Bailar

La danza de concierto, como la ópera , generalmente depende para su forma a gran escala de una estructura dramática narrativa . Los movimientos y gestos de la coreografía están destinados principalmente a imitar la personalidad y los objetivos de los personajes y su papel en la trama. ^{[ 29 ]} Tales requisitos teatrales tienden a movimientos más largos y libres que los habituales en los estilos de danza no narrativa. Por otro lado, el ballet blanc , desarrollado en el siglo XIX, permite interludios de danza rítmica que evolucionaron en ballets completamente "sin trama" en el siglo XX ^{[ 30 ]} y que permitieron pasos de danza rápidos y rítmicos como los del petit allegro . Un ejemplo bien conocido es la Danza de los Cisnes en el segundo acto de El lago de los cisnes .

El ballet se desarrolló a partir de las producciones dramáticas cortesanas de la Francia e Italia de los siglos XVI y XVII, y durante algún tiempo los bailarines interpretaron danzas derivadas de las conocidas de la suite musical, ^{[ 31 ]} todas las cuales se definían por ritmos definidos estrechamente identificados con cada danza. Estas aparecieron como danzas de carácter en la era del nacionalismo romántico .

El ballet alcanzó gran popularidad en la época romántica, acompañado de una orquesta más grande y concepciones musicales más grandiosas que no se prestaban fácilmente a la claridad rítmica, y por una danza que enfatizaba la mímica dramática. Se necesitaba un concepto de ritmo más amplio, el que Rudolf Laban denomina el "ritmo y la forma" del movimiento que comunica carácter, emoción e intención, ^{[ 32 ]} mientras que solo ciertas escenas requerían la sincronización exacta de paso y música esencial para otros estilos de danza, de modo que, para Laban, los europeos modernos parecían totalmente incapaces de comprender el significado de los "movimientos rítmicos primitivos", ^{[ 33 ]} una situación que comenzó a cambiar en el siglo XX con producciones como La consagración de la primavera de Igor Stravinsky, con su nuevo lenguaje rítmico que evoca sentimientos primarios de un pasado primitivo. ^{[ 34 ]}

Los estilos de danza clásica india, como el ballet, suelen tener una estructura dramática, lo que genera una complementariedad entre la expresión narrativa y la danza "pura". En este caso, ambas se definen por separado, aunque no siempre se interpretan de forma independiente. Los elementos rítmicos, abstractos y técnicos, se conocen como nritta . Tanto esta como la danza expresiva (nritya) están estrechamente ligadas al sistema rítmico ( tala ). Los maestros han adaptado el sistema mnemotécnico rítmico hablado llamado bol a las necesidades de los bailarines.

Los estilos de danza-teatro clásico japonés, como el Kabuki y el Noh , al igual que el drama-danza indio, distinguen entre producciones de danza narrativas y abstractas. Las tres categorías principales del Kabuki son jidaimono (histórico), sewamono (doméstico) y shosagoto (piezas de danza). ^{[ 35 ]} De manera similar, el Noh distingue entre Geki Noh , basado en el desarrollo de la trama y la narración de la acción, y Furyū Noh , piezas de danza que incluyen acrobacias, elementos escénicos, múltiples personajes y una elaborada puesta en escena. ^{[ 36 ]}

Los bailes sociales , aquellos destinados a la participación más que a un público, pueden incluir diversas formas de mímica y narración, pero suelen estar mucho más ligados al patrón rítmico de la música, de modo que términos como vals y polka se refieren tanto a piezas musicales como al baile en sí. El ritmo de los pies de los bailarines puede incluso constituir una parte esencial de la música, como en el claqué . La danza africana, por ejemplo, se basa en pasos básicos fijos, pero también permite un alto grado de interpretación rítmica: los pies o el tronco marcan el pulso básico, mientras que los ritmos cruzados se captan con los hombros, las rodillas o la cabeza, y los mejores bailarines dan simultáneamente expresión plástica a todos los elementos del patrón polirrítmico . ^{[ 37 ]}

La danza en África está profundamente integrada en la sociedad y los eventos importantes de una comunidad se reflejan frecuentemente en las danzas: se realizan danzas para nacimientos y funerales, bodas y guerras. ^{[ 38 ] : 13} Las danzas tradicionales transmiten valores morales culturales, incluidas tradiciones religiosas y normas sexuales; dan rienda suelta a emociones reprimidas, como el duelo ; motivan a los miembros de la comunidad a cooperar, ya sea luchando en guerras o moliendo grano; representan rituales espirituales; y contribuyen a la cohesión social . ^{[ 39 ]}

Miles de danzas se realizan en todo el continente. Estas se pueden dividir en estilos tradicionales, neotradicionales y clásicos: danzas folclóricas de una sociedad en particular, danzas creadas más recientemente imitando estilos tradicionales y danzas transmitidas de manera más formal en escuelas o clases particulares. ^{[ 38 ] : 18} La danza africana ha sido alterada por muchas fuerzas, como los misioneros europeos y los gobiernos colonialistas , que a menudo suprimieron las tradiciones de danza locales por considerarlas licenciosas o una distracción. ^{[ 39 ]} La danza en las culturas africanas contemporáneas aún cumple sus funciones tradicionales en nuevos contextos; la danza puede celebrar la inauguración de un hospital, construir comunidad para migrantes rurales en ciudades desconocidas e incorporarse a ceremonias de la iglesia cristiana. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

Todas las danzas clásicas indias tienen, en mayor o menor medida, raíces en el Natyashastra y, por lo tanto, comparten características comunes: por ejemplo, los mudras (posiciones de las manos), algunas posturas corporales, el movimiento de las piernas y la inclusión de la actuación dramática o expresiva o abhinaya . La música clásica india proporciona el acompañamiento, y los bailarines de casi todos los estilos llevan cascabeles en los tobillos para crear contrapunto y complementar la percusión.

Actualmente existen muchas variedades regionales de danza clásica india . Danzas como "Odra Magadhi" , que tras décadas de debate se ha rastreado hasta la forma de danza Odissi (Orissi) de la actual Mithila, región de Odisha , indican la influencia de las danzas en las interacciones culturales entre diferentes regiones. ^{[ 41 ]}

La región de Punjab , que abarca partes de India y Pakistán, es el lugar de origen del Bhangra . Es ampliamente conocido tanto como estilo musical como de danza. Se relaciona principalmente con antiguas celebraciones de la cosecha, el amor, el patriotismo y temas sociales. Su música se acompaña de un instrumento musical llamado dhol. El Bhangra no es solo música, sino también danza, una celebración de la cosecha donde la gente toca el dhol (tambor), canta Boliyaan (letras) y baila. Se desarrolló aún más con el festival Vaisakhi de los sijs .

Las danzas de Sri Lanka incluyen las danzas del diablo ( yakun natima ), un ritual cuidadosamente elaborado que se remonta al pasado prebudista de Sri Lanka y que combina antiguos conceptos ayurvédicos sobre la causalidad de las enfermedades con la manipulación psicológica , e incorpora muchos aspectos, incluida la cosmología cingalesa. Su influencia se puede apreciar en las danzas clásicas de Sri Lanka . ^{[ 42 ]}

Las danzas indonesias reflejan la riqueza y diversidad de los grupos étnicos y culturas de Indonesia. En Indonesia existen más de 1300 grupos étnicos , como lo demuestran las raíces culturales de los pueblos austronesios y melanesios , así como diversas influencias culturales de Asia y Occidente. Las danzas en Indonesia tienen su origen en movimientos rituales y ceremonias religiosas; este tipo de danza suele comenzar con rituales, como danzas de guerra, danzas chamánicas para curar o alejar enfermedades, danzas para invocar la lluvia y otros tipos de danzas. Con la aceptación de la religión dharma en el siglo I en Indonesia, los rituales hindúes y budistas se celebraban en diversas representaciones artísticas. Las epopeyas hindúes como el Ramayana , el Mahabharata y el Panji sirvieron de inspiración para ser representadas en un drama danzado llamado "Sendratari", similar al ballet de la tradición occidental. Se inventó un método de danza elaborado y altamente estilizado que ha perdurado hasta nuestros días, especialmente en las islas de Java y Bali . La danza javanesa Wayang Wong toma imágenes de episodios del Ramayana o Mahabharata, pero esta danza es muy diferente de la versión india. Las danzas indonesias no prestan tanta atención a los " mudras " como las danzas indias, sino que se centran más en mostrar formas locales. Se cree que la danza ritual sagrada javanesa Bedhaya data del período Majapahit en el siglo XIV o incluso antes. Esta danza se originó a partir de danzas rituales realizadas por jóvenes vírgenes para adorar a dioses hindúes como Shiva , Brahma y Vishnu . En Bali, la danza se ha convertido en una parte integral de los rituales sagrados del Dharma hindú. Algunos expertos creen que la danza balinesa proviene de una tradición de danza más antigua de Java. Los relieves de templos en Java Oriental del siglo XIV muestran coronas y tocados similares a los que se usan en la danza balinesa actual. El Islam comenzó a extenderse por el archipiélago indonesio cuando las danzas indígenas y las danzas del Dharma aún eran populares. Los artistas y bailarines siguen utilizando estilos de la época anterior, reemplazando las historias con interpretaciones más islámicas y vestimenta más cerrada según las enseñanzas islámicas. ^{[ 43 ]}

Las danzas de Oriente Medio suelen ser formas tradicionales de danza circular modernizadas en cierta medida. Incluyen dabke , tamzara , danza folclórica asiria , danza kurda , danza armenia y danza turca , entre otras. ^{[ 44 ] [ 45 ]} Todas estas danzas suelen implicar que los participantes se tomen de las manos o los brazos (según el estilo). Realizan movimientos rítmicos con las piernas y los hombros mientras se desplazan por la pista de baile. La persona que encabeza la danza generalmente sostiene un bastón o un pañuelo . ^{[ 44 ] [ 46 ]}

Las danzas folclóricas varían en toda Europa y pueden remontarse a cientos o miles de años, pero muchas tienen características comunes, como la participación grupal dirigida por un maestro de ceremonias , el contacto de las manos o los brazos entre los participantes y formas musicales fijas conocidas como villancicos. ^{[ 47 ]} Algunas, como la danza del palo de mayo, son comunes a muchas naciones, mientras que otras, como el céilidh y la polka, están profundamente arraigadas en una sola cultura. Algunas danzas folclóricas europeas, como la danza cuadrada, fueron llevadas al Nuevo Mundo y posteriormente se integraron a la cultura estadounidense.

El ballet se desarrolló primero en Italia y luego en Francia a partir de fastuosos espectáculos cortesanos que combinaban ritmo, drama, poesía, canto, vestuario y danza. Miembros de la nobleza cortesana participaban como intérpretes. Durante el reinado de Luis XIV , quien también era bailarín, la danza se codificó. Los bailarines profesionales comenzaron a reemplazar a los aficionados de la corte, y los maestros de ballet fueron licenciados por el gobierno francés. La primera academia de danza fue la Académie Royale de Danse (Real Academia de Danza), inaugurada en París en 1661. Poco después, se formó la primera compañía de ballet institucionalizada, asociada a la academia; esta compañía comenzó siendo un conjunto exclusivamente masculino, pero en 1681 se abrió a incluir también mujeres. ^{[ 3 ]}

La danza de concierto del siglo XX trajo consigo una explosión de innovación en el estilo de danza, caracterizada por la exploración de una técnica más libre. Entre las primeras pioneras de lo que se conoció como danza moderna se encuentran Loie Fuller , Isadora Duncan , Mary Wigman y Ruth St. Denis . La relación entre la música y la danza sirve de base para la euritmia , ideada por Émile Jaques-Dalcroze , que influyó en el desarrollo de la danza moderna y el ballet moderno a través de artistas como Marie Rambert . La euritmia , desarrollada por Rudolf Steiner y Marie Steiner-von Sivers , combina elementos formales que recuerdan a la danza tradicional con el nuevo estilo más libre, e introdujo un nuevo y complejo vocabulario a la danza. En la década de 1920, importantes fundadores del nuevo estilo, como Martha Graham , Lester Horton y Doris Humphrey, comenzaron su trabajo. Desde entonces, se ha desarrollado una amplia variedad de estilos de danza; véase Danza moderna .

La danza afroamericana se desarrolló en espacios cotidianos, en lugar de en estudios de danza, escuelas o compañías. El claqué , la música disco , el jazz , el swing , el hip hop y el lindy hop , con su relación con el rock and roll , han tenido una influencia global. También han surgido en el siglo XXI estilos de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza afroamericana, como Hiplet . ^{[ 48 ]}

El baile es fundamental para la vida social y la cultura latinoamericana . La samba brasileña, el tango argentino y la salsa cubana son bailes de pareja de popularidad internacional, y otros bailes nacionales —merengue , cueca , plena , jarabe , joropo , marinera , cumbia , bachata y otros— son componentes importantes de las culturas de sus respectivos países. ^{[ 49 ]} Los festivales de Carnaval tradicionales incorporan estos y otros bailes en celebraciones multitudinarias. ^{[ 50 ]}

La danza ha desempeñado un papel importante en la forja de una identidad colectiva entre los numerosos grupos culturales y étnicos de Latinoamérica . ^{[ 51 ]} La danza sirvió para unir a los diversos pueblos africanos, europeos e indígenas de la región. ^{[ 49 ]} Ciertos géneros de danza, como la capoeira , y movimientos corporales, especialmente las características quebradas o balanceos de pelvis , han sido prohibidos y celebrados a lo largo de la historia latinoamericana. ^{[ 51 ]}

Los bailarines profesionales suelen ser contratados por contrato o para actuaciones o producciones específicas. La vida profesional de un bailarín generalmente se caracteriza por situaciones laborales cambiantes, una fuerte presión competitiva y salarios bajos. Por consiguiente, los bailarines profesionales a menudo deben complementar sus ingresos para lograr estabilidad financiera. En Estados Unidos, muchos bailarines profesionales pertenecen a sindicatos (como el American Guild of Musical Artists , el Screen Actors Guild y el Actors' Equity Association ) que establecen condiciones laborales y salarios mínimos para sus miembros. Los bailarines profesionales deben poseer una gran capacidad atlética. Para tener una carrera exitosa, es ventajoso ser versátil en muchos estilos de danza, tener una sólida formación técnica y utilizar otras formas de entrenamiento físico para mantenerse en forma y saludable. ^{[ 55 ]}

Los profesores de danza suelen centrarse en la enseñanza de la interpretación de danza, en el entrenamiento de bailarines de competición o en ambas cosas. Generalmente, tienen experiencia en la interpretación de los tipos de danza que enseñan o entrenan. Por ejemplo, los profesores y entrenadores de baile deportivo suelen ser bailarines de competición o antiguos intérpretes de baile deportivo. ^{[ 56 ]} Los profesores de danza deben ser tanto generalistas como especialistas en los estilos de competición de danza para entrenar a los bailarines y coreografiar rutinas que tengan éxito en las competiciones. Los profesores de danza deben estudiar el circuito de competición para organizar toda la logística necesaria para competir en competiciones, como encontrar canciones apropiadas para la edad, asegurarse de que se ajustan al límite de tiempo y tener la cantidad mínima de trucos técnicos para competir en ciertos estilos. ^{[ 57 ]} Los profesores de danza pueden ser autónomos o estar empleados por escuelas de danza o instituciones de educación general con programas de danza. Algunos trabajan para programas universitarios u otras escuelas asociadas con compañías profesionales de danza clásica (por ejemplo, ballet) o danza moderna. Otros están empleados por escuelas de danza privadas más pequeñas que ofrecen formación y entrenamiento de interpretación para diversos tipos de danza. ^{[ 56 ]}

Los coreógrafos son quienes diseñan los movimientos de baile dentro de una danza; a menudo tienen formación universitaria y suelen ser contratados para proyectos específicos o, más raramente, pueden trabajar por contrato como coreógrafos residentes para una compañía de danza específica. ^{[ 58 ] [ 59 ]}

Los estudios de danza forman parte del sector privado. Suelen ofrecer clases basadas en las tendencias más populares de la danza comercial y competitiva. La oferta incluye clases de hip hop , jazz , danza contemporánea , ballet y más. La industria de los estudios de danza ha crecido un 3,8 % desde 2014 y alcanzó los 4 mil millones de dólares en 2019. [ ^{60 ] En} 2017, existían aproximadamente 32 000 estudios de danza en Estados Unidos. ^{[ 57 ]}

Los jueces son bailarines que han trabajado profesionalmente en Broadway , en una compañía de ballet o en el ámbito comercial. Provienen de diferentes ámbitos de la danza, lo que genera opiniones diversas al evaluar las coreografías. El sistema de puntuación ha sido criticado por su inconsistencia, ya que los jueces deben traducir sus opiniones en una puntuación numérica. El sistema de puntuación se basa en los componentes principales de una buena coreografía de competición. Los jueces brindan retroalimentación a los bailarines para ayudarlos a mejorar su técnica, sus habilidades interpretativas y sus rutinas. ^{[ 57 ]}

Las competiciones se llevan a cabo durante dos o tres días, donde los estudios de danza compiten por ganar premios. Las competiciones se realizan tanto a nivel regional como nacional. Los bailarines compiten en muchos estilos diferentes, como contemporáneo , lírico , jazz , claqué , hip hop , ballet y más. Los bailarines realizan rutinas coreografiadas que suelen durar alrededor de dos minutos, y un grupo de jueces calificados las califica para clasificarlas. Los jueces califican las rutinas basándose en cuatro categorías principales: coreografía, ejecución emocional, técnica e impresión general. La impresión general generalmente incluye el vestuario, la elección de la canción y otros factores menores. ^{[ 57 ]} El propósito de las competiciones de danza es proporcionar un espacio seguro y educativo para los bailarines. Competir les da a los bailarines la oportunidad de actuar frente a un público. A menudo, las competiciones se llevan a cabo en un entorno profesional o pueden variar a espacios no escénicos, como un teatro de una escuela secundaria. En lo que respecta a las categorías competitivas, la mayoría de las competiciones basan sus categorías según el estilo de baile, la edad, el nivel de experiencia y el número de bailarines que compiten en la rutina. ^{[ 57 ]}

Artículo principal: Baile de salón

El baile de salón se convirtió en un deporte competitivo cuando la división del Consejo Mundial de Danza (WDC) aclaró qué bailes eran bailes de salón estándar. Según el WDC, los bailes estándar son el vals estándar internacional, el tango, el foxtrot, el vals vienés, la rumba, el quickstep, el cha-cha-chá, la samba, el paso doble y el jive. El Consejo Mundial de Danza cuenta con 59 miembros de diferentes países que ayudan a mantener las reglas. Los bailes considerados estandarizados tienen orígenes mixtos, tanto latinos como estándar. En la década de 1950, el Consejo comenzó a redactar reglas para los diferentes estilos con el fin de unificarlos. Estas reglas ayudan a clarificar los movimientos estilísticos del cuerpo y los pasos principales utilizados en cada baile. Los bailarines deben pasar por un largo proceso para convertirse en maestros de cualquier estilo específico. Comienzan como bailarines sin clasificación y trabajan durante años para alcanzar el nivel S, el nivel internacional más alto. Los bailarines compiten en parejas en competiciones oficiales para ascender de nivel. Muchas veces, los bailarines mantienen la misma pareja durante años. La pareja recibe una puntuación como tal y, para subir de nivel, debe quedar entre los tres primeros. El número de niveles que suben depende del nivel de dificultad de la competición y de la cantidad de personas a las que superan. Normalmente, las parejas comienzan en competiciones locales más pequeñas para subir de nivel. A medida que alcanzan niveles más altos, empiezan a competir en competiciones más importantes a nivel nacional o internacional. Por lo general, las parejas viajan juntas a otros países durante uno o dos días para competir en estas competiciones, sin dejar de asistir a la escuela. Los jueces utilizan el sistema de patinaje para puntuar a las parejas. Este sistema tiene once reglas que ayudan a los jueces a decidir quién pasa a las siguientes rondas. La mayoría de las reglas solo se aplican en la ronda final para crear una puntuación numérica para cada baile y evitar empates. ^{[ 61 ]}

Otros tipos importantes de competiciones de baile incluyen:

• Competiciones de un solo estilo , como la danza escocesa y la danza irlandesa , que solo permiten un único estilo de baile.
• Competiciones abiertas que permiten una amplia variedad de estilos de baile.
• La danza olímpica ha intentado ser añadida como deporte olímpico desde la década de 1930. En la final de los Juegos Olímpicos de Verano de 2021, el breakdance se unió a ellos.

En la mayoría de las formas de danza, el pie es la fuente del movimiento y, en algunos casos, requiere calzado específico para contribuir a la salud y la seguridad del bailarín, dependiendo del tipo de baile, la intensidad de los movimientos y la superficie sobre la que se bailará.

El calzado de danza puede ser tanto de apoyo como restrictivo para el movimiento del bailarín. ^{[ 63 ]} La eficacia del calzado se relaciona con su capacidad para ayudar al pie a realizar una función para la que no está diseñado, o para facilitar un movimiento difícil. Estos efectos tienen implicaciones para la salud y la seguridad debido a la función del equipo, que resulta antinatural para la movilidad habitual del cuerpo.

Ballet

El ballet se caracteriza por el riesgo de lesiones debido a la biomecánica del tobillo y los dedos del pie, que constituyen el principal apoyo para el resto de los movimientos. En el caso de las zapatillas de punta , el diseño específico junta todos los dedos para permitir que se apoyen sobre ellos durante períodos más prolongados. ^{[ 64 ]}

Existen accesorios asociados a las zapatillas de punta que ayudan a mitigar las lesiones y aliviar el dolor durante el baile, como almohadillas para los dedos, cinta adhesiva para los dedos y cojines. ^{[ 65 ]}

Se suele pensar que los bailarines están muy preocupados por su imagen corporal para encajar en un determinado molde de la industria. Las investigaciones indican que los bailarines tienen mayores dificultades para controlar sus hábitos alimenticios, ya que muchos se esfuerzan por alcanzar el peso corporal ideal de esta forma de arte. Algunos bailarines recurren a trastornos alimenticios para mantener una determinada imagen. Entre los casos más comunes se encuentran los bailarines que abusan de laxantes para controlar su peso y terminan desarrollando trastornos alimenticios. Los estudios muestran que un gran número de bailarines utiliza al menos un método para controlar su peso, como el ejercicio excesivo y la restricción alimentaria. La presión para que los bailarines mantengan un peso por debajo del promedio afecta sus hábitos alimenticios, su control del peso y su estilo de vida. ^{[ 66 ]} Debido a su naturaleza artística, los bailarines tienden a tener muchas tendencias autocríticas hostiles. Es común observar en los artistas que una variedad de individuos se resistan a los conceptos de autocompasión. ^{[ 67 ]}

En Norteamérica, los trastornos alimentarios representan un importante desafío para la salud pública, afectando a un estimado del 10% de las jóvenes. Quienes practican deportes con un fuerte componente estético, como la danza, enfrentan riesgos aún mayores debido a la intensa presión por lograr una figura esbelta. ^{[ 68 ]} Los trastornos alimentarios son muy comunes entre los bailarines. Mediante el análisis de datos y estudios publicados, se extrajo información suficiente sobre el porcentaje y la precisión de los bailarines que, en realidad, presentan hábitos alimentarios desordenados o desarrollan un trastorno alimentario. Los bailarines, en general, tienen un mayor riesgo de desarrollar trastornos alimentarios que la población general, principalmente anorexia nerviosa y EDNOS . La investigación aún no ha establecido una correlación directa entre los bailarines y un mayor riesgo de desarrollar bulimia nerviosa. Los estudios concluyeron que los bailarines en general tienen un riesgo tres veces mayor de desarrollar trastornos alimentarios, más específicamente anorexia nerviosa y EDNOS. ^{[ 69 ]}

A pesar de las preocupaciones mencionadas anteriormente, el baile tiene muchos beneficios para la salud. Por ejemplo, los expertos han señalado que el baile mejora la salud cardiovascular, reduce el estrés, aumenta la flexibilidad y la agilidad, fortalece los músculos y los huesos, y mejora el equilibrio y la coordinación. Algunos beneficios mentales y cognitivos incluyen la mejora de la memoria y la cognición, el desafío al cerebro y la reducción del riesgo de demencia. ^{[ 70 ]} El baile también ayuda a desarrollar la autoestima y puede fomentar las relaciones sociales con los compañeros. ^{[ 71 ]}

El baile se ha convertido en una forma popular de contenido en muchas plataformas de redes sociales, incluyendo TikTok . Durante 2020, los bailes de TikTok fueron una manera en que las personas se mantuvieron conectadas durante el confinamiento por la pandemia. ^{[ 72 ]} Desde el debut de TikTok en 2017, los bailarines profesionales de entre 20 y 30 años han utilizado la aplicación como una forma de obtener ingresos. Si bien la mayoría de los bailarines profesionales están más acostumbrados a trabajar en grandes estudios, la aplicación ha introducido una forma más directa para que los bailarines publiquen su arte. ^{[ 73 ]}

Los programas de televisión de competencia de baile han aumentado la popularidad de la danza a lo largo de los años. Programas como Dancing with the Stars , So You Think You Can Dance y Dance Moms han permitido que un público más amplio comprenda y aprecie este deporte artístico. El formato competitivo de la telerrealidad fomenta la participación de los espectadores, lo que incrementa la audiencia. Estos programas permiten que más personas comprendan la habilidad atlética necesaria para realizar estas coreografías cada semana. El número de niños que participan en la danza ha aumentado a la par que la popularidad de estos programas. ^{[ 74 ]}

La danza comercial se refiere al uso de la danza como medio para vender un producto, concepto, marca o celebridad. Se utiliza en diversos ámbitos digitales, como videos musicales , programas de televisión , anuncios , películas , conciertos , espectáculos de Broadway o Las Vegas . La danza comercial puede ser de cualquier estilo , siempre y cuando se utilice para vender algo. ^{[ 57 ]}