Alexis Krasilovsky

End of the Art World es el primer cortometraje realizado por una estudiante de pregrado en Yale. Se desarrolló durante su estudio independiente en el Museo Whitney de Nueva York, donde Krasilovsky se centró en vislumbres íntimas y raramente filmadas de las vidas de artistas de vanguardia bajo la tutela de Michael Snow . La película examinó el mundo artístico neoyorquino contemporáneo (1971), presentando entrevistas y obras de Jo Baer , ​​Jasper Johns , Robert Rauschenberg , Andy Warhol y otros. Krasilovsky utilizó sus entrevistas con los propios artistas para reflexionar sobre su arte: “Con una calidad de humor posible solo con una profunda comprensión, Alexis Krasilovsky presenta un catálogo de entrevistas con artistas modernos en el que el estilo de filmación, así como el formato del material sonoro, ensayan el estilo personal, la estética y la concepción de cada artista sobre la naturaleza de su arte”. – Joan Braderman , Artforum ^{[ 4 ] [ 5 ]}

Kevin Thomas, de Los Angeles Times, describe el enfoque de Krasilovsky: “Con un ingenio feroz, la Sra. Krasilovsky satiriza la escena artística neoyorquina en El fin del mundo del arte . En esencia, la Sra. Krasilovsky utiliza los sonidos e imágenes del documental de arte habitual para crear su propia obra de arte. En el proceso —o reprocesamiento— satiriza la banalidad de la entrevista estándar con el artista y, al final, identifica el arte con la revolución al fantasear con la aniquilación literal del curador de arte del siglo XX del Museo Metropolitano , Henry Geldzahler ”. ^{[ 6 ]}

El Archivo Cinematográfico de Yale restauró y preservó recientemente la película a través de una subvención financiada por el gobierno federal de la National Film Preservation Foundation , ^{[ 7 ] [ 8 ]} y la nueva copia se presentó en una proyección en New Haven en marzo de 2024. Krasilovsky señaló en la proyección que su película de 1971 abordaba directamente el concepto del “fin del mundo del arte”, pero que en años posteriores, el mundo del arte, todavía dominado por los hombres, no reconoció que una mujer había retratado, a través de su arte, ese mismo concepto en 1971.

Dijo que, siendo estudiante universitaria, se sintió inspirada por la película Daisies de la cineasta checa Vera Chytilova , que se proyectó en New Haven junto con el estreno de la versión restaurada de El fin del mundo del arte . «Salí de la película totalmente identificada con su visión [la de Chytilova] y con la sensación de que debía ser cineasta». También afirmó que la determinación de Chytilova la había impresionado y que la posterior película de Krasilovsky, Que coman pastel , se inspiró en esta influencia. ^{[ 9 ]}

Aunque El fin del mundo del arte abrió nuevos caminos, también recibió críticas por presentar “visiones contradictorias sobre el ‘mundo del arte’ que nunca se resuelven del todo”, si bien se reconoce que la película “logra transmitir la jovialidad del arte de los años sesenta y principios de los setenta”. ^{[ 10 ]}

Sus experiencias en Yale, en la primera promoción de mujeres estudiantes de pregrado, sensibilizaron a Krasilovsky sobre las dificultades que enfrentan las mujeres en el mundo cinematográfico dominado por los hombres. Esto la ayudó a perseverar en su trabajo y también sentó las bases para muchos de sus temas artísticos. El feminismo y las desigualdades de género son temas recurrentes en gran parte de su obra, ^{[ 11 ]} pero también aborda la fragilidad ambiental y las consecuencias del cambio climático, así como diversos aspectos de la desigualdad global. Muchas de sus obras han sido colaboraciones artísticas, y ha documentado extensamente los logros de las mujeres en el mundo del cine.

Blood (1975) es una película punk sobre jóvenes de clase media que desafían las normas y buscan conexiones. Krasilovsky se adelantó a su tiempo al crear una vagina parlante años antes del estreno de Los monólogos de la vagina de Eve Ensler en 1996. Kevin Thomas, de Los Angeles Times, describió la película: «En su estilo de flujo de conciencia, 'Blood' (1975) evoca la vida callejera de Manhattan incluso con más fuerza que 'Taxi Driver' de Martin Scorsese ».' ” ^{[ 6 ]} La esencia de la película trata sobre la explotación de las mujeres.

Tras una proyección de sus películas en el Theatre Vanguard de Los Ángeles en 1976, Krasilovsky se mudó de Nueva York a Los Ángeles en la década de 1970 para dedicarse a la realización cinematográfica, la escritura y la dirección a través de su compañía, Rafael Film.

El documental de Krasilovsky, Beale Street (1981; codirigido con Ann Rickey y Walter Baldwin), siguió la última marcha de Martin Luther King Jr. en Memphis, Tennessee. ^{[ 12 ]} Barbra Streisand dijo sobre el documental de Krasilovsky de 1984 , Exile: «Estas películas hacen más que aumentar la comprensión entre Oriente y Occidente y reducir las tensiones; también sirven para enfatizar que todos somos esencialmente un solo pueblo, lo cual puede ser la mejor esperanza para nuestro mundo». La película rastrea las raíces familiares de Krasilovsky hasta Praga y Austria y explora los efectos del miedo, el exilio y la pérdida en una familia y una comunidad. ^{[ 13 ]}

Explorando nuevas técnicas y temas, en la década de 1980 Krasilovsky incorporó por primera vez el zoom y las disoluciones en un holograma integral de 360° en su película Created and Consumed by Light (1975). ^{[ 14 ]} También utilizó imágenes holográficas para desarrollar una película a favor del derecho a decidir, Childbirth Dream , “una holografía de los sentimientos que tienen las mujeres sobre dar a luz”. Señaló que su película superponía tomas de la vida real con animación, algo inédito. ^{[ 15 ]} Una versión en proceso de Childbirth Dream se exhibió en 1987 en el Centro Georges Pompidou de París.

Epicenter U. fue filmada en 16 mm por Krasilovsky y sus estudiantes de cine de Cal State Northridge tras el terremoto de Northridge de 1994. Realizada en instalaciones improvisadas después del desastre de magnitud 6,7 que sacudió su campus y sus hogares, la película documenta no solo la devastación del evento, sino también cómo las vidas de los jóvenes cineastas se vieron afectadas. ^{[ 16 ] [ 17 ]}

La película de Krasilovsky de 2014, Let Them Eat Cake, contrasta el papel de la repostería entre quienes la consumen en exceso y las personas en países del Tercer Mundo que jamás la han probado. Este documental aborda los desafíos de la producción de alimentos, el acceso a los mismos y las desigualdades globales, con imágenes de diversas culturas en más de 10 países. La película subraya las innegables diferencias entre quienes tienen recursos y quienes padecen hambre. Desde la representación de exquisitos pasteles franceses hasta niños hambrientos, el formato de la película se asemeja más a un ensayo poético que a un reportaje convencional.

La premisa subyacente de la película es que el mundo necesita reconocer y abordar la brecha entre quienes tienen demasiado para comer y quienes no tienen suficiente. “Comencé a pensar en la repostería como el amuleto mágico que podía seducir a los espectadores para que examinaran las historias detrás de los ingredientes: azúcar, trigo, arroz, maíz y chocolate. [Imágenes de] los campesinos trabajando arduamente en los campos de caña de azúcar de la India y los campos de maíz inundados de Perú, los trabajadores extendiendo la masa en una fábrica de baklava en Turquía, los niños cosechando cacao en África Occidental y los conductores de rickshaw en Bangladesh que estaban al borde de la inanición”. ^{[ 18 ]}

Como afirma el abad budista zen Shodo Harada Roshi: «La distribución equitativa de alimentos es fundamental para construir una sociedad en la que reine la verdadera paz». ^{[ 19 ]} La película documenta los ingredientes, la elaboración de pasteles y los efectos que estos tienen —incluida la obesidad y la diabetes— en varios países, como Bangladesh, Francia, India, Japón, México, Perú, Somalia, Turquía y Estados Unidos. La película se ha proyectado en diversos festivales de todo el mundo e incluye música de Jenny Eloise Rieu, Ed Finney, Yasumi Miyazawa y Minoti Vaishnav . ^{[ 20 ]}

Desde la década de 1970, Krasilovsky ha producido videopoemas. Al igual que gran parte de su obra cinematográfica, su videopoesía suele ser intensa, desafiando las normas, defendiendo los derechos humanos y centrando la atención en las disfunciones y desigualdades sociales. Sin embargo, con esa franqueza y sentido de urgencia, a menudo se percibe un humor inesperado y un ingenio mordaz, como en sus obras recientes, Indigestión y La saga del apio.

Desarrollado a partir de imágenes filmadas en la década de 1970, cuando Krasilovsky trabajaba en su documental sobre Beale Street , su videopoema, “What Memphis Needs” (1991), busca capturar un momento crucial en esta ciudad sureña mientras lidiaba con tensiones raciales históricas y estructuras sociales. La génesis de la poesía de la película provino del Taller de Poesía del Pueblo Libre de Etheridge Knight , al que Krasilovsky asistió. ^{[ 21 ]} Su comentario abarca desde imágenes delicadas hasta impactantes y resalta las experiencias sensoriales que ofrece su medio. “Sus obras trascienden las barreras lingüísticas y culturales, uniendo al público a través del lenguaje universal del cine”. ^{[ 22 ]}

En colaboración con el poeta Rodger Kamenetz , Krasilovsky creó el videopoema « Rafael» , basado en el poema homónimo de Kamenetz. Subrayando el valor de la voz y de los nombres, el epónimo del poema hace referencia al ángel sanador Rafael . Esto también conecta con Krasilovsky, cuyo segundo nombre es Rafael y quien bautizó a su productora cinematográfica como Rafael Film, LLC.

En 2024, el Centro de Arte Digital de Los Ángeles presentó cortometrajes poéticos de Alexis Krasilovsky como evento inaugural del Simposio de Cine y Video Poético. Descripción de sus obras: "Los cortometrajes de Krasilovsky se distinguen por sus imágenes y temas a menudo transgresores, su talento para la interacción lírica entre imagen, sonido y texto, y la creación de una experiencia sensorial única que evoca tanto profundidad imaginativa como reflexión intelectual". ^{[ 23 ]}

El documental de larga duración de Krasilovsky narra las historias de cineastas y miembros del equipo técnico femenino en 17 países. Cuando se estrenó este documental, las mujeres representaban un porcentaje ínfimo de directoras de fotografía en largometrajes en Estados Unidos; las estadísticas en otros países no eran mucho mejores. ^{[ 1 ]}

La inspiración para Women Behind the Camera surgió de mi amistad con Brianne Murphy , ASC, cuya carrera en cinematografía rompió barreras de género, incluyendo ser la primera mujer a la que se le permitió unirse al Gremio Internacional de Directores de Fotografía. ^{[ 1 ]}

Krasilovsky elogió a Brianne, afirmando: “Brianne fue mi inspiración porque tenía la tenacidad, el coraje y el sentido del humor que le permitieron sobrevivir en una época en la que la industria era inhóspita para las mujeres camarógrafas”. ^{[ 1 ]}

Las entrevistas de Krasilovsky con directores de fotografía y miembros del equipo técnico ponen de relieve los problemas a los que se enfrentan las mujeres en este campo, incluyendo la percepción de que las mujeres debían quedarse en casa con los niños, que no eran capaces de manejar el equipo pesado, que no debían estar cerca de zonas de peligro (incluidas las zonas de guerra) y las actitudes sexistas despectivas en general que se encontraron desde las entrevistas hasta las experiencias en el lugar de trabajo.

La película fue precedida por el libro Women Behind the Camera: Conversations with Camerawomen (1997), que se centraba en las camarógrafas estadounidenses, y seguida por un libro de alcance internacional, Shooting Women: Behind the Camera, Around the World , escrito junto con Harriet Margolis y Julia Stein. "[Shooting Women] comparte perspectivas sobre lo que se necesita para tener éxito como camarógrafa..." ^{[ 11 ]} Krasilovsky afirma que el libro "les cuenta a las mujeres cómo es realmente y anima a las mujeres que consideran esta profesión a explorar los caminos (escuela de cine/programas de formación/mentores/casas de alquiler/aprendizaje en el trabajo/filmación de activismo social/etc.) para ganarse la vida como directora de fotografía". ^{[ 11 ]}

Harriet Margolis destaca el valor de “identificar problemas generales que pueden resolverse colectivamente en lugar de permitir que las mujeres individualmente se sientan solas en el mundo con problemas que no pueden resolver por sí mismas”. ^{[ 11 ]}

Además de libros de poesía y otros sobre guionismo y cine, Krasilovsky es autora de varios artículos publicados en Creative Screenwriting . También ha contribuido con capítulos a los libros The Search for Reality: The Art of Documentary Filmmaking (editado por Michael Tobias, Michael Wiese Productions, 1998) y Women and Poetry: Tips on Writing, Teaching and Publishing by Successful Women Poets (editado por Carol Smallwood, McFarland, enero de 2012). ^{[ 24 ]}

Krasilovsky es miembro del Sindicato de Guionistas de América Oeste . También es miembro de la Asociación de Mujeres Directoras, la Asociación Internacional de Documentales y Mujeres en el Cine .

Krasilovsky es profesora emérita del Departamento de Artes Cinematográficas y Televisivas de la Universidad Estatal de California, Northridge , donde impartió clases de producción cinematográfica, guionismo, teoría de los medios y estudios cinematográficos en el Departamento de Artes Cinematográficas y Televisivas desde 1987 hasta 2022. ^{[ 2 ] [ 25 ]}