Sarai Sherman

Sarai Sherman (2 de septiembre de 1922 - 24 de octubre de 2013) fue una artista judía estadounidense nacida en Pensilvania , cuya obra, tanto en Estados Unidos como en Europa, influyó en la percepción internacional de la mujer y del expresionismo abstracto . Fue una destacada pintora y escultora del siglo XX, conocida por sus pinturas abstractas, grabados y cerámicas.

Sherman nació en el barrio de Germantown de Filadelfia , Pensilvania , en 1922. Desde temprana edad mostró una marcada inclinación por la pintura y se matriculó en un programa de artes y artes gráficas alrededor de los 10 años. ^{[ 1 ]} Estos primeros años comenzaron a moldear sus intereses artísticos en las personas, la naturaleza y el entorno construido. Asistió a la escuela secundaria Kensington y continuó explorando temas artísticos y la pintura. Sherman estudió en la prestigiosa Fundación Barnes en Pensilvania, donde tuvo la oportunidad de conocer obras fundamentales de maestros modernos ^{[ 2 ]} y asistió a la Escuela de Arte Tyler de la Universidad de Temple , dirigida en ese entonces por el artista de origen ruso Boris Blai, con profesores como Earl Horter y Honga Holm. Sherman se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes y una Licenciatura en Ciencias de la Educación, y luego se matriculó en el programa de Maestría en Artes de la Universidad de Iowa , donde se graduó con un título en historia del arte y pintura. ^{[ 1 ]} En 1948, a los 26 años, Sherman expuso una pintura titulada "Hericane Time" en el Pyramid Club . ^{[ 3 ]}

Sherman se mudó a la ciudad de Nueva York para dedicarse al arte. Durante este período diseñó telas y papel tapiz que se vendieron en tiendas de Filadelfia y Nueva York. En un artículo de United Press International publicado en junio de 1958, Sherman ofreció una visión de su filosofía de diseño textil y arquitectónico de interiores: «Los diseñadores deben tener una verdadera comprensión de las personas y las máquinas, o producirán diseños que representen un desfase cultural. Debemos comprender a la mujer estadounidense en particular y darnos cuenta de que se encuentra en un estado de transición». ^{[ 4 ]}

Durante la Segunda Guerra Mundial, Sherman vivió en Eagle Pass, Texas, donde su esposo estaba destinado en el 45.º Regimiento de Massachusetts.

Italia, 1952-1954

Sherman recibió una beca Fulbright para pintar en Italia . Allí adquirió una profunda perspectiva de la pobreza de la Europa de posguerra . Estas experiencias la marcaron y marcaron un punto de inflexión en su desarrollo artístico. Para ella, Italia se convirtió en una plataforma desde la cual podía observar y participar plenamente en la cultura. En la primavera de 1953, escribió desde Matera: «Me siento como en casa... no porque estas cuevas me recuerden a Filadelfia, sino porque, de alguna manera, un paso de luz o color, o el movimiento de un animal, me traen a la mente momentos de mi infancia, lugares lejanos. Siento como si fuera mi yo del pasado contemplando esta región blanca e imponente. Veo a una mujer con su hijo en brazos: su pequeño cuerpo está en continuo movimiento, mira a su alrededor, grita. Veo a la madre y al niño bajo la luz del sol, y me parece haberlos visto años atrás, exhaustos, pero hermosos. La imagen antigua se superpone a la nueva. El proceso de pintar es automático, espontáneo, me guía. El resultado final es todo amarillo cromo, con tonalidades ocres que oscilan entre el blanco y el marfil. Revelan una sensación de lo antiguo». ^{[ 5 ]}

Las ideas conceptuales de Sherman, expresadas en su pintura, consistían en comparaciones entre la realidad y los recuerdos, una profunda preocupación por el mundo ajeno, por la abatida población del sur de Italia y la identificación de su propio origen con esa abadía y esa pobreza. Durante estos años, su arte tuvo un carácter autobiográfico, en el sentido de que, impulsada por una necesidad irrefrenable, se identificó con los sujetos de sus pinturas. Este periodo está repleto de simbolismo, de la ternura y la profundidad de sus obras, que a menudo se convierten en la culminación de una experiencia en lugar de simplemente conducir al descubrimiento de nuevos mundos de personajes. ^{[ 5 ]}

La excepcional importancia episódica que subyacía a las obras realizadas antes de 1955 se hace evidente a finales de la década de 1950. Lo que solía ser la concentración figurativa de una tragedia se convierte en un retrato de personas y cosas percibidas en medio de la realidad en llamas hasta que llega el momento fugaz. ^{[ 5 ]}

1955-1960

De 1955 a 1960, Sherman trabajó en Estados Unidos. Durante este periodo, amplificó la tipología y el trasfondo de sus experiencias, aumentando la densidad de su pintura. Retrocedió desde Picasso hasta los impresionistas. Al igual que Francis Bacon , quien tras su fase surrealista ficasiana volvió a la pintura en color, Sherman plasmó en su lienzo una serie de principios de los maestros franceses de finales del siglo XIX, filtrados a través de esquemas, visiones e imágenes que no eran ni decimonónicas ni posrománticas, debido en gran medida a las contradicciones plásticas internas de la obra y a su conciencia de la dimensión del tiempo. El espectáculo siempre cambiante que ofrecen las calles son elementos que se han introducido a la fuerza en su fantasía, obligándola a avanzar con humildad hacia una mayor objetividad, pero que, en ese mismo acto de reducción, emergen más autobiográficos que nunca. ^{[ 5 ]}

Sherman formó parte de la respuesta de emergencia a la inundación del Arno en Florencia, Italia, en 1966. Un grupo de artistas internacionales, conocidas como las " Damas de la Inundación ", donaron obras a la ciudad como muestra de solidaridad tras los catastróficos daños causados ​​por el Arno. Las obras donadas se exhiben actualmente en el "Museo de 1900". Con motivo del 50.º aniversario de la inundación, la obra de Sherman titulada Ícaro fue una de las 28 que conformaron una exposición itinerante representativa y apareció en el libro "Cuando el mundo respondió" y en el documental homónimo de PBS de 2015. ^{[ 6 ]}

Sherman estuvo representado por las Galerías ACA en Nueva York durante la década de 1950 y luego por la Galería Forum. Sherman ha tenido numerosas exposiciones individuales importantes en los Estados Unidos y en Europa, incluyendo la Galería ACA, Ciudad de Nueva York (1951, 1955, 1958, 1960); Galleria La Nuova Pesa, Roma (1961), y Galleria Viotti, Turín (1963) – ambas en Italia; Galería Forum, Ciudad de Nueva York (1963, 1967, 1970, 1974, 1986); Galería Fairweather-Hardin, Chicago Illinois (1964); Museo de Arte Contemporáneo, Skopje, Yugoslavia (1965); Galerie Weltz, Salzburgo, Austria y Salon Tribune Mladih, Novi Sad, Yugoslavia (1966); Galleria dell'Orso, Milán (1973), y Studio 5, Bolonia (1976) – ambas en Italia; Galería Madison, Toronto, Canadá (1976); Galería Giulia, Roma, Italia (1982). ^{[ 7 ]}

Sherman creó numerosas litografías y grabados. Muchas de estas obras de edición limitada se produjeron en el renombrado taller Il Bisonte de Florencia, que también realizó importantes obras para Henry Moore y Pablo Picasso .

Sherman ganó numerosos premios y galardones por su trabajo, entre ellos un premio Pepsi Cola (1945), una beca de la Fundación Fulbright para Italia (1952-1954), un premio de pintura de la Academia Estadounidense de Artes y Letras de Nueva York (1964) y su Premio Childe Hassam (1970); además de muchas medallas, menciones y premios en exposiciones por toda Italia y el Premio Proctor de la Academia Nacional de Diseño de Nueva York (1976).

La obra principal de Sherman, aclamada por la crítica, realizada en Italia a mediados de la década de 1950, se centró en los paisajes soleados, la gente y el ambiente de la posguerra del sur de Italia . La calidad tonal y etérea de sus pinturas de este período captura los colores áridos y la luz cegadora del Mezzogiorno . ^{[ 8 ]}

Mario Penelope recordó en su ensayo de 1983 sobre Sherman, titulado «Coherencia y realidad»: «un grupo de pinturas realizadas durante esa primera estancia que se exhibieron en 1955 en su primera exposición individual en Roma, en la Galería Zodiac. En estos lienzos aparecían imágenes de mujeres, niños y aparceros; retratados con austeridad en sus actitudes más típicas, de una manera extrañamente arcaica. Parecían acampados con solemnidad pesada en una espacialidad atemporal; en un drama sobrio de tristeza trascendente que dejaba al descubierto, con amarga emoción, la oscura y patética soledad de ese mundo de aparceros. Las formas se concebían dentro de un riguroso esquema formal. Estas formas se superponían en un ritmo de volúmenes concretos en el que, a intervalos, se filtraba el profundo sentido del valor del color, sobriamente contenido. Las formas se enfatizaban mediante un dibujo lineal conciso y premeditado en el que se vislumbraban reminiscencias de la lección de Picasso y el cubismo ». ^{[ 2 ]}

La crítica de arte italiana Duilio Morosini enmarcó a Sherman en un contexto artístico y cultural en su ensayo de 1977 para el libro Sarai Sherman. Morosini escribió que ahora es necesario situar a “Sherman en una relación histórica con otros exponentes del realismo crítico estadounidense, tanto de la primera como de la segunda generación. El tema recurrente principal de una soledad urbana aislada (expresada por una estandarización de las elecciones, en ideales personales y soluciones prácticas, y por lo tanto la desaparición del sentimiento y la comunicación) no es visto por esta artista como una meditación dolorosa del estado de las cosas donde nada se puede lograr, como se ve en el revelador objetivismo de Edward Hopper ; ni es una acusación irascible como en el resurgimiento del expresionismo de la posguerra . En su pintura (no solo en el período anterior de 1954 a 1965, sino en todos sus desarrollos) los personajes no se basan en detalles indicativos, sino en el “todo” con su “aura” resuelta (inherente a tal pictorialización de las imágenes del pensamiento). La proyección de luz en la pintura en la que cada presencia, cada acto parece estar atrapado en una transición equívoca entre el día y la noche o viceversa; en otras palabras, en la inquietud y expectativa de un cambio impredecible.” ^{[ 9 ]}

En la obra de Sherman se observa una constante implicación con la visualización de valores distorsionados en el continuo de la generalización social. En 1962 completó una serie de pinturas de gran formato que se centraban en la desaparición de la matriz de los símbolos sexuales de la posguerra. La capacidad de Sherman para utilizar la ambivalencia inherente a los valores metafóricos, como punto de partida para el empleo del color tonal, inmerso en luz difusa, también le ha permitido mantener una sensibilidad hacia el entorno de las generaciones más jóvenes. Su obra en la década de 1970 reflejó un cambio en la pictórica de los significados generalizados; una situación constantemente precaria para todos los pintores de la generación de Sherman. ^{[ 9 ]}

Los temas centrales en la obra de Sherman se centran en la preocupación por la inhumanidad de la humanidad hacia los demás, donde forma y contenido son uno solo.

La obra de Sherman está incluida en numerosas colecciones permanentes privadas y públicas, entre ellas el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York; el Museo Whitney de Arte de Nueva York; ^{[ 12 ]} la Universidad de Syracuse ; el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn de Washington, D.C.; la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma ; la Galería Uffizi de Florencia, Italia; la Galería de Arte Sconci de Dubái; el Museo de Jerusalén, Israel; la Galería Nacional de Arte Moderno de Bratislava, Checoslovaquia; el Museo Internacional de Arte Moderno de Skopje, Yugoslavia; y el Museo Gramsci de Ghilarza, Cerdeña. ^{[ 13 ]}

Sherman falleció en la ciudad de Nueva York el 24 de octubre de 2013.

• Premio Pepsi Cola 1949, EE. UU.
• Beca Fulbright de 1952 en Pintura, Italia
• Premio de Pintura de 1964, Instituto Nacional de Artes y Letras , Nueva York, EE. UU.
• Premio Cecina 1964, Italia
• 1965 Premio Resistencia, Pistoia
• 1965 Premio San Giovanni (Medalla de oro otorgada por el Presidente del Senado)
• 1967 Premio Marzotto (Mención Especial)
• 1969 Premio Acireale (Medalla de Plata)
• Premio de Adquisición Childe Hassan de 1970, Instituto Nacional de Artes y Letras , Nueva York, EE. UU.
• 1975 Premio San Marino, República de San Marino
• Premio Proctor 1976, Academia Nacional de Diseño, Nueva York.

• 1964 Las Bachae, Ed. Il Bisonte, Florencia. Delphic Press, Nueva York.
• 1966 El Cantar de los Cantares, Ed. Penelope Gallery, Delphic Press, Nueva York.
• 1969 Folk Rock, Blues y Niños de las Flores, Ed. Gráfica Romero, Roma.
• 1973 El Jardín del Edén, Ed. Stamperia Dell'Orso, Raffaele Bandini, Milán
• 1975 Naturaleza Viva, Ed. Raffaele Bandini, Milán (texto de Carlo Bernari)

• Pintando como la vida, 1969, Roma. Producida por Patara; dirigida por Milla Pastorino.
• Sarai Sherman - Pintura, 1971/76/77. Roma. Pinchar. Di Ciaula, Director, Libero Bizzarri

• Sarai Sherman: Pinturas recientes: del 7 de febrero a febrero de 1967. Nueva York: Forum Gallery. 1967.
• Sarai Sherman . Toronto: Madison Gallery. 1979.
• Sarai Sherman: 8-27 de febrero de 1960. Nueva York: Galería ACA. 1960.
• Ragghianti, Carlo Ludovico; Penélope, Mario (1983). Sarai Sherman . Florencia, Italia: Nuovedizioni Enrico Vallecchi.
• Hamburgo, Galerie Welz (1966). Sarai Sherman . Salzburgo marzo.
• Statler, Oliver (1964). Exposición de arte del Festival de Ravinia 1964: Diez talentos destacados . Highland Park, IL: Comité de la Exposición de Arte del Festival de Ravinia.
• Marzotto, Premio Gaetano (1967). La Pintura Figurativa en Europa . Italia: Valdagno.
• Sherman, Sarai (1965). Canciones de Salomón, Diez grabados de Sarai Sherman . Nueva York: Delphic Arts.
• Sherman, Sarai (1964). Le Baccanti, 7 litografías de Sarai Sherman, cura de Il Bisonte, ediciones de arte . Florencia, Italia: Il Bisonte.
• Statler, Oliver (1964). Exposición de arte del Festival de Ravinia 1964: Diez talentos destacados . Highland Park, IL: Comité de la Exposición de Arte del Festival de Ravinia.
• Fortune, Jane (2013). Sarai y el búfalo
• Dickinson Scholar (1999). Artistas estadounidenses del siglo XX: Selección de la colección permanente del Dickinson College.

• El arte de Sarai Sherman
• Sarai y el búfalo
• Colección del MoMA
• Mujeres artistas del siglo XX

Obras de Sarai Sherman

• Colección del Museo Hirshhorn
• Colección del Museo Hirshhorn
• Colección del Museo de Arte Moderno (MoMA)
• Colección del Museo Whitney de Arte Americano
• Colección del Museo Whitney de Arte Americano