Donald Sultan

Tras obtener una maestría en Bellas Artes del Instituto de Arte de Chicago , Donald Sultan se mudó a Nueva York en 1975 para comenzar su carrera como artista. Al principio, se ganaba la vida ayudando a otros artistas a construir lofts durante el día y pintando por la noche. Pronto consiguió un puesto de tiempo completo como ayudante en una galería de arte, trabajo que duró hasta que la galería cerró en 1978. En 1979, Sultan ganó una beca de servicio público para artistas creativos de 2500 dólares del Consejo Estatal de las Artes de Nueva York , y ese dinero le permitió dedicarse a tiempo completo a su arte. "Para entonces ya había empezado a exponer en un par de lugares y a vender suficiente obra para seguir adelante", dijo. ^{[ 4 ]}

Donald Sultan alcanzó la fama en el ambiente vibrante del renacimiento del centro de Nueva York a finales de la década de 1970 como parte del movimiento "Nueva Imagen". ^{[ 5 ]} Su primera exposición individual se realizó en 1977 en Artists Space en Nueva York, seguida de exposiciones colectivas en la Galería Mary Boone en 1978 y la Bienal Whitney en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en 1979.

A medida que la obra de Sultan comenzó a atraer la atención de los medios y a recibir elogios de la crítica, galerías y museos prominentes de todo el mundo, como el Museo de Arte de Indianápolis y el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1981, y el Museo de Arte Contemporáneo de Houston también en 1981, comenzaron a incluir sus pinturas en sus exposiciones. Solo en 1987, se organizaron impresionantes exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , el Museo de Arte Moderno de Fort Worth , el Museo de Brooklyn y la Galería Blum Helman en Nueva York. Al reseñar estas exposiciones para The New York Times , la crítica de arte Roberta Smith escribió: «El Sr. Sultan es, ante todo, un maestro de la densidad física, de la imagen bien construida y de la pintura bien ejecutada. Parece amar particularmente la forma en que una implacable losa de material puede transformarse en una forma ilusionista clásicamente perfecta...» ^{[ 6 ]}

Como bien observó Steve Rubell, cofundador de Studio 54 , en 1985, «los artistas se estaban convirtiendo en las estrellas de los años ochenta, como las estrellas de rock de los años sesenta o los diseñadores de moda de los años setenta», y esta perspicaz observación se aplicaba plenamente a Sultan. ^{[ 7 ]} «A finales de los años ochenta», escribe Geraldine Fabricant en The New York Times , «Donald Sultan estaba en la cima. Estaba representado por una prestigiosa galería y algunas de sus pinturas se vendían por más de 100.000 dólares cada una». ^{[ 4 ]} Estas pinturas, explica el historiador de arte y autor británico Ian Dunlop , "se dividen en dos grupos: el primer grupo consiste en imágenes audaces y de colores brillantes con formas bien definidas y contornos nítidos que forman una silueta clara; el segundo grupo consiste en imágenes oscuras y difíciles de interpretar, llenas de amenaza y a menudo inspiradas en eventos industriales desastrosos como incendios en almacenes, accidentes aéreos y descarrilamientos de trenes de carga. En ambos casos, las imágenes transmiten un fuerte e inmediato impacto visual". ^{[ 8 ]}

Sultan fue uno de los primeros en emplear una amplia gama de herramientas y materiales industriales, en particular alquitrán , en lugar de pinceles y pinturas tradicionales. «Con materiales industriales como baldosas de vinilo, caucho butílico y yeso, Sultan crea imágenes que liberan vibraciones agradables en la mente y la vista», señala Calvin Tomkins en The New Yorker . ^{[ 9 ]} El uso frecuente de alquitrán por parte de Sultan estuvo influenciado por el negocio de neumáticos de su padre, y su interés por el mundo industrial surgió durante sus años de formación en el Instituto de Arte de Chicago. «Donald Sultan continúa expandiendo las posibilidades técnicas de su medio», observa Michael Brenson en The New York Times . «Sus imágenes son frescas y directas en parte porque aborda los materiales industriales como si fueran tubos de pintura, sintiéndose libre de usar cualquier cosa siempre que la use directamente, en la forma en que la encuentra». ^{[ 10 ]} En ese sentido, Sultan dijo que «se sentía más cómodo trabajando con los materiales». «Mi padre era una persona muy física», explicó, «yo simplemente me sentía más cómodo fabricando y moviendo cosas. Parte de la experiencia estadounidense de la que provengo fue la mentalidad de construir imperios: el trabajo físico. Mi abuelo trabajó en las cadenas de montaje de Detroit durante la Gran Depresión. Así eran las cosas». ^{[ 11 ]}

La imaginería de Sultan era a la vez abstracta y figurativa, y mientras exploraba la frontera entre lo abstracto y lo cotidiano, pasó de los temas industriales al mundo natural, creando pinturas y dibujos de frutas y flores: limones y tulipanes, granadas y amapolas. Sobre estas obras, la crítica de arte Vivien Raynor escribió en The New York Times : «Bajo estas superficies gruñonas late una sensibilidad romántica profundamente conmovida por la naturaleza». ^{[ 12 ]} Aunque la temática de Sultan varía, sus bodegones comparten similitudes formales de volumen, textura y riqueza. Es más conocido por sus limones y frutas, y afirma que sus temas se desarrollan a partir de trabajos anteriores. El óvalo de sus limones ha dado lugar a una serie de tulipanes de flores ovaladas. Los puntos de los dados se han convertido en naranjas. Lo que no cambia es el mensaje que transmiten las imágenes de Sultan. Su obra incorpora formas geométricas y orgánicas básicas con una pureza visual que es a la vez sutil y monumental. Sus imágenes son contundentes, con igual énfasis en las áreas negativas y positivas. Las naturalezas muertas de Sultan son estudios de contraste. «La mayoría de mis ideas consistían en reintroducir imágenes en la pintura abstracta», explica Sultan sobre su inspiración artística. «Algunas de las que parecen más abstractas son en realidad las más realistas». ^{[ 11 ]}

Sus sensuales y carnosas representaciones de objetos se realizan mediante un método laborioso y único. En lugar de lienzo, Sultan trabaja sobre Masonite cubierto con baldosas de vinilo de 30 cm. «Pega baldosas de vinilo de linóleo a madera contrachapada», explica el crítico de arte Michael Brenson en The New York Times , «luego cubre la baldosa con alquitrán. Cuando se seca, dibuja sobre ella. En algunos lugares raspa el alquitrán y deja ver la baldosa. En otros, corta el alquitrán y rellena secciones con yeso. El yeso y la baldosa pueden estar pintados o no. El color a menudo conserva el brillo y la exuberancia artificial de las fotografías Polaroid que Sultan toma después de decidir la composición de la naturaleza muerta. Los resultados son sorprendentes y vanguardistas. Las naturalezas muertas tal vez no contengan literalmente manzanas y naranjas, pero sí mezclan elementos muy diferentes, aparentemente incompatibles... Positivo y negativo, carbonizado y prístino, madurez y descomposición, todo se anida junto...» ^{[ 13 ]}

El uso que hace Sultan de los materiales industriales de esta manera es sorprendente e innovador, y Vivien Raynor lo ha señalado en The New York Times al afirmar que "Donald Sultan desciende de los artistas del Proceso de finales de la década de 1960, ya que crea arte a partir de materiales que forman parte de la vida contemporánea. Sin embargo, incluso mientras su contemporáneo, Julian Schnabel , se adueñaba de los platos como medio, Sultan parece haber sido el primero en trabajar con alquitrán, combinándolo con masilla y látex sobre una base de baldosas de vinilo adheridas a Masonite". ^{[ 12 ]} Es a través del uso de estos materiales industriales, así como a través de la deconstrucción de sus sujetos en formas básicas, que las pinturas de Sultan enriquecen y elevan la tradición de la naturaleza muerta. Explora aún más el medio mediante técnicas de raspado, lijado y pulido para crear planitud, profundidad, brillo y textura. Las pinturas están hechas de los mismos materiales que el edificio en el que se encuentra el espectador; la arquitectura participa en las pinturas. De gran peso y estructura, son minimalistas y expresionistas a la vez, mientras que sus imágenes contradicen su asociación común con la fragilidad. «Sultan expande los límites de la pintura al esculpirla prácticamente en imágenes minimalistas pero opulentamente ricas», señala el columnista R. Couri Hay , exeditor de la revista Interview de Andy Warhol, en su perfil de Sultan para la revista Hamptons Magazine en 2011. ^{[ 14} ] El proceso de creación de estas pinturas, sugiere The New York Times , es técnicamente tan complejo y, por consiguiente, tan lento y laborioso, que terminar «una sola pintura puede llevar hasta un mes, de modo que la producción anual ^del Sr. Sultan es de 12 a 18 pinturas». ^{[ 4 ]}

El formato de las pinturas de Sultan está casi siempre determinado por los azulejos: cuadrados de un pie, cuadrados de ocho pies o, más recientemente, cuadrados de cuatro y ocho pies. Michael Brenson se ha referido a los más pequeños como "ingeniosas naturalezas muertas" y ha sugerido que "el efecto inmediato es el de un detalle de una pintura de un antiguo maestro español aislado y ampliado, o un detalle de un fresco que acaba de ser limpiado". ^{[ 13 ]} Las composiciones más grandes, enormes trozos de fruta, flores, dominós, botones y otros objetos, colocados sobre el fondo negro alquitranado, crudo e inquietante de un cuadrado de ocho pies, tienen un efecto diferente y dominan al espectador. Sultan describe estas obras como "estructura pesada, que contiene un significado frágil con la capacidad de desconectarte y conectarte al mismo tiempo". ^{[ 15 ]} Ataque aéreo, 22 de abril de 1987 es una de las "Imágenes de desastre" del artista que utiliza látex y alquitrán sobre azulejos de composición de vinilo para transmitir los horrores de la Guerra Civil de Sri Lanka . ^{[ 16 ]}

Además de sus pinturas, Sultan ha tenido éxito como dibujante , grabador y escultor. Como grabador, su obra abarca litografía , serigrafía , xilografía , linograbado y aguafuerte . ^{[ 17 ]} Sus aguafuertes de aguatinta de gran formato son particularmente complejos técnicamente, y muchos se han exhibido en museos de todo el mundo, incluyendo en mayo de 2014, en la Biblioteca Nacional de Francia en París. En su obra gráfica, Sultan formó parte de un pequeño grupo de influyentes artistas estadounidenses que colaboraron frecuentemente con el maestro impresor de Picasso , Aldo Crommelynck . ^{[ 18 ]} "[Los aguafuertes de Sultan] emulan dibujos a carboncillo de bordes suaves", observó Suzanne Muchnic en Los Angeles Times . "Para hacerlos, Sultan desarrolló un método de soplar y pincelar polvo de resina sobre una plancha de impresión antes de calentarla. Para los limones de gran tamaño, sopló a través de tubos largos y difuminó los bordes de las formas con delicados pinceles japoneses. Los resultados son maravillas del grabado que conservan el interés superficial de los dibujos." ^{[ 19 ]}

Como dibujante, Sultan sigue fiel a su representación de la naturaleza. Sus dibujos a carboncillo sobre papel, con siluetas, así como sus composiciones en lápiz conté y flocado, exploran a menudo las formas de frutas y flores, dando como resultado imágenes predominantemente monocromáticas y llamativas. Sus flores flotan y se agrupan, desbordando los bordes del papel y creando imágenes audaces que, en ocasiones, parecen eróticas y surrealistas. «Llevo cuarenta años utilizando imágenes de flores», afirma, «solo porque en la década de 1970 empecé a ver el entorno urbano como una fuente de nuevo crecimiento. En aquel entonces, nadie de mi generación pintaba flores; ahora, por supuesto, todo el mundo lo hace». ^{[ 20 ]}

Al igual que en sus pinturas, Sultan sigue combinando materiales industriales en muchas de sus esculturas. Su amor por la naturaleza se manifiesta en ellas de una forma inesperada: las pesadas macetas de plomo, de varias toneladas , instaladas en un espacio abierto, contienen agua de lluvia y parecen frágiles, serenas y efímeras. Otros materiales que Sultan utiliza en su obra escultórica incluyen hierro, madera y aluminio pintado.

Sultan también ha producido libros de artista de edición limitada . En 1989, colaboró ​​con David Mamet en su libro Warm and Cold y en 1999, en Bar Mitzvah , un libro de edición limitada para el que creó una serie de dibujos.

En 1997, Sultan colaboró ​​con el autor y artista Michael McKenzie y el poeta Robert Creeley en el emblemático libro "Dark Poetics", un volumen de gran formato serigrafiado a mano que presenta docenas de sus pinturas. Posteriormente, publicó un libro de grabados con la editorial israelí Har-el y realizó grabados en colaboración con el Benefit Print Project, apoyando a instituciones culturales como el Parrish Art Museum en Southampton, Nueva York, el Atlantic Center for the Arts en New Smyrna Beach, Florida, el Museo de Arte de Tel Aviv y el Adrienne Arsht Center for the Performing Arts . ^{[ 21 ]} Los libros de artista de Sultan forman parte de colecciones de museos de todo el mundo. ^{[ 22 ]}

En 2008, Vendome Press, Nueva York, publicó la monografía Donald Sultan, The Theater of the Object . Este volumen de tapa dura de gran formato incluye 300 ilustraciones, así como ensayos del historiador de arte y autor Carter Ratcliff y del curador del Museo de Bellas Artes de Virginia, John B. Ravenal. ^{[ 21 ]}