Familia de saltimbanques

Familia de saltimbanques (en francés: Famille de saltimbanques ) es unapintura al óleo sobre lienzo de Pablo Picasso , realizada en 1905. La obra representa a seis saltimbanques , una especie de artistas circenses itinerantes, en un paisaje desolado. Se considera la obra maestra del Periodo Rosa de Picasso , también conocido como su periodo circense. La pintura forma parte de la colección de la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C.

Esta pintura fue creada durante los primeros años de Picasso como artista, tras mudarse a París desde Barcelona en 1904. Siendo un joven con pocos recursos, Picasso vivía en un estudio en un edificio ruinoso conocido como el Bateau-Lavoir . Tuvo la fortuna de estar rodeado de los numerosos jóvenes artistas que vivían en el edificio y en la zona, pero para Picasso, este fue un período de soledad y pobreza. Su compasión por las personas solitarias, pobres y aisladas se hace más evidente en las melancólicas pinturas de su Periodo Azul , que se extendió hasta 1904. Hacia 1905, Picasso cambió su perspectiva y comenzó a pintar con una nueva paleta de tonos más cálidos, representando temas con un tono más positivo. En este Periodo Rosa , Picasso desarrolló un interés por la vida del saltimbanqui, o artista de circo ambulante, representando a menudo grupos o familias de acróbatas. ^{[ 1 ]}

La obra «Familia de saltimbanquis» fue pintada entre finales de 1904 y principios de 1906, cuando Picasso exploraba temas relacionados con el saltimbanqui. Durante este periodo, Picasso frecuentaba el Circo Médrano de Montmartre y se inspiró en un grupo de artistas circenses. En ellos encontró una conexión, ya que, al igual que él, muchos eran españoles y llevaban una vida nómada, similar a la que él mismo había experimentado en su juventud. ^{[ 1 ]}

Familia de Saltimbanquis es una enorme pintura que mide 2,13  m x 2,29  m. Fue una obra ambiciosa para un joven artista empobrecido. La pintura consiste en un grupo de saltimbanquis, que están juntos pero parecen desconectados, ya que no se miran entre sí. ^{[ 2 ]} Picasso se representó a sí mismo en esta composición como el arlequín vestido con un traje de rombos. Las figuras del grupo parecen aisladas, como perdidas en sus propios pensamientos. Miran hacia una mujer que está sentada sola. El arlequín aparece extendiendo la mano hacia un niño que está de pie detrás de él. ^{[ 1 ]}

John Richardson y otros historiadores del arte han considerado que la atmósfera onírica de la pintura y la apariencia inexpresiva de las figuras fueron influenciadas por el uso de opio por parte de Picasso , una sustancia que era utilizada regularmente por los inquilinos del Bateau-Lavoir durante este período. En el primer volumen de la biografía de John Richardson de 1991, Una vida de Picasso , afirmó que el artista fumó opio varias veces por semana entre 1904 y 1908. ^{[ 3 ]}

El análisis de la pintura ha revelado que Picasso pintó la composición dos veces antes de completar la tercera y última capa. En 1980, E.A. Carmean y Ann Hoenigswald hicieron el descubrimiento mientras realizaban un examen de rayos X de la pintura. El examen reveló que había dos pinturas anteriores debajo de la superficie, la primera de las cuales representaba a una familia de circo y la segunda a una pareja de acróbatas. Esto demostró que Picasso trabajó en el lienzo durante más de un año y también ayudó a esclarecer la cronología de su transición artística desde el final de su Periodo Azul en 1904 hasta el comienzo de su Periodo Rosa en 1905. Los historiadores del arte aún no tienen claro si Picasso pintó sobre las pinturas anteriores porque no estaba satisfecho con ellas o porque simplemente era demasiado pobre para permitirse un nuevo lienzo. ^{[ 4 ]}

La radiografía ha mostrado versiones anteriores del cuadro, en las que Picasso había realizado varios cambios en las figuras, como el sombrero y los hombros de la mujer, el color de las zapatillas de ballet de la niña y la pierna roja del bufón. ^{[ 1 ]}

El estudio científico también reveló cómo Picasso no solo modificó las figuras a lo largo de varias versiones del cuadro, sino que también cambió la tonalidad. La imagen original era predominantemente azul, pero Picasso la transformó en rosa y permitió que los tonos azules se transparentaran a través de la pintura durante sus modificaciones. La composición final resultante transmite una paleta de rosa azulado oscuro que evoca una atmósfera general de tristeza. ^{[ 5 ]}

Los críticos han sugerido que Familia de saltimbanquis es un retrato grupal encubierto de Picasso y su círculo social, simbolizado como pobre, independiente y aislado. La pintura fue retirada del salón español en la IX Bienal de Venecia en 1910, porque la organización la consideró inapropiada. ^{[ 6 ]}

Las figuras del cuadro han sido descritas como representaciones de identidades específicas. Mientras que el arlequín se asemeja a Picasso, el pequeño acróbata se asemeja a su amigo, el poeta Max Jacob . Se considera que el acróbata de cejas pobladas representa a André Salmon y se dice que el gran bufón representa a Guillaume Apollinaire . Fue junto a estos amigos con quienes Picasso frecuentaba el Circo Medrano. ^{[ 7 ]} En su libro Picasso y Apollinaire: La persistencia de la memoria , Peter Read señala que los dibujos preparatorios para la obra revelaron que el gran bufón era en realidad una representación de El Tío Pepe Don José, el director de una compañía de circo. Continúa opinando que las figuras del cuadro son alegóricas y representan a Picasso y su círculo social enfrentándose a un nuevo siglo sin un camino claro que los guíe. ^{[ 8 ]}

Harold B. Plum señala que las figuras del cuadro están dispuestas de izquierda a derecha en orden descendente de altura, siendo la figura más alta el propio Picasso. Describe la pintura como una ilustración de la transición personal del artista. «En el cuadro, representaba una metamorfosis desde la niñez tardía hasta la adultez, tanto en la vida como en el arte». ^{[ 9 ]}

EA Carmean ha establecido una conexión entre las figuras del cuadro y las circunstancias de la vida personal de Picasso. En el momento en que Picasso trabajaba en esta obra, vivía con su pareja, Fernande Olivier . Ella había traído a casa a una niña de diez años de un orfanato y luego la había devuelto. Carmean observó que en el cuadro, el arlequín, que representa a Picasso, extiende la mano hacia la niña que está de pie a su espalda. A la derecha del cuadro se encuentra una mujer aislada, que representa a Olivier, sentada con una mano en el hombro y la otra en el regazo, como si sostuviera a un bebé desaparecido. Carmean considera que esta imagen es una metáfora de este episodio emocional en la vida de Picasso. ^{[ 4 ]}

Familia de Saltimbanques es la culminación del ciclo Saltimbanque, una serie de dibujos, pinturas, grabados y esculturas en las que Picasso se centró desde finales de 1904 hasta finales de 1905. Tras estudiar la vida de los artistas del Cirque Medrano, Picasso optó por retratarlos no desde la perspectiva alegre de sus actuaciones, sino como un grupo aislado dentro de una imagen estática y melancólica. El Musée d'Orsay describe la pintura como una obra maestra y señala que «Picasso está menos interesado en el espectáculo, generalmente excluido del encuadre, que en otros aspectos de sus vidas, capturando un espacio intermedio entre el mundo público y el privado donde convergen la trivialidad más banal y la gracia más sublime». ^{[ 10 ]}

La pintura fue adquirida originalmente directamente a Picasso en 1908 por el empresario parisino André Level para la Colección La Peau de l'Ours. Seis años después, fue vendida en el Hôtel Drouot y adquirida por las Galerías Thannhauser de Múnich. Entre noviembre de 1914 y junio de 1915, el lienzo fue comprado por Hertha Koenig y posteriormente por la Galería Valentine de Nueva York. En 1931, la obra fue vendida a Chester Dale , quien finalmente la donó a la National Gallery of Art mediante legado en 1963. ^{[ 11 ]}

El poeta bohemio-austríaco Rainer Maria Rilke (1875-1926) se inspiró en esta pintura al escribir la quinta de las diez elegías de sus Elegías de Duino (1923). Rilke utilizó las figuras del cuadro de Picasso como símbolo de la «actividad humana... siempre viajando y sin morada fija, son incluso un poco más efímeras que el resto de nosotros, cuya fugacidad se lamentaba». Además, aunque la pintura de Picasso representa las figuras en un paisaje desértico desolado, Rilke las describió de pie sobre una «alfombra raída» para sugerir «la soledad y el aislamiento últimos del hombre en este mundo incomprensible, ejerciendo su profesión desde la infancia hasta la muerte como juguetes de una voluntad desconocida... antes de que su "pureza demasiado pequeña" se hubiera transformado en "vacío demasiado grande"». ^{[ 12 ]}

Ingmar Bergman citó la imagen de Picasso como inspiración para El séptimo sello . ^{[ 13 ]}

• El actor
• Acróbata y joven arlequín
• Familia de acróbatas con singe
• Chica en una pelota

• Familia de saltimbanquis en la Galería Nacional de Arte