Arte visual punk

El arte visual punk es el arte asociado con la subcultura punk y el movimiento no wave . Es frecuente en portadas de álbumes de punk rock , folletos para conciertos de punk y fanzines punk , pero también ha sido prolífico en otros medios, como las artes visuales, las artes escénicas, la literatura y el cine. ^{[ 1 ]} El punk se manifestó "de manera diferente pero consistente" en diferentes esferas culturales, incluyendo el arte, la música y la literatura. ^{[ 2 ]} El punk también dio origen a varios movimientos: new wave, no wave, dark wave, industrial, hardcore, queercore, etc., que a veces se exhiben en galerías de arte y espacios de exposición. ^{[ 2 ]} La estética punk fue una corriente dominante de 1982 a 1986 en las numerosas galerías de arte del East Village de Manhattan .

En su libro Lipstick Traces: A Secret History of the 20th Century , el crítico cultural Greil Marcus profundiza en la influencia histórica del dadaísmo , el letrismo y el situacionismo en la estética punk del arte y la música de los años ochenta y principios de los noventa. Marcus sostiene que los artistas de los años sesenta y setenta, en particular los que rodeaban al artista y teórico de la Internacional Situacionista Guy Debord, encabezaron un movimiento impulsado por la alienación y las "exigencias absolutas y airadas" a la sociedad y al arte, que dio origen a la sensibilidad punk. En su esencia se encontraba una subcultura de rebelión artística. ^{[ 3 ] [ 4 ]}

Las características asociadas al arte visual punk son el uso de colores negros o grises y letras recortadas de periódicos y revistas: un recurso previamente asociado con el collage dadaísta y las notas de rescate por secuestro. Un ejemplo destacado de este estilo es la portada del álbum Never Mind the Bollocks de los Sex Pistols , diseñada por Jamie Reid . A veces también se recortan y pegan imágenes y figuras de revistas y periódicos para crear collages , portadas de álbumes y carteles que a menudo se reproducían con fotocopiadoras. ^{[ 3 ]} Las fotocopiadoras aumentaron significativamente la difusión del arte visual punk, y la fotógrafa punk Ruby Ray señaló que "la nueva tecnología que teníamos entonces era Xerox [...] y por eso los carteles se hicieron tan populares, porque podías hacer algo, reproducirlo y hacer cientos de ellos, y sería barato". ^{[ 5 ]} El arte visual punk a menudo transmite un rechazo a los valores tradicionalistas con una autocrítica que puede compararse con el dadaísmo . ^{[ 6 ]}

En la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1970, hubo una gran superposición entre la música punk y la escena artística No Wave del centro. En 1978, muchos de los artistas visuales que frecuentaban Tier 3 , CBGB y otros locales de música relacionados con el punk participaron en exposiciones de arte punk en Nueva York. ^{[ 7 ]} Las primeras exposiciones de arte punk incluyeron The Times Square Show (1980), organizada por Colab ^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]} y New York New Wave en PS1 (1981). El arte punk encontró un hogar permanente en el Lower East Side de Nueva York con el establecimiento de varias galerías dirigidas por artistas como ABC No Rio , FUN Gallery , Civilian Warfare , Nature Morte y Gracie Mansion Gallery . El crítico de arte Carlo McCormick reseñó numerosas exposiciones de esta época en East Village Eye . ^{[ 12 ] [ 13 ]}

A principios de la década de 1980, Nueva York estaba al borde de la bancarrota; la protesta punk de mediados de la década de 1970 se transformó en una nueva sensibilidad artística. Es en este contexto que Richard Hambleton llega a Nueva York. Inspirándose en los aspectos más viscerales del punk, creó « arte urbano » con el objetivo de construir experiencias reales que provocaran sensaciones de miedo. Basándose en el terrorismo poético conceptualizado por el movimiento situacionista, la creación de más de 450 figuras masculinas negras de tamaño natural en portales a media luz y en las paredes de edificios ruinosos de Manhattan buscaba provocar miedo en los transeúntes. Hambleton trabajaba en plena noche y nunca fue sorprendido in fraganti. Su enfoque buscaba confrontar las nociones preconcebidas sobre qué es el arte y dónde debería presentarse. «La gente espera ver bailes en las galerías (a veces los ven). El trabajo que hago en la calle está en algún punto entre el arte y la vida», ^{[ 14 ]}

En 1976, el punk rock llegó a San Francisco y, a principios de la década de 1980, se consolidó como una presencia mucho más fuerte en la ciudad. ^{[ 5 ]} Estas bandas se promocionaban principalmente a través de carteles punk, inspirándose en grupos contraculturales anteriores de la ciudad, como los hippies de la década de 1960. Caracterizados por una estética del "hazlo tú mismo", mensajes irreverentes y gráficos crudos, estos carteles desafiaban las ideas convencionales sobre el arte y la expresión. Si bien se concentraban principalmente en el barrio de Tenderloin , su presencia también se extendió por toda la ciudad.

Malcolm McLaren , diseñador de moda y representante musical, comentó que los carteles punk eran "una declaración de guerra contra el arte... las orejas de rata de la ciudad luchando contra la ideología consumista de la corriente principal". ^{[ 15 ]}

La colección de carteles y folletos de punk y rock del área de la Bahía de San Francisco de Tom Law, ubicada en las Bibliotecas de la Universidad de Stanford, alberga una de las mayores colecciones de carteles de punk existentes de San Francisco, recopilados por Tom Law durante sus diversos paseos por la ciudad a principios y mediados de la década de 1980. ^{[ 16 ]}

• Cine sin olas
• Música ruidosa
• Arte posmoderno
• Subcultura punk
• Solarpunk
• Otro imbécil más

• Alan Moore y Marc Miller, eds., ABC No Rio Dinero: La historia de una galería de arte del Lower East Side , Nueva York, Colab , 1985
• Masters, Marc (2007). No Wave. Londres: Black Dog Publishing. ISBN 978-1-906155-02-5.

• 98 Bowery: 1969-1989 - catalogue for a 1978 exhibition at the Washington Project for the Arts
• Everything's Punk in This Pop-Up Art Show - review of the 2016 exhibition at the Invisible Dog