U-ram Choe

A los siete años, Choe creó un autorretrato con la ayuda de su padre; ^{[ 8 ] : 61} mostraba un par de robots, uno de forma antropomórfica y el otro con forma de pez. Realizados en óleo y carboncillo, los robots no tienen rasgos externos; en cambio, los contornos de sus formas encierran sistemas de partes mecánicas. ^{[ 5 ] : 15} En 2012, Choe retomó esta obra creando una versión escultórica. Presentaba una forma de robot con brazos extendidos de manera similar, rodeado de una variedad de herramientas y planos de planificación.

Después de un período exploratorio creando varias esculturas con elementos robóticos a finales de la década de 1990, a principios de la década de 2000 Choe comenzó a aplicar el movimiento robótico y la ingeniería a formas fantásticas, parecidas a animales. ^{[ 8 ] : 70} Denominadas "anima-máquinas", estas esculturas en movimiento exploran la relación entre —y la coexistencia de— la naturaleza y las máquinas. ^{[ 6 ] : 109 [ 10 ]} La mayoría tiene títulos de estilo latino , que recuerdan a la nomenclatura binomial , la denominación científica de los animales, ^{[ 5 ] : 10–11 [ 7 ]} y muchas fueron acompañadas de narrativas alegóricas cuando las esculturas fueron exhibidas. ^{[ 5 ] : 11 [ 7 ]}

Un ejemplo de las obras de Choe que combinan anima y máquina es Custos Cavum (2011). Inspirada inicialmente en un documental sobre focas antárticas que utilizan sus dientes frontales para roer el hielo submarino, las costillas móviles de la obra imitan meticulosamente los movimientos respiratorios de los mamíferos. ^{[ 2 ] : 125} Cuando se exhibió, Custos Cavum estuvo acompañada de una narración mítica que describe a una criatura guardiana que roía agujeros entre dos mundos para mantenerlos conectados, hasta su extinción. ^{[ 5 ] : 50}

A partir de 2012, Choe cambió su enfoque de la búsqueda de nuevos niveles de sofisticación técnica al contexto social al ampliar su alcance más allá de representar animales-máquinas para examinar las dinámicas de poder en la sociedad contemporánea. ^{[ 5 ] : 10–11 [ 6 ] : 109–110 El} Ouroboros (2012) de Choe fue una de las esculturas que marcaron este cambio. Una escultura con forma de serpiente de una criatura que se come su propia cola, la obra alude a la insaciabilidad de la codicia humana. ^{[ 10 ]}

Entre estas obras recientes, URC-1 (2014) considera la existencia cíclica de la maquinaria en la sociedad, desde su producción hasta su descarte y posterior reutilización. ^{[ 10 ]} La obra reúne más de 150 faros de automóviles desechados en un nido esférico y luminoso. Recolectados del desguace de Hyundai Motors, los faros parecen resucitados en la escultura de Choe. ^{[ 10 ]}

Otro ejemplo es Pink Hysteria (2018), en la que un grupo de flores rosas sirve como metonimia de la sociedad colectiva. ^{[ 10 ]} Inspirada en las reflexiones de Choe sobre las sociedades de Corea del Norte y Corea del Sur en medio de los Juegos Olímpicos de 2018, la obra encierra un grupo de flores dentro de cuatro paredes de vidrio, lo que restringe sus movimientos ondulantes. ^{[ 11 ]} En 2022, Choe desarrolló un nuevo conjunto de más de 49 obras para una exposición individual en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea ; juntas, estas obras exploran cuestiones del destino humano. ^{[ 12 ] [ 13 ]} Con el título de la exposición, la obra Little Ark planteó preguntas sobre hacia dónde se dirige la humanidad al usar cartón de consumo reciclado y reutilizado para sus remos. ^{[ 13 ]} Obras como One y Red fueron hechas de Tyvek, el material fibroso que compone los trajes de protección contra materiales peligrosos, usados ​​notablemente por los trabajadores médicos durante la pandemia, que también se parece a Hanji. ^{[ 14 ]}