Vodevil

Vaudeville ( / ˈ v ɔː d ( ə ) v ɪ l , ˈ v oʊ -/ ; ^{[ 1 ]} Francés: [ vodvil ]^ⓘ ) es ungéneroteatralentretenimiento de variedadesque se popularizó en Estados Unidos y Canadá desde principios de la década de 1870 hasta principios de la década de 1930. ^{[ 2 ]}

De manera similar al music hall de la Gran Bretaña victoriana , ^{[ 3 ]} una típica función de vodevil norteamericana consistía en una serie de actos separados y no relacionados entre sí, agrupados en un mismo programa. Entre los tipos de actos se incluían músicos populares y clásicos , cantantes , bailarines , comediantes , animales amaestrados , magos , ventrílocuos , forzudos , imitadores de hombres y mujeres , acróbatas , payasos , mimos , canciones ilustradas , malabaristas , atletas , celebridades que daban conferencias o escenas de obras de teatro , obras de un acto , juglares y películas . A un artista de vodevil se le suele llamar vodeviliano .

El vodevil se desarrolló a partir de diversas fuentes, como los salones de conciertos , los espectáculos de juglares , los espectáculos de rarezas , los museos de curiosidades y el burlesque literario estadounidense . Considerado «el corazón del mundo del espectáculo estadounidense», el vodevil fue uno de los tipos de entretenimiento más populares en Norteamérica , Sudamérica , Australia y Europa durante varias décadas. ^{[ 4 ]}

El origen del término aún no se ha determinado, pero a menudo se dice que deriva de la expresión francesa voix de ville ' voz de la ciudad ' . Una segunda hipótesis es que proviene de las canciones satíricas del siglo XV del poeta Olivier Basselin , "Vau de Vire". ^{[ 5 ]} En su serie de televisión Connections , el historiador de la ciencia James Burke argumenta que el término es una corrupción del francés Vau de Vire ' Valle del río Vire ' , una zona conocida por sus canciones de borrachera subidas de tono y donde vivió Basselin. ^{[ 6 ]} En 1949, cuando el vodevil regresó al Palace Theatre de Nueva York después de muchos años de ausencia, el New York Times escribió: "Derivado de Val De Vire (Valle del Vire), un sector en Normandía donde se originaron las alegres canciones de borrachera". ^{[ 7 ]} El Oxford English Dictionary también respalda el origen vau de vire , una forma truncada de chanson du Vau de Vire ' canción del valle de la Vire ' . ^{[ 8 ]} Alrededor de 1610, Jean le Houx recopiló estas obras como Le Livre des Chants nouveaux de Vaudevire , que es probablemente el origen directo de la palabra.

Con sus primeras apariciones sutiles a principios de la década de 1860, el vodevil no fue inicialmente una forma común de entretenimiento. Esta forma evolucionó gradualmente desde el salón de conciertos y la sala de variedades hasta su forma madura a lo largo de las décadas de 1870 y 1880. Esta forma más refinada se conocía como "Vaudeville Político". ^{[ 9 ]}

En los años previos a la Guerra Civil Estadounidense , el entretenimiento existía a una escala diferente. Teatros de variedades similares existían antes de 1860 en Europa y otros lugares. En los EE. UU., ya en las primeras décadas del siglo XIX, los espectadores podían disfrutar de una función que incluía obras de Shakespeare , acrobacias, canto, baile y comedia. ^{[ 10 ] [ 2 ]} Con el paso de los años, las personas que buscaban entretenimiento diverso encontraron un número creciente de formas de entretenerse. El vodevil se caracterizaba por compañías itinerantes que recorrían ciudades y pueblos. ^{[ 11 ]} Un puñado de circos recorrían el país regularmente; los museos de diez centavos atraían a los curiosos; los parques de atracciones, los barcos fluviales y los ayuntamientos a menudo presentaban espectáculos de variedades más "limpios"; en comparación con los salones, las salas de música y las casas de burlesque , que atendían a aquellos con gusto por lo atrevido . En la década de 1840, el espectáculo de juglares , otro tipo de espectáculo de variedades y "la primera emanación de una cultura de masas omnipresente y puramente estadounidense", alcanzó una enorme popularidad y formó lo que Nick Tosches llamó "el corazón del mundo del espectáculo del siglo XIX". ^{[ 12 ]} Una influencia significativa también provino de los juglares y comediantes "holandeses" (es decir, alemanes o pseudoalemanes). ^{[ 13 ]} Los espectáculos ambulantes recorrían el campo ofreciendo programas de comedia, música, malabaristas y otras novedades, junto con exhibiciones de tónicos, ungüentos y elixires milagrosos, mientras que los espectáculos del " Salvaje Oeste " ofrecían visiones románticas de la frontera en desaparición, con acrobacias a caballo, música y drama. El vodevil incorporó estas diversas diversiones itinerantes en una forma estable e institucionalizada centrada en los crecientes centros urbanos de Estados Unidos. ^{[ 14 ]}

Desde mediados de la década de 1860, el empresario Tony Pastor , un antiguo payaso de circo cantante que se había convertido en un destacado artista y director de teatro de variedades, capitalizó la sensibilidad y el poder adquisitivo de la clase media cuando comenzó a presentar programas de variedades "educados" en sus teatros de la ciudad de Nueva York . ^{[ 2 ]} Pastor abrió su primera "Ópera" en Bowery en 1865, luego trasladó su negocio de teatro de variedades a Broadway y, finalmente, a la calle Catorce cerca de Union Square . No comenzó a usar el término "vaudeville" en lugar de "variedades" hasta principios de 1876. ^{[ 15 ]} Con la esperanza de atraer a un público potencial de mujeres y familias que compraban en la zona alta de la ciudad , Pastor prohibió la venta de licor en sus teatros, eliminó el material obsceno de sus espectáculos y ofreció regalos de carbón y jamones a los asistentes. El experimento de Pastor resultó exitoso, y otros directores pronto siguieron su ejemplo. ^{[ 16 ]}

BF Keith dio el siguiente paso, comenzando en Boston , donde construyó un imperio de teatros y llevó el vodevil a Estados Unidos y Canadá. Más tarde, EF Albee , abuelo adoptivo del dramaturgo Edward Albee , ganador del Premio Pulitzer , dirigió la cadena hasta su máximo éxito. Circuitos como los gestionados por Keith-Albee proporcionaron la mayor innovación económica del vodevil y la principal fuente de su fortaleza industrial. Permitieron la creación de una red de teatros de vodevil aliados que remediaron el caos del sistema de contratación de un solo teatro, mediante la contratación de artistas para giras regionales y nacionales. Estas giras podían extenderse fácilmente de unas pocas semanas a dos años.

Albee también dio prominencia nacional al vodevil, que pregonaba un entretenimiento "educado", un compromiso con un entretenimiento igualmente inofensivo para hombres, mujeres y niños. Los actos que violaban este principio (por ejemplo, aquellos que usaban palabras como "infierno") eran amonestados y amenazados con la expulsión de las funciones restantes de la semana o la cancelación definitiva. A pesar de tales amenazas, los artistas desafiaban sistemáticamente esta censura , a menudo para deleite de los mismos espectadores cuyas sensibilidades supuestamente estaban en peligro. Finalmente, instituyó una serie de normas para ser espectador en su espectáculo, y estas fueron reforzadas por los acomodadores que trabajaban en el teatro. ^{[ 5 ]}

Este "entretenimiento educado" también se extendía a los miembros de la compañía de Keith. Él tomaba medidas extremas para mantener este nivel de modestia. Keith incluso llegó a colocar advertencias entre bastidores como esta: "No digas 'holgazán', 'hijo de puta' o 'joder' en el escenario a menos que quieras ser cancelado perentoriamente... si eres culpable de pronunciar algo sacrílego o incluso sugerente, serás inmediatamente expulsado y nunca más se te permitirá entrar en un teatro donde el Sr. Keith tenga autoridad". Siguiendo esta misma línea de disciplina, los gerentes de los teatros de Keith enviaban ocasionalmente sobres azules con órdenes de omitir ciertas frases sugerentes de las canciones y posibles sustituciones para esas palabras. Si los actores optaban por ignorar estas órdenes o renunciar, obtendrían una "mancha negra" en su nombre y nunca más se les permitiría trabajar en el Circuito Keith. Así, los actores aprendieron a seguir las instrucciones de B.  F. Keith por temor a perder sus carreras para siempre. ^{[ 5 ]}

A finales de la década de 1890, el vodevil contaba con grandes circuitos, teatros (de todos los tamaños) en casi todas las localidades importantes, una programación estandarizada, una amplia selección de artistas talentosos y un público fiel a nivel nacional. Uno de los circuitos más grandes era el Orpheum Circuit de Martin Beck . Constituido en 1919, reunió a 45 teatros de vodevil en 36 ciudades de Estados Unidos y Canadá, además de una importante participación en dos circuitos de vodevil. Otro circuito importante era el de Alexander Pantages . En su apogeo, Pantages poseía más de 30 teatros de vodevil y controlaba, mediante contratos de gestión, quizás otros 60 tanto en Estados Unidos como en Canadá.

En su apogeo, el vodevil se presentaba en diversos estratos sociales y con distintos tamaños de auditorio. En el circuito de vodevil, se decía que si un número triunfaba en Peoria, Illinois , funcionaría en cualquier lugar. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]} La pregunta "¿ Funcionará en Peoria? " se ha convertido en una metáfora para determinar si algo atrae al público estadounidense en general.

Los tres niveles más comunes eran el de "tiempo pequeño" (contratos peor pagados por actuaciones más frecuentes en teatros más modestos, a menudo reconvertidos), el de "tiempo medio" (salarios moderados por dos actuaciones diarias en teatros construidos específicamente para ello) y el de "tiempo grande" (posibles remuneraciones de varios miles de dólares semanales en grandes teatros urbanos frecuentados principalmente por las clases media y media alta). A medida que los artistas ganaban fama y se ganaban seguidores a nivel regional y nacional, accedían a las condiciones laborales menos exigentes y a la mejor remuneración del tiempo grande.

El epicentro del vodevil era el Palace Theatre de Nueva York (o simplemente "The Palace", en la jerga del vodevil), construido por Martin Beck en 1913 y dirigido por Keith. Con una programación repleta de ingeniosos números novedosos, celebridades nacionales y maestros reconocidos del vodevil (como el comediante y virtuoso Will Rogers ), el Palace representaba lo que muchos artistas del vodevil consideraban la apoteosis de carreras extraordinarias.

Un programa de espectáculos estándar comenzaba con un sketch, seguido de un solo (un artista individual masculino o femenino); luego venía un alley-oop (un acto acrobático); después otro solo, seguido de otro sketch, como una comedia con la cara pintada de negro. Los actos que seguían a estos durante el resto del espectáculo variaban desde musicales hasta malabaristas y números de canto y baile, y terminaban con un gran espectáculo final , ya fuera musical o dramático , con toda la compañía. Estos espectáculos contaban con estrellas como el pianista de ragtime y jazz Eubie Blake , el mago Harry Houdini y la estrella infantil Baby Rose Marie . ^{[ 21 ]}  

En el artículo del New-York Tribune sobre el vodevil, se afirma que, en cualquier momento dado, el vodevil empleaba a más de doce mil personas en toda su industria. Cada artista pasaba 42 semanas seguidas de gira trabajando en un "Circuito" específico, es decir, en una cadena de teatros perteneciente a una importante compañía. ^{[ 22 ]}

Si bien el carácter vecinal de la asistencia al vodevil siempre había promovido una tendencia a adaptar el espectáculo a públicos específicos, el vodevil maduro llegó a contar con teatros y circuitos dirigidos específicamente a ciertos grupos demográficos. Los espectadores negros, a menudo segregados en la parte trasera de la segunda galería en los teatros orientados a blancos, tenían sus propios circuitos más pequeños, al igual que los hablantes de italiano y yiddish (véase más adelante). Esta incorporación extranjera, combinada con la comedia, produjo actos como los "espectáculos de juglares de la América anterior a la Guerra Civil" y el teatro yiddish. Muchas familias de origen étnico se unieron a este negocio del entretenimiento, y para ellas, este estilo de vida itinerante era simplemente una continuación de las circunstancias que las habían traído a Estados Unidos. A través de estos actos, pudieron asimilarse a su nuevo hogar al tiempo que traían fragmentos de su propia cultura a este nuevo mundo. ^{[ 23 ]} Los circuitos regionales orientados a blancos, como el "Peanut Circuit" de Nueva Inglaterra , también proporcionaron campos de entrenamiento esenciales para nuevos artistas, al tiempo que permitieron a los artistas consagrados experimentar y perfeccionar material nuevo. En su apogeo, el vodevil solo era superado por las iglesias y las escuelas públicas entre los principales lugares de reunión pública del país.

Otro aspecto ligeramente diferente del vodevil fue el creciente interés por la figura femenina. La ya mencionada idea ominosa de los "sobres azules" dio origen a la expresión "material azul", que describía el contenido provocativo presente en muchos números de vodevil de la época. ^{[ 5 ]} Muchos empresarios incluso vieron este material escandaloso como una estrategia de marketing para atraer a diversos públicos. Como se afirma en el libro de Andrew Erdman , Blue Vaudeville , el escenario del vodevil era "un espacio altamente sexualizado  ... donde cuerpos desnudos, bailarinas provocativas y cantantes de letras 'azules' competían por la atención". Tales actuaciones resaltaban y objetivaban el cuerpo femenino como un "placer sexual", pero más allá de eso, los historiadores creen que el vodevil marcó una época en la que el cuerpo femenino se convirtió en su propio "espectáculo sexual". Esta imagen sexual comenzó a proliferar en todas partes a donde iba un estadounidense: las tiendas, los restaurantes, los supermercados, etc. Cuanto mayores eran los ingresos que generaba esta imagen, más se centraba el vodevil en los números protagonizados por mujeres. Incluso números tan inocentes como el de hermanas tenían mayor éxito que los de hermanos. En consecuencia, Erdman añade que las artistas de vodevil como Julie Mackey y las Chicas de Baño de Gibson comenzaron a centrarse menos en el talento y más en el atractivo físico a través de su figura, vestidos ajustados y otras prendas reveladoras. Con el tiempo, el público se sorprendió al descubrir que mujeres tan bellas poseían talento además de su atractivo físico. Este elemento de sorpresa influyó en gran medida en la reacción al entretenimiento femenino de la época. ^{[ 24 ]}

En la década de 1920, aparecieron anuncios en publicaciones especializadas como Billboard , Variety y periódicos que buscaban orquestas femeninas para espectáculos de vodevil . Orquestas como las Ingenues y las Dixie Sweethearts gozaron de gran popularidad, mientras que otros grupos simplemente se describían como "revista femenina". Según la teoría feminista, tendencias similares en el teatro y el cine objetivaban a las mujeres, un ejemplo de la mirada masculina , a medida que el papel de la mujer en la vida pública se expandía. ^{[ 25 ]} Estas expectativas para las mujeres en el siglo XIX desempeñaron un papel importante en los aspectos más atractivos del vodevil. A través del vodevil, muchas mujeres pudieron unirse a sus compañeros masculinos en el escenario y alcanzar el éxito con sus actuaciones.

Leila Marie Koerber, más tarde Marie Dressler , fue una actriz canadiense especializada en comedia de vodevil, que finalmente ganó un Premio de la Academia a la Mejor Actriz más adelante en su carrera. Hija de un músico, se mudó a los Estados Unidos de América en su infancia. Con tan solo catorce años, dejó su hogar para comenzar su carrera, mintiendo sobre su edad y enviando a su madre la mitad de su sueldo. Dressler alcanzó un gran éxito y fue conocida por su sentido del humor y su comedia física, como cargar a sus compañeros de reparto masculinos. Finalmente trabajó en Broadway, donde tenía un gran deseo de convertirse en una actriz seria, pero le aconsejaron que permaneciera en la comedia. ^{[ 26 ]} Luego protagonizó algunas películas, pero volvió al vodevil, su carrera original.

Otra famosa actriz de vodevil fue Trixie Friganza , nacida Delia O'Callaghan. Tenía una frase célebre: "Ya sabes, Trixie con su bolsa de trucos". ^{[ 27 ]} Comenzó su carrera en la ópera, actuando para ayudar a mantener a su familia. Siendo la mayor de tres hermanas, quería ayudar económicamente a su familia, pero tuvo que hacerlo en secreto, ya que las artistas femeninas eran mal vistas en aquella época. Trabajó principalmente en la comedia y obtuvo reconocimiento y éxito gracias a su disposición a sustituir a otros artistas que habían enfermado y no podían actuar. En sus actuaciones, a menudo enfatizaba su figura de talla grande, llamándose a sí misma la "perfecta cuarenta y seis". Friganza también fue poeta y escritora. Utilizó muchas de sus actuaciones para recaudar fondos para ayudar a los pobres o marginados y se pronunció públicamente en numerosas ocasiones para apoyar estas causas sociales. Friganza dedicó gran parte de su vida a luchar por la igualdad de las mujeres y a promover la autoaceptación femenina, tanto públicamente como internamente, así como sus derechos en comparación con los hombres.

Betty Felsen fue una bailarina, estrella de vodevil y maestra estadounidense. Nació el 9 de junio de 1905 en Chicago, Illinois. Betty comenzó a tomar lecciones en una escuela de ballet local de Chicago cuando tenía ocho años y a menudo realizaba solos de danza en los espectáculos presentados por esa escuela. Justo antes de cumplir diez años en 1916, sus padres la inscribieron como estudiante de ballet en la Escuela de Ballet Pavley-Oukrainsky dentro de la Asociación de la Ópera de Chicago . Luego, en 1919, Betty fue aceptada como miembro del cuerpo de ballet del Ballet Pavley-Oukrainsky de la Ópera de Chicago. Desde diciembre de 1920 hasta el otoño de 1922, Betty fue bailarina solista y actuó con ellos por toda Norteamérica. Bajo el nombre de Buddye Felsen, Betty obtuvo un papel protagónico de baile en un nuevo espectáculo en el Million Dollar Rainbo Room de Fred Mann en los Jardines Rainbo . El espectáculo, Rainbo Trail , dirigido por Frank Westphal , se estrenó el 15 de diciembre de 1922 y se mantuvo en cartel hasta el 1 de marzo de 1923. En el invierno de 1923, Betty comenzó una colaboración con Jack Broderick. Desde entonces hasta finales de 1927, Broderick & Felsen actuaron en los circuitos de vodevil BF Keith y Pantages por todo Estados Unidos y Canadá. Su número evolucionó de un simple número de baile a uno con más de veinte bailarines, una orquesta y elaborados vestuarios y decorados. De 1925 a 1926 actuaron durante 20 semanas seguidas en el Colony Theatre de Broadway en la ciudad de Nueva York. En 1926 y 1927, protagonizaron dos espectaculares producciones musicales, realizando giras por Estados Unidos y Canadá, primero durante unos tres meses en Mirage de Paris de Emil Boreo, seguido de nueve meses en su propio Ballet Caprice . Tras la marcha de Jack del grupo a finales de 1927, Betty continuó dirigiendo la compañía y, con un nuevo compañero de baile, realizó una gira por el noreste de Estados Unidos durante los seis meses siguientes bajo el nombre de Betty Felsen and Company. La última función de Ballet Caprice tuvo lugar el 4 de junio de 1928 en el Palace Theatre de Broadway, en Nueva York.

Otra famosa comediante, que atrajo a miles de espectadores con su característico talento para la improvisación, fue May Irwin . Trabajó aproximadamente desde 1875 hasta 1914. Nacida como Ada Campbell, comenzó su carrera en los escenarios a los trece años tras la muerte de su padre. Junto con su hermana mayor, creó un dúo musical llamado las "Hermanas Irwin". Muchos años después, su número alcanzó gran popularidad, con actuaciones tanto en vodevil como en burlesque en famosos teatros de variedades, hasta que Irwin decidió continuar su carrera en solitario. Entonces cambió su enfoque del vodevil, interpretando canciones con influencias afroamericanas, e incluso llegó a componer sus propias canciones. ^{[ 28 ]} Introdujo su número característico en el vodevil, "The Bully Song", que se interpretó en un espectáculo de Broadway. Fue entonces cuando comenzó a experimentar con la comedia de improvisación y rápidamente encontró su singular éxito, llegando incluso a llevar sus actuaciones a nivel mundial con presentaciones en el Reino Unido.

Sophie Tucker , una inmigrante judía rusa, escuchó del promotor Chris Brown que no era lo suficientemente atractiva como para triunfar en el mundo del espectáculo sin pintarse la cara de negro, así que actuó de esa manera durante sus dos primeros años en el escenario, hasta que un día decidió dejar de hacerlo y, a partir de entonces, alcanzó un éxito mucho mayor siendo ella misma, especialmente con su canción "Some of These Days". ^{[ 29 ]}

Moms Mabley fue una comediante que comenzó su carrera en el vodevil y los circuitos Chitlin en la década de 1920, y terminó con éxito en el ámbito general en el siglo XX. ^{[ 30 ]} Otras artistas femeninas del siglo XX que comenzaron en el vodevil fueron las cantantes de blues Ma Rainey , Ida Cox y Bessie Smith . ^{[ 31 ]} Compañías itinerantes dirigidas por mujeres como Black Patti's Troubadours , las Whitman Sisters y las Hyers Sisters fueron actos populares. Otras mujeres trabajaron en el aspecto empresarial del vodevil, como Amanda Thorpe, una mujer blanca que fundó un teatro negro en Virginia, ^{[ 32 ]} y las Griffin Sisters , que administraron varios teatros en sus esfuerzos por crear un circuito de vodevil negro. ^{[ 33 ]}

Artistas y espectadores negros participaban en un circuito de vodevil racialmente segregado. Aunque muchos artistas populares como Lewis y Walker, Ernest Hogan , Irving Jones y las hermanas Hyers actuaban tanto para público blanco como negro, las primeras representaciones de vodevil para público blanco se limitaban a un artista negro por función, y los artistas sufrían discriminación en restaurantes y alojamientos. Artistas y empresarios como las hermanas Whitman , Pat Chappelle y John Isham crearon y dirigieron sus propias compañías itinerantes; otros asumieron la propiedad y la gestión de teatros y crearon circuitos de vodevil negros, como fue el caso de Sherman H. Dudley y las hermanas Griffin ^{[ 34 ].} Más tarde, en la década de 1920, muchas contrataciones fueron gestionadas por la Theatre Owners Booking Association ^{[ 35 ]} .

Los afroamericanos desafiaron los estereotipos predominantes de blackface interpretados por artistas blancos al aportar su propia autenticidad y estilo al escenario, componiendo música, comedia y rutinas de baile, y sentando las bases para fenómenos culturales distintivamente estadounidenses como el blues , el jazz , el ragtime y el claqué . Entre los artistas negros notables del vodevil se encontraban los comediantes Bert Williams y George Walker , la bailarina y coreógrafa Ada Overton Walker , y muchos otros. ^{[ 35 ]} Compositores y letristas negros como Bob Cole , Ernest Hogan , Irving Jones , Rosamond Johnson , George Johnson , Tom Lemonier , Gussie L. Davis y Chris Smith escribieron muchas de las canciones que fueron popularizadas en el escenario por cantantes blancos, y allanaron el camino para el teatro musical afroamericano . ^{[ 36 ]}

Además de su prominencia como forma de entretenimiento estadounidense, el vodevil reflejaba la cultura urbana emergente de los barrios marginales y la interacción entre sus artistas y el público. Los irlandeses-americanos, que constituían una gran parte de la inmigración a Estados Unidos a mediados del siglo XIX, interactuaban con los estadounidenses ya establecidos, y los irlandeses fueron objeto de discriminación debido a sus características étnicas, físicas y culturales percibidas. Los estereotipos étnicos de los irlandeses, representados como inexpertos, aludían a su condición de inmigrantes recién llegados a Estados Unidos, y este estereotipo se reflejaba en los ámbitos del entretenimiento. ^{[ 37 ]}

Tras la oleada migratoria irlandesa, se produjeron varias oleadas en las que nuevos inmigrantes de diversos orígenes entraron en contacto con los irlandeses en los centros urbanos de Estados Unidos. Ya establecidos y siendo angloparlantes nativos, los estadounidenses de origen irlandés aprovecharon estas ventajas y comenzaron a consolidar su posición en la jerarquía racial inmigrante, basada en el tono de piel y el grado de asimilación, afianzando así puestos de trabajo que antes les estaban vedados como inmigrantes recién llegados. ^{[ 38 ]} Como resultado, los estadounidenses de origen irlandés alcanzaron gran prominencia en el vodevil como curadores y actores, creando una interacción étnica singular entre el uso de la autocrítica como forma de humor por parte de los estadounidenses de origen irlandés y la diversidad de su entorno urbano. ^{[ 39 ]}

Las interacciones entre los inmigrantes recién llegados y los ya establecidos, en el contexto del desconocido paisaje urbano estadounidense, permitieron que el vodevil se utilizara como vía de expresión y comprensión. La experiencia, a menudo hostil, de los inmigrantes en su nuevo país se convirtió en un recurso cómico en el escenario del vodevil, donde se perpetuaron estereotipos de diferentes grupos étnicos. ^{[ 40 ]} Los burdos estereotipos que surgieron eran fácilmente identificables no solo por sus distintivos atributos culturales étnicos, sino también por cómo esos atributos diferían de la cultura e identidad estadounidenses establecidas. ^{[ 41 ]}

Sumado a su presencia histórica en el escenario inglés para el alivio cómico, ^{[ 39 ]} y como operadores y actores del vodevil, los irlandeses-americanos se convirtieron en intérpretes de imágenes culturales de inmigrantes en la cultura popular estadounidense. Los recién llegados vieron su estatus de grupo étnico definido dentro de la población inmigrante y en su nuevo país en su conjunto por los irlandeses en el escenario. ^{[ 42 ]} Desafortunadamente, las mismas interacciones entre grupos étnicos en las condiciones de vida cercanas de las ciudades también crearon tensiones raciales que se reflejaron en el vodevil. El conflicto entre irlandeses y afroamericanos propició la promoción del blackface minstrelsy en el escenario, utilizado deliberadamente para colocar a los afroamericanos por debajo de los irlandeses en la jerarquía racial y social urbana. ^{[ 43 ]}

Aunque los irlandeses tenían una fuerte presencia celta en el vodevil y en la promoción de estereotipos étnicos, los grupos étnicos que caracterizaban también utilizaban el mismo humor. Mientras los irlandeses se vestían con sus trajes típicos, grupos como los chinos, italianos, alemanes y judíos empleaban caricaturas étnicas para comprenderse a sí mismos y a los irlandeses. ^{[ 44 ]} La diversidad urbana en el escenario y el público del vodevil también reflejaba su estatus social, ya que la clase trabajadora constituía dos tercios del público típico del vodevil. ^{[ 44 ]}

Las caricaturas étnicas que ahora conformaban el humor estadounidense reflejaban las interacciones positivas y negativas entre los grupos étnicos en las ciudades de Estados Unidos. Estas caricaturas servían como método para comprender a los diferentes grupos y sus posiciones sociales dentro de sus ciudades. ^{[ 44 ]} El uso del inmigrante novato con fines cómicos mostraba cómo se veía a los inmigrantes como recién llegados, pero también a qué podían aspirar. Además de interpretar las caricaturas étnicas visuales, el ideal irlandés-estadounidense de transición de la choza ^{[ 45 ]} a la cortina de encaje ^{[ 41 ]} se convirtió en un modelo de movilidad económica ascendente para los grupos inmigrantes.

El continuo crecimiento del cine de bajo costo a principios de la década de 1910 asestó el golpe más duro al vodevil (de manera similar a como la llegada de la televisión gratuita disminuyó la fuerza cultural y económica del cine). El cine se presentó comercialmente de forma regular por primera vez en los EE. UU. en las salas de vodevil. La primera proyección pública de películas en una pantalla tuvo lugar en el Music Hall de Koster y Bial en 1896. Atraídos por salarios más altos y condiciones de trabajo menos arduas, muchos artistas y personalidades, como Al Jolson , WC Fields , Mae West , Charlie Chaplin , Buster Keaton , los Hermanos Marx , Jimmy Durante , Bill "Bojangles" Robinson , Edgar Bergen , Fanny Brice , Burns y Allen , y Eddie Cantor , aprovecharon la prominencia que habían ganado en los espectáculos de variedades en vivo para dar el salto al nuevo medio del cine. Al hacerlo, estos artistas a menudo agotaban en unos pocos momentos en pantalla la novedad de un número que podría haberlos mantenido de gira durante varios años. Otros artistas que se unieron al vodevil en sus últimos años, como Jack Benny , Abbott y Costello , Laurel y Hardy , Kate Smith , Cary Grant , Bob Hope , Milton Berle , Judy Garland , Rose Marie , Sammy Davis Jr. , Red Skelton , Larry Storch , Nicola Paone y Los Tres Chiflados , usaron el vodevil solo como plataforma de lanzamiento para sus carreras posteriores. Abandonaron las actuaciones en vivo antes de alcanzar la fama nacional de las primeras estrellas del vodevil y encontraron la fama en nuevos escenarios.

La línea divisoria entre las actuaciones en vivo y las filmadas se desdibujó debido a la cantidad de empresarios del vodevil que incursionaron, con mayor o menor éxito, en la industria cinematográfica. Por ejemplo, Alexander Pantages pronto comprendió la importancia del cine como forma de entretenimiento y lo incorporó a sus espectáculos ya en 1902. Posteriormente, se asoció con Famous Players-Lasky , una importante productora de Hollywood y filial de Paramount Pictures .

A finales de la década de 1920, la mayoría de los espectáculos de vodevil incluían una buena selección de películas. A principios de siglo, muchos artistas de vodevil, conscientes de la amenaza que representaba el cine, abrigaban la esperanza de que la naturaleza muda de las "novias de sombras parpadeantes" impediría que las películas superaran al vodevil en popularidad. Sin embargo, con la introducción del cine sonoro en 1926, los florecientes estudios cinematográficos eliminaron la que había sido la principal diferencia a favor de la representación teatral en vivo: el diálogo hablado. El historiador John Kenrick escribió:

Las principales estrellas del vodevil filmaban sus actuaciones a cambio de pagos únicos, contribuyendo inadvertidamente a acelerar la desaparición del vodevil. Al fin y al cabo, cuando los teatros de menor categoría podían ofrecer a artistas de renombre en la pantalla por cinco centavos la entrada, ¿quién podía exigir al público que pagara más por un talento en vivo menos impresionante? Los recién formados estudios RKO se hicieron cargo del famoso circuito de vodevil Orpheum y lo transformaron rápidamente en una cadena de salas de cine. La tradición de medio siglo del vodevil desapareció prácticamente en menos de cuatro años. ^{[ 46 ]}

Inevitablemente, los directivos redujeron aún más los costos eliminando las últimas actuaciones en vivo. El vodevil también sufrió las consecuencias del auge de la radiodifusión tras la mayor disponibilidad de receptores económicos a finales de la década. Incluso los más resistentes de la industria del vodevil se dieron cuenta de que este género estaba en decadencia; los más perspicaces comprendieron que la situación era irreversible. La distribución estandarizada de películas y el cine sonoro de la década de 1930 confirmaron el fin del vodevil. Para 1930, la gran mayoría de los teatros que antes ofrecían espectáculos en vivo ya contaban con sistema de sonido, y ninguno de los grandes estudios producía películas mudas. Durante un tiempo, los teatros más lujosos continuaron ofreciendo espectáculos en vivo, pero la mayoría se vio obligada por la Gran Depresión a economizar.

Algunos en la industria atribuyeron la desaparición del cine a la fuga de talentos provenientes del vodevil. Otros argumentaron que el vodevil había permitido que sus actuaciones se volvieran demasiado familiares para su público, tradicionalmente leal y ahora aparentemente inconstante.

El vodevil no tuvo un final abrupto, aunque a finales de la década de 1920 ya mostraba claro declive. Joseph Kennedy Sr., mediante una adquisición hostil, compró la Keith-Albee-Orpheum Theatres Corporation (KAO), que contaba con más de 700 teatros de vodevil en todo Estados Unidos que habían comenzado a proyectar películas. El cambio del Palace Theatre de Nueva York, centro del vodevil, a una programación exclusivamente cinematográfica el 16 de noviembre de 1932, suele considerarse el golpe de gracia para el vodevil. ^{[ 47 ]}

Aunque durante la década de 1930 y posteriormente se habló de su resurrección, la desaparición de la infraestructura de apoyo de los circuitos y el elevado coste de las actuaciones en directo hicieron que cualquier renovación a gran escala del vodevil resultara poco realista.

Los ejemplos más llamativos de la arquitectura teatral de la Edad Dorada fueron encargados por los magnates del vodevil y se erigieron como monumentos a su riqueza y ambición. Un ejemplo de esta arquitectura son los teatros construidos por el empresario Alexander Pantages . Pantages solía recurrir al arquitecto B. Marcus Priteca (1881-1971), quien a su vez colaboraba habitualmente con el muralista Anthony Heinsbergen . Priteca ideó un estilo neoclásico exótico que su empleador denominó «griego de Pantages».

Aunque el vodevil clásico alcanzó su máximo esplendor en las zonas urbanas dominadas por cadenas nacionales y teatros espaciosos, el vodevil de pequeña escala incluía innumerables locales más íntimos y gestionados localmente. Estos locales solían ser salones reconvertidos, teatros rústicos o salas multiusos, que atendían a una clientela muy diversa. Muchos pueblos pequeños contaban con teatros construidos expresamente para ello. Un ejemplo pequeño pero interesante son los llamados Grange Halls en el norte de Nueva Inglaterra, que aún se utilizan. Se trata de edificios de madera de estilo antiguo, con escenarios de madera crujientes y con poca luz, diseñados para mitigar el aislamiento propio de la vida rural. En estos escenarios se podía disfrutar de todo tipo de espectáculos, desde actuaciones infantiles y bailes folclóricos hasta visitas de Papá Noel, talento musical local y comida casera como los whoopie pies.

Algunos de los artistas de vodevil más destacados lograron dar el salto al cine, aunque otros no tuvieron tanto éxito. Algunos, como Bert Lahr, forjaron sus carreras combinando actuaciones en vivo con papeles en radio y cine. Muchos otros actuaron posteriormente en los centros turísticos de Catskill , que conformaban el " Borscht Belt ".

El vodevil fue fundamental para el éxito de los nuevos medios de comunicación como el cine, la radio y la televisión. Las comedias de la nueva era adoptaron muchos de los recursos dramáticos y musicales de los números clásicos del vodevil. Las comedias cinematográficas de las décadas de 1920 a 1940 utilizaron talentos del vodevil y siguieron una estética propia del vodevil, tanto en Hollywood como en Asia, incluyendo China. ^{[ 48 ]}

El rico repertorio de la tradición del vodevil se explotó para destacados programas de variedades radiofónicos en horario estelar, como The Rudy Vallée Show . La estructura de un solo presentador que introduce una serie de actos se convirtió en un estilo televisivo popular y se puede observar de forma constante en el desarrollo de la televisión, desde The Milton Berle Show en 1948 hasta Late Night with David Letterman en la década de 1980. ^{[ 49 ]} El formato de varios actos tuvo un éxito renovado en programas como Your Show of Shows with Sid Caesar y The Ed Sullivan Show . Hoy en día, artistas como Bill Irwin , becario MacArthur y actor ganador del premio Tony , son frecuentemente aclamados como "nuevos artistas de vodevil". ^{[ 50 ] [ 51 ]}

Las referencias al vodevil y el uso de su jerga característica perduran en la cultura popular norteamericana. Términos como "flop" y "gag" surgieron en la época del vodevil y se han incorporado al lenguaje coloquial estadounidense. Las técnicas del vodevil se pueden observar con frecuencia en la televisión y el cine, especialmente en el reciente fenómeno mundial de programas de televisión como America's Got Talent .

En la lucha libre profesional , existió un equipo de parejas destacado, con sede en la WWE , llamado The Vaudevillains . ^{[ 52 ]}

En 2018, el reconocido director de cine Christopher Annino, creador de la nueva película muda Silent Times , fundó Vaudeville Con, un encuentro para celebrar la historia del vodevil. La primera reunión se celebró en Pawcatuck, Connecticut . ^{[ 53 ] [ 54 ]}

En Filipinas , se pueden apreciar ciertos elementos de vodevil en dos programas: Eat Bulaga! e It's Showtime , principalmente debido a que muchas personas ven el vodevil ( bodabil ) como una forma de realizar actos en vivo e integrar elementos cómicos notables en la mayoría de sus segmentos, especialmente al mediodía.

Los archivos del Teatro Tivoli se encuentran en la Biblioteca Estatal de Victoria , Melbourne , Australia , junto con documentos personales adicionales de artistas de vodevil del Teatro Tivoli, incluyendo una extensa colección de vestuario y diseño de escenografía, que se conserva en la Colección de Artes Escénicas del Centro de Artes de Melbourne .

El Museo Americano del Vaudeville, una de las mayores colecciones de objetos de recuerdo del vodevil, está ubicado en la Universidad de Arizona. ^{[ 55 ]}

Los teatros Elgin y Winter Garden de Toronto albergan la mayor colección del mundo de utilería y escenografía de vodevil.

La colección Benjamin Franklin Keith y Edward F. Albee, ubicada en la Universidad de Iowa, incluye una gran colección de libros de informes de los gerentes que registran y comentan la programación y la calidad de los artistas cada noche. ^{[ 56 ]}

• Colecciones de vodevil y variedades ; archivadas el 7 de marzo de 2017 en Wayback Machine , conservadas en la Colección de Artes Escénicas ; archivadas el 3 de noviembre de 2012 en Wayback Machine , Arts Centre Melbourne.
• Teatro de vodevil moderno en Austin, Texas.
• Ventrílocuos de vodevil
• Vaudeville virtual ; archivado el 2 de julio de 2014 en la Wayback Machine.
• Colecciones digitales de las bibliotecas de la Universidad de Washington – Fotografías de J. Willis Sayre 
• Colecciones digitales de las bibliotecas de la Universidad de Washington : fotografías de la compañía Prior and Norris. 
• Colecciones digitales de las bibliotecas de la Universidad de Washington : fotografías de actores del siglo XIX 
• Bibliotecas de la Universidad de Arizona. Exposición digital del archivo del Museo Americano del Vaudeville.
• Colecciones Especiales de las Bibliotecas de la Universidad de Iowa – Colección de Teatro de Vodevil Keith/Albee 
• ¡Alboroto! Entretenimientos estadounidenses a principios del siglo XX. De la colección de la Biblioteca Beinecke de Libros Raros y Manuscritos de la Universidad de Yale.
• Escucha a Gary Stephens en Vaudeville, ICA 1988. Archivado el 29 de agosto de 2011 en Wayback Machine.
• Colecciones de periódicos digitales de Illinois: Vaudeville News (1920–1929)
• El cine vodevil en Hollywood y China
• El escenario de variedades estadounidense: vodevil y entretenimiento popular, documentos digitalizados de la División de Libros Raros y Colecciones Especiales de la Biblioteca del Congreso.
• Colecciones Especiales de las Bibliotecas de la Universidad de Arizona – Colección del Museo del Vaudeville Americano  ; Archivado el 9 de julio de 2022 en Wayback Machine.
• Del vodevil al cine : un breve documental sobre la historia del vodevil y cómo finalmente fue reemplazado por el cine.