Escultura clásica

La forma escultórica más importante del período arcaico fue el kouros (plural: kouroi ), el desnudo masculino de pie (véase, por ejemplo, Biton y Kleobis). Reflejando la influencia egipcia, el kouros se yergue con la pierna izquierda ligeramente adelantada y los brazos a los lados. Aunque se han encontrado kouroi en muchos territorios de la antigua Grecia, fueron especialmente prominentes en Ática y Beocia. ^{[ 2 ]} La mayoría de estos se encontraron en santuarios de Apolo, con más de cien solo en el santuario de Apolo Ptoión, en Beocia. ^{[ 3 ]} Estas esculturas exentas eran típicamente de mármol, pero la forma también se representa en piedra caliza, madera, bronce, marfil y terracota. Suelen ser de tamaño natural, aunque los primeros ejemplos colosales alcanzan hasta 3 metros de altura.

Los escultores griegos arcaicos parecen haber recibido influencias estilísticas de los egipcios, aunque las divergencias surgieron tempranamente. En particular, las figuras masculinas de la Grecia arcaica tendían a representarse desnudas, algo poco común en todos los periodos del arte egipcio antiguo (excepto cuando se representaban esclavos o enemigos). Al igual que en el arte egipcio, las figuras femeninas siempre se representaban vestidas; la desnudez femenina no aparecería hasta mucho más tarde. Los labios fruncidos y ligeramente curvados hacia arriba, junto con la mirada vacía, conocidos como la «sonrisa arcaica», aparecen en muchas obras emblemáticas del periodo arcaico.

En este periodo, aún no se había desarrollado el énfasis posterior en la anatomía naturalista de huesos y músculos, lo cual se aprecia al observar detalles como las rodillas y otras articulaciones clave. Algunos detalles parecen estar grabados en lugar de modelados por completo, vestigios de tradiciones más antiguas. A medida que el estilo arcaico se transformó gradualmente en lo que se conoce como estilo clásico, se puede detectar una clara progresión que demuestra un conocimiento y una destreza técnica cada vez mayores.

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  Artista desconocido: Kouros Anavissos . Museo Arqueológico Nacional de Atenas , c. 530 a. C.
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  Artista desconocido: Friso del Tesoro de Sifnos (detalle), Museo Arqueológico de Delfos , c. 525 a. C.
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  Atribuido por algunos a Onatas o su escuela: Guerrero troyano caído , figura W-VII del frontón occidental del Templo de Afaya, Gliptoteca , Múnich, c. 505 –500 a.C.
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  Artista desconocido: León funerario hallado en la Puerta Sagrada del Kerameikon. Museo Arqueológico de Kerameikos , Atenas, c. 590-580 a. C.

Durante el período clásico se produjeron cambios tanto en el estilo como en la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (véase el Auriga de Delfos como ejemplo de esta transición), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la figura humana en diversas posturas aumentó considerablemente. A partir del año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar personas reales. Las estatuas de Harmodio y Aristogitón se erigieron en Atenas para conmemorar el asesinato del último tirano de la dinastía Pisistrátida , Hiparco . Se dice que fueron los primeros monumentos públicos en representar personas reales.

Cuando los artistas griegos comenzaron a estudiar el movimiento y la anatomía humanos, descubrieron que los seres humanos vivos tienden a mostrar un "cambio de peso" o contraposición al estar de pie.

La primera estatua griega que exhibe contrapposto es el famoso Niño de Kritios, que data de alrededor del 480 a . C. El contrapposto pronto se convirtió en un elemento definitorio de la técnica escultórica griega, culminando en el Canon de Policleto. El Canon es una obra teórica que analiza las proporciones matemáticas ideales para las partes del cuerpo humano y propone para la escultura de la figura humana un contrapeso dinámico: entre las partes del cuerpo relajadas y tensas y entre las direcciones en las que se mueven las partes. Policleto buscó demostrar la precisión de sus cálculos implementando sus reglas en una estatua titulada simplemente: El Canon. ^{[ 4 ]} Aunque la estatua en sí se ha perdido en la historia, sus principios se manifiestan en el Doríforo ("portador de lanza"), que adoptó un contrapposto extremadamente dinámico y sofisticado en su equilibrio cruzado de extremidades rígidas y sueltas.

Los templos griegos se construían especialmente para albergar las grandes estatuas de culto. Creían que colocar santuarios alrededor de las zonas consideradas sagradas complacería a los dioses. Durante el período clásico, los escultores no solo creaban obras para los templos, sino también estatuas funerarias para rendir homenaje a los seres queridos fallecidos. Las esculturas solían representar al difunto en una pose relajada. Atletas de éxito y familias adineradas encargaban estatuas de sí mismos para los templos como muestra de respeto a los dioses. En el siglo V a. C., los retratos se popularizaron y aparecieron bustos de generales, filósofos y líderes políticos.

La alta calidad de la obra griega atrajo el interés italiano e influyó notablemente tanto en el arte etrusco como, posteriormente, en el romano. El entusiasmo con el que Roma acogió el arte griego ha resultado importante no solo por la transmisión del estilo griego clásico, sino también porque la mayoría de las obras griegas clásicas que se conservan existen principalmente en forma de copias romanas en mármol de originales griegos en bronce. Dado que el bronce siempre ha sido un metal valioso, es probable que la mayoría de los originales se fundieran hace mucho tiempo, y los pocos ejemplares auténticos que se han conservado se han encontrado principalmente en el contexto de naufragios.

Sin embargo, los griegos sí esculpían mármol, y se conservan varias piezas de mármol griego clásico; los famosos mármoles del Partenón (también conocidos como mármoles de Elgin) permanecieron en su lugar original hasta principios del siglo XIX. De hecho, muchos de los mármoles griegos clásicos que se conservan provienen de contextos arquitectónicos.

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  Policleto : Doríforo . Fundición en el Museo Pushkin , Moscú.
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  Atribuido a Eufrano : Paris o Perseo . Naufragio de Atikythera, c. 340-330 a. C. Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  Taller de Fidias : Dioniso reclinado , del frontón este del Partenón , ca. 447-433 a. C. Museo Británico
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  Afrodita Braschi , copia libre (siglo I a. C.) de una estatua votiva de Praxíteles en Cnido ( Afrodita de Cnido , c. 350-340 a. C.). Gliptoteca, Múnich.

La transición del período clásico al helenístico tuvo lugar durante el siglo IV a. C. La escultura se volvió cada vez más naturalista. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para el adorno de sus hogares y jardines. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sentían obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. La mayoría de los hombres griegos eran esculpidos de pie con las caderas ligeramente hacia un lado. Cuando los seres humanos se paran de esta manera, utilizan más músculos.

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  Atribuido por Plinio el Viejo a Agesandro , Atanodoro y Polidoro : Laocoonte y sus hijos . Copia de un original helenístico de alrededor del año 200 a. C. Museos Vaticanos .
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  Artista desconocido: Victoria de Samotracia , c. 220-190 a. C. Museo del Louvre .
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  Artista desconocido: Nereo, Doris, un gigante, Océano , del Altar de Pérgamo (detalle), siglo II a. C. Museo de Pérgamo , Berlín .
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  Artista desconocido: Ludovisi. Galio y su esposa . Copia romana de un original helenístico procedente de un monumento erigido por Átalo I de Pérgamo tras su victoria sobre los galos, ca. 220 a. C. Palacio Altemps , Roma.

El retrato es un género dominante de la escultura romana, que surgió quizás del énfasis romano tradicional en la familia y los antepasados; el vestíbulo ( atrio ) de una casa de la élite romana exhibía bustos de retratos ancestrales . Durante la República Romana , se consideraba un signo de carácter no disimular las imperfecciones físicas y representar a los hombres en particular como robustos y despreocupados por la vanidad: el retrato era un mapa de la experiencia. Durante la época imperial, las estatuas más idealizadas de los emperadores romanos se volvieron omnipresentes, especialmente en relación con la religión estatal de Roma . Incluso las lápidas de la clase media modestamente acomodada a veces exhiben retratos del difunto, por lo demás desconocido, tallados en relieve .