Patrón de vuelo

Flight Pattern es un ballet contemporáneo coreografiado por Crystal Pite , con música del primer movimiento de la Sinfonía n.º 3 de Henryk Górecki . Se estrenó en la Royal Opera House de Londres el 16 de marzo de 2017, convirtiendo a Pite en la primera mujer en coreografiar para elescenario principal del Royal Ballet en 18 años. El ballet ganó el premio Laurence Olivier a la mejor nueva producción de danza en 2018. 

Flight Pattern examina la difícil situación de los refugiados, inspirándose en eventos de los siglos XX y XXI, en particular la crisis de refugiados causada por la guerra civil siria . El ballet comienza con 36 bailarines en escena y se convierte en una serie de dúos y solos creados por los bailarines Marcelino Sambé y Kristen McNally . La obra recibió críticas mayoritariamente positivas, con muchos elogios para la interpretación de los dos solistas y la coreografía del conjunto. En 2022, Pite amplió el ballet en Light of Passage , con Flight Pattern como la primera parte. La narrativa es no lineal y el movimiento utiliza líneas creadas por los cuerpos de los bailarines y formaciones de filas para generar tensión en el escenario.

Flight Pattern es un ballet contemporáneo de un acto que se representa en 30 minutos. ^{[ 1 ]} La música inspiró la estructura de la coreografía , con un crescendo largo y lento que transiciona a una sola voz. Crystal Pite , la coreógrafa de esta pieza, imitó esta estructura en el proceso creativo. Se centró primero en la magnitud de la crisis y luego en una historia singular. Pite consideró que una conexión emocional con una sola historia tendría mayor impacto en el público que la presencia de muchos bailarines en escena. ^{[ 2 ]}

La pieza comienza con 36 bailarines dispuestos en tres filas iguales, de pie de perfil al público y mirando fijamente una luz mientras se balancean en filas compactas. ^{[ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]} Los bailarines luego se mueven en canon , sus columnas se extienden y giran para hacer que sus cabezas miren hacia atrás y luego hacia adelante en una reverencia. ^{[ 6 ]} A continuación, varios bailarines interpretan viñetas de coreografía que se separan del conjunto para realizar solos, dúos o coreografías de grupos pequeños. ^{[ 7 ] [ 8 ]} Estas incluyen bailarines que luchan entre sí y actúan frenéticamente en parejas, ^{[ 4 ]} un cuerpo que queda en el suelo mientras los otros bailarines avanzan, un hombre que se mueve frenéticamente sobre los otros bailarines, ^{[ 9 ]} un dúo enérgico con dos hombres y la reunión de una pareja romántica. ^{[ 7 ]} En contraste con las viñetas, el resto de los bailarines están realizando diferentes coreografías en otras partes del escenario. ^{[ 10 ]} El escenario se abre entonces en la parte trasera, imitando la entrada a una zona de espera en un centro de migración o transporte. Los bailarines entran en la zona de espera e intentan encontrar un lugar para dormir. ^{[ 3 ]}

La danza pasa a un pas de deux originado por Marcelino Sambé y Kristen McNally . ^{[ 1 ] [ 3 ]} La coreografía se interrumpe con momentos en que cada bailarín realiza una coreografía en solitario, para luego volver a un dúo. ^{[ 11 ]} La coreografía sugiere que la pareja ha perdido un hijo. ^{[ 1 ] [ 3 ]} Durante la danza de la pareja, los otros intérpretes colocan sus abrigos sobre la bailarina, provocando que se desplome. Los intérpretes entran por una puerta, pero el peso de las chaquetas impide que la bailarina se una a ellos y permanece en el suelo, temblando. El intérprete masculino se queda con ella, bailando con frustración. ^{[ 4 ]} El ballet termina con los dos bailarines actuando juntos ^{[ 12 ]} y el solista masculino se aleja de una puerta que se cierra mientras se ve a los otros bailarines escabullirse por la abertura. ^{[ 5 ]} El movimiento final consiste en que el bailarín principal masculino coloca una mano sobre el hombro de la bailarina principal femenina, ^{[ 11 ]} dejando el destino de la bailarina en la ambigüedad. ^{[ 13 ]}

La coreografía incorpora un torso suelto y un movimiento arraigado, atípicos en el ballet. ^{[ 14 ]} Una secuencia de motivos fluidos y lentos se repite a lo largo de la pieza, volviéndose más elaborada en cada reiteración. La danza se acelera hacia la mitad de la obra, incorporando movimientos de dabbing y empuje. ^{[ 15 ]} Las líneas se usaban comúnmente en el escenario para crear tensión, con filas de bailarines formadas para contrastar períodos de espera con otros momentos en que los bailarines recibían dirección de fuerzas externas. ^{[ 11 ]} Los brazos elevados se usaban para representar las alas de los pájaros e imitar las olas del agua. ^{[ 16 ]}

El Royal Ballet encargó en 2014 lo que se convertiría en Flight Pattern , la primera pieza de Pite para la compañía. ^{[ 2 ] [ 17 ]} Mientras escuchaba posibles selecciones musicales, centrándose en la música clásica contemporánea , pensaba en la actual crisis migratoria europea . ^{[ 18 ]} Eligió coreografiar el primer movimiento de la Sinfonía n.º 3 de Henryk Górecki , también conocida como la Sinfonía de las Canciones Dolorosas . Pite asoció la música con la crisis migratoria, por la que se sentía «decepcionada» con la respuesta internacional, y al coreografiar un ballet sobre la crisis, dijo que era su «manera de afrontar el mundo en ese momento». ^{[ 2 ] [ 3 ]} El tema y la música se seleccionaron aproximadamente un año y medio antes del primer ensayo y fue el punto de partida del proceso creativo de Pite. ^{[ 19 ]}

Pite optó por trabajar con un gran conjunto para esta pieza con el fin de mostrar una coreografía compleja con movimientos más sencillos. Al comienzo del proceso creativo, Pite creó frases de movimiento antes de los ensayos y se las enseñó a los bailarines; Lucía Piquero Álvarez, profesora de la Universidad de Malta , especuló en su análisis de la pieza que la secuencia de motivos se enseñó durante este tiempo. ^{[ 17 ]}

Nancy Bryant diseñó trajes grises idénticos en la función; ^{[ 4 ] [ 20 ]} los bailarines comienzan usando abrigos grises, ^{[ 1 ]} pero estos se quitan más tarde para revelar chalecos grises y pantalones holgados debajo. ^{[ 4 ] [ 14 ] [ 20 ]} Jay Gower Taylor diseñó la escenografía, ^{[ 20 ]} con paneles oscuros que se abren y cierran durante la función ^{[ 12 ]} y manipulan la forma del escenario. ^{[ 21 ]} Tom Visser fue el diseñador de iluminación, ^{[ 22 ]} usando iluminación oscura excepto al final cuando una columna de luz brilla entre dos paredes. ^{[ 23 ]}

Flight Pattern se estrenó el 16 de marzo de 2017 en la Royal Opera House de Londres. La pieza se presentó como el primer ballet de un programa triple que también incluía The Human Seasons de David Dawson y After the Rain de Christopher Wheeldon . ^{[ 2 ] [ 4 ]} Finalizó su temporada original el 24 de marzo. ^{[ 9 ]} En su temporada original, Koen Kessels dirigió la orquesta y Francesca Chiejina fue solista destacada de la música, cantando como soprano. ^{[ 24 ]}

Flight Pattern se reestrenó en mayo de 2019, con McNally y Sambé retomando sus papeles. Se representó como tercer acto de un programa triple, después de Medusa de Sidi Larbi Cherkaoui y Within the Golden Hour de Wheeldon . ^{[ 25 ]} Se grabó una representación que se publicó en la página web del Royal Ballet y estuvo disponible para su compra hasta diciembre de 2020. ^{[ 5 ]}

Después de terminar la coreografía de Flight Pattern , Kevin O'Hare , director del Royal Ballet, invitó a Pite a coreografiar otras obras nuevas para la compañía. Sin embargo, Pite declaró que quería extender la pieza coreografiándola con el resto de la sinfonía de Górecki. ^{[ 26 ] [ 27 ]} La producción de la pieza se retrasó debido a la pandemia de COVID-19 y los confinamientos posteriores. ^{[ 27 ]} En 2022, esta obra extendida se estrenó como Light of Passage , con Flight Pattern incorporado como la primera parte del ballet. Esta fue la primera obra de larga duración de Pite para el Royal Ballet. ^{[ 1 ]}

El tema de Flight Pattern es la difícil situación de las personas desplazadas mientras viajan entre lugares. ^{[ 28 ] [ 29 ]} Si bien se inspira en conflictos del siglo pasado, particularmente en la afluencia de refugiados a Europa durante la década de 2010, no ubica a sus bailarines en un tiempo o lugar específico. En cambio, los bailarines son una alegoría de la experiencia de las personas desplazadas. ^{[ 30 ] [ 31 ]} El tema es convencional para las piezas de danza en el mundo occidental , mostrando a personas fuera de las jerarquías de poder como intérpretes que bailan de manera estilizada. La uniformidad de los trajes grises evoca un escenario de prisión o campo de batalla, con los bailarines bajo el control de una entidad más poderosa, ^{[ 23 ]} aunque no se nombra ni se explora un antagonista específico en la narrativa. ^{[ 32 ]} Al no ubicar la pieza narrativamente en un contexto histórico específico, la pieza evitó temas sobre la racialización de los refugiados o la relación entre la colonización y las personas desplazadas. ^{[ 33 ]}

La narrativa no es lineal , especialmente en la primera parte de la pieza, donde se muestran simultáneamente en escena múltiples arcos argumentales. Las narrativas incluyen la búsqueda de personas en una fila, el mecer a un bebé y los cuerpos abandonados mientras la multitud se desplaza a un nuevo lugar. ^{[ 16 ]} En algunas secciones, los bailarines actúan juntos, representando a los refugiados como un solo grupo de personas que se mueven como tal. ^{[ 32 ] [ 34 ]} Un motivo recurrente en la obra son los bailarines con los brazos extendidos, lo que sugiere que han alcanzado sus límites físicos. ^{[ 35 ]}

El movimiento incorporó gestos humanos realistas y extremos emocionales fantásticos con cualidades animales. ^{[ 35 ]} La primera sección de la danza contiene motivos de suspensiones de peso o giros desequilibrados. ^{[ 8 ]} Los bailarines a menudo miran hacia arriba, hacia algo demasiado lejano para alcanzar. ^{[ 33 ]} El dúo entre los dos bailarines principales muestra el viaje de un personaje femenino que comienza como una madre que brinda apoyo a su hijo, y luego actúa de manera similar a un bebé que necesita apoyo. ^{[ 10 ]} La presencia del bebé representa a un bebé ancla , cuyo nacimiento permite que el niño se arraigue en su nuevo lugar mientras el resto del grupo aún es transitorio. La madre muestra a una persona vulnerable, exhausta y hambrienta. ^{[ 35 ]} Las emociones mostradas en la pieza se desarrollan a partir de la tensión creada por la historia, la calidad del movimiento, la música y el espacio entre los bailarines. ^{[ 36 ]}

Flight Pattern recibió críticas mayoritariamente positivas. La coreografía de Pite para los 36 bailarines fue descrita por Graham Watts en Bachtrack como "hermosa" ^{[ 24 ]} y Martha Schabas en The Globe and Mail como una "obra de arte visualmente impresionante". ^{[ 8 ]} Los críticos discreparon sobre el impacto emocional de la pieza: algunos pensaron que era impactante ^{[ 21 ] [ 25 ]} y que la coreografía evitaba el movimiento abstracto y metafórico con un efecto positivo ^{[ 8 ],} mientras que otros sintieron que la coreografía era simplista y aséptica, ^{[ 20 ]} melodramática, ^{[ 7 ]} o carecía de la profundidad de su trabajo anterior. ^{[ 5 ]} La actuación de Sambé "exudaba fluidez y naturalidad" según Watts ^{[ 1 ],} mientras que otros críticos elogiaron la decisión de elegir a McNally, una intérprete experimentada, como solista. ^{[ 4 ] [ 24 ]}

Los críticos destacaron la brecha de 18 años desde que el Royal Ballet encargó una obra a una coreógrafa. ^{[ 4 ] [ 7 ] [ 9 ]} También señalaron que el estilo de ballet contemporáneo de Flight Pattern es diferente del ballet clásico que la compañía suele interpretar en su repertorio y de las otras danzas interpretadas en el mismo programa. ^{[ 4 ] [ 8 ]} Luke Jennings , escribiendo para The Guardian , afirmó que Flight Pattern tenía una indagación y un sentimiento que faltaban en las otras piezas clásicas. ^{[ 4 ]} Kat Lister escribió en The Independent que la representación en la Royal Opera House, un lugar considerado un recinto clásico, hizo que la pieza fuera más impactante para el público. ^{[ 26 ]} El tema de la coreografía, que destaca la crisis migratoria europea, también fue cuestionado por algunos críticos, quienes sintieron que el tema distraía negativamente de los logros artísticos del ballet. ^{[ 12 ]}