (torcidos y rectos), columnas ( adosadas y no adosadas, a veces sustituidas por cariátides ), ménsulas volutas , triglifos con gutas (en relieve y trampantojo ). [ 74 ]

Estilo directorio (1789-1804)

Estilo Imperio (1804–1815)

El neoclasicismo fue representativo de la nueva sociedad francesa surgida de la revolución , marcando la pauta en todos los ámbitos de la vida, incluido el arte. La máquina Jacquard se inventó durante este periodo (lo que revolucionó todo el sistema de costura, hasta entonces manual). Uno de los colores predominantes fue el rojo, decorado con bronce dorado . También se utilizaron colores brillantes, como el blanco, el crema, el violeta, el marrón, el azul y el rojo oscuro, con pequeños adornos de bronce dorado. La arquitectura interior incluía paneles de madera decorados con relieves dorados (sobre fondo blanco o de color). Los motivos se disponían geométricamente. Las paredes estaban revestidas de estuco y papel pintado. Las repisas de las chimeneas eran de mármol blanco, con cariátides en las esquinas u otros elementos: obeliscos , esfinges , leones alados, etc. Sobre ellas se colocaban objetos de bronce, como relojes de sobremesa . Las puertas consistían en sencillos paneles rectangulares, decorados con una figura central de inspiración pompeyana. Los tejidos del Imperio eran damascos con fondo azul o marrón, satenes con fondo verde, rosa o morado, terciopelos de los mismos colores, broches bordados con oro o plata y telas de algodón. Todos ellos se utilizaban en interiores para cortinas, para tapizar ciertos muebles, para cojines o tapicería (el cuero también se usaba para tapicería). [ 81 ]

Toda la ornamentación del Imperio se rige por un riguroso espíritu de simetría que recuerda al estilo de Luis XIV . Generalmente, los motivos de los lados derecho e izquierdo de una pieza se corresponden entre sí en cada detalle; cuando no es así, los motivos individuales son completamente simétricos en su composición: cabezas antiguas con trenzas idénticas que caen sobre cada hombro, figuras frontales de la Victoria con túnicas dispuestas simétricamente, rosetas o cisnes idénticos que flanquean una placa de cerradura, etc. Al igual que Luis XIV , Napoleón tenía un conjunto de emblemas inequívocamente asociados a su gobierno, sobre todo el águila, la abeja, las estrellas y las iniciales I (de Imperator ) y N (de Napoleon ), que solían estar inscritas dentro de una corona de laurel imperial. Entre los motivos utilizados se incluyen: figuras de la Victoria portando ramas de palma, bailarines griegos, mujeres desnudas y drapeadas, figuras de carros antiguos, putti alados , mascarones de Apolo , Hermes y la Gorgona , cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes, mariposas, garras, quimeras aladas , esfinges , bucráneos , caballitos de mar, coronas de roble anudadas con finas cintas colgantes, vides trepadoras, ristras de amapolas , rosetas , ramas de palma y laurel. Hay muchos motivos grecorromanos: hojas de acanto rígidas y planas , palmetas , cornucopias , cuentas, ánforas , trípodes, discos imbricados, caduceos de Mercurio , jarrones, cascos, antorchas encendidas, trompetistas alados e instrumentos musicales antiguos (tubas, sonajeros y especialmente liras ). A pesar de su origen antiguo, las estrías y los triglifos tan frecuentes bajo Luis XVI se abandonan. Los motivos del renacimiento egipcio son especialmente comunes al comienzo del período: escarabajos , capiteles de loto , discos alados, obeliscos, pirámides , figuras con némesis , cariátides en gâne sostenidas por los pies descalzos y mujeres con tocados egipcios. [ 82 ]

Alemania

La arquitectura neoclásica se popularizó como símbolo de riqueza y poder en Alemania, sobre todo en la entonces Prusia . Karl Friedrich Schinkel construyó numerosos edificios emblemáticos de este estilo, entre ellos el Altes Museum de Berlín. Si bien la ciudad seguía dominada por el urbanismo barroco, su arquitectura y estilo funcional le otorgaron un centro claramente neoclásico.

Su Bauakademie es considerada una de las precursoras de la arquitectura moderna debido a la fachada relativamente estilizada del edificio, hasta entonces poco común.

Italia

Desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el siglo XIX, Italia experimentó importantes cambios socioeconómicos, varias invasiones extranjeras y el turbulento Risorgimento, que culminó con la unificación italiana en 1861. Por consiguiente, el arte italiano sufrió una serie de cambios de estilo, tanto menores como mayores.

El neoclasicismo italiano fue la primera manifestación del período general conocido como neoclasicismo y duró más que las otras variantes nacionales de este estilo. Se desarrolló en oposición al estilo barroco alrededor de 1750 y perduró hasta aproximadamente 1850. El neoclasicismo comenzó en torno al redescubrimiento de Pompeya y se extendió por toda Europa a medida que una generación de estudiantes de arte regresaba a sus países tras el Grand Tour por Italia, redescubriendo los ideales grecorromanos. Inicialmente se centró en Roma, donde artistas como Antonio Canova y Jacques-Louis David estuvieron activos en la segunda mitad del siglo XVIII, antes de trasladarse a París. Pintores de Vedute , como Canaletto y Giovanni Paolo Panini , también gozaron de un gran éxito durante el Grand Tour. La arquitectura neoclásica se inspiró en las obras renacentistas de Andrea Palladio y vio en Luigi Vanvitelli a los principales intérpretes del estilo.

La literatura clasicista tuvo un gran impacto en el movimiento del Risorgimento: entre las figuras principales de este período se encuentran Vittorio Alfieri , Giuseppe Parini , Vincenzo Monti y Ugo Foscolo , Giacomo Leopardi y Alessandro Manzoni (sobrino de Cesare Beccaria ), quienes también recibieron la influencia de la Ilustración francesa y el Romanticismo alemán. El virtuoso violinista Paganini y las óperas de Rossini , Donnizetti , Bellini y, posteriormente, Verdi dominaron el panorama de la música clásica y romántica italiana.

El arte de Francesco Hayez , y especialmente el de los Macchiaioli, representó una ruptura con la escuela clásica, que llegó a su fin con la reunificación de Italia (véase Arte moderno y contemporáneo italiano). El neoclasicismo fue el último estilo de origen italiano, después del Renacimiento y el Barroco, en extenderse por todo el arte occidental.

Rumania

Durante el siglo XIX, el estilo predominante en Valaquia y Moldavia , posteriormente el Reino de Rumania , fue el Clasicismo , que perduró durante mucho tiempo, hasta el siglo XX, aunque coexistió en breves periodos con otros estilos. Arquitectos e ingenieros extranjeros fueron invitados desde la primera década del siglo XIX. La mayoría de los arquitectos que construyeron a principios de siglo eran extranjeros, ya que los rumanos aún no contaban con la formación necesaria para diseñar edificios muy diferentes a la tradición rumana. Generalmente utilizando el Clasicismo, comenzaron a construir junto con artesanos rumanos, formados habitualmente en escuelas o academias extranjeras. Algunos arquitectos rumanos también estudiaron en escuelas de Europa Occidental. Un ejemplo de ello es Alexandru Orăscu , uno de los representantes del Neoclasicismo en Rumania.

El clasicismo se manifestó tanto en la arquitectura religiosa como en la secular. Un buen ejemplo de arquitectura secular es el Palacio Știrbei en Calea Victoriei ( Bucarest ), construido alrededor del año 1835, según los planos del arquitecto francés Michel Sanjouand . Recibió una nueva planta en 1882, diseñada por el arquitecto austriaco Joseph Hartmann [ 87 ] [ 88 ].

Ucrania

En algunas ciudades ucranianas, se ha conservado el rico patrimonio arquitectónico de la época de los imperios ruso y austrohúngaro, lo que refleja que, durante la mayor parte de la historia, las tierras étnicas ucranianas estuvieron bajo el control de otros estados. Un claro ejemplo es la calle Teatralna en la ciudad de Kropyvnytskyi , cuyos edificios fueron construidos en el siglo XIX en estilo neoclásico por arquitectos europeos invitados. [ 89 ] [ 90 ]

Rusia y la Unión Soviética

Entre 1905 y 1914, la arquitectura rusa atravesó un breve pero influyente período de renacimiento neoclásico . Esta tendencia comenzó con la recreación del estilo Imperio del período alejandrino y se expandió rápidamente hacia diversas escuelas neorrenacentistas, palladianas y modernizadas, aunque reconociblemente clásicas. Arquitectos nacidos en la década de 1870, que alcanzaron su máximo esplendor creativo antes de la Primera Guerra Mundial, como Ivan Fomin , Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky , lideraron este movimiento . Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en un entorno principalmente modernista ; algunos (Zholtovsky) siguieron estrictamente el canon clásico, mientras que otros (Fomin, Shchuko, Ilya Golosov ) desarrollaron sus propios estilos modernizados. [ 91 ]

Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial del modernismo (1932), evidenciada en el concurso internacional para el Palacio de los Soviets , el neoclasicismo se promovió de inmediato como una de las opciones en la arquitectura estalinista , aunque no la única. Coexistió con la arquitectura moderadamente modernista de Boris Iofan , rozando el art déco contemporáneo (Schuko); nuevamente, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela de Zholtovsky, que permaneció como un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas , pero fue sinceramente bien recibida por los arquitectos de las escuelas clásicas.

El neoclasicismo fue una opción fácil para la Unión Soviética, ya que no dependía de tecnologías de construcción modernas ( estructuras de acero o hormigón armado ) y podía reproducirse con mampostería tradicional . Así, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros maestros antiguos se replicaron fácilmente en pueblos remotos bajo un estricto racionamiento de materiales . La mejora de la tecnología de construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió a los arquitectos estalinistas aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluida la arquitectura "exportada" del Palacio de la Cultura y la Ciencia de Varsovia y el Centro Internacional de Convenciones de Shanghái ) tienen poco en común con los modelos clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la costosa arquitectura estalinista.

Reino Unido

El estilo Adam fue creado por dos hermanos, Adam y James , quienes publicaron en 1777 un volumen de grabados con ornamentación interior. En la decoración de interiores realizada a partir de los dibujos de Robert Adam, las paredes, techos, puertas y cualquier otra superficie se dividen en grandes paneles: rectangulares, redondos, cuadrados, con estucos y motivos grecorromanos en los bordes. Los ornamentos utilizados incluyen guirnaldas , perlas, bandas de ovas y dardos , medallones y otros motivos propios de la Antigüedad Clásica (especialmente los etruscos ). Los elementos decorativos, como jarrones de piedra en forma de urna, cubertería dorada, lámparas y estatuillas, tienen la misma fuente de inspiración: la Antigüedad Clásica. El estilo Adam enfatiza los refinados espejos rectangulares, enmarcados como cuadros (en marcos con hojas estilizadas) o con un frontón sobre ellos que sostiene una urna o un medallón. Otro diseño de espejos Adam tiene forma de ventana veneciana , con un gran espejo central entre otros dos más delgados y alargados. Otro tipo de espejos son los ovalados, generalmente decorados con guirnaldas. Los muebles de este estilo tienen una estructura similar a los muebles Luis XVI . [ 98 ]

Además del estilo Adam, en el ámbito de las artes decorativas, Inglaterra también es conocida por el fabricante de cerámica Josiah Wedgwood (1730-1795), quien fundó una alfarería llamada Etruria. La cerámica Wedgwood se elabora con un material llamado jasperware , un tipo de gres duro y de grano fino . Los jarrones Wedgwood suelen estar decorados con relieves en dos colores; en la mayoría de los casos, las figuras son blancas y el fondo azul.

Estados Unidos

En el continente americano , la arquitectura y la decoración de interiores han estado fuertemente influenciadas por los estilos desarrollados en Europa. El gusto francés ha marcado una marcada presencia en los estados del sur (tras la Revolución Francesa, algunos emigrantes se trasladaron allí, y en Canadá una gran parte de la población tiene orígenes franceses). El espíritu práctico y la situación material de los estadounidenses de la época dotaron a los interiores de una atmósfera característica. Todos los muebles, alfombras, vajillas, cerámica y cubertería estadounidenses, con todas sus influencias europeas, y a veces islámicas , turcas o asiáticas , se fabricaban de acuerdo con las normas, el gusto y las necesidades funcionales estadounidenses. En Estados Unidos existieron periodos del estilo Reina Ana y Chippendale . Un estilo propio, el estilo Federal, se desarrolló plenamente en los siglos XVIII y principios del XIX, floreciendo bajo la influencia del gusto británico. Bajo el impulso del Neoclasicismo, se crearon arquitectura, interiores y muebles. El estilo, si bien presenta numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras arquitectónicas, los interiores y el mobiliario son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó . Las formas empleadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Los paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. El mobiliario suele estar decorado con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces doradas ). [ 102 ]

Jardines

En Inglaterra, la literatura augustea guardaba un paralelismo directo con el estilo paisajístico de la época. Estos vínculos se aprecian claramente en la obra de Alexander Pope . Los mejores ejemplos conservados de jardines neoclásicos ingleses son Chiswick House , Stowe House y Stourhead . [ 103 ]

Moda

En la moda, el neoclasicismo influyó en la mayor sencillez de los vestidos femeninos y en la perdurable tendencia del blanco desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después de ella que los intentos exhaustivos de imitar estilos antiguos se pusieron de moda en Francia, al menos para las mujeres. Los trajes clásicos habían sido usados ​​durante mucho tiempo por damas elegantes que posaban como algún personaje de la mitología griega o romana en un retrato (en particular, hubo una oleada de retratos de este tipo de la joven modelo Emma, ​​Lady Hamilton, de la década de 1780), pero dichos trajes solo se usaban para las sesiones de retrato y los bailes de máscaras hasta el período revolucionario, y quizás, como otros estilos exóticos, como ropa informal en casa. Pero los estilos que lucían en los retratos de Juliette Récamier , Joséphine de Beauharnais , Thérésa Tallien y otras creadoras de tendencias parisinas también eran apropiados para salir en público. Al ver a Madame Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó diciendo: "¡ Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement! " ("¡No se podría estar más suntuosamente desnuda!"). En 1788, justo antes de la Revolución, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun había organizado una cena griega donde las damas llevaban sencillas túnicas griegas blancas. [ 104 ] Los peinados clásicos más cortos, con rizos cuando era posible, eran menos controvertidos y muy ampliamente adoptados, y el cabello ahora se descubría incluso al aire libre; excepto para los vestidos de noche, antes se solían usar cofias u otros velos incluso en interiores. En su lugar, se usaban cintas o diademas finas de estilo griego para atar o decorar el cabello.

Vestidos muy ligeros y sueltos, generalmente blancos y a menudo con brazos sorprendentemente descubiertos, se elevaban transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, donde había un dobladillo o lazo fino muy marcado alrededor del cuerpo, a menudo en un color diferente. La forma ahora se conoce a menudo como silueta Imperio, aunque es anterior al Primer Imperio Francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Josefina de Beauharnais fue influyente en su difusión por toda Europa. Un chal o estola rectangular larga, muy a menudo de color rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en el clima más frío, y aparentemente se colocaba alrededor de la cintura al sentarse, para lo cual se preferían las posturas semirreclinadas extendidas. [ 105 ] A principios del siglo XIX, tales estilos se habían extendido ampliamente por toda Europa.

La moda neoclásica masculina fue mucho más problemática y nunca llegó a consolidarse, salvo en lo referente al cabello, donde desempeñó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente acabaron con el uso de pelucas y, posteriormente, de polvos blancos para el cabello en los hombres jóvenes. El pantalón había sido símbolo del bárbaro para griegos y romanos, pero fuera del estudio del pintor o, especialmente, del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, este periodo presenció el triunfo del pantalón puro, o pantaloon , sobre la culotte o calzones hasta la rodilla del Antiguo Régimen . Incluso cuando David diseñó un nuevo «traje nacional» francés a petición del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario por el cambio radical en 1792, este incluía mallas bastante ajustadas bajo un abrigo que llegaba por encima de la rodilla. Una gran proporción de jóvenes acomodados pasó gran parte del período clave en el servicio militar debido a las Guerras Revolucionarias Francesas , y el uniforme militar, que comenzó a enfatizar las chaquetas cortas en la parte delantera, dejando ver completamente los pantalones ajustados, se usaba a menudo cuando no se estaba de servicio e influyó en los estilos masculinos civiles.

El problema de los pantalones había sido reconocido por los artistas como un obstáculo para la creación de pinturas de historia contemporánea ; al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea, muchos artistas y críticos los consideraban irremediablemente feos y poco heroicos. Se emplearon diversas estrategias para evitar representarlos en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood descubriendo las ruinas de Palmira (1758), de Gavin Hamilton , los dos caballeros anticuarios aparecen con túnicas árabes similares a togas . En Watson y el tiburón (1778), de John Singleton Copley , la figura principal podría mostrarse desnuda, y la composición es tal que, de los otros ocho hombres representados, solo uno muestra una pierna con pantalones de forma prominente. Sin embargo, los estadounidenses Copley y Benjamin West lideraron a los artistas que demostraron con éxito que los pantalones podían usarse en escenas heroicas, con obras como La muerte del general Wolfe (1770) de West y La muerte del mayor Peirson, 6 de enero de 1781 (1783) de Copley , aunque todavía se evitaba cuidadosamente el uso de pantalones en La balsa de la Medusa , terminada en 1819.

Entre los peinados masculinos de inspiración clásica se encontraba el Bedford Crop , posiblemente el precursor de la mayoría de los estilos masculinos modernos y sencillos, inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford, como protesta contra un impuesto sobre el polvo para el cabello ; animó a sus amigos a adoptarlo apostando a que no lo harían. Otro estilo influyente (o grupo de estilos) fue denominado por los franceses " coiffure à la Titus " en honor a Tito Junio ​​Bruto (no al emperador romano Tito , como se suele suponer), con el cabello corto y capeado, pero algo recogido en la coronilla, a menudo con tupés o mechones sueltos; se conocen variantes en el cabello de Napoleón y Jorge IV del Reino Unido. Se cree que el estilo fue introducido por el actor François-Joseph Talma , quien eclipsó a sus compañeros de reparto con peluca al aparecer en producciones de obras como Bruto de Voltaire (sobre Lucio Junio ​​Bruto , quien ordena la ejecución de su hijo Tito). En 1799, una revista de moda parisina informó que incluso los hombres calvos estaban adoptando pelucas Titus, [ 106 ] y el estilo también era usado por mujeres, el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca a la Titus . [ 107 ]

Música

El neoclasicismo en la música es un movimiento del siglo XX; en este caso, se trataba de revivir los estilos musicales clásico y barroco de los siglos XVII y XVIII, con su predilección por los temas griegos y romanos, y no la música del mundo antiguo en sí. (A principios del siglo XX aún no se había distinguido el período barroco en la música, del que se inspiraron principalmente los compositores neoclásicos, de lo que hoy llamamos período clásico). El movimiento fue una reacción en la primera parte del siglo XX al cromatismo desintegrador del Romanticismo tardío y el Impresionismo , surgiendo en paralelo con el Modernismo musical, que buscaba abandonar por completo la tonalidad fundamental. Manifestaba un deseo de limpieza y simplicidad de estilo, lo que permitía una paráfrasis bastante disonante de los procedimientos clásicos, pero buscaba disipar las telarañas del Romanticismo y los destellos crepusculares del Impresionismo en favor de ritmos audaces, armonía asertiva y formas seccionales nítidas, coincidiendo con la moda de la danza y el vestuario "clásicos" reconstruidos en el ballet y la educación física .

La suite de danzas de los siglos XVII y XVIII había experimentado un pequeño resurgimiento antes de la Primera Guerra Mundial, pero los neoclásicos no estaban del todo satisfechos con el diatonismo puro y tendían a enfatizar la brillante disonancia de las suspensiones y los ornamentos, las cualidades angulares de la armonía modal del siglo XVII y las líneas enérgicas de la escritura a varias voces contrapuntística. Las "Aires y danzas antiguas " (1917) de Ottorino Respighi allanaron el camino para el tipo de sonido al que aspiraban los neoclásicos. Si bien la práctica de tomar prestados estilos musicales del pasado no ha sido infrecuente a lo largo de la historia de la música, las músicas cultas han atravesado períodos en los que los músicos utilizaron técnicas modernas junto con formas o armonías más antiguas para crear nuevos tipos de obras. Las características compositivas más destacadas son: la referencia a la tonalidad diatónica, las formas convencionales (suites de danza, concerti grossi, formas sonata, etc.), la idea de una música absoluta sin ataduras de asociaciones descriptivas o emotivas, el uso de texturas musicales ligeras y una concisión en la expresión musical. En la música clásica, esto se percibió con mayor claridad entre las décadas de 1920 y 1950. Igor Stravinsky es el compositor más conocido que utilizó este estilo; de hecho, inició la revolución musical con su Octeto para instrumentos de viento (1923), de estilo bachiano. Una obra en particular que representa bien este estilo es la Sinfonía Clásica n.° 1 en re mayor de Prokofiev , que recuerda al estilo sinfónico de Haydn o Mozart . El ballet neoclásico, tal como lo innovó George Balanchine, simplificó el estilo imperial ruso en cuanto a vestuario, pasos y narrativa, al tiempo que introdujo innovaciones técnicas.

Neoclasicismo posterior y continuaciones

Después de mediados del siglo XIX, el Neoclasicismo dejó de ser el estilo dominante, siendo reemplazado por el Eclecticismo de los estilos clásicos . El Palacio Garnier de París es un buen ejemplo de ello, ya que, a pesar de ser predominantemente neoclásico, presenta elementos y ornamentos tomados de la arquitectura barroca y renacentista . Esta práctica fue frecuente en la arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX, antes de la Primera Guerra Mundial . Además del Neoclasicismo, la Escuela de Bellas Artes de París es bien conocida por este eclecticismo de los estilos clásicos.

Pablo Picasso experimentó con motivos clasicistas en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial. [ 110 ]

En la arquitectura estadounidense, el Neoclasicismo fue una expresión del movimiento del Renacimiento estadounidense , entre 1890 y 1917 aproximadamente ; su última manifestación se dio en la arquitectura Beaux-Arts , y sus últimos grandes proyectos públicos fueron el Monumento a Lincoln (muy criticado en su momento), la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C. (también duramente criticada por la comunidad arquitectónica por su mentalidad retrógrada y su diseño anticuado), y el Monumento a Roosevelt en el Museo Americano de Historia Natural . Estos fueron considerados anacronismos estilísticos al ser terminados. En el Raj británico, la monumental planificación urbana de Sir Edwin Lutyens para Nueva Delhi marca el ocaso del Neoclasicismo. La Segunda Guerra Mundial destrozó la mayor parte de la añoranza (e imitación) de una época mítica.

Durante el siglo XX existió todo un movimiento artístico no visual conocido como Neoclasicismo. Este movimiento abarcó, entre otros campos, la música, la filosofía y la literatura. Se desarrolló entre el final de la Primera y la Segunda Guerra Mundial. (Para obtener información sobre los aspectos musicales, consulte Música clásica del siglo XX y Neoclasicismo en la música . Para obtener información sobre los aspectos filosóficos, consulte Grandes Libros ).

Este movimiento literario neoclásico rechazó el romanticismo extremo del dadaísmo , en favor de la sobriedad, la religión (específicamente el cristianismo) y un programa político reaccionario. Si bien T. E. Hulme sentó las bases de este movimiento en la literatura inglesa , los neoclásicos más famosos fueron T. S. Eliot y Wyndham Lewis . En Rusia, el movimiento se cristalizó ya en 1910 bajo el nombre de acmeísmo , con Anna Ajmátova y Osip Mandelshtam como sus principales representantes.

Art Déco

Although it started to be seen as 'dated' after WW1, principles, proportions and other Neoclassical elements were not abandoned yet. Art Deco was the dominant style during the interwar period, and it corresponds with the taste of a bourgeois elite for high class French styles of the past, including the Louis XVI, Directoire and Empire (the period styles of French Neoclassicism). At the same time, the French elite was equally capable of appreciating Modern art, like the works of Pablo Picasso or Amedeo Modigliani. The result of this situation is the early Art Deco style, which uses both new and old elements. The Palais de Tokyo from 1937 in Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, is a good example of this. Although ornaments are not used here, the facade being decorated only with reliefs, the way columns are present here is a strong reminiscence of Neoclassicism. Art Deco design often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes by Émile-Jacques Ruhlmann or Louis Süe & André Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan. Conservative modernist architects such as Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings.

The oscillation of Art Deco between the use of historic elements, shapes and proportions, and the appetite for 'new', for Modernism, is the result of multiple factors. One of them is eclecticism. The complexity and heterogeneity of Art Deco is largely due to the eclectic spirit. Stylized elements from repertoire of Beaux-Arts, Neoclassicism, or of cultures distant in time and space (Ancient Egypt, Pre-Columbian Americas, or Sub-Saharian African art) are put together with references to Modernist avant-guard artists of the early 20th century (Henri Matisse, Amedeo Modigliani or Constantin Brâncuși). The Art Deco phenomenon owes to academic eclecticism and Neoclassicism mainly the existence of a specific architecture. Without the contribution of the Beaux-Arts trained architects, Art Deco architecture would have remained, with the exception of residential buildings, a collection of decorative objects magnified to an urban scale, like the pavilions of the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts from 1925, controversial at their time. Another reason for the swinging between historical elements and modernism was consumer culture. Objects and buildings in the puritan International style, devoid of any ornamentation or citation of the past, were too radical for the general public. In interwar France and England, the spirit of the public and much architectural criticism could not conceive a style totally deprived of ornament, like the International style.

The use of historic styles as sources of inspiration for Art Deco starts as far back as the years before WW1, through the efforts of decorators like Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot or Émile-Jacques Ruhlmann, who relate to the prestigious French artistic and handicraft tradition of the late 18th and early 19th centuries (the Louis XVI, Directoire and Louis Philippe), and who want to bring a new approach to these styles. The neo-Louis XVI style was really popular in France and Romania in the years before WW1, around 1910, and it heavily influenced multiple early Art Deco designs and buildings. A good example of this is the Château de Sept-Saulx in Grand Est, France, by Louis Süe, 1928–1929.[118]

Neoclassicism and totalitarian regimes

In Fascist Italy, Nazi Germany, Romania under the rule of Carol II and the Soviet Union, during the 1920s and 1930s, totalitarian regimes chose Neoclassicism for state buildings and art. Architecture was central to totalitarian regimes' expression of their permanence (despite their obvious novelty). The way totalitarian regimes drew from Classicism took many forms. When it comes to state buildings in Italy and Romania, architects attempted to fuse a modern sensibility with abstract classical forms. Two good examples of this are the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome, and the University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). In contrast, the Classicism of the Soviet Union, known as socialist realism, was bombastic, overloaded with ornaments and architectural sculptures, as an attempt to be in contrast with the simplicity of 'Capitalist' or 'bourgeois' styles like Art Deco or Modernism. The Lomonosov University in Moscow is a good example of this. Nikita Khrushchev, the Soviet leader that succeeded Stalin, did not like this pompous socialist realist architecture from the reign of his predecessor. Because of the low speed and cost of these Neoclassical buildings, he stated that 'they spent people's money on beauty that no one needs, instead of building simpler, but more'.

In the Soviet Union, Neoclassicism was embraced as a rejection of Art Deco and Modernism, which the Communists saw as being too 'bourgeois' and 'capitalist'. This Communist Neoclassical style is known as socialist realism, and it was popular during the reign of Joseph Stalin (1924–1953). In fine art. Generally, it manifested through deeply idealized representations of wiry workers, shown as heroes in collective farms or industrialized cities, political assemblies, achievements of Soviet technology, and through depictions happy children staying around Lenin or Stalin. Both subject matter and representation were carefully monitored. Artistic merit was determined by the degree to which a work contributed to the building of socialism. All artists had to join the state-controlled Union of Soviet Artists and produce work in the accepted style. The three guiding principles of socialist realism were party loyalty, presentation of correct ideology and accessibility. Realism, more easily understood by the masses, was the style of choice. At the beginning, in the Soviet Union, multiple competing avant-garde movements were present, notably Constructivism. However, as Stalin consolidated his power towards the end of the 1920s, avant-garde art and architecture were suppressed and eventually outlawed and official state styles were established. After Boris Iofan won the competition for the design of the Palace of the Soviets with a stepped classical tower, surmounted by a giant statue of Lenin, architecture soon reverted to pre-Revolutionary styles of art and architecture, untainted by Constructivism's perceived Western influence.[125] Although socialist realism in architecture ended more or less with the death of Stalin and the rise of Nikita Khrushchev, paintings in this style continued to be produced, especially in countries where there was a strong personality cult of the leader in power, like in the case of Mao Zedong's China, Kim Il Sung's North Korea, or Nicolae Ceaușescu's Romania.

The Nazis suppressed Germany's vibrant avant-garde culture once they gained control of the government in 1933. Albert Speer was set as Adolf Hitler's architectural advisor in 1934, and he tried to create an architecture that would both reflect the perceived unity of the German people and act as backdrop to the Nazis' expressions of power. The Nazis' approach to architecture was riddled with contradictions: while Hitler and Speer's plans for reordering Berlin aspired to imitate imperial Rome, in rural contexts Nazi buildings took inspiration from local vernaculars, trying to channel an 'authentic' German spirit. When it come to fine art, the Nazis created the term 'Degenerate art' for Modern art, a kind of art which to them was 'un-German', 'Jewish' or 'Communist'. The Nazis hated modern art and linked it to 'Cultural Bolshevism', the conspiracy theory that art (or culture broadly) was controlled by a leftist Jewish cabal seeking to destroy the aryan race. Hitler's war on Modern art mostly consisted of an exhibition that tried to discredit Modern artists, called the 'Degenerate Art exhibition' (German: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). This exhibition was displayed next to the Great Exhibition of German Art, which consisted of artworks that the Nazis approved of. This way, the visitors of both exhibitions could compare the art labeled by the regime as 'good' and 'bad'. With a similar attitude, the regime closed in 1931 the Bauhaus, an avant-garde art school in Dessau that was extremely influential post-war. It reopened in Berlin in 1932, but was closed again in 1933.

Compared to Germany and the Soviet Union, in Italy the avant-garde contributed to state architecture. Classical architecture was also an influence, echoing Benito Mussolini's far cruder attempts to create links between his Fascist regime and ancient Rome. Some Italian architects tried to create fusions between Modernism and Classicism, like Marcello Piacentini with the Sapienza University of Rome, or Giuseppe Terragni with Casa del Fascio in Como.[126]

In Romania, towards the late 1930s, influenced by the Autocratic tendency of King Carol II, multiple state buildings were erected. They were Neoclassical, many very similar to what was popular in the same years in Fascist Italy. Examples in Bucharest include the University Rectorate and Law Faculty Building (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), the Kretzulescu Apartment Building (Calea Victoriei no. 45), the CFR Building (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) or the Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). The Royal Palace, whose interiors are mostly done in a neo-Adam style, stands out by being more decorated, a little closer to the architecture before World War I.

Postmodernism

An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'[139] Robert Venturi's work reflected the broader counter-cultural mood of the 1960s which saw younger generations begin to question and challenge the political, social and racial realities with which they found themselves confronted. This rejection of Modernism is known as Postmodernism. Robert Venturi parodies Ludwig Mies van der Rohe's well-known maxim 'less is more' with 'less is a bore'. During the 1980s and 1990s, some Postmodern architects found a refuge in a sort of Neo-Neoclassicism. Their use of Classicism was not limited only to ornaments, using more or less proportions and other principles too. Post-Modern Classicism had been variously described by some people as 'camp' or 'kitsch'. An architect who has been remarked through Post-Modern Classicism is Ricardo Bofill. His work includes two housing projects of titanic scale near Paris, known as Les Arcades du Lac from 1975 to 1981, and Les Espaces d'Abraxas from 1978 to 1983. A building that stands out through its revivalism is the J. Paul Getty Museum, in Malibu, California, from 1970 to 1975, inspired by the ancient Roman Villa of the Papyri at Herculaneum. The J. Paul Getty Museum is far closer to 19th century Neoclassicism, like the Pompejanum in Aschaffenburg, Germany, than to Post-Modern Classicism of the 1980s.[140]

Architecture in the 21st century

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of New Classical Architecture. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[142] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District and the National Theatre of Catalonia in Barcelona among them. Postmodern architecture occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Driehaus Architecture Prize is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.[143]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center in Nashville being an example.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sackler Library.

See also

Notes

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