Ruth Pastine

Las primeras pinturas de Pastine eran obras de pequeño formato, minimalistas y casi monocromáticas cuyos rigurosos sistemas formales empleaban colores complementarios de gran valor que se fusionaban casi imperceptiblemente dentro del icónico formato cuadrado preferido por los suprematistas rusos. ^{[ 24 ] [ 8 ] [ 12 ]} Las pintaba meticulosamente desde el centro hacia afuera con un pincel pequeño, produciendo formas suaves que parecían brillar, palpitar, flotar o disolverse en campos de color como la niebla que evocaban el infinito. ^{[ 12 ] [ 37 ] [ 8 ] [ 1 ]} Los críticos sugirieron que su serie "Rayos de la casualidad" (1994-1998) respondía a momentos específicos de luz solar; por ejemplo, la imagen Ray Painting #3 Milestone , que Robert L. Pincus escribió que "se parecía a una puesta de sol vista a través de un fino velo de niebla". ^{[ 3 ] [ 1 ] [ 9 ]} Los críticos vincularon el compromiso de esta obra con las implicaciones ópticas y metafísicas de la luz y el color con las afinidades formalistas y trascendentales de artistas como Georgia O'Keeffe , Malevich, Rothko, Robert Irwin , Dan Flavin , Mary Corse y Agnes Martin . ^{[ 1 ] [ 8 ] [ 3 ]}

Con sus series «Amarillo Magenta» y «Rojo Verde» (1998-2004), Pastine cambió su enfoque, alejándose de la apariencia de influencias externas y asociaciones naturales para centrarse en la experiencia de la luz discernida a través de la percepción del color y la mezcla óptica de pigmentos en lienzos desprovistos de asociaciones naturales. ^{[ 9 ] [ 27 ] [ 38 ] [ 39 ]} El crítico del New York Times, Ken Johnson, señaló los nuevos tonos saturados en la primera serie: «imágenes monocromáticas manchadas [que] varían en color desde el morado caramelo hasta el naranja salmón y el amarillo taxi», que se mezclaban húmedo sobre húmedo para crear una ambigua sensación de «brillo desde dentro». ^{[ 40 ]} La «Serie Rojo Verde», por su parte, a menudo utilizaba tonos más sutiles que, según escribió el crítico de San Francisco Kenneth Baker, creaban «improbables sensaciones hipnóticas de color como algo objetivo y desmaterializado a la vez». ^{[ 27 ]}

Pastine diversificó sus investigaciones sobre el color y la luz en la década de 2000 para incluir nuevos formatos, formas geométricas y combinaciones de colores que exploraban luminosidades y temperaturas más intensas y contradictorias. ^{[ 36 ] [ 21 ] [ 14 ]} Comenzó con varias series entre 2004 y 2009 que empleaban lienzos verticales y horizontales más grandes (en lugar de cuadrados), incluyendo las obras "Sameness & Difference", "Convergence", "Black Light" y "Limitless". ^{[ 41 ] [ 23 ] [ 21 ]} El cambio de formato alejó su trabajo de la simetría y lo acercó a composiciones más arquitectónicas y menos serenas en términos de equilibrio, oscilación rítmica y emoción. ^{[ 21 ] [ 2 ] [ 20 ]}

En los últimos tres conjuntos de obras, utilizó sutiles gradaciones concéntricas o en bandas de tonos primarios y complementarios para crear una amplia gama de experiencias de color matizadas —convergencia, reconciliación, temporalidad e inmaterialidad, sugerencias de pasión o control— que se vieron potenciadas por las cambiantes condiciones de luz. ^{[ 42 ] [ 43 ] [ 44 ] [ 29 ]} Donald Kuspit escribió sobre esta obra: «en su mejor expresión, como en las pinturas puras de Pastine, la abstracción sigue siendo lo que es fundamentalmente: un intento arriesgado de evocar un sentimiento numinoso, sosteniendo así el sentido de lo sagrado en un mundo secular». ^{[ 42 ]} La serie Limitless incluyó la primera obra por encargo de Pastine: una instalación pictórica permanente en Ernst & Young Plaza en el centro de Los Ángeles . Consiste en dos conjuntos de cuatro grandes pinturas verticales (de sus series «Blue Orange» y «Red Green», respectivamente) dispuestas como cuatro dípticos, que vinculaban visualmente los dos inmensos vestíbulos contiguos del edificio. ^{[ 2 ] [ 45 ]} Las superficies pictóricas parecen desmaterializarse en contexto unas con otras, evocando una tensión visceral e inherente; esa cualidad se acentúa mediante bastidores diseñados a medida y profundamente biselados que hacen que las pinturas parezcan flotar o brillar, un efecto que Pastine continuaría utilizando en su obra. ^{[ 45 ] [ 11 ] [ 10 ]}

En series posteriores, ("Mind's Eye: Sense Certainty," 2014; "The Inevitability of Truth," 2015; "Witness," 2017), Pastine exploró nuevas posibilidades de color al pasar de colores monocromáticos, en su mayoría primarios, a tonos supersaturados que David M. Roth escribió, sugirieron "lo que Mark Rothko podría haber creado si hubiera adoptado una paleta caribeña". ^{[ 7 ] [ 14 ] [ 4 ]} Estas obras generalmente consistían en bandas de color de arriba a abajo que iban desde el naranja flanqueado por púrpura, rosa y fucsia hasta aguamarinas, azules y rosas, delimitadas por bandas más estrechas de tintes similares que cambiaban a través del espectro, a veces sutilmente y a veces audazmente. ^{[ 33 ] [ 7 ] [ 5 ]} Las pinturas buscaban el bandeado óptico en las áreas de cambio de color —un efecto que Pastine descubrió al enfrentarse a las limitaciones de trabajar con pasteles— que representaban versiones comprimidas de sus transiciones de campo de color expandido anteriores. ^{[ 20 ]} Los críticos a veces comparaban estas modulaciones de color con notas musicales que sonaban y se subsumían rápidamente en conjuntos orquestales. ^{[ 7 ] [ 14 ]} Shana Nys Dambrot escribió: "aunque las pinturas no son realmente eléctricas ni cinéticas, al verlas uno tiene la clara sensación de que los colores respiran, se profundizan, cambian y vibran, transformándose incluso mientras las miras directamente, emanando auras activadas". ^{[ 20 ]} Estas series posteriores también incluyeron obras más grandes construidas alrededor de formas de diamante centrales que estaban rodeadas de bandas concéntricas de color intenso (por ejemplo, Matter of Light 2-S4848 , 2016). ^{[ 33 ] [ 36 ] [ 30 ]}

En 2020, la exposición de Pastine, "Spectrum Depths" (Galería Sonja Roesch), presentó obras íntimas e impactantes pintadas sobre papel en respuesta a los primeros meses de la pandemia de COVID-19 . Su mayor intensidad visual transmitía tanto una sensación de urgencia global como una luminosidad que sugería esperanza. (p. ej., Yellow 7 , 2020). ^{[ 31 ]}