Carl Orff

Carl Heinrich Maria Orff was born in Munich on 10 July 1895, the son of Paula Orff (née Köstler; 1872–1960) and Heinrich Orff (1869–1949). His family was Bavarian and was active in the Imperial German Army; his father was an army officer with strong musical interests, and his mother was a trained pianist. His grandfathers, Carl Maximilian von Orff (1828–1905) and Karl Köstler (1837–1924), were both major generals and also scholars.^[4][5][6] His paternal grandmother, Fanny Orff (née Kraft; 1833–1919), was the daughter of Jews who had converted to Catholicism before her birth, Heinrich Kraft (1784–1866) and Barbara Kraft (née Neustädtl, 1797–1872).^[7][8] His maternal grandmother was Maria Köstler (née Aschenbrenner; 1845–1906).^[1] Orff had one sibling, his younger sister Maria ("Mia", 1898–1975),^[9] who married the architect Alwin Seifert (1890–1972) in 1924.^[10]

A pesar de los antecedentes militares de su familia, Orff recordó en 1970: "En la casa de mi padre había sin duda más música que instrucción militar". ^{[ 11 ]} A los cinco años, comenzó a tocar el piano y más tarde estudió violonchelo y órgano. ^{[ 4 ]} Compuso algunas canciones y música para obras de títeres. ^{[ 2 ]} En julio de 1905, publicó dos viñetas en Das gute Kind , el suplemento infantil de Die katholische Familie . ^{[ 12 ]} Comenzó a asistir a conciertos en 1903 y escuchó su primera ópera ( El holandés errante de Richard Wagner ) en 1909. Entre los conciertos formativos a los que asistió se encuentran el estreno mundial de Das Lied von der Erde de Gustav Mahler en 1911 y la ópera Elektra de Richard Strauss el 4 de junio de 1914. ^{[ 13 ]}

En 1910-12, Orff escribió varias docenas de Lieder sobre textos de poetas alemanes, incluido el conjunto de canciones Frühlingslieder (Opus 1, texto de Ludwig Uhland ) y el ciclo de canciones Eliland: Ein Sang von Chiemsee (Opus 12, texto de Karl Stieler ). El poeta cuya obra utilizó con mayor frecuencia fue Heinrich Heine ; también eligió textos de Walther von der Vogelweide , la princesa Matilde de Baviera (1877-1906) , Friedrich Hölderlin , Ludwig August Frankl , Hermann Lingg , Rudolf Baumbach , Richard Beer-Hofmann y Börries von Münchhausen , entre otros. Las canciones de Orff encajaban en el estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero con indicios de lo que se convertiría en el lenguaje musical distintivo de Orff. Algunas de sus canciones se publicaron en 1912. Entre ellas se encuentra Eliland , con una dedicatoria a Karl Köstler, quien financió la publicación. ^{[ 14 ] [ a ]} ​​En 1911-12, Orff escribió Zarathustra (Opus 14), una obra extensa para voz de barítono , tres coros de tenor-bajo, vientos, percusión, arpas, pianos y órgano, basada en un pasaje de la novela filosófica de Friedrich Nietzsche Así habló Zarathustra . ^{[ 15 ] [ 16 ]}

Orff estudió en la Academia de Música de Múnich desde 1912 hasta 1914. ^{[ 15 ] [ 17 ]} Orff escribió más tarde que su decisión de dedicarse a los estudios musicales en lugar de completar el Gymnasium fue la fuente de una disputa familiar, ya que el patriarca Orff (el hermano mayor de su padre, también llamado Karl Orff, 1863–1942 ^{[ 18 ]} ) estaba en contra de la idea. Orff contó con el apoyo de su madre, quien persuadió a su padre, y de su abuelo Köstler. ^{[ 19 ]} El maestro de Orff en la Akademie fue el compositor Anton Beer-Walbrunn , de quien más tarde escribió con respeto, pero dijo que encontró la academia en general "conservadora y anticuada" ( konservativ und altväterlich ). ^{[ 20 ]} En este tiempo, estudió las obras de Arnold Schoenberg , y una de sus influencias más importantes en este tiempo fue el compositor francés Claude Debussy . ^{[ 21 ]} Estas influencias se pueden escuchar en su primera obra escénica, el drama musical Gisei: Das Opfer ( Gisei: El sacrificio , Opus 20), escrito en 1913 pero no representado hasta 2010. El material fuente de Orff es una traducción al alemán de parte de Sugawara Denju Tenarai Kagami , específicamente "Terakoya" ("La escuela del pueblo") en el Acto IV. En 1914 Orff escribió Tanzende Faune: Ein Orchesterspiel (Opus 21). La obra iba a ser representada en la Akademie  —su primera interpretación por una orquesta—  pero el director Eberhard Schwickerath la retiró del programa después de un ensayo fallido; ^{[ 22 ]} Se estrenó en 1995. En 1915, comenzó a estudiar piano con Hermann Zilcher . En una carta a su padre, calificó los estudios con Zilcher como su relación docente más productiva hasta la fecha. ^{[ 23 ]} Por esta época también conoció al director de teatro Otto Falckenberg y vio obras de August Strindberg y Frank Wedekind . ^{[ 24 ]}

Orff fue forzado a unirse al ejército alemán en agosto de 1917, lo que supuso una gran crisis para él. ^{[ 25 ]} En una carta a su padre fechada el 3 de agosto de 1917, escribió:

Mi futuro yace ahora más que nunca en la oscuridad. Que iré al campo de batalla es absolutamente seguro. Aquí la decisión debe, y será, recaer (sabes que estoy libre de sentimentalismos): o bien encuentro el fin de todo lo que me ha empujado y casi aplastado, o bien me convierto en una persona completamente nueva y empiezo, en cierto sentido, de nuevo. Lo que tenga que venir, debería venir mucho mejor que el tiempo pasado. ^{[ 26 ]}

En el otoño siguiente, resultó gravemente herido y casi muere cuando una trinchera se derrumbó, sufriendo amnesia , afasia y parálisis del lado izquierdo. ^{[ 27 ]} Durante su difícil recuperación, le escribió a su padre:

Desde luego, nunca pienso en algo que se parezca al futuro. ... Dado que estoy en el campo de batalla, todos los hilos y conexiones anteriores se han hecho añicos. ... Para quien ya ha estado aquí una vez, es mejor (sobre todo en mi profesión) que permanezca aquí. Cuando oigo música me dan palpitaciones y fiebre, y me siento mal; no puedo ni pensar en cuándo podré volver a ir a un concierto, y mucho menos componer música yo mismo. ^{[ 28 ]}

Tras la muerte de Orff en 1982, su hija escribió que creía que esta experiencia "le hizo pensar y rebelarse aún más revolucionariamente". ^{[ 29 ]}

Tras recuperarse de sus heridas de guerra, Orff ocupó diversos puestos en teatros de ópera de Mannheim y Darmstadt , para luego regresar a Múnich y continuar sus estudios musicales. Hacia 1920, Orff se sintió atraído por la poesía de Franz Werfel , que se convirtió en la base de numerosos Lieder y composiciones corales. A mediados de la década de 1920, comenzó a desarrollar un concepto que denominó Elementare Musik , o música elemental, basado en la unidad de las artes simbolizada por las antiguas Musas griegas , e integrando tono, danza, poesía, imagen, diseño y gestualidad teatral. Al igual que muchos otros compositores de la época, recibió la influencia del emigrado ruso-francés Igor Stravinsky . Pero mientras otros seguían las obras neoclásicas, frías y equilibradas de Stravinsky, fueron obras como Les noces ( Las bodas ), una representación terrenal y casi folclórica de los ritos nupciales campesinos rusos, las que cautivaron a Orff. ^{[ 30 ] [ 31 ] [ 32 ]}

Orff conoció la obra de Bertolt Brecht en 1924, la cual tuvo una profunda influencia en él. ^{[ 33 ] [ 34 ] [ 35 ] [ 36 ]} Ese mismo año, él y Dorothee Günther fundaron la Escuela Günther de gimnasia, música y danza en Múnich. Desarrolló sus teorías de educación musical, manteniendo un contacto constante con niños y trabajando con principiantes musicales. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk , en el que comparte su método de dirección. Estuvo involucrado con el Schulwerk y sus instituciones asociadas durante toda su vida, aunque se retiró de la Escuela Günther en 1938. ^{[ 37 ]}

Orff también comenzó a adaptar obras musicales de épocas anteriores para presentaciones teatrales contemporáneas, incluyendo la ópera L'Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi y Alessandro Striggio . La versión alemana abreviada de Orff (con la traducción de Günther), Orpheus , fue puesta en escena bajo su dirección en 1925 en Mannheim, utilizando algunos de los instrumentos que se habían utilizado en la representación original de 1607, aunque varios de ellos no estaban disponibles y tuvieron que ser reemplazados. ^{[ 38 ]} Orff revisó la partitura unos años más tarde; esta versión se estrenó en Múnich en 1929. Las adaptaciones de música antigua de Orff le reportaron muy poco dinero. La ópera apasionadamente declamada de la época de Monteverdi era casi desconocida en la década de 1920, y la producción de Orff recibió reacciones que iban desde la incomprensión hasta el ridículo. Le dijo a su mentor Curt Sachs , quien lo había guiado a estudiar a Monteverdi y apoyado su Orfeo , ^{[ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]} que la prensa de Múnich estaba en su contra: «Me hacen parecer no solo un profanador de cadáveres (véase Monteverdi), sino también un seductor de jóvenes que corrompe sistemáticamente a nuestra buena juventud con perversidades exóticas». ^{[ 42 ]}

La relación de Orff con el nacionalsocialismo alemán y el Partido Nazi ha sido objeto de considerable debate y análisis, ^{[ 43 ] [ 44 ]} a veces teñido de desinformación. ^{[ 45 ] [ 46 ] [ 47 ] [ 48 ]} El historiador Michael H. Kater , cuya obra es crítica con Orff, escribió, sin embargo, que «para muchos, el nombre de Carl Orff se ha convertido en sinónimo de arte y cultura fascista, frecuentemente a través de un prejuicio bastante frívolo». ^{[ 49 ]}

Orff nunca se unió al Partido, ni ocupó ningún cargo de liderazgo en el Tercer Reich. ^{[ 50 ]} Fue miembro de la Reichsmusikkammer , que era obligatoria para los músicos en activo en el Tercer Reich. ^{[ 51 ]}

Varios amigos y asociados de Orff se exiliaron entre 1933 y 1939, incluidos Sachs y Leo Kestenberg , este último defensor de su Schulwerk. ^{[ 52 ] [ 53 ]} Orff se reencontró con varios de estos colegas exiliados después de la guerra y en algunos casos mantuvo amistades de por vida, como con el cantante y compositor Karel Salmon , quien emigró en los primeros meses de la toma del poder por los nazis. ^{[ 54 ] [ 55 ]} Otra figura similar es el historiador de arte Albin von Prybram-Gladona (1890–1974), ^{[ 56 ] [ 57 ]} cuyos padres se habían convertido del judaísmo antes de su nacimiento y quien sobrevivió a múltiples encarcelamientos en campos de concentración después de huir a Francia. ^{[ 58 ]} Prybram-Gladona dio testimonio del carácter de Orff durante el proceso de desnazificación. ^{[ 59 ]} Otro amigo importante de Orff fue el musicólogo y compositor judeoalemán Erich Katz (1900–1973), quien huyó en 1939 tras un encarcelamiento temporal en Dachau . Orff restableció el contacto con Katz en 1952, y Katz consideraba a Orff un amigo valioso. ^{[ 60 ] [ 61 ]} Orff escribió un homenaje tras la muerte de Katz en forma de carta dirigida al difunto. ^{[ 62 ]}

Ein Sommernachtstraum

Orff fue uno de los numerosos compositores alemanes ^{[ 69 ]} bajo el régimen nazi que escribieron nueva música incidental para El sueño de una noche de verano de Shakespeare – en alemán Ein Sommernachtstraum – después de que la música incidental de Mendelssohn para esa obra hubiera sido prohibida.

Orff's version was first performed on 14 October 1939 in Frankfurt as the result of a commission through that city.^[70][71] By his report, he had already composed music for the play as early as 1917 and 1927, long before the Frankfurt commission; no materials from these earlier (presumably incomplete) versions are extant.^[72][73] Orff's publisher had serious reservations about the project, and Orff's commission was unable to make the original deadline of the commission, resulting in the reduction of his payment from 5,000 RM to 3,000 RM.^[74] He later called the 1939 iteration "a compromised (unfortunately printed) version. In place of the small onstage ensemble there was again a normal small opera orchestra, no more magical percussion, all inexcusable concessions."^[75] The composer's discontent, together with his initial difficulties in composition, sometimes has been interpreted at least in part as due to pangs of conscience.^[76][77][78] Thomas Rösch has written of this project: "The autonomy of art, which Orff always held highly, was only more illusion within the dictatorship – and the insistence of the composer on a purely artistic, aesthetic viewpoint inevitably changed under this condition to a momentous error."^[79]

Orff went on to rework his Ein Sommernachtstraum score three times. The next version was to have its premiere on 10 September 1944, but the closure of all theaters in dire wartime conditions prevented it from occurring.^[80] In December 1945, Orff expressed hope for a performance in Stuttgart, but when Gottfried von Einem asked him in 1946 about a premiere of this version at the Salzburg Festival, he demurred and responded defensively when Einem asked if the work had been a commission from the Third Reich.^[81][82] Orff made further revisions still, and this version was first performed on 30 October 1952 in Darmstadt. It also had an American premiere by Leopold Stokowski at the Empire State Music Festival on 19 July 1956. Orff revised the score yet again in 1962; this final version had its first performance on in Stuttgart on 12 March 1964.^[83]

Carl Orff era muy reservado en cuanto a su vida personal. Cuando el estudioso del teatro Carl Niessen le pidió que proporcionara una entrada manuscrita para una colección de autobiografías de compositores alemanes de la época, para la cual algunos de sus colegas escribieron hasta tres páginas, él solo envió: "Carl Orff[,] nacido en 1895 en Múnich[,] residente allí" ( Carl Orff [ , ] geboren 1895 in München [ , ] lebt daselbst ). ^{[ 169 ]}

Orff se casó cuatro veces y se divorció tres veces. Su primer matrimonio fue en 1920 con la cantante Alice Solscher (1891–1970). La única hija de Orff, Godela Orff-Büchtemann (1921–2013), nació el 21 de febrero de 1921. La pareja se separó unos seis meses después del nacimiento de Godela y se divorciaron oficialmente en 1927. ^{[ 170 ]} Godela permaneció con su padre cuando su madre se mudó a Melbourne para continuar su carrera alrededor de 1930. ^{[ 171 ] [ 172 ]} En 1939, Orff se casó con Gertrud Willert (1914–2000), quien había sido su alumna ^{[ 173 ]} y quien fundó un método de musicoterapia utilizando el Orff-Schulwerk; Se divorciaron en 1953. ^{[ 174 ]} En 1952, comenzó una relación con la escritora Luise Rinser (1911–2002), con quien se casó en 1954. En 1955, se mudaron de Múnich a Dießen am Ammersee . ^{[ 175 ]} Su matrimonio fue problemático y terminó en divorcio en 1959, momento en el que Orff vivía con la persona que se convertiría en su siguiente esposa. ^{[ 176 ]} El último matrimonio de Orff, que duró hasta el final de su vida, fue con Liselotte Schmitz (1930–2012), quien había sido su secretaria y quien, tras su muerte, continuó su legado en su calidad de directora de la Fundación Carl-Orff. ^{[ 177 ]} Se casaron en Andechs el 10 de mayo de 1960. ^{[ 178 ]}

Nacido en el seno de una familia católica practicante , Orff rompió con el dogma religioso a temprana edad. Su hija relacionó su ruptura con la iglesia con el suicidio de un compañero de clase, y afirmó que él no la bautizó. ^{[ 179 ] [ 180 ] [ 181 ]} Gertrud Orff dijo que «nunca fue a la iglesia; al contrario. Probablemente fue una época de rebelión interna contra ese tipo de cosas. ... Era una persona religiosa, sí. Pero no una persona de la iglesia». Sin embargo, deseaba ser enterrado en la iglesia barroca del priorato benedictino cervecero de Andechs , al suroeste de Múnich; podía ver este monasterio desde su casa en Dießen . ^{[ 182 ]}

Orff no tenía ningún deseo de seguir la tradición militar de su familia, ni siquiera de niño. Más tarde escribió: «Mi padre [Heinrich Orff] sabía que todo lo relacionado con la vida militar estaba lejos de mí y que no podría sentirme atraído por ella». ^{[ 183 ]} Según Godela Orff, los padres del compositor «siempre le mostraron un cariño inmenso, incluso cuando su estilo de vida no cumplía con sus expectativas», y Orff y su hermana «fueron cuidados y apoyados con amorosa tolerancia». ^{[ 184 ]} También escribió que la madre de su padre, Paula Orff, siempre fomentó la creatividad de su hijo y le dio «el don de la inspiración». ^{[ 185 ]} El propio Orff escribió sobre su madre: «Desde tiempos inmemoriales fui un verdadero niño de mamá. En las situaciones más serias y difíciles de la vida, ella me comprendió profundamente con su corazón, incluso si sus ideas, firmemente arraigadas en la tradición, se interponían en el camino». ^{[ 186 ]} Paula Orff murió el 22 de julio de 1960, ^{[ 178 ]} después de lo cual el colega de Orff, Karl Amadeus Hartmann, le escribió: "Sé lo íntimamente unido que estabas con tu madre, similar a como yo lo estaba con la mía, y por lo tanto puedo comprender especialmente la gravedad de la pérdida". ^{[ 187 ]}

Godela Orff describió su relación con su padre como difícil en ocasiones. ^{[ 188 ]} «Él tenía su vida y punto», le dice a Tony Palmer en el documental O  Fortuna . ^{[ 189 ] [ 190 ]} Su relación se volvió especialmente tensa a finales de la década de 1940; se reconciliaron a principios de la década de 1970. ^{[ 191 ] [ 192 ]}

Orff murió de cáncer en Múnich el 29 de marzo de 1982, a la edad de 86 años. ^{[ 3 ]} Está enterrado en la Abadía de Andechs . Su lápida lleva la inscripción en latín Summus Finis (el Fin Último), tomada del final de su última obra, De temporum fine comoedia .

Orff es conocido principalmente por Carmina Burana (1936), una « cantata escénica ». Es la primera parte de una trilogía que también incluye Catulli Carmina y Trionfo di Afrodite . Carmina Burana refleja su interés por la poesía alemana medieval . La trilogía en su conjunto se titula Trionfi , o «Triunfos». La obra se basa en poesía del siglo XIII que se encuentra en un manuscrito conocido como Codex latinus monacensis, hallado en el monasterio benedictino de Benediktbeuern en 1803 y escrito por los Goliards ; esta colección también se conoce como Carmina Burana . Si bien Orff empleó técnicas compositivas «modernas», logró capturar el espíritu del período medieval en esta trilogía. Los poemas medievales, escritos en latín y una forma temprana de alemán, son un lamento sobre la cruel indiferencia del destino (las breves secciones iniciales y finales de la obra de Orff se titulan "Fortuna Imperatrix Mundi", es decir, "Fortuna, gobernante del mundo"). El coro que abre y concluye Carmina Burana , " O Fortuna ", se usa a menudo para denotar fuerzas primarias, por ejemplo, en la película de Oliver Stone, The Doors . ^{[ 193 ]} La asociación de la obra con el fascismo también llevó a Pier Paolo Pasolini a usar el movimiento "Veris leta facies" para acompañar las escenas finales de tortura y asesinato en su última película, Salò, o los 120 días de Sodoma . ^{[ 194 ]} Pasolini estaba preocupado por la cuestión de la apropiación del arte por el poder cuando realizó la película, lo cual tiene relevancia para la situación de Orff. ^{[ 195 ]}

Orff solía decir que, tras un ensayo general de Carmina Burana , le comentó a su editor lo siguiente: «Todo lo que he escrito hasta ahora y que, lamentablemente, usted ha impreso, puede desecharlo. Con Carmina Burana comienzan mis obras completas». ^{[ 196 ] [ c ]} Michael H. Kater ha puesto en duda esta afirmación, alegando la falta de pruebas documentales y la continuación de las representaciones de las obras anteriores de Orff tras el estreno de Carmina Burana , ^{[ 197 ]} aunque, de hecho, la mayoría de estas representaciones utilizaron versiones revisadas. ^{[ 198 ] [ 199 ]} Orff finalmente matizó su afirmación, repetida con frecuencia: «Así que dije esto sin pensarlo, con leggerezza [es decir, "a la ligera"]: una observación que, como bien sabía, era cierta y a la vez falsa. Solo quería acentuar con ella el significado que Carmina Burana tenía en mis creaciones hasta ese momento, como me resultaba evidente a mí mismo». ^{[ 200 ]} Cuando se le preguntó sobre la cita en 1975, Orff respondió: «Por primera vez había hecho exactamente lo que quería, y también sabía que lo había hecho bien. Realmente no hay nada más que decir». ^{[ 201 ]} Orff continuó revisando muchas de sus obras anteriores, y más adelante en su carrera reeditó algunas de sus composiciones anteriores a Carmina Burana con revisiones mínimas. Una de sus últimas publicaciones fue un volumen de canciones que había compuesto entre 1911 y 1920. ^{[ 202 ]}

La mayoría de las obras posteriores de Orff —Antígona (1949), Edipo el Tirano ( 1959), Prometeo encadenado ( 1968 ) y Obra sobre el fin de los tiempos (1973)— se basaron en textos o temas de la antigüedad. Amplían el lenguaje de Carmina Burana de maneras interesantes, pero su puesta en escena es costosa y (según la propia descripción de Orff) no son óperas en el sentido convencional. ^{[ 203 ]} Se han realizado pocas representaciones en vivo, incluso en Alemania. ^{[ 204 ]}

En una carta fechada el 8 de enero de 1947 a su alumno Heinrich Sutermeister , Orff llamó a Die Bernauerin "la última pieza de la serie de mi obra anterior; Antígona inicia una nueva fase". ^{[ 205 ]} Antígona es una adaptación de la traducción de Friedrich Hölderlin de la obra de Sófocles . Orff se interesó por primera vez en este material original poco después de su trauma en la Primera Guerra Mundial y comenzó a planificar su obra a finales de 1940. ^{[ 206 ]} El estreno tuvo lugar el 9 de agosto de 1949 en el Festival de Salzburgo . Orff continuó con Antígona con Edipo Tirano , también utilizando la traducción de Hölderlin de la obra de Sófocles , y Prometeo, utilizando el idioma original de la obra griega atribuida a Esquilo . Sus estrenos tuvieron lugar en Stuttgart, respectivamente en 1959 y 1968, dirigidos por Ferdinand Leitner . Las tres tragedias griegas no realizan cortes ni alteraciones en los textos. ^{[ 207 ]}

Las tragedias griegas están orquestadas para conjuntos muy inusuales centrados en grandes conjuntos de percusión, que incluyen instrumentos no occidentales y numerosos instrumentos de percusión de láminas (incluido el litófono ), y varios pianos (cuatro en Prometeo y seis en las otras dos); la sección de cuerdas tradicional se omite a excepción de nueve contrabajos. También tienen seis flautas y seis oboes (con varias duplicaciones auxiliares de flautín, flauta alto y corno inglés), así como trompetas (seis en Antígona y Prometeo ; ocho en Edipo Tirano , detrás del escenario). Edipo Tirano y Prometeo también tienen seis trombones y órgano. Las tres obras también tienen cuatro arpas; además hay mandolina en Edipo Tirano y cuatro banjos tenor en Prometeo .

Tras el estreno de Prometeo , Everett Helm escribió:

El método Orff no facilita las cosas ni a los cantantes ni al público. Pero la conservación del texto original sin duda evocó una atmósfera que no podría haberse logrado con un lenguaje moderno.

«Prometeo» no es una ópera en el sentido tradicional. Al igual que otras obras de Orff, se trata de teatro musical donde la música forma parte del conjunto dramático y está subordinada a él. Las voces declaman casi constantemente, ya sea con ritmo hablado o con una especie de recitativo salmódico. Solo ocasionalmente (y con gran efectividad) la austera salmodia da paso a melismas que recuerdan los pasajes más floridos del canto gregoriano. No hay rastro de arias ni de números concertados.

... Los breves interludios en la orquesta tienen el carácter de interjecciones. No hay desarrollo, ni musical ni psicológico. Los enormes bloques de sonido producen una forma y una atmósfera estáticas e inmóviles... La composición de la orquesta... produce sonidos duros y metálicos, impulsados ​​implacablemente por ritmos ostinato primitivos. El efecto general es elemental hasta cierto punto, pero en ningún sentido ingenuo. El primitivismo estilizado de Orff enmascara un alto grado de sofisticación. ^{[ 208 ]}

La última obra de Orff para el escenario, De temporum fine comoedia ( Obra sobre el fin de los tiempos ), se estrenó en el Festival de Salzburgo el 20 de agosto de 1973, interpretada por Herbert von Karajan y la Orquesta Sinfónica y Coro de la WDR de Colonia. Tiene un amplio elenco y una instrumentación similar a la de las tragedias griegas con algunas excepciones, en particular los clarinetistas (todos con clarinetes en mi bemol) en lugar de oboístas y la adición de contrafagot, trompas y tuba. Thomas Rösch ha llamado a esta obra "en muchos aspectos la síntesis de toda la obra [de Orff]". ^{[ 209 ]} No hay evidencia de que Orff considerara escribir otra obra escénica después de De temporum fine comoedia , y en 1979 le dijo a un entrevistador que estaba seguro de que era el final ( Schluß ) de su composición. ^{[ 210 ]} En esta obra sumamente personal, Orff presentó un misterio , cantado en griego, alemán y latín, en el que resumió su visión del fin de los tiempos. Su filosofía se nutre de muchas tradiciones religiosas, principalmente de la idea de apocatástasis de Orígenes . De temporum fine comoedia también hace numerosas referencias a composiciones anteriores de Orff, en particular a Die Bernauerin . ^{[ 211 ] [ 212 ] [ 213 ]} Alrededor de la época del estreno, dijo que sus obras son "como una cebolla: una capa sigue a las demás". En la misma ocasión, dijo de De temporum fine comoedia : "Todo es un sueño, solo una fantasía. Pesimista, optimista, como cada uno quiera". ^{[ 214 ]}

En los círculos pedagógicos, probablemente se le recuerde mejor por su Schulwerk ("Trabajo escolar"). Originalmente un conjunto de piezas compuestas y publicadas para la Güntherschule (que tenía estudiantes de entre 12 y 22 años), ^{[ 215 ]} este título también se usó para sus libros basados ​​en transmisiones de radio en Baviera en 1949. Estas piezas se llaman colectivamente Musik für Kinder ( "Música para niños "), y también usan el término Schulwerk , y fueron escritas en colaboración con su exalumna, compositora y educadora Gunild Keetman (1904-1990), quien de hecho escribió la mayoría de los arreglos y composiciones en los volúmenes de "Musik für Kinder" ("Música para niños").

Las ideas de Orff, desarrolladas junto con Gunild Keetman, dieron lugar a un método muy innovador para la enseñanza de la música infantil, conocido como Orff Schulwerk. La música es elemental y combina movimiento, canto, interpretación musical e improvisación.

Gassenhauer , Hexeneinmaleins y Passion , que Orff compuso junto con Keetman, se utilizaron como tema musical para la película Malas tierras (1973) de Terrence Malick .

La editorial de Carl Orff es Schott Music . ^{[ 216 ]}

I. Obras de concierto y escénicas ^{[ d ]}

Obras escénicas

• Gisei: Das Opfer , Opus 20, libreto adaptado por Orff de Terakoya , una parte de Sugawara Denju Tenarai Kagami en traducción de Karl Florenz (1913, estreno el 30 de enero de 2010).
• Música incidental para la obra de Georg Büchner Leonce und Lena (1918-19), inédita y sólo parcialmente existente ^{[ 217 ]} (manuscrito en Orff-Zentrum München)
• Lamenti (representada por primera vez como ciclo el 15 de mayo de 1958)
  • Klage der Ariadne , reelaboración del lamento de L'Arianna de Claudio Monteverdi y Ottavio Rinuccini , texto alemán de Orff (1925, estreno el 16 de abril de 1925; reelaborado en 1940).
  • Orfeo , una reinterpretación de L'Orfeo de Claudio Monteverdi y Alessandro Striggio , con texto en alemán de Dorothee Günther (1922-1925, estreno el 17 de abril de 1925; revisado en 1929 y 1940).
  • Tanz der Spröden , remodelación de Il ballo delle inrate de Monteverdi y Rinuccini , texto alemán de Günther (1925, estreno el 28 de diciembre de 1925; reelaborado en 1940)
• Trionfi . Trittico teatrale (estreno el 14 de febrero de 1953)
  • Carmina Buraña . Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumetis atque imaginibus magicis , textos del códice Carmina Burana (1934-1936, estreno el 8 de junio de 1937)
  • Catulli Carmina . Ludi scaenici , textos de Orff (Praelusio y Exodium) y Catulo (Actus I-III), incorporando material de los coros de Catulli Carmina I (1941-1943, estreno el 6 de noviembre de 1943)
  • Trionfo di Afrodita . Concerto Scenico , textos de Safo , Catulo y Eurípides (1947-1951, estreno el 14 de febrero de 1953)
• Märchenstücke (Cuentos de hadas)
  • Der Mond , libreto de Orff basado en el de los hermanos Grimm (1936-1938, estreno el 5 de febrero de 1939; revisado en 1940, 1942, 1946, 1957 y 1970).
  • Die Kluge , libreto de Orff basado en el de los hermanos Grimm (1941-1942, estreno el 20 de febrero de 1943).
  • Ein Sommernachtstraum , música incidental para interpretar de William Shakespeare en traducción de August Wilhelm Schlegel (borradores de 1917 y 1927-1928; versión completa de 1938-1939, estreno el 14 de octubre de 1939; reelaborada en 1943-44 (no representada); reelaborada en 1952, estreno el 30 de octubre de 1952; reelaborada en 1962, estreno de la versión final el 12 de marzo de 1964).
• Bairisches Welttheater (teatro mundial de Baviera)
  • Die Bernauerin (1944-1946, estreno el 15 de junio de 1947)
  • Astutuli (1946-1948, estreno el 20 de octubre de 1953)
  • Comoedia de Christi Resurrectione (1955, estreno el 31 de marzo de 1956 en televisión; estreno teatral el 21 de abril de 1957) - Obra de Pascua
  • Ludus de nato Infante mirificus (1960, estreno el 11 de diciembre de 1960) - Natividad
• Teatro Mundi
  • Antígonas , musicalización de la obra de Sófocles en traducción de Friedrich Hölderlin (1940-1949, estreno el 9 de agosto de 1949).
  • Edipo el Tirano , adaptación musical de la obra de Sófocles traducida por Hölderlin (1951-1958, estreno el 11 de diciembre de 1959).
  • Prometeo , adaptación teatral de una obra atribuida a Esquilo en griego original (1960-1967, estreno el 24 de marzo de 1968).
  • De temporum fine comoedia (1970–71, estreno el 20 de agosto de 1973; reelaborado en 1979 y 1981)

Obras vocales

• Coral con instrumentos
  • Zaratustra , Opus 14 para barítono solista, tres coros de tenor-bajo, conjunto y órgano sobre textos de Nietzsche (1911-1912), inédito (manuscrito en Bayerische Staatsbibliothek (Munich), Musiklesesaal, Orff.ms. 43 y Orff.ms. 44)
  • Treibhauslieder, Traumspiel sobre textos de Maurice Maeterlinck (1913-14), redactado pero la partitura destruida en gran parte por el compositor ^{[ 218 ]} (bocetos supervivientes en Orff-Zentrum München)
  • Des Turmes Auferstehung para coro, orquesta y órgano de bajo tenor con textos de Franz Werfel (1920–21, estreno el 6 de diciembre de 1995)
  • Werkbuch I – cantatas sobre textos de Franz Werfel ^{[ e ]}
    • I. Veni Creator Spiritus para coro, piano y percusión (estreno el 7 de octubre de 1930; revisado en 1968)
    • II. Der gute Mensch para coro, piano y percusión (estreno el 11 de octubre de 1930; revisado en 1968)
    • III. Fremde sind wir para coros, violines y contrabajos; versión reelaborada para coro y piano (estreno el 10 de julio de 1935; reelaborada en 1968)
  • Werkbuch II – cantatas sobre textos de Bertolt Brecht para coro, pianos y percusión (1930–1931, revisado entre 1968 y 1973)
    • I. Von der Freundlichkeit der Welt (publicado por primera vez en 1973, estreno el 19 de marzo de 1979)
    • II. Vom Frühjahr, Öltank, und vom Fliegen (publicado por primera vez en 1932, estreno el 11 de julio de 1965; revisado en 1968)
  • Ditirambis para coro mixto e instrumentos sobre textos de Friedrich Schiller
    • I. Die Sänger der Vorwelt (1955, estreno el 3 de agosto de 1956; reelaborado en 1981)
    • II. Nänie und Dithyrambe (1956, estreno el 4 de diciembre de 1956; reelaborado en 1981)
  • Rota para coro infantil, coro mixto e instrumentos sobre texto tradicional inglés antiguo " Sumer is icumen in " (1972, estreno el 26 de agosto de 1972 en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1972 ).
  • Sprechstücke para locutor, coro hablado y percusión sobre textos anónimos y textos de Bertolt Brecht (1976)
• Canto a capela
  • "Der sinnende Storch", op. 7 para cuarteto vocal SATB sobre texto de Franz Josef Stritt (1911), ^{[ 219 ]} inédito (manuscrito en Bayerische Staatsbibliothek (Múnich), Musiklesesaal, Orff.ms. 30)
  • Ave María para coro mixto (ca. 1912–1914, estreno el 23 de julio de 1982)
  • Cantus-Firmus-Sätze I: Zwölf alte Melodien für Singstimmen oder Instrumente (1925-1932, publicado por primera vez en 1932; republicado en 1954 sin los números 6 y 7)
  • Catulli Carmina I , siete movimientos para coro mixto sobre textos de Catulo (1930, publicado en 1931; ^{[ 220 ]} seis movimientos incorporados a Catulli Carmina: Ludi scaeni ; el otro reeditado en 1979 como "Lugete o veneres")
  • Catulli Carmina II , tres movimientos para coro mixto sobre textos de Catulo (1931, publicado en 1932), ^{[ 221 ]} revisado y republicado como Concento di voci I: Sirmio, Tria Catulli Carmina (1954)
  • Concento di voci II: Laudes creaturarum: Quas fecit Beatus Franciscus ad Laudem et Honorem Dei para coro mixto de ocho voces sobre texto de Francisco de Asís (1954, estreno el 21 de julio de 1957)
  • Concento di voci III: Sunt lacrimae rerum. Cantiones seriae para coro de tenor-bajo; textos de los tres movimientos respectivamente de Orlando di Lasso , de Eclesiastés 3, y anónimos (1956, estreno el 21 de julio de 1957)
• Voz solista
  • Con piano ^{[ 222 ]}
  • Nota: Se está preparando una publicación de las canciones de Orff de 1910 a 1920. Solo algunas de las siguientes se publicaron en la época de su composición; la editorial fue Ernst Germann & Co. (véase más abajo para Opp. 12, 13 n.º 3, 15, 17 y 18 n.º 1). En 1975, Orff seleccionó algunas para imprimirlas en Carl Orff und sein Werk: Dokumentation , vol. 1; ^{[ 223 ]} en 1982, la mayoría de ellas se publicaron en una partitura destinada a la interpretación. ^{[ 224 ]}
    • Primeras canciones sin número de opus: "Altes Weihnachtslied (Es ist ein Ros entsprungen)"; "Winternacht", texto de Joseph Eichendorff ; "Der einsame Fichtenbaum", texto de Heinrich Heine; "Die Lust vergeht" y "Die Lilie", ambas con texto de Mathilde von Bayern; "Das weiß ich genau" (Volksweise); "Mein süßes Lieb"
    • Frühlingslieder para soprano o tenor, Opus 1 (1911), textos de Ludwig Uhland
    • 9 Lieder para soprano o tenor, Opus 2 (1910-11), textos de Mathilde von Bayern (núms. 1 y 2), Gustav Renner (núm. 3), Nikolaus Lenau (núm. 4), Adolf Friedrich Graf von Schack (núm. 5), Julius Mosen (núm. 6), Rudolf Baumbach (núm. 7), Detlev von Liliencron (núm. 8), Friedrich Hölderlin (n° 9)
    • 3 Lieder para alto o barítono, Opus 3 (1911), textos de August Kalkoff (n.º 1), Theodor Storm (n.º 2), Hermann Lingg (n.º 3)
    • "Die Wallfahrt nach Kevlaar" para voz baja, Opus 4 (1911), texto de Heinrich Heine
    • "Zlatorog" para voz grave, Opus 5 (1911), texto de Rudolf Baumbach
    • 2 Lieder, Opus 6 (1911): N.° 1 para barítono, texto de Ludwig August Frankl; N.° 2 para voz grave, texto de Richard Beer-Hofmann.
    • 5 Lieder para soprano, Opus 8 (1910–11), textos de Theodor Storm (n.º 1), Hermann Lingg (n.º 2), Mathilde von Bayern (n.º 3), Hermann Vogel (n.º 4), Hans Mayr (n.º 5)
    • 6 Lieder para tenor, Opus 9 (1911), textos de Börries von Münchhausen (N° 1), Heinrich Heine (N° 2, 3, 4 y 6), Semper (N° 5; texto no identificado, posiblemente de Ernst Leberecht Semper ^{[ 225 ]} )
    • 3 Lieder, Opus 10 (1911), textos de Heinrich Heine (N° 1), de Wilhelm Hertz (N° 2) y de la edición de Edda de Friedrich Fischbach (N° 3)
    • 3 Lieder, Opus 11 (1911), textos de Oskar von Redwitz (N° 1), de Also sprach Zarathustra (N° 2) de Friedrich Nietzsche y de Ernst Moritz Arndt (N° 3)
    • Eliland: Ein Sang von Chiemsee , ciclo de canciones, Opus 12 (1911, publicado en 1912), texto de Karl Stieler
    • 3 Lieder, Opus 13 (1911; núm. 3 publicado en 1912 como Opus 13), textos de Heinrich Heine (núms. 1 y 2) y Max Haushofer Jr. (núm. 3)
    • "Des Herzen Slüzzelin", op. 15 (1912, publicado el mismo año)
    • Lieder, Opus 17 (1912, publicado ese mismo año), textos de Martin Greif (n.º 1) y de las traducciones de canciones populares toscanas de Paul Heyse (n.º 2, que comprende tres canciones individuales).
    • 4 Lieder, Opus 18 (1912; n.º 1 publicado ese mismo año), textos de Börries von Münchhausen
    • 2 Lieder, Opus 19 (1912), textos de Walther von der Vogelweide
    • 2 Lieder para voz alta (1919): "Bitte", texto de Nikolas Lenau; "Mein Herz ist wie ein See so weit", texto de Friedrich Nietzsche
    • 3 Lieder para voz alta sobre textos de Klabund (1919): "Zwiegespräch", "Blond ist mein Haar", "Herr, ich liebte"
    • Los primeros 5 Lieder und Gesänge sobre textos de Franz Werfel (1920): "Als mich dein Wandeln", "Rache", "Ein Liebeslied", "Mondlied eines Mädchens", "Der gute Mensch" (de estos, "Ein Liebeslied" y "Der gute Mensch" incorporados en Werkbuch I; ver Obras Corales)
    • Los segundos 5 Lieder und Gesänge sobre textos de Franz Werfel (1920): "Lächeln, Atmen, Schreiten", "Litanei eines Kranken", "Nacht", "Fremde sind wir", "Veni Creator Spiritus" (todos incorporados en Werkbuch I; ver Obras Corales)
  • Con orquesta
    • Versión orquestal de 4 Lieder, Opus 18 (1912), ^{[ 226 ]} inédita (manuscrito en Bayerische Staatsbibliothek, Orff.ms. 41 y 42); consulte "Voz solista – Con piano"
    • 3 Lieder para tenor y orquesta sobre textos de Richard Dehmel (1919), ^{[ 227 ]} inédito (manuscrito en Bayerische Staatsbibliothek, Musiklesesaal, Orff.ms. 9 y Orff.ms.10)

Instrumental

• Orquestal
  • Tanzende Faune: Ein Orchesterspiel , Opus 21 (1914, estreno el 6 de diciembre de 1995)
  • Entrata para gran orquesta en cinco grupos antifonales, basada en "The Bells" de William Byrd (1539–1623) (1928, estreno en 1930; reelaborada en 1940, estreno el 28 de febrero de 1941).
• Conjunto
  • Kleines Konzert nach Lautensätzen aus dem 16. Jh. , según obras para laúd de Vincenzo Galilei , Jean-Baptiste Besard y anónimo (1927, estreno el 11 de diciembre de 1928; reelaborado en 1937 y 1975)
• Cámara
  • Quartettsatz en si menor para cuarteto de cuerdas, Opus 22 (ca. 1914, estreno el 5 de julio de 1989)
  • Quartettsatz en do menor para cuarteto de cuerdas (1921, estreno el 18 de octubre de 2007)
  • Präludium und Kanon para cuatro violas y cembalo (ca. 1923), inédito; Kanon utilizado más tarde al final de De temporum fine comoedia
• Piano solo
  • Tonbild nach Andersen, Opus 16 (1912), ^{[ 228 ]} inédito (manuscrito en Bayerische Staatsbibliothek, Musiklesesaal, Orff.ms. 39)

II. Obras pedagógicas

• Taller escolar Orff
  • Musik für Kinder (con Gunild Keetman ) (1930–35, reelaborado 1950–54)
  • Tanzstück (1933)
  • Gassenhauer