Teatro del museo

El teatro museístico consiste en el uso de técnicas teatrales por parte de un museo con fines educativos, informativos y de entretenimiento. También puede emplearse en zoológicos , acuarios , galerías de arte y sitios históricos. ^{[ 1 ]} Generalmente, es interpretado por actores profesionales. Entre las diversas modalidades de teatro museístico se incluyen personajes históricos, títeres, movimiento y música.

Los actores que interpretan personajes históricos actúan en primera persona , como si fueran personas reales de la época o cultura que representan. Con los títeres, los actores pueden contar historias, crear múltiples personajes y representar diversas culturas.

Se pueden utilizar técnicas teatrales para la interpretación en tercera persona , donde un actor o presentador capacitado utiliza vestuario, utilería, iluminación o efectos especiales para transmitir hechos históricos o científicos, sin necesariamente representar un personaje. ^{[ 2 ]}

Entre los pioneros del teatro en museos se encuentran el Museo de Ciencias de Minnesota , el Museo de Ciencias de Boston , la Galería Nacional de Arte y el Zoológico de Filadelfia . ^{[ 2 ]}

El Taller de Teatro en Museos, que comenzó en 1983 en el Museo de Ciencias de Minnesota , es un evento anual que ahora se celebra en el Museo de los Niños de Indianápolis . Proporciona toda la información básica necesaria para iniciar un programa de teatro y la oportunidad de desarrollar guiones bajo la guía de profesionales experimentados en teatro museístico.

La interpretación en primera persona es una forma cada vez más popular de crear una experiencia integral para los visitantes de los museos, al brindarles la oportunidad de interactuar con el pasado a través de actores e intérpretes.

La interpretación de personajes históricos se está convirtiendo cada vez más en la forma en que se realiza toda interpretación en primera persona, ya que añade un alto grado de autenticidad a una determinada representación o interpretación museística. ^{[ 2 ]} Este movimiento coincide con el creciente interés en el beneficio educativo del museo para el visitante, en contraposición a la creencia anterior de que el visitante era una preocupación secundaria respecto a los objetos. Si bien este movimiento ha sido fuerte desde aproximadamente 1980, la preocupación por la precisión y el consiguiente enfoque en la representación de personas reales es un indicador que puede interpretarse como una nueva etapa.

Una de las principales diferencias entre el teatro museístico y la interpretación museística radica en el grado de incredulidad que implica la representación; representar a una figura histórica requiere menos suspensión de la incredulidad porque el público sabe que el personaje representado existió. Es más fácil para el público creer que el intérprete está representando con precisión a una figura cuya existencia ellos mismos pueden verificar. ^{[ 2 ]}

La representación de un personaje histórico en un entorno museístico, en contraposición a un espacio teatral tradicional, es difícil de definir. La principal diferencia radica quizás en que el actor en el entorno museístico debe estar preparado para interactuar con el público, mientras que del actor de teatro no se espera que conozca mucho sobre su personaje más allá de lo que se desarrolla en escena. Si bien la interpretación de los personajes está sujeta a convenciones actorales similares, el actor de museo debe estar preparado para responder a su público cara a cara. La distinción final es que la representación de un personaje histórico es una representación de historia viva, a diferencia del teatro museístico. Al asumir la identidad de una persona que realmente vivió, se espera que el intérprete se convierta en esa persona, lo que implica responder a sus acciones, ideologías y experiencias de vida. ^{[ 3 ]}

La interpretación en segunda persona es una forma más reciente de interpretación en la que los visitantes participan en la programación y actividades prácticas, en lugar de solo participar en un diálogo con los intérpretes. ^{[ 4 ] : 298} Se emplea con mayor frecuencia en museos de historia viva y puede usarse junto con la interpretación en primera o tercera persona. Las actividades prácticas comunes incluyen sumergir velas, batir mantequilla, tejer en un telar y cargar mosquetes. ^{[ 4 ] : 291} Esta forma de interpretación en segunda persona no requiere necesariamente que el visitante adopte un personaje o finja ser parte del pasado. En otra forma, más similar al teatro participativo , se invita a los visitantes a adoptar un personaje e interactuar con los intérpretes como ese personaje. ^{[ 4 ] : 300} Un ejemplo es el programa "Follow the North Star" en el Conner Prairie Interactive History Park en Indiana, donde los visitantes fingen ser esclavos fugitivos como una forma de aprender sobre el Ferrocarril Subterráneo . ^{[ 5 ]} A menudo, estas interacciones se facilitan cuidadosamente para lograr el resultado deseado, pero a veces se permite a los visitantes tomar sus propias decisiones independientemente del registro histórico. Permitir que los visitantes representen figuras históricas prominentes y tomen sus propias decisiones se hace con menos frecuencia debido a las preocupaciones sobre la precisión histórica. ^{[ 4 ] : 304} Muchos educadores apoyan la dramatización como una forma para que los visitantes aprendan haciendo, piensen críticamente sobre la historia y establezcan conexiones personales entre la historia y sus propias vidas. ^{[ 3 ]}

La demostración es una forma de interpretación museística que se ha utilizado en museos, sitios históricos, zoológicos y acuarios durante décadas. La demostración es una forma de ilustrar actividades como la elaboración de artesanías históricas y conceptos como principios científicos. ^{[ 6 ] : 37–38} También es una forma de contextualizar un objeto o artefacto del museo. ^{[ 7 ]} En una demostración, el demostrador generalmente explica la actividad o el concepto utilizando algo "real" como un objeto o un animal. ^{[ 6 ] : 37–38} En las demostraciones tradicionales, los demostradores generalmente no asumen ser otra persona (la caracterización puede estar involucrada en demostraciones más teatrales). ^{[ 6 ] : 38} Un ejemplo de una demostración es la alimentación de peces en el Acuario de Nueva Inglaterra , en la que los visitantes observan a un buzo alimentar a los peces mientras escuchan a un voluntario explicar el proceso. ^{[ 6 ] : 38} Otro ejemplo es la presentación de relámpagos en el Museo de Ciencias de Boston, durante la cual los visitantes observan destellos de relámpagos producidos por un generador Van de Graaff . ^{[ 6 ] : 38} Existe una gran superposición entre demostración y teatro. A menudo se utilizan técnicas teatrales como la caracterización , el vestuario , la narrativa y los efectos especiales para animar la demostración y captar la atención del visitante. ^{[ 6 ] : 37–38} Algunos museos, como el Museo de Ciencias de Londres, clasifican la demostración como una forma de teatro museístico, ^{[ 2 ] : 5} mientras que otros museos, como el Museo de Ciencias de Minnesota , utilizan actores para presentar demostraciones. ^{[ 2 ] : xii} La demostración también puede servir como componente de una obra de teatro o pieza teatral museística. ^{[ 8 ]} Sin embargo, persisten diferencias entre las convenciones de la demostración y las convenciones del teatro. En su libro Exploring Museum Theatre , Tessa Bridal advierte a los museos que no promuevan una demostración como una representación teatral, ya que puede causar confusión o decepción en el visitante. ^{[ 2 ] : 5}Sin embargo, al igual que el teatro museístico y otras formas de interpretación en vivo, la demostración busca involucrar a los visitantes, generar interés en un tema, servir como alternativa a las listas de datos y las exposiciones estáticas, y provocar una respuesta emocional que conduzca al aprendizaje. ^{[ 6 ] : 39 [ 2 ] : 4}

La narración de cuentos es una disciplina con una historia tan antigua como la humanidad. Los narradores encarnan a los personajes del relato, manteniendo su rol de narradores de los acontecimientos, combinando perspectivas en primera y tercera persona. La narración puede aportar contexto histórico y cultural a obras de arte, huesos de dinosaurios y objetos científicos e históricos. ^{[ 6 ] : 65} Por esta razón, algunos museos contratan a un narrador externo para enriquecer exposiciones o programas, narrando cuentos infantiles, apareciendo disfrazado para crear un ambiente inmersivo y contribuyendo a la representación de diferentes culturas mediante la transmisión de tradiciones , historias, folclore y mitos . ^{[ 2 ] : 19–21}

El teatro museístico suele adaptar el arquetipo del narrador a un personaje encarnado por un actor entrenado y con guion. Parte del arte de contar historias reside en el desarrollo de la personalidad del narrador y su estilo único de interpretación, ^{[ 2 ] : 19-21} lo cual es similar a la creación de un personaje intrínseco a la disciplina actoral y al género teatral. Algunos puristas creen que crear una obra teatral que encarne las historias y mitos de una cultura sin la presencia del narrador nativo es una perversión y una denigración del patrimonio cultural. Sin embargo, los profesionales del teatro museístico consideran que lo más importante para crear experiencias significativas a partir de las historias de otros es que estas y la cultura que representan se traten con respeto y se haga todo lo posible por representarlas con precisión. ^{[ 6 ] : 66}

A pesar de algunos detractores, los museos están empezando a integrar muchos aspectos del teatro museístico en su programación diaria. Esto probablemente se deba al discurso académico reciente en el campo de la educación museística que vincula las experiencias multisensoriales, como la narración de cuentos, con un aprendizaje efectivo en niños y adultos. ^{[ 9 ]} La narración de cuentos es un tipo de teatro museístico particularmente efectivo porque las habilidades cognitivas y empáticas de los niños aumentan cuando se les pide que escuchen y sigan la secuencia de eventos presentados por los narradores. Para citar a Catherine Hughes,

La yuxtaposición de relatos (una forma ancestral de comprensión) y ciencia [o historia, o arte, etc.] (un nuevo enfoque de comprensión) crea más modelos e imágenes para el oyente, lo que genera una comprensión más profunda, compleja y completa del mundo natural. ^{[ 6 ] : 67}

Las representaciones de danza y música en el teatro museístico adoptan diversas formas. Si bien pueden utilizarse por separado, también se combinan con otras expresiones teatrales, entre sí, para enriquecer la experiencia del visitante. La música, ya sea instrumental o vocal, debe ser interpretada por artistas cualificados. Lo mismo se aplica a las representaciones de danza, coreografiadas o improvisadas. ^{[ 2 ] : 26} Sin embargo, en otras circunstancias, como después de una función o en un programa especial, el visitante puede explorar la música y la danza de forma más participativa. Esto contribuye a una mejor comprensión e interpretación de las ideas y conceptos que el museo busca transmitir.

Incluso dentro de una misma representación, los museos utilizan la música y la danza de diferentes maneras. La música se ha empleado como una forma de expresión cultural para mostrar y explorar diversas culturas. En otros casos, la interpretación musical se ha utilizado para ayudar a los visitantes a descubrir más sobre la música y los instrumentos, como en el Exploratorium de San Francisco. Allí se celebraron una serie de conciertos informales en los que, tras la actuación del músico, el público tenía la oportunidad de conversar con él o ella y hacerle preguntas. ^{[ 2 ] : 26} La danza, presentada de forma aislada, es poco común. A menudo se utiliza como complemento o parte de otra obra teatral del museo. Sin embargo, existen algunas representaciones de danza en solitario en los museos. El Weisman presenta una obra titulada Eddy que utiliza el propio edificio del museo como escenario. Para ayudar a los visitantes a ver el edificio desde una perspectiva diferente, los bailarines se mueven por el espacio caminando por las paredes, utilizando el ascensor como pista de baile y de otras maneras inusuales. El museo busca que el visitante aprecie no solo las exposiciones, sino también el edificio en sí. ^{[ 2 ] : 27}

Cuando se combinan, la danza y la música ofrecen a los museos otra oportunidad para educar. Un buen ejemplo de ello es La balada de Chico Mendes . El Museo de Ciencias de Boston utilizó danza coreografiada y música, tanto como canciones como música de fondo, para enseñar a los visitantes sobre la lucha por la selva tropical a través de la vida de Chico Mendes, un recolector de caucho. No solo presentaron esta obra en el museo, sino que posteriormente la llevaron de gira a las escuelas de la zona. ^{[ 6 ] : 86–87}

El uso de la danza y la música en el teatro museístico permite al museo evocar una mayor emoción durante la representación, conectando con el visitante a un nivel diferente. La música, en particular, ayuda a ambientar no solo las representaciones musicales o de danza, sino también las obras de teatro y programas más tradicionales. ^{[ 2 ] : 26}

• Kathleen Brown (2002). «Programas educativos y otros programas públicos para exposiciones : teatro museístico». En Barry Lord y Gail Dexter Lord (eds.). Manual de exposiciones museísticas . Rowman Altamira. pág.  312. ISBN 0-7591-0234-1.
• Graham Farnelo (1992). «Drama en las galerías». En John Durant (ed.). Museos y la comprensión pública de la ciencia . NMSI Trading Ltd. pág.  49. ISBN 0-901805-49-1.