Thierry Geoffroy

Geoffroy ideó el concepto de "Sala de Emergencias" para permitir que los artistas respondieran rápidamente a los eventos actuales. Las exhibiciones cambian todos los días. ^{[ 5 ]} Los artistas llevan su trabajo a la sala circular especialmente diseñada, el espacio de la Sala de Emergencias, a una hora fija todos los días para presentarlo, trabajando dentro de un plazo. La obra de arte mostrada debe haber sido creada dentro de las 24 horas de su exhibición, para mantener la exhibición lo más acorde posible con el presente. ^{[ 5 ]} El arte debe estar específicamente relacionado con temas de emergencia; es decir, crisis en curso, temas de actualidad o problemas sociopolíticos, la obra de arte es debatida entre Geoffroy, los medios, el público y los artistas. ^{[ 6 ]} Se han realizado Salas de Emergencias en Copenhague , Berlín , Nueva York , ^{[ 1 ] [ 7 ]} Atenas , Hanói , Johannesburgo , Nápoles y París ^{[ 8 ]} y han participado más de 450 artistas. ^{[ 6 ]} Después de 24 horas, las obras de arte de Emergency Room se exhiben en el Museo Delay, un espacio de exhibición adyacente, y pasan a formar parte de la colección del Museo Delay. ^{[ 9 ]} La visión de Geoffroy es tener una Sala de Emergencias permanente en cada ciudad importante del mundo. ^{[ 10 ]}

Biennalist es otro formato artístico de Thierry Geoffroy / Colonel, que comenta simultáneamente sobre bienales activas y eventos culturales organizados a través de obras de arte. ^{[ 11 ]} Biennalist toma en serio las temáticas de las bienales y eventos similares como documenta , festivales y conferencias, cuestionando las estructuras establecidas de los eventos artísticos escenificados para contribuir al debate que desean generar. ^{[ 12 ]} A menudo, la pertinencia de los temas de las bienales se pone a prueba en el lugar. ^{[ 13 ]} El bienalista ha participado en la Bienal de Venecia de 1999, 2001, 2003, 2005, 2007, 2009, 2011, 2013, 2015, 2017 y 2019, la Bienal de Atenas de 2007 y 2011, la Bienal de Sídney de 2010, la Bienal de Sarema de 1997, la Bienal de Rotterdam de 1990, la Cuadrienal U-Turn de 2008, Manifesta de 2010, la Bienal de Liverpool de 2010 y la Bienal de Estambul de 2007. ^{[ 14 ]}

Critical Run es un formato artístico, como Emergency Room y Biennalist. Los participantes debaten sobre temas urgentes como el cambio climático, ^{[ 15 ]} la xenofobia, las guerras, la hipocresía y la apatía. Critical Run, organizado por Thierry Geoffroy / Colonel, se ha llevado a cabo por invitación de instituciones como Moderna Museet en Estocolmo, MoMA PS1, Witte de With Rotterdam, ZKM Karlsruhe, la Bienal de Liverpool, el Museo Sprengel en Hannover y la Bienal de Venecia , pero también se han realizado carreras espontáneas porque era necesario un debate aquí y ahora.

Entre los participantes se encuentran críticos de arte suecos, policías alemanes, activistas climáticos estadounidenses, galeristas chinos, estudiantes brasileños y muchos otros de más de 20 países. Una sala que presentaba 40 ensayos críticos simultáneamente formó parte de la exposición de Geoffroy de 2020, «The Awareness Muscle Training Centre», en el Museo Villa Stuck de Múnich, Alemania. ^{[ 16 ] [ 17 ]}

El formato Awareness Muscle es un conjunto de obras del artista que abarca varios proyectos diferentes en su trayectoria, pero lo más importante es que indica una mezcla de preguntas profundas a un participante mientras realiza ejercicio físico con la ayuda de un circuito de entrenamiento que incluye máquinas de fitness. ^{[ 18 ] [ 19 ]} Estas máquinas son a la vez metafóricas y poéticas, y todas se relacionan con un tema diferente elegido (por ejemplo, "la máquina pensante" retoma temas de satisfacción vital y otros temas que requieren evaluación cognitiva). Este formato fue objeto de una presentación en la Blackwood Gallery de Toronto en 2007 ^{[ 20 ]} y se realizó en su totalidad como parte de la exposición "The Awareness Muscle Training Center" en el Museo Villa Stuck. ^{[ 16 ]} Las máquinas forman un circuito completo que pretende entrenar la conciencia de los visitantes sobre sus propias actitudes hacia temas como la democracia, la diversidad, el cambio climático y el medio ambiente. ^{[ 17 ]}

El formato "Penetración" es un acto artístico que consiste en colocar una obra dentro de la exposición de otro artista. La Penetración es una solución para evitar la lentitud de las instituciones artísticas burocráticas, al hacer circular el espacio entre los actores, de artista a artista. Una penetración no solo se concibe como un atajo, sino también como una colaboración beneficiosa. El formato se ha visto en la Bienal de Atenas "Sala de Emergencias", en la Bienal de Estambul , en la Bienal de Venecia en 2007 (por Biennalist), en la Bienal de Venecia en 2009 (penetraciones en el Pabellón de Venezuela con Daniel Medina , en el Pabellón de Finlandia con Jussi Kivi y en el barco belga con Jacques Charlier, comisariado por Enrico Lunghi). El formato "Penetración" también se activó en Manifesta 8 en Murcia . ^{[ 21 ] [ 22 ]} Allí el formato tuvo lugar en una "Sala de Penetración", combinando el arte de "penetración" de Geoffroy. ^{[ 23 ]} La Bienal de 2010 tomó como tema "África del Norte" y Geoffroy invitó a artistas norteafricanos a intervenir (o penetrar) el espacio de la exposición. ^{[ 24 ]}

Extracteur existe desde el inicio de la carrera artística de Geoffroy, y fue presentado en su Manifiesto de 1989, "Moving Exhibition". ^{[ 25 ]} El formato puede implicar el envío de una persona (personaje) para crear una colección fotográfica o la participación textual de una experiencia personal. En 2011, se diseñó una versión digital para "recuperar el derecho a releer y reorganizar la representación del mundo" como reacción a la recopilación de información privada por parte de las redes sociales. Utilizó el formato por primera vez durante la Bienal de Venecia de 2011.

Otro formato de Geoffroy es el debate de baile lento. Este formato consiste en que desconocidos bailan abrazados mientras debaten sobre temas de interés. ^{[ 26 ]} Los temas de debate son de naturaleza similar a los de Critical Run y ​​a menudo se ha activado como una opción menos exigente físicamente y más lenta que el formato de carrera. ^{[ 27 ] [ 28 ]} El formato puede verse como un intento de inspirar conciencia, apertura y expresión entre las personas, para que sean más conscientes del mundo que las rodea y más propensas a reaccionar ante los problemas actuales. ^{[ 29 ]} Se ha activado en convergencia con otros formatos, por ejemplo en la exposición MoMA/PS1 de Emergency Room, donde se activó la mayoría de los domingos ^{[ 30 ]} y como parte de Biennalist varias veces en la Bienal de Venecia. ^{[ 31 ]} Un debate de baile lento en el Festival de Roskilde apareció en el programa “The Meaning of Life” en DR2. ^{[ 32 ]}

Geoffroy suele trabajar con materiales poco convencionales, utilizando con frecuencia cajas de cartón para expresar ideas sociopolíticas, críticas o filosóficas, generalmente acompañadas de bocetos o fotografías relacionadas con dichas ideas. Estas obras suelen realizarse en conjunción con otros formatos de Geoffroy y sirven para transmitir directamente sus ideas, temores o reflexiones sobre temas de actualidad, generalmente relacionados con sucesos locales o globales. También pueden clasificarse como el arte ultracontemporáneo de emergencia propio de Geoffroy. Los temas representados en las cajas de cartón han variado enormemente, desde críticas a Documenta ^{[ 49 ]} hasta preocupaciones específicas sobre el cambio climático ^{[ 50 ]} y observaciones y inquietudes personales ^{[ 34 ] .}

Geoffroy ha utilizado letreros de neón para expresar sus declaraciones artísticas, abordando temas similares a los de sus obras de arte en tiendas de campaña y cartones. ^{[ 34 ]} Estos suelen estar escritos a mano por Geoffroy y a veces contienen un hashtag, como un vínculo conceptual con la circulación en internet y la visibilidad inmediata. ^{[ 51 ]} Las declaraciones suelen ser imperativas y perentorias, y la luz brillante provoca aún más un tono de alarma. Los temas abarcan desde observaciones sociales como "La sofisticación es nuestra derrota" hasta advertencias sobre el cambio climático "Ahora, antes de que sea demasiado tarde". ^{[ 52 ]} Estos letreros de neón se han presentado en varias exposiciones de Geoffroy, incluyendo "Demasiado tarde" en la Galería Sabsay de Copenhague ^{[ 53 ] [ 54 ]} y "El Centro de Entrenamiento Muscular de la Conciencia" en el Museo Villa Stuck de Múnich. ^{[ 55 ]}

Geoffroy utiliza señales de tráfico en su obra. El motivo de la instrucción direccional y simbólica inherente a las señales de tráfico se reutiliza para transmitir una advertencia, una acción o una observación, a veces mediante juegos de palabras y combinaciones paradójicas de símbolos y palabras para provocar una reflexión y un cuestionamiento de las sociedades, las instituciones e incluso las políticas gubernamentales. ^{[ 34 ]} Una pieza en particular que utiliza el semáforo de la rotonda reza: «La conséquence de l'oeuvre c'est encore l'oeuvre», que se traduce aproximadamente como «la consecuencia de la obra total es una continuación de la obra». Esta es una idea arraigada en la obra de Geoffroy, que expresa el concepto de la obra de arte nunca terminada, que es una secuencia constante de piezas. ^{[ 56 ]}

Geoffroy cuestiona el lienzo y los temas del tiempo pintando "Retard" (fr.), "Trop Tard" (fr.) o "Too Late" en lienzos, expresando la noción de que el arte está en demora. ^{[ 57 ]} También utiliza lienzos para expresar intenciones futuras, pintando una fecha en un lienzo en la que tendrá lugar una acción que él planea. ^{[ 57 ]} En estas obras, el enfoque de Geoffroy es utilizar el arte como plataforma para la acción colectiva. ^{[ 57 ]}

Desde joven, Geoffroy experimentó con el autorretrato. En 1974, después de que su abuelo le regalara una cámara y le enseñara a tomar y procesar fotografías, Geoffroy creó una serie de autorretratos. Para ello, utilizó un temporizador. En ellos, interpretó diferentes papeles, disfrazándose y componiendo imágenes para crear historias. Se vistió con uniforme militar, ropa de tenis, etc., a menudo interpretando dos papeles opuestos, como el de vaquero e indio, y una serie titulada «Yo contra mí», donde interpretó a su propio rival. Posteriormente, publicó esta obra en su libro Strategies d'existence y en su exposición Moving Exhibition Manifeste de 1989; esta última la adornó con un autorretrato en el que interpreta a «El buen chico», sentado en el escritorio de su padre trabajando. Geoffroy expuso estas obras en el Café Krasnapolsky en 1990, en una exposición titulada «¿Por qué la gente está tan loca por Cindy Sherman ?» (Schube, 2002).

Geoffroy progresó en su fotografía a lo largo de los años 80 y 90, comenzando una serie sobre el comportamiento de los turistas en varios lugares, empezando con Perú y Egipto en 1982, continuando por México, Guatemala, China y Tailandia. En 1986, se publicó un artículo titulado "Nace una estrella de la fotografía" en la revista danesa fotomagazine. ^{[ 58 ]} Su trabajo sobre turistas enfrentados a la pobreza en la India se publicó en la revista francesa Photomagazine en 1989 ^{[ 59 ]} y fue objeto de un artículo en una publicación danesa ese mismo año. ^{[ 60 ]} En 1995, ganó el Premio de Libro de Fotografía en Dinamarca. ^{[ 61 ]} Su fotografía fue reseñada en numerosas publicaciones danesas a principios de los 90, especialmente cuando comenzó a realizar happenings y performances en lugares como Charlottenborg, Billedhuset y Café Krasnapolski. ^{[ 62 ]} Su enfoque de la fotografía también fue elogiado por estar libre de exotismo, centrándose en cambio en las relaciones interculturales entre extraños que produce el viaje y el efecto que esto tiene en el viajero. ^{[ 63 ]} Mientras continuaba su práctica fotográfica en Copenhague, también se describió el modo en que tomaba fotos, debido a las técnicas intensas y confrontativas que utilizaba, acercándose extremadamente a las personas y acercándose a sus rostros, en clubes y otros espacios públicos, siendo descrito como un “arqueólogo maníaco”. ^{[ 64 ]}

Ya a finales de la década de 1980, cambió su modo de trabajar con la fotografía, comenzando a coleccionar fotos de otras personas para exhibirlas. Empezó a recibir reconocimiento por sus inusuales prácticas de exhibición, irrumpiendo en eventos artísticos y exhibiendo en espacios públicos con imágenes en su ropa, reuniendo grupos de personas que exhibían sus propias fotos privadas de la misma manera. ^{[ 65 ]} En París, utilizó una emisora ​​de radio local para transmitir un happening en la FIAC, invitando a fotógrafos aficionados y miembros del público a que acudieran con fotos de sí mismos adheridas a su ropa; esto resultó en la reunión de 35 personas en el lugar, formando una exposición improvisada. ^{[ 65 ]} Geoffroy organizaría eventos similares en el Centro Pompidou y el Grand Palais de París en 1988. Escribió un manifiesto en 1989 describiendo los diferentes tipos de exposiciones que había realizado y que realizaría en el futuro, designadas por cinco tipos específicos de lo que llamó "Exposiciones en Movimiento", que se convertirían en la base de muchos de sus futuros formatos artísticos. ^{[ 25 ]}

Elementos de esta exposición de tipo exhibicionista son similares a aspectos del sitio de redes sociales Facebook: la idea de "amigos", un "muro", "publicaciones" y "acceso limitado" son componentes tanto de Facebook como del formato exhibicionista de Geoffroy. ^{[ 66 ]}   Para participar en el happening, uno debe exhibir una foto de sí mismo y crear un perfil de identificación, lo que permite a la persona convertirse en "amigo" y le ofrece acceso a las fotos de otros, con el fin de crear autocrítica hacia sí mismo y solidaridad y apertura entre los demás. ^{[ 66 ] [ 67 ]} Se animaba a la gente a traer fotografías personales, como fotos familiares. ^{[ 67 ]} Su fascinación turística se integró aún más en su nuevo enfoque de la fotografía, en sus viajes y luego pedía a los turistas cuatro de sus fotos de viaje para exhibirlas de vuelta en Dinamarca. ^{[ 67 ]} Extendió esta práctica en una exposición en Billedhuset en Copenhague, invitando a miembros del público a traer instantáneas turísticas para exhibirlas allí. ^{[ 68 ]}

Geoffroy también trabajó con fotografías de diversos medios de comunicación. Este tipo de obra suele estar relacionada con el concepto del tiempo: recopila diariamente material audiovisual y crea obras que luego se exhiben en un plazo de 24 horas. Estas obras varían en temática y estética, y han formado parte de varias exposiciones del artista, a menudo en colaboración con Emergency Room o Gallery Ultracontemporaine. Su método de creación exige que los temas representados sean actuales y estén en sintonía con la actualidad mundial. Geoffroy ha creado varias series de este tipo, siendo las más extensas «The Blue Helmets» y «Measurement of Cultural Distance».

En 2007, Geoffroy exhibió su formato Emergency Room en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este fue el período de exhibición más largo del formato, que consistió en 7 semanas y en el que participaron 29 artistas. ^{[ 78 ]} Hubo convergencias de otros formatos como Critical Run y ​​Slow Dance Debate, así como el uso de diademas con mensajes individuales. ^{[ 79 ]} Después del cambio de exposición, a veces se realizaban sesiones de yoga con los artistas y el público. ^{[ 80 ]} Se mantuvo un blog diario sobre la exposición y también se produjo y emitió un podcast con una pieza de audio del DJ Copyflex en Times Out Radio. ^{[ 81 ]} La exposición fue reportada en segmentos de televisión por ABC News ^{[ 82 ]} y Reuters ^{[ 83 ]} y discutida en un programa de radio, “the Brian Lehrer Show”, ^{[ 84 ]} y también ampliamente difundida por medios internacionales. ^{[ 85 ]} Involucrar a la mayor cantidad posible de medios de comunicación fue una estrategia intencional del formato, para ampliar el alcance de las exposiciones a la mayor cantidad de personas posible en todo el mundo. ^{[ 85 ]} El número de visitantes a la exposición superó los mil cada día. ^{[ 86 ]} Emergency Room fue elogiada por su atmósfera, así como por su concepto y mensaje, específicamente por la forma en que desafió al mundo del arte contemporáneo y elevó la importancia de debatir temas actuales. ^{[ 86 ]} Un artículo retrospectivo sobre la exposición titulado “Twelve Years After” fue publicado en Arte al dia en 2019. ^{[ 87 ]}

En 2020, Geoffroy presentó el Centro de Entrenamiento Muscular de Conciencia en el Museo Villa Stuck en Múnich, Alemania (villastuck.de, 2020). Este constaba de 5 salas y un espacio exterior: la Sala de Entrenamiento, la Galería Ultracontemporánea, la Sala de Energía, el Museo del Retraso, la Sala de Estrategia y el Espacio de Tráfico. ^{[ 88 ] [ 89 ]} La Sala de Entrenamiento consistía en participantes que utilizaban máquinas de entrenamiento modificadas mientras los "instructores " de la exposición les preguntaban sobre el significado de sus vidas a través de una rutina definida; la Galería Ultracontemporánea presentaba obras de arte y fotografías de Geoffroy, expuestas el mismo día de su creación; la Sala de Energía era una colección de 40 Critical Run en pantallas presentadas en un espacio circular; la Sala de Estrategia era un centro de operaciones para involucrar a las personas en la planificación de Critical Runs y el Espacio de Tráfico mostraba señales de tráfico con varios dibujos y declaraciones del propio artista. ^{[ 89 ]}

En 2011, Geoffroy realizó una exposición en el ZKM de Karlsruhe que fue a la vez una minirretrospectiva de su formato Bienalista y una investigación encargada sobre la Bienal de Atenas, complementada con una capacitación y una sede en el museo antes y después. ^{[ 90 ] [ 91 ]} Activó su formato Bienalista en la Bienal, titulado Monodrome, investigando la diferencia entre los objetivos propuestos y la realidad de la Bienal. ^{[ 92 ]} Esto llevó al descubrimiento de la gentrificación y la expulsión forzosa por la policía de los habitantes "indeseables" de la zona, en preparación para la Bienal, así como la total falta de intentos de involucrar a las comunidades circundantes. ^{[ 92 ]} Geoffroy también puso en práctica su formato Extracteur con los atenienses, recogiendo sus respuestas abiertas y experiencias de los disturbios que se estaban produciendo en las proximidades de la Bienal. ^{[ 92 ]} También comentó la situación a través de obras de arte en tiendas de campaña y grafitis callejeros. ^{[ 92 ]} Después de abordar estos problemas y confrontar la falta de sinceridad de los supuestos objetivos de las Bienales en el lugar, Geoffroy luego transmite sus hallazgos durante la propia exposición. ^{[ 93 ]}

El 4 de diciembre de 2009, Thierry Geoffroy inauguró una exposición en la galería Poulsen de Copenhague. ^{[ 94 ]} Geoffroy invitó a activistas internacionales, artistas y ONG a participar, en particular al dúo activista estadounidense «The Yes Men», ya que la exposición coincidió deliberadamente con la COP15 sobre el cambio climático en Copenhague. ^{[ 95 ]} Allí, The Yes Men escenificaron imágenes de noticias de la COP15 en las que Canadá había acordado dar 3 mil millones de dólares a Uganda por su deuda climática y reducir sus emisiones en un 40 % para 2020, creando una serie de artículos de broma y provocando una respuesta del verdadero Ministro de Medio Ambiente de Canadá. ^{[ 96 ]} También participaron en el proyecto ONG como Avaaz.org, Climate Action Factory y MSAction Aids, ^{[ 97 ]} así como detectives privados, periodistas y otras figuras prominentes (art-agenda.com, 2010). Geoffroy organizó Critical Runs todos los días durante la conferencia, atrayendo a muchos activistas climáticos a participar. ^{[ 98 ] [ 99 ]} La exposición también incluyó el arte de emergencia del propio Geoffroy, que se modificó dentro de las 24 horas posteriores a su exhibición, abordando y comentando en tiempo real las actualizaciones de la conferencia climática, así como otros temas. ^{[ 94 ]} También se exhibieron capturas de pantalla de páginas de Facebook transformadas en pinturas, mostrando una serie de perfiles ficticios satíricos que Geoffroy creó para comentar situaciones reales desde la perspectiva de un personaje, a menudo tratando temas como el cambio climático o el racismo. ^{[ 100 ]} El título HQ es una referencia a la estructura del formato de Sede de la exposición, en la que Geoffroy utiliza un espacio artístico como un punto central estratégico para desarrollar acciones que puedan marcar la diferencia. En este caso específico, la exposición se centró particularmente en criticar la ineficacia de la COP15 y el papel de los artistas como fuerza para el lavado de imagen verde. ^{[ 101 ]}   Posteriormente, al final de la exposición, se mostró un diagnóstico de la efectividad de la misma. ^{[ 102 ]}

En 1991, Thierry Geoffroy presentó una exposición en el Museo MM de Copenhague. ^{[ 103 ]} Titulada “Art et Publicité”, la exposición presentó una mezcla de obras en diferentes medios, incluyendo fotografías de la oficina de turismo nazi en Copenhague de 1940 a 1942 y obras de arte hechas con imágenes de estrellas del deporte vistiendo ropa patrocinada. ^{[ 104 ]} También incluyó la idea de “mismo día, mismo medio”, donde Geoffroy cambiaba el contenido de la exposición cada día con ajustes diarios, específicamente en relación con lo que estaba sucediendo en el mundo en ese momento, por ejemplo, el ultimátum de la ONU sobre la Guerra del Golfo. ^{[ 104 ]} También se mostraron imágenes que exploraban el uso de niños y deporte en la publicidad. ^{[ 105 ]}

En 2009, Emergency Room se exhibió en la Universidad de Bellas Artes de Hanoi, Vietnam, con motivo de la visita de Estado de la Reina, el Príncipe Heredero y la Princesa de Dinamarca, quienes visitaron la exposición. ^{[ 106 ]} La visión de Geoffroy ha sido conseguir un espacio permanente para Emergency Room, pero sus intentos no han tenido éxito. Sin embargo, en Hanoi tuvo la oportunidad de experimentar una aproximación a esta visión al activar el formato con dos años de diferencia en el mismo espacio. En 2011, fue invitado a reactivar el formato de Emergency Room en la Universidad de Bellas Artes. Esto coincidiría con la visita de Estado del Príncipe Heredero Federico de Dinamarca. ^{[ 107 ]} Las dos activaciones dieron longevidad al proyecto en la zona, permitiendo un análisis de qué temas fueron más presentes y relevantes en el lapso de dos años. Los temas que estuvieron particularmente presentes fueron el cambio climático, el aumento de los niveles de contaminación, las brechas sociales generacionales y la corrupción (BBC). ^{[ 108 ]} Ambas activaciones contaron con la participación de artistas daneses y vietnamitas, así como de artistas de otras nacionalidades.

En 2002, Geoffroy presentó una exposición individual en el Museo Sprengel de Hannover, titulada «Obras basadas en medios de los últimos diez años». ^{[ 109 ]} En ella presentó fotografías, camisetas con fotos impresas por él mismo, fragmentos de su serie «Capitain» de la televisión danesa y una variedad de objetos que revelaban aún más su trabajo con diferentes medios durante la última década. Muchas piezas tienen un carácter transformador; por ejemplo, Geoffroy se toma una fotografía, la publica en la sección de anuncios del periódico y luego utiliza esa imagen en un artículo periodístico publicado. ^{[ 110 ]} Había fotografías de eventos que Geoffroy había organizado, donde la gente asistía vistiendo fotos de sí mismos. Los fragmentos de su serie de televisión demostraban cómo el artista utilizaba la televisión como plataforma alternativa para mostrar su obra y cuestionar el medio; estos se proyectaban en pantallas de televisión en el espacio. ^{[ 110 ]} También mostraba cómo Geoffroy se inspiraba en artistas como Daniel Buren y Marcel Duchamp para sus propias concepciones. ^{[ 111 ]} El artista también tuvo la oportunidad de colocar algunas de sus obras en la colección permanente del museo, por ejemplo, junto a pinturas de Picasso. ^{[ 112 ]} El equipo del museo participó diariamente en una parte activa del proyecto, buscando imágenes de periódicos sobre el conflicto iraquí que se estaba intensificando y creando aviones de papel con ellas, haciéndolos volar desde los pisos superiores hasta el pasillo principal. A medida que estos se acumulaban, adquirían la apariencia de escombros, creando un incómodo vínculo entre el conflicto real y cómo se presentaba en Occidente. En definitiva, la exposición presentó una visión general de la circulación mediática de Geoffroy, combinando material de archivo y obras de arte recientemente reconfiguradas para examinar el efecto acumulativo de su trabajo en los medios. ^{[ 110 ]}

En 2011, Geoffroy fue invitado a participar en una exposición colectiva llamada Photography Calling en el Museo Sprengel de Hannover. Otros artistas fueron Diane Arbus , Wolfgang Tillmans y Jeff Wall. ^{[ 113 ]} La exposición de Geoffroy fue una reconsideración de qué hacer ahora como artista, en relación con la toma de las redes sociales como plataforma visual y archivo de fotos, buscando una respuesta de los museos de arte a este problema. El formato 'Extracteur' se remonta a los inicios artísticos de Geoffroy, asignado anteriormente bajo la categoría de Fondation Moving Exhibition Typ Exhibitioniste, existiendo como un formato para que las personas le dieran al artista acceso a sus propias fotos privadas para exhibir. ^{[ 114 ]} La versión presentada en la exposición fue 'digital extracteur'. La edición de 2011 incluyó un equipo de 'extractores' que recolectaban tarjetas de memoria y datos de teléfonos de las personas. Con su permiso, los extractores tomaban todo el contenido de los datos visuales de su teléfono o cámara, con un contrato firmado que permitía al artista usarlos con fines artísticos. ^{[ 115 ]} Esto se hizo en Hannover, en la Bienal de Venecia y más tarde por el propio Geoffroy durante los disturbios en Atenas. ^{[ 116 ]} Estos datos solo estaban disponibles para otros participantes (llamados «exhibicionistas») que también habían dado acceso a sus propias imágenes. ^{[ 116 ]} La exposición también presentó la historia del formato, su relación con Facebook en la propiedad de las imágenes (los proyectos de Geoffroy son anteriores a la red social por varias décadas) e involucró a la Policía de Hannover y a Park Frau en su propio proyecto de extractores. En este, la policía tomaba imágenes todos los días y las presentaba en un gráfico circular en el espacio del museo, teniendo que situar sus fotos dentro del contexto de «trabajo», «privado», una mezcla de estos o «emergencias». ^{[ 116 ]} Otra característica de la exposición fue un banco donde las parejas podían consolidar sus relaciones tomándose una foto en un "Banco de Citas". ^{[ 117 ]} También se activaron Debates de Baile Lento y Carreras Críticas durante la exposición.

Geoffroy activó otro formato de Extracteur en forma de una exposición de crecimiento de 5 años en el Museo IKM de Oslo. ^{[ 118 ]} El proyecto tiene como objetivo construir un censo sobre prejuicios a través de la participación de los visitantes del museo, atrayendo a unas 200 personas por semana (antes de la COVID) para participar en un autoanálisis de imágenes de la galería de sus cámaras. ^{[ 118 ]} La exposición toma la forma de una escultura colgante, donde los participantes imprimen fotos que revelan prejuicios desde sus teléfonos y las sujetan a la instalación suspendida. De esta manera pueden reflexionar sobre las formas en que categorizan a las personas y qué efecto puede tener esto en la sociedad. ^{[ 119 ]} Al final del período de 5 años, la instalación habrá recopilado las experiencias de xenofobia de más de 50 000 participantes activos. ^{[ 118 ]} También será una escultura de datos que se puede estudiar. Al observar los datos individuales de las personas, la exposición puede formar una idea de dónde comienza el prejuicio y cómo se manifiesta a nivel personal. ^{[ 119 ]}

En 2007, Geoffroy realizó una exposición con el título «Un gran pintor» en la Galerie Asbæk de Copenhague. Esta exposición exploraba los proyectos de pintura conceptual de Geoffroy, cuyo título era una especie de visión paradójica de la noción de pintor, dado que Geoffroy no es un pintor en el sentido clásico. La Galerie Asbæk también era una galería centrada en la pintura, ^{[ 120 ]} lo que llevó a un cuestionamiento intencional de la idea de pintor. Se incluyeron fotografías del proyecto de Geoffroy «Protest Underwear», ^{[ 120 ]} en el que hizo que los participantes pintaran declaraciones en su ropa, así como pinturas de copistas de las páginas de Geoffroy en redes sociales, una de las cuales mostraba la clasificación de Geoffroy como artista en un sitio web. La exposición fue una exploración de la pregunta «¿Tienen poder los pintores?» y contenía varias yuxtaposiciones entre el contenido de los medios y la pintura, por ejemplo, a través de la palabra «la Toile» (fr.), que significa «lienzo» pero que también es la palabra utilizada para «el muro» en Facebook. ^{[ 121 ]} Entre otras ideas, también mostró cómo las ideas de Marcel Duchamp se integraron en la obra de Geoffroy, tomando como ejemplo episodios de sus series de televisión anteriores. La incorporación de capturas de pantalla e imágenes a la pintura mediante el uso de copistas genera aún más confusión sobre el papel del pintor; un ejemplo particular ilustra esta confusión: una pintura de una herida de bala pintada sobre Geoffroy por un copista. En esta pintura, que lleva el mismo título que la exposición, Geoffroy invita al espectador a reflexionar sobre quién es el pintor en este escenario y cómo la pintura interfiere con la propaganda de guerra.

En 2013, Thierry Geoffroy fue invitado a exponer en el Pabellón de Maldivas en la Bienal de Venecia. Utilizó este espacio para instalar una Sala de Emergencias Móvil ^{[ 122 ]} y exhibir obras de arte en tiendas de campaña. ^{[ 123 ]} La pregunta "¿Sigue siendo el cambio climático una emergencia?" fue particularmente pertinente, apareciendo en una tienda de campaña y siendo un tema central de los proyectos de Geoffroy para la bienal. Posteriormente, utilizó tiendas de campaña para "poner a prueba la hospitalidad"; trabajando con el tema del cambio climático, Geoffroy preguntó a otros pabellones si estarían dispuestos a albergar una tienda de campaña, como metáfora del hundimiento de las Maldivas y los miles de refugiados climáticos que resultarían de ello. ^{[ 124 ]} Una tienda de campaña pintada con aerosol con la pregunta "¿Puede una nación dar la bienvenida a otra nación?" se utilizó para este gesto y se acordó que sería "albergada" en un lugar del Pabellón de Israel, en la Tierra de Nadie entre los pabellones de Israel y Estados Unidos, ^{[ 125 ]} sin embargo, posteriormente fue retirada por la policía. ^{[ 124 ]} Sobre el tema de la emergencia climática, Geoffroy tenía la intención de lanzar una “COP18B”, en referencia a la fallida conferencia climática del año anterior, dado que una gran cantidad de figuras importantes asistieron a la bienal. ^{[ 126 ]} Geoffroy también usó su casco azul para mostrar que el hundimiento de las Maldivas debería ser una preocupación central de la ONU.

En 2007, mientras trabajaba en el formato de la Bienal, Geoffroy tuvo la idea de crear una Bienal de “arte ultracontemporáneo” en Copenhague. ^{[ 127 ]} Inicialmente, Geoffroy quería crear una “Bienal de Penetración”, un formato donde los artistas expositores abrían sus espacios de exposición a otros artistas, permitiéndoles tomar el control y expresar sus ideas a través de su arte. ^{[ 127 ]} Esta idea también se basaba en la idea de que los artistas tenían la necesidad de expresarse en el momento de la inspiración, y así, al permitir que los artistas entraran en el espacio de exposición de otro, se acortaba el tiempo de espera entre el concepto y la creación. ^{[ 127 ]} La idea para la Bienal era que esta apertura y libertad de expresión se llevara a cabo en toda la ciudad, en Copenhague. La “Bienal de Penetración” nunca se realizó, ya que Geoffroy pasó a concebir “La Biennale du Legionnaire”, un concepto similar pero esta vez centrado en crear apertura para que los artistas inmigrantes crearan en la escena artística de Copenhague. Este concepto se propuso al Consejo de las Artes de Dinamarca, pero fue rechazado. ^{[ 127 ]} En 2010, Geoffroy creó el concepto de la Bienal de Copenhague como una página de Facebook que alcanzó una audiencia de varios miles. ^{[ 127 ]} Finalmente, en 2017, Geoffroy lanzó la Bienal de Copenhague junto con Tijana Miskovic, durante seis semanas en Copenhague. ^{[ 128 ]} Geoffroy ha reproducido el formato cuatro veces desde 2017. ^{[ 127 ]}

Esta exposición del artista Jeff Guess se mostró en tres espacios: en la calle, en el museo y en la página web de Svenska Dagbladet . ^{[ 129 ]} Se tomaron fotografías durante la exposición y el carrete se podía revelar e imprimir en 1 hora. En total, se acumularían 10.000 fotografías tomadas y mostradas durante los 9 días de la exposición. ^{[ 130 ]} Este proyecto fue concebido como una “forma personal de medios de comunicación de masas”, buscando detectar y categorizar temas emergentes del contenido y luego distribuirlo. ^{[ 129 ]} El tiempo fue una preocupación central del proyecto, un objetivo intrínseco era acortar al máximo el lapso entre la toma de las fotografías y su distribución. ^{[ 129 ]} Los temas que la exposición comentaba eran particularmente relevantes en su contexto, analizando las múltiples perspectivas del Festival del Agua de Estocolmo en curso; incluyendo las actividades de reclutamiento del ejército. ^{[ 131 ]}

Para la Bienal Socle du Monde en el Museo de Arte Contemporáneo de Herning, que tenía como tema “Entre culturas”, ^{[ 132 ]} Geoffroy centró sus proyectos en los inmigrantes en Dinamarca. El propio Museo tiene la mayor colección de obras de Piero Manzoni ^{[ 133 ]} y Geoffroy hizo referencia al trabajo del artista italiano a través de un proyecto en el que involucró a inmigrantes en la tarea de limpiar el excremento de caballo que quedaba tras el paso del caballo real y luego envasar este excremento en noventa latas personalizadas. ^{[ 134 ]} Esto fue tanto un guiño de humor negro a Manzoni ^{[ 135 ]} como una investigación sobre la cuestión de cómo se puede considerar útiles a los inmigrantes en la sociedad danesa. ^{[ 134 ]} Las latas estaban impregnadas de la marca “Merde de Cheval Royal” ^{[ 136 ]} y “In Advance of the Broken Arm”, una referencia a Marcel Duchamp y que contenía la idea de que al recoger el excremento de caballo, los inmigrantes estaban previniendo accidentes y, por lo tanto, eran “buenos inmigrantes”. También tenía un "Muro de Penetración" donde exhibía obras de artistas inmigrantes libaneses y bosnios. ^{[ 134 ]}

En 2018, Geoffroy participó en una exposición colectiva en la Kunsthalle Mannheim llamada “Constructing the World”, ^{[ 137 ]} una exposición que examinaba la crisis financiera de 2008, sus efectos en el arte y el contraste de esto con colapsos económicos anteriores. ^{[ 137 ]} Otros artistas participantes fueron Thomas Hirschhorn, Andreas Gursky y Jeremy Deller. ^{[ 137 ]} Geoffroy exhibió varias de sus esculturas de tiendas de campaña por todo el museo, ^{[ 138 ]} teniendo la oportunidad de yuxtaponer sus declaraciones de tiendas de campaña con otras obras de arte de la colección del museo, por ejemplo Filzanzug de Joseph Beuys ^{[ 139 ] [ 140 ]} y Capricorne de Max Ernst, ^{[ 141 ] [ 142 ]} así como piezas de land art y obras de arte de Neue Sachlichkeit. Durante la exposición, también organizó Critical Runs. ^{[ 143 ]}

En 1990, Geoffroy presentó una exposición sobre el tema del turismo en la Galerie Billedhuset de Copenhague. Los carteles de la exposición pedían a los visitantes que trajeran sus propias fotos de turistas. ^{[ 144 ]} Geoffroy exhibió sus propias impresiones cibachrome de la India, en las que se centra en el comportamiento de los turistas en el extranjero. Esta idea se amplió a través de una serie que presentaba los esfuerzos pseudoantropológicos de Geoffroy de recopilar fotos de turistas en Tailandia. ^{[ 145 ]} Geoffroy reveló aspectos personales del individuo (qué eligieron fotografiar, qué hicieron en sus viajes, con quién viajaron, cuánto tiempo viajaron, etc.) y presentó un registro y comentario del comportamiento turístico, ^{[ 146 ]} al hacerlo también reflexiona sobre si el turismo es bueno para las personas visitadas. ^{[ 147 ]} Geoffroy también exhibió una foto suya, con las palabras "No soy mejor que los demás". ^{[ 148 ]} Otra sección mostraba un reportaje fotográfico del tiempo que Geoffroy pasó viajando con un guía turístico, con autocrítica de su propio comportamiento y los sentimientos alentados por el guía turístico.

Las primeras apariciones de Thierry Geoffroy/Colonel en la televisión en horario estelar fueron a través de reportajes interrumpidos, el más famoso de los cuales fue una acrobacia en la que se colocó detrás del reportero, imitándolo humorísticamente con una mazorca de maíz a modo de micrófono, durante un reportaje sobre la final de fútbol de 1998 entre Dinamarca y Brasil. ^{[ 149 ]} Esto se emitió en los canales daneses DR y posteriormente TV2. El objetivo de Geoffroy era demostrar que el fútbol no debería ser reportado como si fuera algo más que entretenimiento. ^{[ 150 ]} Más de 3 millones de personas, o dos tercios de la población danesa, vieron este clip. ^{[ 150 ]} También se incluyó en exposiciones posteriores del artista, con el título “Cuida de los ratones transgénicos”, cuyo título hace referencia a la mazorca de maíz que Geoffroy sostiene en el clip, como alusión al maíz genéticamente modificado. En un artículo de 1998 en la revista Blender, Geoffroy fue descrito como un “invitado frecuente del espacio definitivo para la exposición pública: los medios de comunicación de masas”. ^{[ 150 ]}

Geoffroy utilizó la televisión como plataforma para su arte en 3 series realizadas para Danmarks Radio , el principal canal danés. Llamadas “Capitain”, “Immigranten” y “Photographe”, interpreta diferentes roles, progresando de “turista profesional” a “inmigrante activo” y finalmente a fotógrafo. Los programas implicaban la participación del público danés, a menudo explorando las nociones de “danesidad ” y “otredad”. ^{[ 151 ]} El propósito de Geoffroy con estos programas era usar la televisión como escenario para su arte, para llegar a la mayor cantidad de personas posible en lugar de solo a un selecto público artístico ^{[ 152 ]} La serie se convirtió en uno de los contenidos más vistos del canal. ^{[ 153 ]} Objetos de la serie han pasado a formar parte de las colecciones permanentes del Heart Museum Denmark y NBK Berlin y han aparecido en instalaciones del Sprengel Museum Hannover y Fries Museum Leeuwarden.

Como parte de la Bienal Manifesta, “En diálogo con el norte de África”, Geoffroy realizó un cortometraje para el canal español 7RM. Para ello, solicitó a residentes españoles y norteafricanos sus opiniones y experiencias sobre este tema, y ​​también consiguió que algunos se entrevistaran entre sí. ^{[ 154 ]} En este cortometraje interpretó al personaje del “artista colonialista”.