Arcángel Corelli

Los registros bautismales indican que Corelli nació el 17 de febrero de 1653 en la pequeña ciudad de Fusignano , en la Romaña , entonces en la diócesis de Ferrara , ^{[ 7 ]} en los Estados Pontificios . Sus antepasados ​​habían estado en Fusignano y eran terratenientes allí desde 1506, cuando un Corelli se mudó a la zona desde Roma. Aunque aparentemente prósperos, casi con toda seguridad no pertenecían a la nobleza, como afirmaron posteriormente varios relatos fantasiosos sobre la genealogía del compositor. ^{[ a ]} El padre de Corelli, de quien tomó el nombre de Arcangelo, murió cinco semanas antes del nacimiento del compositor. En consecuencia, fue criado por su madre, Santa (de soltera Ruffini o Raffini), junto con cuatro hermanos mayores, entre ellos Ippolito Corelli (1643-1727), Domenico Corelli (1647-1719) y Giacinto Corelli (1649-1719). ^{[ 5 ]}

La abundancia de anécdotas y leyendas asociadas a Corelli contrasta marcadamente con la escasez de pruebas contemporáneas fiables que documenten los acontecimientos de su vida. Esta brecha es especialmente pronunciada en lo que respecta a sus años de formación, incluyendo su educación musical; los relatos tradicionales de una infancia altamente idealizada han sido desacreditados hace tiempo. ^{[ b ] [ 8 ]}

Corelli se formó en Bolonia y Roma y pasó la mayor parte de su carrera allí bajo la protección de mecenas adinerados. ^{[ 9 ]}

Según el poeta Giovanni Mario Crescimbeni , quien presumiblemente conocía bien al compositor, Corelli estudió música inicialmente con un sacerdote en la cercana ciudad de Faenza , y luego en Lugo , antes de trasladarse en 1666 a Bolonia . Bolonia, un importante centro de la cultura musical de la época, contaba con una floreciente escuela de violinistas asociada a Ercole Gaibara y sus alumnos, Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli. Informes de fuentes posteriores vinculan los estudios musicales de Corelli con varios maestros violinistas, entre ellos Benvenuti, Brugnoli, Bartolomeo Laurenti y Giovanni Battista Bassani . Aunque históricamente plausibles, estos relatos permanecen en gran medida sin confirmar, al igual que la afirmación de que el contralto papal Matteo Simonelli le enseñó por primera vez a escribir en el " estilo Palestrina ". ^{[ 10 ] [ c ]} Un comentario que Corelli hizo más tarde a un mecenas sugiere que su educación musical se centró principalmente en el violín. ^{[ 5 ] [ d ]}

Las crónicas de la Accademia Filarmonica de Bolonia indican que Corelli fue aceptado como miembro en 1670, a la excepcionalmente temprana edad de diecisiete años. La credibilidad de esta atribución ha sido cuestionada. ^{[ 12 ]} Aunque el apodo Il Bolognese aparece en las portadas de las tres primeras colecciones de obras publicadas de Corelli (Opus 1 a 3), la duración de su estancia en Bolonia sigue sin estar clara. ^{[ 10 ]}

Las anécdotas sobre viajes fuera de Italia a Francia, Alemania y España carecen de evidencia contemporánea. Por ejemplo, la anécdota de que la fama continental de Corelli surgió de un viaje a París a los diecinueve años, donde fue expulsado por un envidioso Jean-Baptiste Lully , parece tener su origen en Jean-Jacques Rousseau . ^{[ 13 ]} También se afirmó que Corelli pasó un tiempo en Alemania al servicio de Maximiliano II Manuel, Elector de Baviera (supuestamente en 1681), así como en la casa de su amigo y también violinista y compositor Cristiano Farinelli (entre 1680 y 1685). ^{[ 14 ]}

Aunque no está claro cuándo llegó Corelli a Roma, sin duda ya estaba activo allí en 1675, cuando "Arcangelo Bolognese" (como se le conocía) fue contratado para tocar como uno de los violinistas acompañantes en los oratorios de Cuaresma en la iglesia de San Giovanni dei Fiorentini , así como en las celebraciones nacionales francesas que se celebraban cada año el 25 de agosto en San Luigi dei Francesi y durante la ordenación de un miembro de la poderosa familia Chigi en Santi Domenico e Sisto . En agosto de 1676, ya tocaba el segundo violín con Carlo Mannelli en San Luigi dei Francesi. Aunque Roma no contaba con ninguna orquesta permanente que proporcionara empleo estable a los instrumentistas, Corelli rápidamente se hizo un nombre, tocando en diversos conjuntos patrocinados por mecenas adinerados, como el cardenal Benedetto Pamphili , para quien tocó en los oratorios de Cuaresma en San Marcello desde 1676 hasta 1679. ^{[ 10 ] [ 15 ]}

Aunque su producción completa se limita a tan solo seis colecciones publicadas —cinco de las cuales son sonatas en trío o para piano solo y una de concerti grossi— , alcanzó gran fama y éxito en toda Europa, cristalizando en el proceso modelos musicales de gran influencia. ^{[ 16 ] [ 17 ]}

Su escritura fue admirada por su equilibrio, refinamiento, armonías suntuosas y originales, por la riqueza de las texturas, por el efecto majestuoso de la teatralidad y por su polifonía clara, expresiva y melodiosa , una cualidad perfecta de los ideales clásicos , aunque perteneciente a la época barroca y empleando a menudo recursos típicos de esta escuela, como la exploración de contrastes dinámicos y expresivos, pero siempre atemperado por un gran sentido de la moderación. ^{[ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]} Fue el primero en aplicar plenamente, con un propósito expresivo y estructurador, el nuevo sistema tonal , consolidado después de al menos doscientos años de experimentación. ^{[ 6 ]} Como violinista virtuoso fue considerado uno de los más grandes de su generación y contribuyó, gracias al desarrollo de técnicas de interpretación modernas y a sus muchos discípulos dispersos por toda Europa, a colocar al violín entre los instrumentos solistas más prestigiosos y fue también una figura significativa en la evolución de la orquesta tradicional. ^{[ 21 ] [ 22 ] [ 19 ] [ 23 ] [ 24 ]}

Figura dominante en la vida musical romana y de gran prestigio internacional, ^{[ 25 ]} fue deseado por numerosas cortes y fue incluido en la sociedad artística e intelectual más prestigiosa de su tiempo, la Academia Pontificia de Arcadia . Conocido en su época como «el nuevo Orfeo », ^{[ 9 ]} «el príncipe de los músicos» y otros adjetivos similares, se generó un gran folclore en torno a su figura y su fama no disminuyó tras su muerte. ^{[ 17 ] [ 26 ]} Incluso hoy en día, su obra es objeto de una voluminosa bibliografía crítica y sus sonatas siguen utilizándose ampliamente en academias musicales como material didáctico, así como piezas capaces de consolidarse en el repertorio de conciertos actual. ^{[ 20 ]} Su posición en la historia de la música occidental se considera crucial, siendo reconocido como uno de los más grandes maestros de finales del siglo XVII y principios del XVIII, así como uno de los clasicistas más antiguos y destacados. ^{[ 9 ] [ 27 ] [ 25 ] [ 19 ] [ 21 ] [ 28 ]}

En 1687, Corelli dirigió las interpretaciones musicales del festival en honor a la reina Cristina de Suecia . También fue uno de los favoritos del cardenal Pietro Ottoboni , sobrino nieto de otro cardenal Pietro Ottoboni, quien en 1689 se convirtió en el papa Alejandro VIII . De 1689 a 1690 residió en Módena . El duque de Módena fue generoso con él. En 1706, Corelli fue elegido miembro de la Pontificia Accademia degli Arcadi (la Academia Arcadia de Roma). Recibió el nombre arcádico de Arcomelo Erimanteo. ^{[ 29 ]}

En 1708 regresó a Roma, donde vivió en el palacio del cardenal Ottoboni. Ese mismo año visitó Nápoles por invitación del rey Felipe V. El estilo de ejecución introducido por Corelli y preservado por sus alumnos, como Francesco Geminiani , Pietro Locatelli , Pietro Castrucci , Francesco Antonio Bonporti , Giovanni Stefano Carbonelli , Francesco Gasparini y otros, fue de vital importancia para el desarrollo de la interpretación del violín. ^{[ 14 ]} Se ha dicho que las trayectorias de todos los famosos violinistas y compositores de la Italia del siglo XVIII conducían a Arcangelo Corelli, quien fue su "punto de referencia icónico". ^{[ 30 ]}

Sin embargo, Corelli solo utilizó una parte limitada de las capacidades de su instrumento. Esto se puede apreciar en sus escritos. Las partes para violín rara vez superan el Re en la cuerda más aguda, llegando a veces al Mi en cuarta posición en la misma cuerda. Se ha contado y vuelto a contar que Corelli se negó a interpretar un pasaje que se extendía hasta el La en altísimo en la obertura del oratorio de Handel El triunfo del tiempo y la verdad (estrenado en Roma en 1708). ^{[ 14 ]}

Sin embargo, sus composiciones para el instrumento marcan una época en la historia de la música de cámara . Su influencia no se limitó a su propio país: sus obras fueron clave en el desarrollo de la música de toda una generación de compositores, incluidos Antonio Vivaldi , Georg Friedrich Handel , Johann Sebastian Bach y François Couperin , así como muchos otros. ^{[ 14 ]} Bach estudió las obras de Corelli y basó una fuga para órgano (BWV 579) en el Opus 3 de Corelli de 1689. Los Concerti Grossi Opus 6 de Handel toman como modelos los antiguos Concerti Opus 6 de Corelli , en lugar del posterior concierto veneciano de tres movimientos de Antonio Vivaldi, preferido por Bach .

La sociedad musical romana también le debía mucho a Corelli. Fue recibido en los círculos más selectos de la aristocracia y durante mucho tiempo presidió los célebres conciertos de los lunes en el palacio del cardenal Ottoboni.

Corelli murió en Roma con una fortuna de 120.000 marcos y una valiosa colección de obras de arte y violines de gran calidad, ^{[ 31 ]} el único lujo que se había permitido. Dejó ambos bienes a su benefactor y amigo, quien generosamente entregó el dinero a los familiares de Corelli. ^{[ 14 ]} Corelli está enterrado en el Panteón de Roma . ^{[ 32 ]}

La figura artística de Corelli floreció en el apogeo del Barroco , una corriente cultural caracterizada por una expresividad artística ornamentada y exuberante, rica en fuertes contrastes. Su música se desarrolló a partir de la polifonía renacentista , pero se caracterizó por una transición hacia una mayor independencia entre las voces. Nuevos factores socioculturales y religiosos, así como una fuerte influencia del teatro y la retórica , propiciaron el desarrollo de un lenguaje musical renovado que pudiera expresar mejor el espíritu de la época, desarrollando así una amplia gama de nuevas técnicas armónicas, vocales e instrumentales. Es el período en el que se consolida definitivamente el sistema tonal , abandonando el antiguo sistema modal , y que tiene su expresión más típica en el estilo de escritura llamado continuo o bajo cifrado, en el que la línea del bajo y la de la voz superior se escriben completas, dejando la ejecución del relleno armónico atribuido a las demás partes a discreción del intérprete, indicado sintéticamente por el autor mediante números. La gran importancia atribuida a la voz superior, que relegaba a las demás a un papel secundario, puso de manifiesto la figura del solista virtuoso. ^{[ 33 ]} También se introdujeron las afinaciones temperadas , la melodía a menudo tenía inspiración popular y las disonancias comenzaron a usarse como recurso expresivo. La polifonía siguió siendo omnipresente especialmente en la música sacra , generalmente más conservadora, pero la complejidad que la caracterizó en siglos anteriores, que a menudo hacía incomprensibles los textos cantados, fue abandonada en favor de un contrapunto mucho más claro y simplificado, en el que a menudo se daba primacía a la voz más fuerte. Además, en el campo del simbolismo y el lenguaje, el desarrollo de la teoría de los afectos fue de gran importancia, en la que las figuras, melodías, tonos y recursos técnicos estandarizados específicos se convirtieron en un léxico musical al servicio de la expresión. Dichos recursos eran muy comunes en la ópera, el género más popular e influyente de la época, ejerciendo también una influencia decisiva en la dirección de la música instrumental, ^{[ 33 ]} un lenguaje que Corelli contribuyó significativamente a articular y afirmar. ^{[ 21 ]} A nivel formal, el Barroco consolidó las formas de la suite y la sonata en múltiples movimientos, que dieron origen a la sonata da chiesa , la sonata da camera , la sonata , el concerto grosso y el concierto para solista .y, más tarde, a la sinfonía . ^{[ 33 ] [ 21 ]} En general, los cambios introducidos por el Barroco constituyeron una revolución en la historia de la música , quizás tan importante como los promovidos por el surgimiento del ars nova en el siglo XIV y la música de vanguardia en el siglo XX.

Bolonia, donde Corelli estudió originalmente, con sus 60.000 habitantes, era la segunda ciudad más importante de los Estados Pontificios, sede de la universidad más antigua del mundo y centro de una intensa vida cultural y artística. Contaba con varias iglesias importantes que mantenían orquestas, coros y escuelas permanentes, tres grandes teatros albergaban representaciones dramáticas y operísticas, varias editoriales publicaban partituras y había al menos media docena de academias mantenidas por la nobleza y el alto clero en sus edificios. Todo ello definía tendencias y cánones estéticos, algunos dedicados exclusivamente a la música, entre los que destacaba la Accademia Filarmonica , fundada en 1666 por el conde Vincenzo Maria Carrati. En esta ciudad se formó una ilustre escuela de violín, fundada por Ercole Gaibara , cuyos principios fueron asimilados por Corelli. ^{[ 34 ]}

Roma, por otro lado, poseía tradiciones, riqueza e importancia mucho mayores en varios aspectos, empezando por ser la sede del catolicismo . Además, era una capital cosmopolita que acogía a artistas de toda Europa, deseosos de establecerse en entornos tan ricos, diversos e influyentes, donde los grandes mecenas de la Iglesia y la aristocracia competían organizando suntuosas presentaciones y promoviendo a numerosos artistas. Sin embargo, pocas iglesias y cofradías contaban con cuerpos musicales estables, y existía un gran intercambio de profesionales entre las distintas celebraciones. A diferencia de Bolonia, en Roma la Iglesia ejercía una influencia decisiva en la vida cultural, y las directrices al respecto variaban según las preferencias de cada pontífice. El papa Clemente IX , por ejemplo, era libretista de óperas y oratorios y promovía la música profana, y Corelli aparentemente se integró sin dificultad en este ambiente, aunque se desconoce quién lo introdujo en él. En cualquier caso, pronto se ganó el favor de mecenas que figuraban entre los más prominentes de la ciudad. ^{[ 34 ]}

Como ya se mencionó, Corelli aprendió los fundamentos de la técnica del violín en Bolonia, y como discípulo de los virtuosos Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli, siguió las líneas marcadas por Ercole Gaibara, considerado el precursor de la escuela boloñesa. Posteriormente, impartió clases a numerosos alumnos y fundó su propia escuela, pero a pesar de su fama en este campo, sorprendentemente sobreviven pocas descripciones, y además imprecisas, de su técnica, lo que generó una considerable controversia entre la crítica. Esta deficiencia se ve agravada por el hecho de que no escribió ningún manual ni tratado sobre el tema. En aquella época existían varias escuelas de violín en Italia, que proponían diferentes métodos de interpretación e incluso distintas maneras de sujetar el violín. Existe una considerable iconografía que describe estas diferencias, donde los violinistas apoyan el instrumento bajo la barbilla, sobre el hombro o contra el pecho, en distintos ángulos. Naturalmente, estas diferencias implicaban distintas técnicas de mano izquierda y de arco y, en cierta medida, definían el estilo y la complejidad de la música que podían interpretar. ^{[ 35 ]}

Durante el siglo XVIII fue considerado un gran virtuoso, pero los críticos del siglo XX a veces han puesto en duda los testimonios antiguos. Boyden, por ejemplo, afirmó que «Corelli no puede reclamar un lugar destacado en la historia de la técnica del violín»; Pincherle lo consideró «inferior a sus contemporáneos alemanes e incluso italianos en términos de técnica pura», y McVeigh dijo que «sin duda no fue uno de los grandes virtuosos de su tiempo». Sin embargo, según Riedo, tales opiniones se basan en lo que se puede deducir de los requisitos técnicos contenidos en sus composiciones, pero este método no es del todo fiel a la realidad, ya que la partitura solo ofrece una vaga idea de lo que podría ser una interpretación en vivo, observando además que el estilo desarrollado por Corelli se caracterizaba más por la sobriedad y la facilidad de canto que por la extravagancia. Además, sus composiciones, en su versión publicada, están dirigidas sobre todo a un público heterogéneo y no solo a especialistas y virtuosos. Al mismo tiempo, sus obras no pueden considerarse un ejemplo de su capacidad para interpretar obras de otros autores, donde podría haber adoptado un enfoque diferente. Los fracasos del recital de Nápoles y el enfrentamiento con Handel en Roma, donde supuestamente afirmó no tener experiencia en la técnica francesa, se citan a menudo como prueba de su limitada técnica violinística, aunque no se han demostrado con firmeza. ^{[ 35 ]}

Según la investigación de Riedo, que resume los estudios sobre este aspecto, Corelli probablemente sostenía el violín contra su pecho y lo proyectaba hacia adelante; esta posibilidad está respaldada por grabados y dibujos, así como por fuentes escritas, incluyendo descripciones de las interpretaciones de otros violinistas que habían sido sus alumnos o que se vieron influenciados por él. Esta postura era muy común antes de su época, predominaba en la Roma de su tiempo y se mantuvo común hasta el siglo XIX. Francesco Geminiani , quien probablemente fue su alumno, escribió en su obra El arte de tocar el violín (1751) que «el violín debe sostenerse justo debajo de la clavícula, inclinando ligeramente el lado derecho hacia abajo, de modo que no sea necesario doblar demasiado al tocar la cuarta cuerda». Walls afirmó que casi ningún virtuoso de la primera mitad del siglo XVIII adoptó una postura diferente. Esta postura proporcionaba al intérprete una actitud elegante, en el caso de Corelli también importante por ser patricio, pero perjudicaba ligeramente la ejecución de las notas más agudas de la cuarta cuerda. La música de Corelli rara vez requiere posiciones superiores a la tercera. ^{[ 35 ]}

Geminiani, también virtuoso, expresó una visión muy actual de lo que se espera de un buen violinista: «La intención de la música no es solo complacer al oído, sino expresar sentimientos, conmover la imaginación, influir en la mente y dominar las pasiones. El arte de tocar el violín consiste en dotar al instrumento de un sonido que rivalice con la voz humana más perfecta, y en ejecutar cada pieza con precisión, decoro, delicadeza y expresividad, de acuerdo con la verdadera intención de la música». En palabras de Riedo: «Las ideas y la estética de Geminiani parecen corresponderse exactamente con las composiciones de Corelli: realzaba las texturas, sin pasajes acrobáticos con cambios de posición extremos ni efectos virtuosos. Las posturas de Boyden, Pincherle y McVeigh deben reconsiderarse, ya que este tipo de virtuosismo acrobático no parece haber sido el objetivo de Corelli». Las descripciones contemporáneas afirman que sus interpretaciones eran «eruditas, elegantes y conmovedoras, y su sonido firme y uniforme». Bremner escribió en 1777: «Me informaron de que Corelli no aceptaría en su orquesta a ningún violinista que no pudiera, con un arco, crear un sonido uniforme y potente, como el de un órgano, tocando dos cuerdas a la vez, y mantenerlo durante al menos diez segundos». Esto sugiere que su principal preocupación era el dominio de la técnica del arco, responsable del sonido general producido y de los matices y sutilezas de la dinámica y el fraseo, lo que también coincide con las afirmaciones de la época sobre la capacidad de Corelli para expresar en el violín las más diversas emociones en toda su plenitud, haciendo que su instrumento «hablara» como si fuera una voz humana. ^{[ 35 ] [ 17 ]}

Entre los avances que impulsó en la técnica se encuentran la exploración más intensa de las cuerdas dobles (incluyendo figuraciones en una nota pedal), la cuerda de sol (poco usada hasta entonces), armónicos, arpegios y trémolo , del rubato , del staccato , de la scordatura , de figuraciones rápidas en terceras, de acordes de más de dos notas y fue el principal defensor de la técnica del bariolage . ^{[ 36 ] [ 37 ]} Aunque Corelli no escribió nada al respecto, los tratados publicados por Geminiani, Francesco Galeazzi y otros influenciados por él probablemente reflejan fielmente los principios del maestro. ^{[ 38 ] [ 9 ]} Sus actuaciones en diversos campos relacionados con el violín —virtuoso, profesor y compositor— han dejado una huella imborrable en la historia de este instrumento y han sentado las bases de su técnica moderna. ^{[ 23 ] [ 39 ] [ 40 ]}

Se sabe que tuvo muchos alumnos, entre ellos: Matteo Fornari, Giovanni Battista Somis , ^{[ 41 ]} Pietro Castrucci , ^{[ 25 ]} Giovanni Stefano Carbonelli , ^{[ 37 ]} Francesco Gasparini , Jean-Baptiste Anet , ^{[ 21 ]} Georg Muffat ^{[ 42 ]} y Francesco Geminiani . ^{[ 41 ]}

Se sabe poco sobre sus actuaciones como director, salvo que desempeñó con éxito este papel durante muchos años al frente de las orquestas de la iglesia de San Luis y la Academia de Artes Plásticas, así como de innumerables grupos formados para ocasiones específicas, como recitales en las academias privadas de la aristocracia, fiestas cívicas y recepciones diplomáticas. El reconocimiento que recibió siempre fue muy generoso, y se le elogió sobre todo por la gran disciplina de los músicos que dirigía, obteniendo siempre interpretaciones vigorosas, con gran precisión en el ataque de las notas y un poderoso efecto general. ^{[ 9 ]} Geminiani informó que «Corelli consideraba esencial que toda la orquesta moviera los arcos exactamente al mismo tiempo: todos arriba, todos abajo, de modo que en los ensayos previos a las actuaciones pudiera detener la música si veía una posición del arco fuera de rango». ^{[ 43 ]}

Corelli fue de vital importancia en el proceso de transformación de la orquesta tradicional. En la generación anterior, las agrupaciones eran bastante pequeñas incluso para las representaciones de ópera y solo en ocasiones muy excepcionales se contrataban grandes grupos, especialmente para festivales al aire libre. La orquesta de San Luigi, por ejemplo, no superaba los veinte miembros, ni siquiera en ocasiones prestigiosas, y la mayor parte del tiempo estaba formada por unos diez o quince miembros. ^{[ 44 ]}

Gracias al legado de las antiguas prácticas polifónicas, los conjuntos utilizaban diversos instrumentos de proporciones equilibradas, agrupados en "coros", cada uno compuesto por varios tipos de instrumentos. La generación de Corelli comenzó a cambiar este equilibrio de fuerzas hacia un predominio creciente de la sección de cuerdas, con énfasis en los violines, ampliando significativamente el número de músicos, agrupando los instrumentos en secciones homogéneas y separando a los cantantes de la orquesta. Su disposición espacial también cambió, adoptando una distribución que favorecía el lenguaje típico del concierto Grosso, con un pequeño conjunto solista, el concertino , separado del gran grupo ripieno . ^{[ 44 ] [ 45 ]}

Además de dirigir y ser concertino, Corelli se encargaba de reclutar músicos para formar orquestas ocasionales, pagarles sueldos y desempeñar todas las funciones de un organizador de eventos moderno. En algunas ocasiones, empleaba a un número inmenso de músicos, hasta 150, muy por encima de los estándares de su época. Según el testimonio de Crescimbeni, «fue el primero en introducir en Roma conjuntos con tal cantidad de instrumentos y tal diversidad que resultaba casi imposible creer que pudiera hacerlos tocar todos juntos sin temor a la confusión, sobre todo porque combinaba instrumentos de viento con cuerdas, y el total a menudo superaba los cien elementos». Si bien el número de músicos variaba mucho en cada actuación, el equilibrio de las orquestas de Corelli era constante: al menos la mitad de los músicos tocaban violines y una cuarta parte, violonchelos, violonchelos y contrabajos. La fracción restante se completaba con una instrumentación variada de violas, instrumentos de viento, laúdes , tiorbas , órganos , clavecines y otros, y dependía en gran medida del carácter de la música de la ocasión. Su intensa actividad en diferentes niveles del campo de la música orquestal dominó la escena romana y su papel como organizador, dinamizador y abanderado puede compararse con el de Jean-Baptiste Lully en la corte de Luis XIV . Por extensión, podría decirse que todas las orquestas romanas entre 1660 y 1713 eran «la orquesta de Corelli». ^{[ 44 ]}

A pesar del amor típicamente barroco por lo extravagante, lo bizarro, lo asimétrico y lo dramático, la producción de Corelli se desvía de este esquema, ^{[ 43 ]} favoreciendo los principios clásicos de sobriedad, simetría, racionalidad, moderación equilibrada y expresiva, así como la perfección formal, apreciada en varias ocasiones por críticos contemporáneos y de la misma época, formulando una estética que se encuentra entre las precursoras de la escuela neoclásica de música con considerable economía de medios. ^{[ 46 ] [ 27 ] [ 19 ]} En la descripción de la Enciclopedia Larousse de la Música , «sin duda otros antes que él mostraron más originalidad, pero ninguno en su época mostró un interés más noble por el equilibrio y el orden, o por la perfección formal y el significado. A pesar de su formación boloñesa, encarna la era clásica de la música italiana, gracias sobre todo a la tradición romana. [...] Aunque no inventó las formas que utilizó, Corelli les dio una nobleza y una perfección que lo convierten en uno de los más grandes clasicistas». ^{[ 27 ]}

Las obras de Corelli fueron el resultado de una planificación larga y reflexiva, y se publicaron solo después de revisiones cuidadosas y múltiples. ^{[ 21 ] [ 27 ]} Su última colección parece haber tardado más de treinta años en completarse, y una declaración que dejó en una carta de 1708 atestigua su inseguridad: «Después de tantas y extensas revisiones, rara vez he sentido la confianza para entregar al público las pocas composiciones que envié a la imprenta». ^{[ 21 ]} Un método tan riguroso, racional y organizado, y un anhelo tan fuerte de perfección ideal, son otras características que lo convierten en un clásico en oposición al espíritu salvaje, asimétrico, irregular e improvisado del Barroco más típico. Para Franco Piperno, «su obra impresa posee una estructura excepcionalmente bien cuidada y coherente, diseñada deliberadamente para ser didáctica, ejemplar y monumental. No es casualidad que una de las figuras en la portada de su Ópera Terza esté escrita "para la posteridad", es decir, como la posteridad lo vería: como una autoridad en composición, ejecución y pedagogía, una fuente de ideas llenas de potencial». ^{[ 47 ]} También fue rígido en la elección de los géneros que abordaba: la sonata en trío, la sonata para instrumento solista y el concerto grosso. Toda su producción es para cuerdas, con acompañamiento de continuo, que podía ser interpretado por una combinación variable de órgano, clavecín , laúdes o tiorba . No dejó obras para voz, pero sus composiciones revelan una fuerte influencia de la música vocal en su expresividad, así como en el tratamiento de la polifonía. ^{[ 9 ] [ 27 ]}

En su época, el círculo de quintas se consolidó como el principal motor de las progresiones de acordes y, según Richard Taruskin , Corelli practicó, más que nadie de su generación, nuevos conceptos con fines expresivos, dinámicos y estructurales, lo cual fue fundamental para la sedimentación del sistema tonal. ^{[ 19 ]} Manfred Bukofzer , asimismo, afirma que "Arcangelo Corelli merece reconocimiento por la plena realización de la tonalidad en el campo de la música instrumental. Sus obras introducen felizmente el período barroco tardío. [...] Aunque estrechamente vinculado a la tradición del contrapunto de la antigua escuela boloñesa, Corelli manejó el nuevo lenguaje con impresionante confianza. ^{[ 45 ]} Por otro lado, los cromatismos son raros en su música, pero las disonancias son relativamente comunes y se utilizan como un elemento expresivo, aunque siempre están bien preparadas y bien resueltas. ^{[ 21 ]} Los críticos también han resaltado la integración armoniosa y equilibrada entre elementos polifónicos y homofónicos , con una polifonía que se despliega libremente dentro de una estructura tonal. En su obra hay abundancia de formas expresivas polifónicas, los fugati , contrapuntos simples y escritos imitativos, con temas que son repetidos sucesivamente por las diversas voces alternativamente, generalmente también llamados fugas, pero en su estilo las fugas auténticas son raras, ya que su desarrollo difiere de modelos convencionales debido a la forma, exhibiendo una amplia variedad de soluciones. ^{[ 21 ] [ 45 ]} Según Pincherle , uno de los aspectos más significativos del genio de Corelli reside en el movimiento coordinado de estas voces que se entrelazan, se evitan entre sí y se encuentran de tal manera que desarrollan motivos siempre cambiantes, estableciendo una unidad a través del parentesco motívico de los diferentes movimientos, un método que Fausto Torrefranca comparó con la creación de "un friso que recorre las paredes y fachadas de un templo". ^{[ 48 ]}

Entre sus influencias se encuentran principalmente los maestros de la escuela boloñesa, como Giovanni Benvenuti , ^{[ 9 ]} Leonardo Brugnoli y Giovanni Battista Bassani . También es evidente la influencia de Jean-Baptiste Lully , atestiguada por Francesco Geminiani , ^{[ 45 ]} así como la de la escuela veneciana, en particular Francesco Cavalli , Antonio Cesti y Giovanni Legrenzi . ^{[ 9 ] [ 21 ]} George J. Buelow, además, atestigua que la influencia de Palestrina en el desarrollo del estilo polifónico de su música ha sido en gran medida ignorada, una influencia recibida principalmente a través de su maestro Simonelli, quien fue cantante de la Capilla Sixtina , donde la obra de Palestrina fue uno de los puntos culminantes del repertorio. ^{[ 21 ]}

El estilo de Corelli ha sido elogiado durante mucho tiempo como paradigmático por su claridad y su sobrio y expresivo melodismo, la quintaesencia del buen gusto arcádico. Georg Friedrich Handel , Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , François Couperin , Giuseppe Torelli , Georg Muffat , Georg Philipp Telemann , Giuseppe Valentini , Benedetto Marcello , Pietro Locatelli , Giuseppe Sammartini , Francesco Geminiani e innumerables otros músicos se inspiraron en el modelo corelliano para la creación de su música orquestal. ^{[ 49 ] [ 41 ] [ 45 ]} En Roma, su influencia fue tan abrumadora que ningún compositor de la siguiente generación pudo evitarla por completo. Junto con Torelli y Vivaldi, Corelli fue una de las figuras clave en el establecimiento del concierto como un género cuya popularidad perdura hasta nuestros días. ^{[ 16 ]} Uno de los admiradores estadounidenses fue el presidente Thomas Jefferson , quien tocaba el violín con regularidad y catalogó cuatro de las sonatas de Corelli en la biblioteca de Monticello . ^{[ 50 ]}

Un diccionario musical de 1827 aún se hacía eco de lo que Burney había dicho más de treinta años antes: «Los conciertos de Corelli han resistido el embate del tiempo y la moda con más firmeza que sus otras obras. La armonía es tan pura, las partes están tan claramente, juiciosamente e ingeniosamente arregladas, y el efecto general, interpretado por una gran orquesta, es tan majestuoso, solemne y sublime, que desarman cualquier crítica y hacen olvidar todo lo que se haya compuesto en el mismo género». ^{[ 51 ]} En opinión de Michael Talbot, quien escribe para The Cambridge Companion to the Concerto , es difícil explicar la perdurable popularidad de esta colección, considerando que la simplicidad no es la causa de su popularidad, sino solo una condición previa. ^{[ 49 ]} Continúa afirmando:

La genialidad de Corelli reside más bien en su capacidad para crear formas satisfactorias sin recurrir a fórmulas fijas, en su habilidad para combinar ideas contrastantes [...], en su original inventiva para las atmósferas y en sus momentos —más numerosos de lo esperado— de audacia armónica. Entre los pasajes inolvidables de los Concerti grossi se encuentran las conmovedoras suspensiones y las encantadoras duplicaciones de octava en el segundo adagio del cuarto concierto y el mágico cambio de tonalidad de menor a mayor al comienzo de la Pastorale que concluye el octavo concierto, un movimiento opcional compuesto para ser interpretado en Nochebuena. ^{[ 49 ]}

Corelli compuso 48 sonatas en trío , 12 sonatas para violín y continuo, ^{[ 52 ]} y 12 concerti grossi.

Seis conjuntos de doce composiciones, publicados entre 1888 y 1891 por Chrysander , se atribuyen auténticamente a Corelli, junto con algunas otras obras.

• Opus 1: 12 sonate da chiesa (trío sonatas para 2 violines y continuo ) (Roma 1681)
• Opus 2: 12 sonate da camera (trío sonatas para 2 violines y continuo) (Roma 1685)
• Opus 3: 12 sonate da chiesa (trío sonatas para 2 violines y continuo) (Roma 1689)
• Opus 4: 12 sonate da camera (trío sonatas para 2 violines y continuo) (Roma 1694)
• Opus 5 : 12 Suonati a violino e violone o cimbalo (6 sonate da chiesa y 6 sonate da camera para violín y continuo) (Roma 1700) La última sonata es un conjunto de variaciones sobre La Folia .
• Opus 6 : 12 concerti grossi (8 concerti da chiesa y 4 concerti da camera para concertino de 2 violines y violonchelo, ripieno de cuerda y continuo) (escrito en la década de 1680, publicado en Ámsterdam en 1714)
• op. post.: Sinfonía en re menor, WoO 1 (para el Oratorio Santa Beatrice d'Este de Giovanni Lorenzo Lulier, 1689)
• op. post.: Sonata a Quattro, WoO 2 (Rogers, Ámsterdam, 1699) ^{[ 53 ]}
• op. post.: Sonata a Quattro, WoO 3 (Rogers, Ámsterdam, 1699 – incompleta/dudosa)
• op. post.: Sonata a Quattro para trompeta, 2 violines y bajo continuo, WoO 4
• op. post.: 6 Sonate a tre , WoO 5–10 (Ámsterdam 1714)