YZ Kami

Durante la década de 1980, Kami dejó de pintar directamente del natural para trabajar a partir de bocetos y fotografías de cada modelo. Estas pinturas, más grandes que los retratos anteriores, se basan en la memoria de Kami sobre los sujetos y, por lo tanto, representan la impresión duradera del encuentro más que el momento del encuentro en sí. ^{[ 4 ]} Realizó retratos de gran formato que invitan al espectador a observar detenidamente el rostro humano. Kami señala: «A medida que el tamaño de las pinturas aumentaba, las imágenes se volvían un poco borrosas y, gradualmente, cada vez más desenfocadas. Cuanto más borrosas se volvían, más abstracta era la experiencia para el espectador al acercarse a la obra». Los retratos de Kami, basados ​​en sus propias fotografías de familiares, amigos y desconocidos, presentan sujetos comunes e introspectivos, pero cada rostro actúa como un umbral entre los impenetrables pensamientos internos del modelo y la percepción del espectador. En 1989, Kami viajó a Irán por primera vez después de muchos años y encontró una fotografía suya tomada cuando tenía once años. Esta fotografía acabó convirtiéndose en un punto de referencia en su obra, inspirando una serie de variaciones del autorretrato. ^{[ 12 ]} Varias versiones de Autorretrato de niño han sido adquiridas posteriormente por coleccionistas privados, y una obra de la serie, que muestra el retrato con un grupo de tres mujeres sentadas a una mesa, forma parte de la colección permanente del Museo Guggenheim. ^{[ 13 ]}

En la década de 1990, Kami pintó retratos individuales de hombres y mujeres, que académicos y críticos han analizado desde la perspectiva del duelo y la mortalidad. Sin título (1997), una obra compuesta por dieciséis retratos, forma parte de la colección del Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York. ^{[ 14 ]} Los retratos, pintados a partir de fotografías, evocan tanto los retratos bizantinos y fayum tradicionales como las fotografías periodísticas. En su reseña de "Invitational Exhibition" —una muestra colectiva en la Academia Estadounidense de Artes y Letras, Nueva York, en 2000— Ken Johnson escribió en el New York Times : "[L]a obra más conmovedora de la exposición es el gran muro de retratos de YZ Kami: imágenes borrosas, cálidamente atenuadas, basadas en fotografías de 16 personas, que emanan una atmósfera inquietante y fúnebre. Inspirándose en una tradición que se remonta a la época romana, el Sr. Kami ha producido una obra que resulta sobriamente apropiada para este momento histórico". ^{[ 15 ]}

Aunque los retratos de Kami son conocidos por su sutileza y carácter meditativo, el artista atrajo especial atención por su obra de corte político, como « En Jerusalén » (2004-2005), incluida en la exposición «Piensa con los sentidos, siente con la mente», comisariada por Robert Storr en la 52.ª Bienal de Venecia, en Italia. La obra representa a cinco destacados líderes religiosos —un cardenal católico, un obispo ortodoxo oriental, rabinos sefardíes y asquenazíes, y un imán sunita— que se unieron en 2005 para oponerse firmemente a una marcha del orgullo gay que se celebraría en Jerusalén. Kami extrajo las figuras de una fotografía publicada en la portada del New York Times . En su ensayo «Cada vez que siento el espíritu…», Storr reconoce la «sutil audacia de Kami por aceptar el reto de plasmar imágenes contemporáneas y creíbles de la oración —incluidas varias de manos juntas alzadas en adoración o súplica— y, por lo tanto, en el contexto actual del mundo del arte, por la excepcional valentía de sus convicciones». ^{[ 16 ]}

En sus recientes retratos a gran escala, Kami enfatiza el proceso creativo, destacando o inventando rasgos individuales, como en Hombre con ojos violetas (2013-14). También ha pasado de representar a sus sujetos con miradas suaves y borrosas a mostrarlos con los ojos cerrados, intensificando así su distancia introspectiva y emocional. Como escribió Steven Henry Madoff sobre estas obras: «Ascendemos a través de lo cognoscible hacia un estado de expectativa y suspensión en el que nos abrimos a la posibilidad de una presencia inmaterial, un vínculo con el mero Ser». ^{[ 17 ]} De este modo, el foco de las pinturas no son los ojos, como en los retratos tradicionales, sino el rostro entero, que emana como una presencia única y envolvente. «Cuando uno se sumerge en el proceso de observar un rostro y medita sobre él con pigmentos y pinceles en mano», dice Kami, «es como vivir con el rostro. En cierto modo, se convierte en parte de uno mismo». ^{[ 18 ]}

Tras la exposición de estos retratos en Gagosian, tanto en Nueva York como en Londres, Jackie Wullschlager, del Financial Times, escribió que «están repletos de las paradojas que lo convierten en uno de los pintores conceptuales más fascinantes de la actualidad». ^{[ 19 ]} Laura Cumming, de The Guardian, también lo elogió: «Es evidente, a partir de estas pinturas, que Kami es sumamente consciente de las limitaciones del retrato. Sin embargo, también es evidente, por su intenso aspecto de interioridad, por su intento de visibilizar lo invisible, que reflexiona sobre esta dimensión de nuestras vidas como pocos pintores contemporáneos. Así, aunque sus retratos son por naturaleza impermeables, resistentes a la comunión emocional, también son francamente abiertos en su escala monumental». ^{[ 20 ]}

Aunque lo que más le cautiva es el rostro humano y lo que significa representarlo, Kami también ha explorado el trabajo con técnicas mixtas y la abstracción, utilizando estas formas para examinar más a fondo temas como la luz, el infinito y el acto de mirar.

Las obras de Endless Prayer son collages de técnica mixta sobre papel, inspirados en diseños arquitectónicos. ^{[ 21 ]} Estas obras, realizadas pegando minúsculos recortes en forma de ladrillo de textos persas, árabes, arameos y hebreos en círculos, evocan el ritual de la oración y los mosaicos de la arquitectura sagrada, y en particular los patrones de ladrillo de las cúpulas. Aunque Kami llevaba una década produciendo obras de Endless Prayer sobre papel, las expuso por primera vez en la Parasol Unit Foundation for Contemporary Art de Londres, la John Berggruen Gallery, la Gagosian Gallery y la Sackler Gallery, Smithsonian Institution, en 2008.

YZ Kami creó Rumi, el Libro de Shams e Tabrizi (En Memoria de Mahin Tajadod) para la IX Bienal Internacional de Estambul en 2005. Cortó bloques de esteatita gris y, con tinta litográfica, los estampó con los versos originales en persa de un poema de Rumi. El poema es un encantamiento rítmico y repetitivo: «Ven a mí, ven a mí, mi amado, mi amado/ ¡Entra, entra en mi obra, en mi obra!». La escultura consta de doce círculos formados por bloques de piedra individuales y puede disponerse de dos maneras diferentes: en círculos concéntricos alrededor de un área de sal blanca que alude a una luz blanca; o como círculos separados, cada uno conservando su diámetro original de la disposición concéntrica, pero instalados como anillos individuales.

Las obras de la serie "Oración Interminable" dieron lugar a las pinturas de la serie "Cúpula" , en las que, en lugar de texto, Kami utiliza el color y la forma para aludir a mosaicos y arquitectura, aplicando pinceladas de pintura similares a ladrillos en anillos concéntricos, dejando el centro oscuro o claro. En curso desde mediados de la década de 2000, las Cúpulas de Kami se han producido en azul, negro, blanco y dorado. Paul Richard, de The Washington Post, escribe sobre esta serie: "Observar esa pintura es como estar de pie con la cara erguida bajo una cúpula perforada, digamos, la del Panteón en Roma, o la de alguna mezquita turca, mirando a través del óculo, que interrumpe la mampostería muy por encima de la cabeza y permite ver, más allá, el brillo del cielo". ^{[ 22 ]} Las Cúpulas ofrecen un contrapunto abstracto a los retratos de Kami, reuniendo ideas tan diversas como la arquitectura, la luz, la oración, la meditación y el minimalismo en un solo acto de repetición. Cuando se le preguntó acerca de las pinturas de la serie Cúpula en relación con su otra obra, Kami afirmó: "La conexión se establece a través de la luz. Hay una experiencia de luz en los retratos, como si el retratado emergiera de la luz o entrara en ella. Y en las Cúpulas Blancas, también se trata en gran medida de esa experiencia de la luz". ^{[ 8 ]}

Las Cúpulas han sido presentadas en numerosas exposiciones individuales, incluyendo "YZ Kami: Pinturas" (Gagosian Nueva York en 2014 y Gagosian Londres en 2015), "Oraciones sin fin" (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 2016-17), así como en Gagosian París en 2018. ^{[ 23 ]} Como escribe Robert Storr sobre las pinturas de las Cúpulas , "Compuestos por anillos concéntricos anidados de rombos parecidos a ladrillos que evocan las cúpulas y domos de iglesias, mezquitas y templos, estos paneles son mandalas que se dilatan y contraen para la contemplación de mentes libres". ^{[ 16 ]} A través de estas pinturas abstractas, Kami continúa explorando aquello que podría no ser discernible o visible para los ojos humanos.

Además de los retratos y las cúpulas , Kami comenzó a pintar manos en 1987. Si bien inicialmente representaba manos individuales, desde 2012 las manos en sus pinturas suelen estar dispuestas en una postura asociada con la oración, y se representan con el mismo matiz y concentración que los retratos. Kami explica cómo la meditación está presente en los retratos, la luz en las cúpulas y la fe en las manos. No limita la asociación de la fe a una sola religión. Las manos desnudas en oración son una imagen universal de la fe y la contemplación de lo desconocido. ^{[ 24 ]}

Siguiendo la naturaleza abstracta de las pinturas de la Cúpula y su práctica de explorar los límites de la luz, las tenebrosas Pinturas Nocturnas de Kami (2017-presente) están compuestas en gran parte por un solo tono de índigo mezclado con varias gradaciones de blanco. ^{[ 25 ]}

Las pinturas de Kami representan los límites entre lo terrenal y lo sublime. Influenciado por su herencia cultural, pero con una visión decididamente cosmopolita y secular, su obra comunica una profunda reflexión filosófica y espiritual. Al mismo tiempo, oculta y anonimiza visualmente a sus sujetos, prefiriendo abordar cuestiones más amplias sobre lo infinito y lo inefable en lugar de profundizar en los detalles de la existencia religiosa. Las pinturas nocturnas de Kami se exhibieron en "YZ Kami: Night Paintings ". En esta exposición, Kami juega con la abstracción y la figuración, dificultando aún más que el espectador reconozca elementos del ámbito humano.

• 2026 YZ Kami. Fundación de Arte Peter Marino, Southhampton, Nueva York.
• 2025: YZ Kami: Las Cúpulas. Gagosian, Beverly Hills, California.
• 2023: YZ Kami: Noche y Día. Gagosian, 555 West 24th St. Nueva York, NY
• "2023 YZ Kami: luz, mirada, presencia" . Museo del Palazzo Vecchio, Museo Novecento, Museo degli Innocenti, Abbazzia di San Miniato al Monte

• 2022-23 YZ Kami: De forma silenciosa/In a Silent Way . Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), León, España. ^{[ 26 ]}
• 2020 YZ Kami: Pinturas nocturnas . Galería Gagosian , Roma, Italia. ^{[ 27 ]}
• 2018 YZ Kami: Geometría de la luz . Galería Gagosian, París, Francia. ^{[ 28 ]}
• 2016–17 YZ Kami: Oraciones sin fin. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Los Ángeles, CA. ^{[ 29 ]}
• 2015 YZ Kami: Pinturas. Galería Gagosian, Britannia Street, Londres, Inglaterra. ^{[ 30 ]}
• 2014 YZ Kami: Pinturas. Galería Gagosian, Madison Avenue, Nueva York, NY. ^{[ 31 ]}
• 2009 YZ Kami: Más allá del silencio. Museo Nacional de Arte Contemporáneo, EMST, Atenas, Grecia.
• 2008 YZ Kami: Oraciones sin fin. Fundación Parasol Unit para el Arte Contemporáneo, Londres, Inglaterra. ^{[ 32 ]}
  • Perspectivas: YZ Kami. Galería Arthur M. Sackler, Instituto Smithsonian, Washington D.C.
  • YZ Kami. Galería John Berggruen, San Francisco, CA. ^{[ 5 ]}
  • YZ Kami. Galería Gagosian, Beverly Hills, CA. ^{[ 33 ]}
• Retratos de YZ Kami, 2003. Museo de Arte Herbert F. Johnson, Universidad de Cornell, Ithaca, Nueva York.
• 2002 Martin Weinstein, Minneapolis, MN.
• 2001 Proyectos Deitch, Nueva York, Nueva York.
• 1999 Tierra Seca. Proyectos Deitch, Nueva York, Nueva York.
• 1998 YZ Kami. Proyectos Deitch, Nueva York, Nueva York.
• 1996 Galería Holly Solomon, Nueva York, NY.
• 1993 Barbara Toll Fine Arts, Nueva York, NY.
• 1992 Museo de Arte de Long Beach , California.
  • Barbara Toll Bellas Artes, Nueva York, NY.
• 1984 Galería LTM, Nueva York, NY.