Vance Kirkland

Vance Hall Kirkland (3 de noviembre de 1904 – 24 de mayo de 1981) fue un pintor y educador en Denver, Colorado. Sus pinturas, de 1926 a 1981, abarcan desde acuarelas realistas e impresionistas, pasando por mundos surrealistas de madera muerta, hasta mezclas expresionistas abstractas de pintura al óleo y agua, y pinturas de puntos al óleo de rica textura. Al comentar las obras de Kirkland de 1954 a 1981, el director del Museo de Arte Moderno de Viena, Lóránd Hegyi, afirmó: “... en su obra posterior, desarrolló un arte visionario que empatizaba místicamente con todo el universo, dio forma visual a la universalidad cósmica en imágenes explosivas y utilizó la pintura sobre tabla para transmitir el estado perpetuo y cambiante del universo”. ^[1] Después de su muerte, se fundó el Museo Kirkland de Bellas Artes y Artes Decorativas en su nombre.

Vance Hall Kirkland nació en Convoy, Ohio , el 3 de noviembre de 1904. Hall era el apellido de soltera de su madre, que abandonó después de los primeros años de pintura. Asistió a la Escuela de Arte de Cleveland, donde recibió un título de Diploma en Pintura (1927) y una Licenciatura en Educación en Arte (BEA, 1928), y continuó un segundo año de estudios en historia del arte y educación artística en la Escuela de Educación de Cleveland y la Universidad Western Reserve (1926-1928). ^[2]

Kirkland se mudó a Denver en 1929, donde permaneció el resto de su vida. Él y Anne Fox Oliphant se casaron en 1941, disfrutaban de viajar juntos y de recibir invitados. Permanecieron casados ​​hasta que Anne murió en 1970. Además de pintar y enseñar (detallados en la sección “Educador” a continuación), Kirkland ofreció su tiempo como voluntario para muchas instituciones. Kirkland murió el 24 de mayo de 1981 en Denver. ^[3]

Dianne Perry Vanderlip, curadora de arte moderno y contemporáneo del Museo de Arte de Denver, conoció a Kirkland durante los últimos tres años de su vida y fue cocuradora de la retrospectiva Vance Kirkland FIFTY YEARS . Señaló: “...cada uno de estos períodos, por supuesto, ha estado vinculado con un interés primordial de comunicar la aventura del espíritu humano a través del tiempo. Obviamente, aunque titula estas pinturas con títulos de la era espacial —Nebulosa cerca de Saturno y ese tipo de cosas— no son pinturas de ciencia ficción; son pinturas sobre la aventura del espíritu humano”. ^[4]

Kirkland creó alrededor de 1200 pinturas durante su vida, que abarcan cinco períodos pictóricos y más de 30 series. ^[5] En el catálogo de su exposición retrospectiva de 1978 en el Museo de Arte de Denver, Denver, Colorado, Kirkland dijo: “Para mí ha sido absolutamente necesario cambiar de dirección para evitar la repetición. Siempre que un ciclo de ideas parecía satisfactorio, sabía que lo había logrado y que necesitaba seguir adelante y desarrollar un desafío mayor. Entonces las pinturas se mantuvieron frescas y, esperaba, mejoraron, y evité el aburrimiento”. ^[6]

Una de las observaciones más importantes sobre la carrera de Kirkland, hecha por expertos en museos como se documenta a continuación, es que creó algo significativo en cada uno de sus cinco períodos pictóricos. Cuando sus obras se exhibieron en 11 museos europeos y 2 salas de exposiciones, entre 1997 y 2000, cada una de esas 13 muestras incluía los 5 períodos de Kirkland, que abarcaban desde la década de 1930 hasta fines de la década de 1970. ^[7]

1. Realismo diseñado (1926-1944): El primer período pictórico de Vance Kirkland, el Realismo diseñado, consiste principalmente en acuarela y algo de pintura al óleo. Lewis Sharp, director del Museo de Arte de Denver y ex curador del Museo Metropolitano de Nueva York, afirmó: “… manejó este medio [acuarela] tan bien como cualquier artista estadounidense. Simplemente puedes retroceder y, ya sea que quieras comenzar con John Singer Sargent, Winslow Homer, Thomas Eakins o avanzar al siglo XX con John Marin o Charles Burchfield, Vance Kirkland fue un maestro”. ^[8] Este período incluye naturalezas muertas, retratos y paisajes.

2. Surrealismo (1939-1954): Para su segundo período pictórico, Kirkland utilizó principalmente acuarela (también algo de gouache, caseína, témpera al huevo y pintura al óleo). Inventó mundos surrealistas de madera muerta transformándose en criaturas caprichosas, que empequeñecen a los humanos prehistóricos, correteando entre la vegetación. Charles Stuckey, Curador de Pintura y Escultura del Siglo XX del Art Institute of Chicago, comentó: “...muestran un virtuosismo en su control de la forma y la transparencia con la acuarela, que le permite hacer en acuarela lo que artistas como [René] Magritte y [Salvador] Dalí estarían haciendo en óleo al mismo tiempo...” ^[9]

Elizabeth Broun , ex directora del Museo Smithsonian de Arte Americano, analizó este período con más detalle: “Encuentro en sus obras surrealistas una encantadora disposición a contemplar la naturaleza como una fuerza positiva y la evolución como una serie de potenciales. Creo que esto se manifiesta más adelante en las pinturas de nebulosas y puntos que dan una sensación de explosiones en el espacio. Es una liberación de energía como un magnífico acto de creación”. ^[10] “Algunos de sus paisajes tienen proto-criaturas, pequeñas formas y figuras animales, seres biomórficos y evolutivos. A veces incluyen pequeñas figuras humanoides más o menos reconocibles. Uno siente que está poniendo al hombre en su lugar en la naturaleza, mostrándolo como solo uno de los posibles caminos evolutivos que la naturaleza podría haber tomado. Es la forma de Kirkland de reducir al hombre a la escala que él pudo haber considerado apropiada”. ^[11]

3. Abstracción de bordes duros/Abstracciones de la naturaleza (1947–1957): En su tercer período pictórico, Kirkland pintó principalmente pinturas de bordes duros de manera abstracta. Aproximadamente la mitad de estas pinturas son acuarelas y la otra mitad óleos. Este período incluye la serie Abstracción de la línea forestal [ejemplo de 1953 mostrado arriba]. Charles Stuckey analizó parte de este período: “Hay una sensación de laberinto en su línea, por ejemplo, que es obvia en estas pinturas abstractas de la línea forestal, que aparentemente se desarrollaron a partir de sus meditaciones sobre las hojas que veía en el suelo del bosque... algunos de sus primeros intentos por lograr textura parecen esa veta de la madera que lo obsesionaba y aparecía en todo, que uno asociaba con una mesa, luego con una especie de naturaleza muerta dispuesta sobre ella, pero una naturaleza muerta que se fue y solo dejó estos trazos increíbles”. ^[12]

4. Expresionismo abstracto (1950-1964): Para su cuarto período pictórico, Kirkland inventó una técnica expresionista abstracta que consistía en mezclar pintura al óleo y agua, creando superficies de pintura diferentes a las de cualquier otro artista. Richard Brettell , director del Museo de Arte de Dallas, habló de estas pinturas: “Fueron pintadas en los años 50 y principios de los 60 y son parte de la principal contribución de Vance Kirkland a la historia del expresionismo abstracto en Estados Unidos... estaba haciendo uso de la superficie de la pintura como una especie de campo de batalla entre el óleo y el agua, estos dos medios líquidos que se resisten entre sí, y creando este increíble tipo de sinfonías de color y batallas de medios que son, en muchos sentidos, curiosamente comparables a lo que estaba sucediendo en Nueva York y mucho más poderosas visualmente”. ^[13]

Hay cuatro series principales: Abstracciones nebulosas; Abstracciones relacionadas con Roma; Abstracciones relacionadas con Asia; Abstracciones puras. ^[14] Elizabeth Broun comentó: “Para mis propios sentimientos, las ideas sobre el espacio, el tiempo, la nebulosa, el devenir y la creación se expresaron fabulosamente en los años 50 y principios de los 60... Sospecho que la nebulosa surgirá como un aspecto importante de su carrera”. ^[15]

Charles Stuckey analizó las abstracciones romanas y asiáticas de Kirkland de este cuarto período: “Kirkland viajó mucho por todo el mundo a fines de los años 50 y principios de los 60 y trajo a la escuela expresionista abstracta, sucia, descolorida y mugrienta toda una variedad de experiencias de color que iban mucho más allá de las calles de Manhattan: desde los colores rojos profundos de Pompeya y Herculano (las pinturas murales que vio allí) hasta las superficies de laca del arte que vio en el Lejano Oriente”. ^[16]

5. Las pinturas de puntos (1963-1981): Para las pinturas de su quinto y último período, Kirkland utilizó tacos de madera para colocar puntos de pintura al óleo de diversos tamaños y colores sobre un fondo interactivo de formas de mezclas de pintura al óleo y agua (o, a veces, en su lugar, un fondo de gradación de color, también hecho al óleo). Inventó esta técnica que parece muy diferente del puntillismo o los puntos Ben-Day del artista Roy Lichtenstein. ^[17] Péter Fitz, director del Kiscelli Múzeum, Budapest, afirmó: “Surgió un período muy singular, la larga serie de 'pinturas de puntos'... Esta técnica puede recordar al puntillismo, pero solo en teoría, no en la práctica... este método está lejos del de los puntillistas. Las formas grandes y orgánicas se construyen a partir de puntos diminutos, utilizando colores potentes, a veces brutales... Los puntos de pintura son plásticos; sobresalen de la superficie de la pintura, casi transformándola en un relieve”. ^[18]

Hay cuatro series principales y algunas subseries importantes: Energía de vibraciones en el espacio [con las subseries Valhalla, Geométrica, Einstein, Soles abiertos]; Energía de misterios en el espacio; Energía de explosiones en el espacio; Energía de fuerzas en el espacio; y ocasionalmente Abstracciones puras. ^[19]

Charles Stuckey habló de estas pinturas de puntos: “Las últimas pinturas de Kirkland son notables... logró un tipo de intensidad que, de otro modo, uno asocia en la historia del arte no solo con el orfismo y el futurismo de principios del siglo XX, sino también con la locura de Van Gogh... Kirkland obviamente, desde el comienzo de su carrera a fines de la década de 1920, quería pintar como nadie más lo había hecho nunca, y realmente logró hacerlo”. ^[20]

Richard Brettell señaló lo apropiado que resulta el tema y, a menudo, los títulos sobre la “energía” para las pinturas: “... las pinturas más vitales de su carrera y las pinturas que realmente, en muchos sentidos, resumen su carrera fueron pintadas al final de su vida, cuando estaba muy enfermo, y nunca lo sabrías al mirarlas. Detrás de mí hay una pintura que pintó en 1977, solo cuatro años antes de su muerte. Es una pintura de una escala inmensa, que tiene un tipo de intensidad cromática casi inigualable en el arte del siglo XX, que está llena de energía, de una energía cromática y de energía de diseño...” ^[21]

Kirkland obtuvo muchas de las combinaciones de colores para sus pinturas gracias a su capacidad sinestésica para percibir el color en la música, especialmente en las composiciones clásicas. En una entrevista de 1978 con el Museo de Arte de Denver, afirmó: “Siempre he interpretado el sonido como color. Mahler, Schoenberg, Bartok, Berg, Shostakovich, Prokofiev e Ives exploraron nuevas tonalidades que me ayudaron a transponer los sonidos en colores”. ^[22] Aunque podía obtener colores de la música de la mayoría de los compositores, quería una cierta cantidad de disonancia musical que le diera las combinaciones de colores vibrantes deseadas para sus pinturas, de ahí su interés principalmente por los compositores modernos.

Kirkland escuchaba composiciones musicales en casa y escribía notas en trozos de papel cuando oía pasajes que le daban ideas para esquemas de color en sus cuadros. Luego iba a su estudio y empleaba esas combinaciones de colores, que aumentaban su propia imaginación, en sus cuadros. Kirkland no pintaba mientras tocaba música al mismo tiempo porque habría estado escuchando otros colores. Más tarde, cuando había creado aproximadamente el 20% del cuadro y había establecido los colores dominantes, podía escuchar música que tanto disfrutaba.

Otras personas famosas con sinestesia incluyen al artista David Hockney, al compositor y líder de banda Duke Ellington, al autor Vladimir Nabokov, al físico Richard Feynman y al compositor Franz Liszt.

Se documentó que Kirkland tuvo 316 exposiciones entre 1927 y 2000, en 76 ciudades estadounidenses, 31 estados, 17 ciudades extranjeras y 12 países extranjeros. De esas exposiciones, 159 fueron en museos y 49 en universidades. ^[23]

Dianne Perry Vanderlip habló sobre la historia de las exposiciones de Kirkland: “En 1946, inició su relación de 12 años con la prestigiosa galería Knoedler & Company en Nueva York, donde recibió varias exposiciones individuales y participó en muchas muestras grupales importantes. Compartió exposiciones con el maestro surrealista, Max Ernst, a quien admiraba profundamente. ... Kirkland fue incluido en las grandes exposiciones de arte abstracto y surrealista estadounidense en el Art Institute of Chicago en 1947 y en la muestra Reality and Fantasy en el Walker Art Center (Minneapolis) en 1954. También durante y después de la Segunda Guerra Mundial, su trabajo se exhibió en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte de Denver, el Museo de Arte de Worcester (Massachusetts), el Instituto Moore en Filadelfia... y muchos otros lugares importantes”. ^[24]

Los museos que tienen obras de Kirkland en sus colecciones permanentes incluyen el Museo Smithsonian de Arte Americano (Washington, DC); el Museo de Arte Moderno de Viena; el Museo de Bellas Artes de Budapest (Szépmüvészeti Muzeum); el Instituto de Arte de Chicago; el Museo de Arte Nelson-Atkins (Kansas City, Missouri); el Instituto de Artes de Detroit; el Museo de Arte de Nuevo México; y muchos otros. ^[25]

Kirkland fue el director fundador y profesor de arte de la actual Escuela de Arte de la Universidad de Denver de 1929 a 1932, y nuevamente desde 1946 hasta su jubilación en 1969. De 1932 a 1946, Kirkland dirigió la Escuela de Arte Kirkland en 1311 Pearl Street. ^[26] Sus clases fueron “acreditadas por la Universidad de Colorado en 1933”, con lo que “se inició el programa de arte en el Centro de Extensión de la Universidad de Colorado en Denver [ahora UCD] y tuvo clases de intercambio con esa institución”. ^[27] Así, Kirkland fundó tres escuelas de arte a la edad de 28 años.

En 1996, 15 años después de la muerte de Kirkland, se creó la Fundación Vance Kirkland para preservar las obras de Kirkland y otros artistas de Colorado. En 2003, el Museo de Bellas Artes y Artes Decorativas Kirkland abrió sus puertas en Denver para continuar esa misión y exhibir bellas artes de Colorado y de la región, junto con una colección internacional de arte decorativo que abarca desde el movimiento Arts & Crafts, el Aesthetic, el Art Nouveau, el Glasgow Style, el Wiener Werkstätte, el De Stijl, la Bauhaus, el Art Deco, el Modernismo, hasta el Pop Art y el Posmodernismo.

El Museo Kirkland abrió sus puertas el 10 de marzo de 2018 en un nuevo edificio de 38.500 pies cuadrados, diseñado por Jim Olson de Olson Kundig, con sede en Seattle, y financiado por Merle Chambers Fund. La nueva ubicación está en 1201 Bannock Street, en el distrito creativo Golden Triangle de Denver.

El estudio y la escuela de arte de Vance Kirkland son el corazón de la experiencia del Museo Kirkland. El domingo 6 de noviembre de 2016, en colaboración con Mammoth Moving & Rigging Inc. y Shaw Construction, el edificio del estudio de tres habitaciones de Vance Kirkland se trasladó a través del vecindario mediante ocho juegos de ruedas articuladas controladas a distancia hasta su nuevo hogar, ocho cuadras al oeste en 12th & Bannock, donde forma parte del nuevo Museo Kirkland.