Dona Nelson

Dona Nelson (nacida en 1947) es una pintora estadounidense, conocida principalmente por sus obras inmersivas, gestuales y abstractas que emplean materiales, procesos y formatos poco ortodoxos para alterar las nociones convencionales de la pintura y la mirada. ^{[ 1 ] [ 2 ]} Una reseña de The New Yorker de 2014 observó: "Nelson deja claro que hará cualquier cosa, excepto quemar su casa, para forzar la pintura a una elocuencia recién balbuceante". ^{[ 3 ]} Desde 2002, mucho antes de que se convirtiera en una práctica más común, ^{[ 4 ] [ 5 ]} Nelson ha producido pinturas independientes de doble cara que crean una experiencia de visión más compleja y consciente. ^{[ 6 ] [ 7 ]} Según la crítica del New York Times, Roberta Smith , Nelson ha evitado la carga de un "estilo superficialmente consistente", sostenido por "un énfasis aventurero en los materiales" y un enfoque atlético del proceso que se basa en el trabajo de Jackson Pollock . ^{[ 2 ]} Los escritores de Art in America y Artforum le atribuyen a su experimentación la influencia de una generación más joven de pintores que exploran técnicas no convencionales con renovado interés. ^{[ 8 ] [ 9 ]} Al hablar de una de las obras viscerales y centradas en el proceso de Nelson, el curador Klaus Kertess escribió que la muselina empapada de pintura "es a la vez la herramienta, el medio y la obra hecha". ^{[ 1 ]}

Nelson ha tenido exposiciones individuales en el Weatherspoon Art Museum y el Tang Museum (recopilación, 2018), y apareció en exposiciones colectivas en el Aldrich Contemporary Art Museum , Rose Art Museum , Mary Boone Gallery y Marlborough Fine Art . ^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]} Sus pinturas de doble cara presentadas en la Bienal Whitney de 2014 fueron ampliamente reconocidas ^{[ 14 ] [ 15 ]} y consideradas algunas de las "obras más admiradas" de la muestra por Art in America . ^{[ 16 ]} Nelson ha recibido una beca Guggenheim (1994) ^{[ 17 ]} y su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Metropolitan Museum of Art , ^{[ 18 ]} el Solomon R. Guggenheim Museum ^{[ 19 ]} y el Boston Museum of Fine Arts . ^{[ 20 ]} Vive en Lansdale, Pensilvania , y es profesora de pintura y dibujo en la Tyler School of Art de la Universidad de Temple , donde enseña desde 1991. ^{[ 21 ]}

Nelson nació en 1947 en Grand Island, Nebraska y asistió a la Universidad Estatal de Ohio . En el otoño de 1967, se mudó a la ciudad de Nueva York para participar en el recién formado Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney . ^{[ 22 ]} Después de regresar a Ohio para completar su BFA en 1968, se mudó al Bajo Manhattan, alquilando un loft en lo que ahora es SoHo ; cinco años más tarde, se mudaría a otro en el futuro barrio de Tribeca . Para 1971, fue presentada en exposiciones destacadas como " Veintiséis artistas contemporáneas " comisariada por Lucy Lippard en el Museo Aldrich, ^{[ 23 ]} y "Diez jóvenes artistas" en el Museo Guggenheim . ^{[ 24 ]} Los críticos Grace Glueck y Hilton Kramer destacaron su trabajo en las reseñas del New York Times de las dos exposiciones, respectivamente. ^{[ 11 ] [ 25 ]} En 1974, el Museo Whitney la incluyó en su exposición "Abstracción continua en el arte estadounidense"; ^{[ 26 ]} Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería Rosa Esman en la calle 57, en 1975.

En las décadas de 1980 y 1990, Nelson expuso en museos, universidades y en las galerías Hamilton y Michael Klein de Nueva York. ^{[ 10 ]} En 1996 se mudó a Filadelfia para continuar impartiendo clases en la Tyler School of Art. Nelson ha seguido exponiendo activamente en Nueva York, en Cheim and Read y en la Thomas Erben Gallery, que la representa desde 2006. ^{[ 10 ]}

Aunque Nelson ha creado imágenes figurativas, ha trabajado principalmente en una línea fluida y abstracta que, según algunos autores, confronta de frente las tradiciones del expresionismo abstracto y se basa en las antipinturas de Joan Miró , que utilizaban materiales y procesos no tradicionales para subvertir las convenciones pictóricas. ^{[ 27 ] [ 8 ] [ 28 ]} Artforum comparó su «estimulante» disposición a asumir riesgos con la de Sigmar Polke . ^{[ 29 ]} Los críticos destacan especialmente su «enfoque aventureramente audaz del proceso», que «coquetea con la destrucción de la pintura» ^{[ 8 ]} al rechazar lo «convencionalmente complaciente» ^{[ 30 ]} en favor de técnicas, superficies y colores disonantes. Al observar la negativa anárquica de Nelson a adherirse a un estilo fácilmente identificable, algunos autores han señalado que sus exposiciones pueden parecer compendios del pensamiento pictórico moderno y contemporáneo. ^{[ 31 ]}

Nelson se considera una artista procesual más que una expresionista , enfatizando la primacía del azar, la improvisación y el tacto en su proceso. ^{[ 7 ]} Emplea diversos métodos —vertido, tinción, salpicaduras, costura y más ^{[ 32 ] [ 27 ]} —trabajando sobre lienzo sin imprimación con una variedad de pinturas, materiales no tradicionales y, a veces, los bastidores de una pintura para crear superficies, texturas, relieves y patrones inesperados (a veces haciendo referencia a la cuadrícula modernista ). ^{[ 6 ] [ 8 ]}

Obra madura (1990–2002)

Muchos críticos (y la propia Nelson) consideran que su obra madura comenzó después de un largo período de desarrollo, cuando regresó a la abstracción en la década de 1990. ^{[ 34 ] [ 39 ]} En este período, incorporó regularmente materiales poco convencionales como gasa, muselina, geles y pasta de modelar. ^{[ 40 ] [ 41 ]} También comenzó a emplear técnicas poco ortodoxas que combinaban control y accidente para "perturbar" sus pinturas, como verter pintura de esmalte de látex sobre campos cuadriculados (la serie "12 Stations of the Subway", 1997-8), hacer frotados de carbón de pinturas existentes con mucha textura (sus fantasmales "Rubbings", 2002), ^{[ 42 ]} o adherir muselina arrugada y empapada en pintura a lienzos. ^{[ 43 ] [ 44 ] [ 30 ]} Los críticos comentaron sobre la colisión de la nueva obra entre "orden formal y caos procedimental", ^{[ 13 ]} y crudo y acabado, que encontraron a la vez desconcertante y atractiva, cuyo poder derivaba de una "congelación del fotograma" del proceso pictórico que revelaba una serie de actos y decisiones discretos y no lineales. ^{[ 30 ] [ 43 ] [ 45 ]} Al describir este pasaje en la obra de Nelson a través de la pintura Octopus Blue (1990), Klaus Kertess escribió: "Nos enfrentamos a un organismo que lucha con su autoformación: complejo, misterioso, feroz, juguetón, sensual". ^{[ 1 ]}

Pinturas a doble cara y construcciones en forma de "caja" (2002– )

En 2002, Nelson comenzó a crear obras de doble cara que un escritor describió como un "empuje audaz" de la "pintura pictórica hacia el reino de la escultura". ^{[ 5 ] [ 22 ]} Los críticos destacaron obras como Gaucho Groucho (2005), String Turn (2015) y Coins in a Fountain (2015) por su creciente inventiva y sentido de la performance, ^{[ 46 ] [ 6 ]} "belleza inflexible y difícil" y "narrativas elaboradas del proceso", ^{[ 4 ]} que incluían perforar el lienzo y trabajar de un lado a otro, teñir los lados, quitar y volver a estirar los lienzos, y más. ^{[ 7 ] [ 2 ]} David Pagel sostiene que esta obra "construye la memoria en el proceso, creando experiencias que son mayores que la suma de sus partes, y mucho más misteriosas". ^{[ 6 ]} El New York Times escribió: "Las pinturas... exigen que uno se enfrente a cómo llegaron a ser así... los misterios se acumulan, se resuelven y se acumulan de nuevo". ^{[ 27 ]} Nelson explica que sus construcciones de exposición —utilizando soportes de acero, plataformas, ladrillos y cables— buscan un proceso de visualización más consciente e íntimo que contrarreste la artificialidad de los espacios de arte contemporáneo típicos, del estilo de las "grandes cajas blancas", que privilegian la reificación del arte sobre la interacción y la complejidad de la superficie. ^{[ 47 ] [ 48 ]}

En 2016, Nelson volvió a la figura en sus obras de doble cara y construcción variada «Box» ^{[ 49 ]} —paneles pintados independientes del tamaño de una puerta que rozan la arquitectura y siguen empleando materiales y procesos poco convencionales. ^{[ 4 ] [ 22 ]} Los críticos describen las instalaciones de la obra, como su exposición de 2017 «Models Stand Close to the Paintings», ^{[ 50 ]} como un «laberinto suelto y caleidoscópico de puntos de vista contrastantes» y obras interactivas —una sensación reforzada por las figuras centrales y abstractas que Nelson retrata en ellas. ^{[ 4 ] [ 22 ] [ 51 ]} Críticos como Dan Cameron señalaron la ruptura de Nelson con la frontalidad de la pintura convencional, así como la evolución de la presencia física de sus obras de doble cara hacia un nuevo nivel metafórico. ^{[ 52 ] [ 53 ]}

Nelson ha sido reconocida con premios y becas de Anonymous Was a Woman (2015), ^{[ 54 ]} Artist Legacy Foundation (2013), Foundation for Contemporary Arts (2011), ^{[ 55 ]} Tesuque Foundation (nominada por pares, 2000) y la beca John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1994). ^{[ 17 ]} Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas, entre ellas The Metropolitan Museum of Art, ^{[ 18 ]} Solomon R. Guggenheim Museum, ^{[ 19 ]} Boston Museum of Fine Arts, ^{[ 20 ]} Art Gallery of New South Wales , ^{[ 56 ]} Albright–Knox Art Gallery , ^{[ 57 ]} Pennsylvania Academy of Fine Arts , ^{[ 36 ]} Weatherspoon Art Museum, ^{[ 58 ]} Rose Museum , ^{[ 59 ]} entre otras, y varias colecciones corporativas.

• Sitio web de Dona Nelson
• Entrevista de Dona Nelson con Leeza Meksin , The Brooklyn Rail , 2018