Composición con naturaleza muerta

Composición con Naturaleza Muerta es una pintura del artista estadounidense Edwin Dickinson (1891-1978). Iniciada en 1933 y terminada en 1937, es la obra de mayor tamaño de Dickinson. Pintada al óleo sobre lienzo y casi monocromática, la composición alegórica representa dos desnudos sin cabeza en un escenario misterioso entre elementos de naturaleza muerta . La pintura forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En noviembre de 1933, Dickinson decidió dejar de lado su gran cuadro Escena del bosque , que no había podido terminar satisfactoriamente, y comenzó un nuevo cuadro —el más grande— al que finalmente dio el nombre neutro de Composición con naturaleza muerta . Adoptando un método de pintura más sistemático que el que había usado anteriormente, comenzó mezclando lotes de pinturas en valores incrementales, evidentemente con saturación limitada, y con el valor más oscuro considerablemente más alto en clave que en sus cuadros más oscuros y anteriores, ^{[ 1 ]} un método que también empleó en Stranded Brig . El trabajo progresó de manera constante en 1934, excepto durante el período en que Dickinson trabajó en Stranded Brig , seguido de una hospitalización por dolor de espalda y úlceras, y durante dos meses a principios de 1935, cuando terminó el trabajo en Escena del bosque a petición de su mecenas, Esther Hoyt Sawyer. A pesar de impartir clases de pintura en el Instituto de Arte de Buffalo en el otoño de 1934 y la primavera siguiente, Dickinson, con el uso del estudio de pintura de Esther, logró realizar 216 sesiones para el 16 de junio de 1935. ^{[ 2 ]} Pero once días después, al regresar la familia a Provincetown, la policía los detuvo para informarles que el hermano mayor de Edwin, Howard, había sido asesinado en Detroit. ^{[ 3 ]} La muerte de Howard lo afectó profundamente y dejó de trabajar en la pintura. Aunque hizo algunos intentos por retomarla, y a pesar de su gran conciencia de la importancia para su carrera de terminarla rápida y bien, no fue hasta mayo de 1936 que retomó el trabajo de forma constante. A partir de entonces, trabajó en ello con bastante constancia, a pesar de algunas interrupciones, hasta el 14 de marzo de 1937, fecha en la que ya sumaba 396 sesiones. Realizó diecinueve sesiones a partir del 27 de junio, seguidas de un largo descanso hasta el 20 de septiembre, tras el cual, en un frenético periodo de actividad, añadió otras cincuenta. Pintó el último elemento de su cuadro, una rosa azul pálida, entre el 30 de octubre y el 1 de noviembre, día en el que escribió en su diario que el cuadro estaba terminado.

Adler consideró especialmente difícil ofrecer una interpretación psicológica de Composición con Naturaleza Muerta , pero pensó que sugería «una imagen del final de un viaje o del último puerto». ^{[ 4 ]} Observó que la presentación de objetos y figuras «—vacíos, abandonados, inútiles, caídos— transmite una sensación de impotencia, frialdad o muerte». ^{[ 4 ]} Mitchell Kahan reconoció en esta obra, como en otras pinturas de Dickinson, «una iconografía de ocultamiento», creada al mostrar solo partes de las cosas, difuminando los límites y oscureciendo las relaciones. Percibió el efecto como «una inquietante sensación de pérdida», el producto paradójico de «la mirada incesante de Dickinson y su prolongado estudio de la forma», ^{[ 5 ]} y en esta obra combinado con una sensación de decapitación y muerte. ^{[ 6 ]} Driscoll reconoce en las imágenes un simbolismo del agua que sugiere desastre y muerte en el mar y lo relaciona con los naufragios ocurridos en Provincetown, algunos de los cuales presenció. ^{[ 7 ]}

Ward señala que el título que Dickinson le dio a la pintura, así como su nombre original, Figuras y Naturaleza muerta, parecen reflejar su determinación de desalentar la interpretación. Sugiere, sin embargo, que debió haberse percatado del efecto de las imágenes a medida que la pintura se desarrollaba y que tal vez sea significativo que en 1945, expresando su insatisfacción con el título del cuadro, le escribiera a Esther: "Yo... Creo que debería llamarlo "El holandés errante ", el nombre del legendario barco condenado a navegar eternamente con su tripulación de hombres muertos, a pesar de que las imágenes no apoyan ese tema específico. ^{[ 8 ]} Ward está de acuerdo con otros escritores sobre la fuerte sensación de muerte creada por las figuras sin cabeza, los árboles despojados, los jarrones horizontales, los escalones y barandilla en ruinas que descienden a la oscuridad, el objeto en espiral, usado para hacer circular el agua, pero que yace inútil, y una forma que sugiere un hueso roto en el primer plano derecho. ^{[ 9 ]} Compara la entrada del cuadro, que conduce al oscuro vacío de abajo, con la entrada de The Glen ( Andrée's Balloon ) ^{[ 10 ]} También es comparable al área de oscuridad en primer plano de Stranded Brig , que Dickinson llamó "un profundo abismo", ^{[ 11 ]} y la entrada a Inland Lake , aunque aquí no hacia, sino sobre, un oscuro vacío. Ward sugiere que Composition with Still Life es la obra de Dickinson presentada más explícitamente como un sueño a través de la combinación de formas sólidas y detalladas con pasajes que se funden en sustancias gaseosas o se disuelven entre sí. ^{[ 12 ]} Observa que este es el primero de los cuadros grandes en el que no hay una figura central cuyo sueño pueda representar la imaginería y que el descenso a la oscuridad representa un descenso a la mente inconsciente del artista "para aceptar sus pérdidas y sanarse a sí mismo". ^{[ 13 ]} Argumenta que no solo la imaginería sino el proceso representa un viaje a lo desconocido, uno que para Elaine de Kooning representa una mayor disposición a afrontar lo inesperado que el proceso de los expresionistas abstractos. ^{[ 13 ]} Ward sugiere que el cuadro bien pudo haber sido afectado por la muerte de Howard y que la decisión de Dickinson de declararlo terminado el 1 de noviembre, a pesar de haber dejado grandes áreas sin resolver, como la sección en la parte superior izquierda, pudo haber sido determinada por el hecho de que era el aniversario de la muerte de Herbert Groesbeck. ^{[ 14 ]}

En cierto modo, Dickinson vio la pintura como un triunfo sobre la muerte, describiendo su rápida conclusión de la obra escribiendo que fue "arrebatada de la tumba en pocas semanas". ^{[ 12 ]} Ward señala que esta pintura fue la más estrechamente vinculada a su vida, ya que la comenzó en el aniversario de la fecha en que inició su relación sentimental con la que sería su esposa y justo antes de que su padre bautizara a su hijo en el estudio. ^{[ 12 ]} La rosa aparece de nuevo, y Ward la asocia con el arquetipo de "la madre reconfortante, nutricia, la 'buena' madre —joven y hermosa— que nos fue conocida, e incluso saboreada, en el pasado más remoto". ^{[ 12 ]} Pero también puede verse (a la luz de sus asociaciones con el estudiante de arte sueco que le dio una rosa a Dickinson cuando murió su hermano) como colocada en el cuadro en memoria de todos sus seres queridos fallecidos.

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